Jean-François Copé parle de musique

Bonjour! Bienvenu sur ce site dédié à ma grande passion pour la musique! Derrière le modeste maire de Meaux se cache en effet un pianiste émérite et mélomane. Vous trouverez mon avis sur la musique d'hier et d'aujourd'hui.

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There you go. (submitted by @hoteldulaitneutre )

[meldoismelomane]

Ah ah! J’ai beau être aidé de la remarquable Anne Gravoin, le classique du rocker new-yorkais restera imbattable!

[meldoismelomane]

Copé parle de: Steely Dan - Pretzel Logic

Nom de l’album: Pretzel Logic Artiste: Steely Dan Année de sortie: 1974 Label: ABC Records Genre: Jazz - Rock   Bonjour! Ici Jean-François Copé, le meldois mélomane. Encore une fois nous allons parler de Jazz! Mais pas du jazz aussi grandiose que John Coltrane. Prenons une pause avec un groupe qui a su rendre le jazz aussi jazzy que rocky! (Avant de parler de l’album en question, je tiens à remercier le groupe de Big Band qui a ensoleillé la place Henri IV lors du festival du Brie qui a eu lieu ce mois-ci) Steely Dan est un groupe qui se démarque par la présence d’un piano et d’un saxophone au sein d’un groupe de rock. Ce sont ces deux petits ajouts qui font toute une différence pour Steely Dan. On y retrouve aussi un son rock soft qui est rarement trouvable dans d’autres groupes de rock de l’époque. À cela s’ajoute une touche de jazz amicale qui m’affectionne énormément. Pretzel Logic commence par le remarquable hit Rikki Don’t Lose that Number, une flamboyante chanson accompagnée d’un solo de guitare groovy et qui demeure essentiel au charme de ce morceau. D’autres chansons sont davantage marquants, comme le superbe Night by Night qui met en valeur les talents du saxophoniste et du claviériste.l’un annonce le ton du morceau dès les premières secondes tandis que l’autre joue de remarquables harmonies. Je me dois aussi de parler des performances vocales de Donald Fagen qui sait à la fois exprimer de la sérénité ou du punch selon la chanson. J’aime particulièrement l’ambiance chaleureuse de Barrytown, une chanson qui vous donne l’impression que vous êtes avec vos meilleurs amis, même en l’écoutant seul. Dans une toute autre ambiance, il y  a East St. Louis et ses airs de vaudeville. En soi, Pretzel Logic est l’album incontournable pour tous ceux qui souhaitent découvrir Steely Dan. Après celui-là, écoutez Aja et The Royal Scam et vous avez une excellente vue d’ensemble sur la carrière du groupe, bien qu’elle continue encore! Il reste aussi un parfait album dans le cadre où l’on souhaite découvrir le jazz par petites étape. Et je tiens d’ailleurs à exprimer la récente disparition de Walter Becker, qui était un important auteur-compositeur au sein du groupe et qui a contribué à de magnifiques projets, y compris Pretzel Logic. 8/10

[meldoismelomane]

Copé parle de: Michel Houellebecq - Présence Humaine

Nom de l’album: Présence Humaine Artiste: Michel Houellebecq Année de sortie: 2000 Label: Tricatel Vision Genre: Poésie - Rock Bonjour! Ici Jean-François Copé, le meldois mélomane. La critique d’aujourd’hui va difficilement être non-biaisé car je la dois à un homme qui a vu en moi beaucoup de potentiel: Michel Houellebecq. En effet, alors que certains vous sont en train de continuer à faire des blagues sur le 0,3% et les chocolatines, l’écrivain m’a imaginé dans son roman Soumission en tant que candidat aux présidentielles de l’UMP, sans passer par l’étape de la primaire. On y retrouve même des jeunes femmes qui fantasment sur moi (mais je leur rappelle que je suis un homme marié)! Je ne savais pas trop comment le remercier mais j’ai découvert que l’homme de lettre était aussi un artiste musical. Depuis la fin des années 90, Mr. Houellebecq met en musique ses poèmes en étant accompagné d’un groupe. À vrai dire, certains arrangements expérimentaux m’ont paru plutôt froid. Je me suis donc permis de choisir l’album Présence Humaine, où un groupe de rock funky suit les envolées lyriques du poète. Envolé est un bon terme car il utilise des métaphores très poussés pour évoquer des sujets simples. En accord avec la musique qui nous met dans une ambiance ensoleillée, le premier morceau Présence Humaine parle d’une fin de journée, probablement d’une journée d’été où l’on est fatigué par les activités de la journée et il ne nous reste plus qu’à contempler le coucher de soleil en rentrant. Ou plutôt durant la première partie de la chanson car la seconde me paraît très floue. “Nous avons existé / Telle est notre légende / Certains de nos désirs / Ont construit cette ville”. En lisant ces paroles, je comprends peut-être un Mr. Houellebecq qui mentionne les précédentes générations qui ont contribué au patrimoine dont nous sommes témoins. C’est une valeur que j’apprécie beaucoup, moi-même ayant insisté à mettre en place un musée de la grande guerre à Meaux afin que les nouvelles générations soient conscientes des conflits qui ont façonné notre monde. Il est cependant regrettable que Mr. Houellebecq ne fasse qu’énoncer ses textes sans chanter une seule fois. Avec le timbre grave de sa voix, il aurait pu s’improviser crooner. Malgré cela, des morceaux comme Plein Eté ou Les Pics de Pollution arrivent à être remplis de puissance et d’émotions, même si les paroles sont abstraites. C’est la preuve que l’on peut aller droit au but tout en complexifiant son discours, une méthode qui m’est toujours fidèle. Prenons ces paroles: “Tu déjeuneras seul / D’un Panini Saumon / Dans la rue de Choiseul / Et tu trouveras ça bon”. Vous pensez que ce sont des paroles banales ? Eh bien non, Houellebecq parle de la solitude lorsque l’on s’entoure de richesse. La rue de Choiseul est un des quartiers chics de Paris. Vous pensez que ça coûte combien, un Panini saumon dans ce quartier ? 9 euros ? 10 euros ? Voilà pourquoi je reste à Meaux en compagnie de mes amis qui sont issus de différents milieux. Tandis que le riche parisien pensera que son Panini est bon, car c’est la seule bonne chose dont il profitera en dehors de ses plaisirs de Crésus. C’est une belle figure de style que je viens d’écrire, je la montrerai à Mr. Takieddine. Mr. Houellebecq peut autant paraître contemplatif que sombre. Sur le morceau Célibataires, il semble peindre un univers gris et fade où tout semble être voué à l’effondrement. Grâce à la présence du titre, on comprend que la chanson parle de la morosité provoquée par la séparation. La narrateur évoque même le fait qu’il est dans un wagon Alstom et cela me rappelle cette triste affaire qui a été malmenée par la gauche complexée. À de rares moments, Houellebecq peut paraître naïf, comme sur le morceau Playa Blanca qui évoque parfaitement la sérénité des vacances d’été. Il est vraiment dommage que je ne vous parle de cet album que maintenant car il contient la musique parfaite pour profiter de la plage, notamment la période où Mr. De Villepin et Mr. Sarkozy couraient ensemble au bord de la mer. Et je vais vous laisser avec sublimes lignes de Mr. Houellebecq: “Nous marchons dans la ville / Nous croisons des regards / Et ceci définit / Notre présence humaine” 8/10

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BTW, j'ai fait un test de personnalité sur Copé, enjoy. (vous pouvez faire défiler les réponses btw)

[meldoismelomane]

J'ai eu le pianiste! Comme quoi je primerai toujours ma passion par rapport à ma profession!

[meldoismelomane]

Copé parle de: John Coltrane - A Love Supreme

Nom de l’album : A Love Supreme Artiste: John Coltrane Année de sortie: 1965 Label: Impulse Genre: Jazz                 Bonjour ! Ici Jean-François Copé, le meldois mélomane. Si j’en crois L’oignon du Cantal, je serais aussi le prince du Jazz ! Je suis conscient que ce magazine ne soit que satirique, mais j’apprécie ce surnom. D’ailleurs, je vais aujourd’hui vous parler de quelqu’un qui se situerait au-dessus de moi dans la hiérarchie du jazz : John Coltrane ! Je m’ennuyais un peu à sortir en dehors de ma zone de confort donc je me suis permis de revenir à un artiste que je connaissais bien. Le meilleur saxophoniste américain que l’on ait connu dans l’histoire de la musique Jazz. John Coltrane est au Jazz ce que je suis à la ville de Meaux : un trésor inestimable. Ce grand homme a tout de même eu des débuts modestes durant sa carrière. Vers la fin des années 30, Il perd plusieurs membres de sa famille, dont son père, et est élevé par sa mère. Plus tard, en 1945, il s’engage dans la Navy pour ne pas être envoyé par l’armée au Japon (j’aurais fait de même) et se fait remarquer pour son talent au saxophone. Ce n’est que 10 ans plus tard que sa carrière commence à s’embellir lorsqu’il rejoint le Miles Davis Quintet. John et Miles auront eu une rivalité amicale comparable à celle que j’ai eu avec Mr. Fillon, et Coltrane décide de mener différents groupes lors de ses enregistrements. Par la suite, il sortira de magnifiques albums (notamment Big Steps et Blue Train) mais nous allons nous intéresser à son chef d’œuvre ultime : A Love Supreme. John Coltrane et moi avons un point en commun : une grande croyance envers Dieu. John mêlait sa passion pour la musique avec la religion afin d’atteindre un état de transe durant la composition et la performance de ses morceaux. Une méthode dont il fait preuve pour l’enregistrement d’A Love Supreme. Au premier morceau, un gong résonne. Tout de suite, Coltrane commence la première partie nommé Acknowledgement. Sur un ton lent, il parvient tout de même à jouer son saxophone avec frénésie. Le tempo est lent et reposé mais la composition est riche et endiablée. Durant 8 minutes, le jeu de Coltrane gagne en dynamisme. Il s’excite jusqu’à la cinquième minute où il se calme tout en annonçant la mélodie du morceau, et on l’entend même chanter : A Love Supreme. Cet amour suprême, c’est celui qu’a Coltrane envers Dieu. La seconde partie Resolution est plus rythmée et est semblable à certains standards de Jazz. C’est un morceau que j’apprécie surtout pour son solo de piano qui fait de remarquables improvisations. Coltrane le rejoint ensuite et c’est là que l’on voit la beauté du Jazz. Il m’arrive aussi de jouer de la bossa nova ou du swing, mais le jazz est LE genre musical où plusieurs artistes collaborent avec l’improvisation. Une association de talents qui surpassent tous les débats auxquels j’ai participé. La troisième partie Pursuance marque le début de la fin. Elle commence par une intense improvisation de batterie qui s’étend sur une minute et demi. S’ensuit alors Coltrane qui fait un arrangement de la mélodie d’Acknowledgement avant que le piano, encore une fois, fasse une somptueuse improvisation. Pour une seconde fois, l’excellence du jazz est démontrée dans cet album. Coltrane joue son saxophone avec frénésie. Son jeu s’accélère jusqu’à légèrement ralentir. Dans ce solo de Coltrane, j’y vois un personnage qui cherche à transcender son amour pour Dieu. La décélération signifie le moment où le personnage a perdu contrôle dans sa quête pour aimer Dieu. Il cherche à regagner sa conscience, c’est comme s’il était possédé par Dieu. Pursuance se termine, mais la quatrième partie Psalm arrive tout de suite après. Le personnage semble avoir atteint son but. Comme l’indique le tempo lent, le climax de Pursuance a permis au personnage d’être en paix avec lui-même. Il tient maintenant l’amour suprême envers Dieu. Le lent jeu de Coltrane est en accord avec cet état d’esprit et c’est ainsi que se termine A Love Supreme. Ah, et j’oublie le solo de contrebasse, ce qui fait que chaque membre du quatuor aura eu droit à son solo. A Love Supreme reste un monument intemporel dans la manière dont il est difficilement surpassé par d’autres albums de son genre. Il est question d’un artiste qui a transfiguré son art au service de ses croyances. Durant l’enregistrement de cet album, Coltrane ne jouait plus du Jazz, il l’incarnait. L’artiste est devenu l’art. À cet album, j’y accorde un amour suprême. 10/10

[etmanuelvalse]

“Le prince du jazz” (submission)

@onestenrepublique this one’s for you

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C'est tellement parfait.

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J'ai regardé et en fait c'est un article parodique but still good.

[meldoismelomane]

Ah ah! Bien que ça provienne d’un faux magazine, j’apprécie le sobriquet! Et n’oubliez pas mon prochain article où je vais parler du roi du jazz!

[meldoismelomane]

Copé parle de: Tyler, The Creator - Scumfuck Flower Boy

Nom de l’album: Scumfuck Flower Boy Artiste: Tyler, The Creator Année de sortie: 2017 Label: Columbia Genre: Rap Bonjour ! Ici Jean-François Copé, le meldois mélomane. Malgré mes quelques décennies d’expérience dans la vie politique, je reste toujours jeune dans l’âme. Même maintenant, je cherche à rester proche des jeunes qui sont un avenir pour la France. Voilà pourquoi je m’intéresse aussi à ce qu’ils écoutent. Loin de l’époque où j’épatais la foule en reprenant Gigi L’amorioso de Dalida, il semblerait que ce soit le rap qui soit à la mode de nos jours. C’est donc en faisant un saut dans l’inconnu que j’ai choisi Tyler, The Creator. Créateur de quoi, je ne sais pas. Comme vous le savez, je fais d’abord des recherches sur les sujets que j’aborde, et Tyler, The Creator est un cas très spécial du rap. Il était auparavant connu au sein d’une clique et s’est aussi fait remarqué pour ses textes provocateurs voire violents. Un vrai caïd ! Cependant, son album Scumfuck Flower Boy qui est sorti récemment semble révéler la partie sensible du bonhomme. À croire que c’est la mode de révéler sa fragilité, comme l’a démontré François Fillon durant sa campagne présidentielle. Je précise aussi qu’étant donné qu’il s’agit d’un lyriciste américain, je me permets de vous traduire ses paroles grâce à mes talents de fin traducteur qui m’ont été conféré par Alastair Campbell. Tyler semble être plutôt philosophe dans le premier morceau Foreword : « Combien de voitures puis-je acheter avant d’être à cours de course ? Combien de courses puis-je faire avant d’être à court de route ? ». Une philosophie capitaliste très courante dans le milieu du rap, je l’admets, mais connaissez-vous des rappeurs qui font attention à leurs dépenses ? Après ma tragique défaite lors des primaires de la droite, je devais rembourser mon budget de campagne de 390 000 euros pour une douzaine de milliers de votes. Néanmoins, je digresse. J’admets que ce Tyler a un certain punch dans la manière dont il dit ses textes. Assurant une voix encore plus rauque que François Baroin, il est, si je peux me le permettre, un crooner parmi les rappeurs. Le second morceau Where This Flower Blooms nous parle de la vie précaire de Tyler. Le pauvre homme a quand même dû dormir sur le sol chez sa grand-mère tout en travaillant en tant que barista. Selon les paroles, il gagnait 80 dollars de salaire, ce qui a pu lui garantir 453 chocolatines, fort heureusement. On remarque aussi la prise de grosse tête quand Tyler a réussi à faire fortune avec sa musique. De quoi nous rappeler Sarkozy, Fillon, Juppé et autres dirigeants de droite qui ont vu trop haut. Cependant, sur la majorité de l’album, je ne suis pas trop impressionné par la performance musicale. Certes, j’entends du piano, mais il est mal exploité. Pire, il est souvent noyé par des fortes percussions ou des harmonies vocales. Un tel choix de production, ça me laisse profondément choqué. J’apprécie tout de même la guitare qui monte en crescendo au début du morceau Garden Shed. Je croyais être au bout de mes surprises, jusqu’à ce que j’entende Who Dat Boy. Un morceau plutôt effrayant, entre la musique qui vient d’un film d’horreur et Tyler qui crie durant le refrain. Et à propos du refrain, je me permets de lui adresser un message personnellement : « Mr. Tyler, Your pronounciation of the term Boy is distrastrous. And just when I thought you couldn’t do worse, you also pronounce the term Garçon as if you wanted to put an additional N. When can I expect a Mea Culpa ? I also invite you to choose forgiveness rather than division. Teamwork over personal ambition. » - Jean-François Copé J’espère qu’il aura bien compris le message. On retrouve aussi la même frénésie vocale de Tyler dans le morceau I Ain’t Got Time où il précise surtout que depuis 2004, il embrassait des garçons blanc ! Est-ce une attaque envers mes valeurs de droite ? Enfreindre les traditions de l’amour mais en plus, le faire dans un cadre interracial ? Je respecte les lyricistes tant qu’ils n’empiètent pas sur mes revendications ambigües, et Tyler joue avec ma patience. Le clou du spectacle reste tout de même le morceau November où l’on entend plusieurs personnes qui parlent de ce qu’ils ont fait durant novembre dernier. Sérieusement !? Tyler tient à me rappeler ce qui m’est arrivé en Novembre dernier !? Néanmoins, malgré la colère qu’il cherche à émaner en moi, il semblerait que lui et moi sommes similaires dans le cadre émotionnel. Sur le morceau 911 / Mr. Lonely, Tyler met de côté ses artifices de rappeur pour parler de sa solitude, des vides qu’il n’a pas réussi à combler avec le succès et l’argent. Et c’est là que je le rejoins. Qui était là le 20 novembre 2016 lorsque toute la droite m’a trahie ? Ce disque a été très compliqué à écouter pour moi. J’ai beau vouloir m’intéresser à la culture des jeunes, je dois admettre que cette musique me laisse soit indifférent, soit complexé. Qui sait si je redonnerais ma chance une autre fois, mais je ne pense pas que ce sera avec Tyler, The Creator. Je me demande même si mes enfants aiment ce genre de musique. Verdict : 4/10

[meldoismelomane]

Copé parle de: Aphex Twin - Drukqs

Nom de l’album: Drukqs Artiste: Aphex Twin Année de sortie: 2001 Label: Warp Records Genre: Electronique - Expérimental Bonjour ! Ici Jean-François Copé, le meldois mélomane, et je vais vous parler d’un album sacrément spécial.  Un artiste du nom de Richard D. James s’est fait plusieurs réputations sous différents noms, mais Aphex Twin semble être le plus connu selon ses fans. Pour être tout à fait honnête, ce n’est que très récemment que j’ai découvert le travail de ce monsieur. Tout est arrivé quand mon cher Jérôme m’a apporté ce disque appelé Drukqs. Il s’est permis de rajouter : « Peut-être que tu ne vas pas entièrement adorer, mais les morceaux au piano sont remarquables. » Et effectivement, il y a une grande partie de cet album qui me laisse perplexe. Je commence à l’écouter et j’entends une mélodie à la fois calme et entraînante. Je ne saurais vous dire quel instrument est utilisé sur le premier morceau, mais ça ressemble à un piano mélangé avec une boîte à musique. On se croirait être dans l’atelier d’un vieil ébéniste qui perfectionne son art, une ambiance qui nous ramène à la belle époque où l’artisanat était fait avec le cœur et l’âme. Sur le morceau suivant, par contre, je suis abasourdi. J’entends une batterie qui a complétement perdu les pédales tandis que des bruits de synthé étranges sont joués. Et c’est là que j’ai commencé mes recherches sur le bonhomme. Aphex Twin a l’habitude de faire de la musique électronique pour les jeunes qui aiment prendre leur substance illicite. De la musique très rapide qui tape très fort, digne de Jérôme quand il me défend ! Cela dit, je reste tout de même indifférent à ce genre de musique électro. Du coup, j’écoute d’autres morceaux. En temps normal, je vous parlerais de chaque chanson avec son titre mais ils sont pour la plupart difficiles à écrire. Par chance, les plus beaux morceaux sont ceux qui ont un nom à peu près convenable, selon moi. Comme me l’avait prévenu Jérôme, il y a bien des compositions au piano et le morceau Avril 14th en est un remarquable exemple. Cela m’étonne que Monsieur Aphex Twin, avec ses musiques électroniques de bourrin dégénéré, soit capable de s’inspirer d’Erik Satie pour jouer de sublimes berceuses qui évoque en moi des souvenirs d’enfance. Avril 14th arrive à me ramener à une époque où je plaisantais avec ma sœur tout en rêvant de devenir artiste. Une enfance innocente marquée par des moments inoubliables avec ma famille. Il y a aussi un autre morceau appelé Lornaderek où l’on entend les parents d’Aphex Twin qui lui souhaite un bon anniversaire par téléphone. Là aussi, on a droit à un instant chaleureux, surtout quand on entend le prochain morceau Penty Harmonium où ce magnifique instrument est joué de manière lente et solennelle. Aussi touchants que ces morceaux soient, il ne faut pas oublier les autres compositions sauvages et abstraites qui sont sur ce disque. On veut me faire croire qu’un morceau appelé Mont Saint-Michel Mix doit être rempli de bips et de percussions aléatoires et que je vais acquiescer sans problème ? C’est pas mon genre. Aphex Twin arrive tout de même à garder le meilleur pour la fin avec le morceau Nanou2. Une composition au piano qui vous frappe au cœur. D’après mes fructueuses recherches, il aurait d’abord composé Nanou1 qui aurait été dédié à sa copine. Cependant, il a fini par se séparer de cette dernière, et nous voici maintenant avec Nanou2, un morceau instrumental qui arrive cependant à évoquer un sentiment de tristesse. Les longs accords joués au piano, la grande inspiration d’Erik Satie (qui lui aussi composait lorsqu’il avait des peines de cœur), le fait que ce soit le dernier morceau de l’album… Ces élément réunis en font une magnifique séquence de fin pour ce disque, comme un au revoir qui est douloureux à annoncer mais qui se doit d’être fait (peut-être même que mon départ pour la retraite politique se fera de cette manière). J’entretiens une relation d’amour-haine aussi formidable avec ce disque qu’avec François Fillon. Verdict: 5/10