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Chroniques Jeux Video & Cinema

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Les Dissociés - « La Liberté c’est comme un pont. Avant, personne n’en veut. Après, tout le monde le prend »

« Nous n'avons pas voulu attendre qu'on nous autorise à faire du Cinéma pour en faire : on a réalisé que rien ne nous empêchait de faire un film sur Internet, notre petit foyer sympa. Nous avons eu une liberté totale. C'est une opportunité incroyable que de pouvoir s'exercer et apprendre en faisant. Qui plus est, nous avons la chance d'avoir un public bienveillant qui nous a toujours soutenus quand on a tenté de nouvelles choses. On espère montrer que la réalisation de film peut se démocratiser. On a hâte d'en faire d’autres. » Collectif SURICATE

Amis cinévaures, bonsoir.

Ce soir, la chronique sera faite différemment des précédentes : en effet, je vous écris présentement dans le feu de l’action. C’est à dire que je viens de lever mes fesses de mon canapé après cette séance de « cinéma » improvisée pour me mettre derrière mon clavier et vous partager ce que je considère comme une lueur d’espoir. Les Dissociés est un film écrit, produit, réalisé, monté et tourné en seulement trois semaines par le collectif SURICATE, composé de Vincent Tirel, Raphaël Descraques et Julien Josselin. Après une disparition quasi complète pendant presque un an, ils réalisent un film de science-fiction dans lequel un couple dysfonctionnel et désaxé va se réveiller un matin côte à côte, mais dans des corps qui ne sont pas les leurs. S’en suivront une série de péripéties rocambolesques, en un savant mélange d’amour, d’humour, de gravité et d’un brillant sous-texte. Je sais que vous pourriez attendre de cette chronique que je vous parle des astuces de réalisation utilisées. Que je vous dise que les plans et les lieux de Paris qui ont été choisis sont à la fois iconiques sans être clichés, beaux sans être superficiels. Que je vous dise que pour un film de cette ampleur et avec le budget que je présume, les rares effets spéciaux sont extrêmement bien intégrés et ne jurent absolument pas avec le reste du film. Ou que je vous dise enfin que, même si je ne suis pas vraiment le genre de personne à me taper le cul par terre à tout va, ce film m’a fait rire. Plusieurs fois. Plus que je n’oserais l’avouer. Mais tout ça, venant du collectif SURICATE, ça n’a rien de surprenant, en fait. Non, pour moi, l’important, c’est le scénario de ce film. Son écriture, qui sait être drôle tout en restant subtile, parfois grave, mais surtout parce qu’il est porteur d’un message. Et à mes yeux, ce message, c’est tout d’abord que dans un couple, le meilleur moyen d’arranger les dysfonctionnements, c’est de se parler, de se comprendre, de vivre et de survivre ensemble. En somme, de s’accrocher face à l’adversité. De savoir réparer ce qui est fêlé, et de ne pas le jeter à la poubelle pour le remplacer par un autre. Ensuite, j’y vois un message sur nous tous, les hommes et les femmes, et sur ce que nous sommes. J’y perçois que, quelque part, dans un couple, peu importe de quel sexe sont les deux partenaires, et peu importe également de quel sexe ils aimeraient ou se sentent être. Que le rôle de la femme et de l’homme dans un couple est parfaitement interchangeable. Enfin, ce film nous permet de comprendre peut-être un peu plus que nous avons sans doute toujours à apprendre des autres, que nous gagnerons toujours à essayer de comprendre notre prochain. Qu’il est nécessaire d’accepter chacun dans sa différence et son unicité. Qu’il n’existe de moyen de faire rentrer tout le monde dans le même moule. Et surtout, que personne n’est inutile. En gros, foncez, c’est de la bonne.

En espérant vous avoir été utile,

MFWM.

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Dope - “For me, nothing is given.”

Considéré comme l’une des pépites du Festival Sundance de 2015, Dope est une comédie dramatique américaine indépendante écrite et réalisée par Rick Famuyiwa (La Guerre des Pères) et produite par la société de Forest Whitaker (qui joue la voix off du film).

Malgré l’affolante présence de nombreuses célébrités qui seraient propres à faire du film un blockbuster (au sens premier du terme), le réalisateur ne réussira malheureusement pas à augmenter son budget et a du réaliser son film en seulement 25 jours. En effet, sans compter la présence au casting d’individus tels que A$ap Rocky, Tyga, Quincy Brown ou Zoë Kravitz, le film dispose d’une bande originale signée Pharrell Williams et de P.Diddy comme coproducteur délégué. Librement inspiré du propre parcours de vie de Famuyiwa, le film est dans les faits un feel-good movie tout ce qu’il y a de plus classique. En effet, le scénario est somme toute très convenu : le personnage principal, Malcolm, joué par un tout jeune Shameik Moore, est un « geek », avec tout les aspects péjoratifs que ce terme peut contenir dans un lycée « ghetto » des États-Unis. Fan de la scène hip-hop des années 90, il est critiqué par les autres parce que lui et ses amis aiment des « trucs de blanc », comme « le skateboard, avoir de bonnes notes, ou aller à l’université ». Cependant, une invitation à une soirée underground va l’entrainer, lui et ses amis dans une aventure qui pourrait bien le faire passer du statut de « geek » à celui de mec cool, un « dope ».

Venons-en au fait : ce film est en demi-teinte. D’un côté, il possède incontestablement des qualités. Sa bande originale reflète le talent de Pharrell Williams, qui interprète la plupart des titres mais a également composé quatre morceaux spécialement pour le film. Ceux-ci sont interprétés par les trois acteurs principaux. De plus, la plupart des acteurs n’ont pas à rougir de leur performance : Shameik Moore, dont c’est le premier tournage, porte incontestablement le film, et est dans son jeu magnifiquement épaulé par une androgyne Kiersey Clemons (Diggy) et un A$ap Rocky (Dom) qui fait ses premiers pas au cinéma. Cependant… Tous les acteurs sont loin d’être bons. S’il est convenu que certains personnages ne sont pas faits pour être mis sur le devant de la scène, il est très regrettable qu’un acteur comme Tony Revolori (Jib) en soit à surjouer autant, surtout pour n’être qu’un simple comic-relief. Cette remarque vaut également pour Zoë Kravitz (Nakia), actrice talentueuse qui n’est ici réduite qu’à son certes sublime fessier. Mais, est-ce réellement un défaut d’acting ou simplement une très triste direction des acteurs secondaires ? De fait… Les autres personnages du film semblent, et c’en est presque surprenant, n’être présents que pour faire avancer l’histoire et ne pas avoir de caractère propre. Et nous arrivons ici au problème principal du film : il n’a pas de caractère propre. Mis à part l’idée de jouer sur la représentation des noirs à l’écran, l’histoire est tellement bateau qu’on pourrait en prévoir l’issue avant même de rentrer dans la salle. C’est un film que vous avez déjà vu une bonne centaine de fois, et certainement mieux fait. Pire : le fait que la plupart des acteurs soient noirs n’a qu’une incidence très minime sur le déroulé de l’histoire, contrairement à  ce que voudrait vendre le réalisateur. En effet, prenez ce film et remplacez les noirs par des mexicains, des chinois ou des bretons, et l’essence même du film ne s’en trouvera que très peu changée. Pire encore, faute de scénario intéressant, il en devient à certains moments racoleur. J’ai à l’esprit une scène où le personnage principal se retrouve en contact assez « rapproché » avec une sublime demoiselle pour le moins dénudée. Mais après le sourire que les premiers plans peuvent arracher concernant le malaise créé par la virginité du personnage principal, s’écoulent plusieurs minutes dont l’intérêt explicite n’est que d’exciter les hormones attentives des spectateurs.

Malgré tout cela, je ne peux pas m’empêcher d’avoir une certaine affection pour ce film : outre sa bande son et la bonne humeur que Shameik Moore arrive à transmettre au spectateur, le réalisateur arrive tant bien que mal à transmettre l’idée que l’ascension sociale et culturelle est possible pour qui veut bien s’en donner les moyens, quelque que soit son milieu d’origine. Et ça c’est beau.

En espérant vous avoir été utile,

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The Lobster - Entre individualisme et sites de rencontre.

Récompensé par le prix du jury du Festival de Cannes, The Lobster est un film britannico-grec réalisé et coécrit par Yorgos Lanthimos (Kinetta, Alps) et distribué en France par Haut et Court.

Posons le contexte : ce film, premier que le réalisateur ne réalise pas en langue grecque, est né d’une conversation entre lui et son coscénariste Efthimis Filippou sur le besoin qu’éprouvent tout un chacun à être en couple, et leur vision des célibataires. Même si le film a été tourné en Irlande, entre Dublin et le comté Kerry, l’action ne contient pas de précisions géographiques : elle suit l’histoire de David, joué par un Colin Farrel méconnaissable après avoir du prendre 20 kilos pour le rôle, dans sa recherche d’une nouvelle relation sentimentale suite à son divorce.

Celui-ci se retrouve donc enfermé dans un hôtel dans lequel il aura 45 jours pour trouver l’amour. S’il y parvient, il pourra rejoindre avec sa compagne la Ville, Graal de la normalité, faute de quoi il se verra transformé en animal. Il portera son choix sur le Homard. Cependant, suite à un choc, il s’enfuit et rejoint les Solitaires dans la forêt, chez qui toute relation sentimentale intime est proscrite.

Que les choses soient dites : ce film est un bon film, qui nous pousse à réfléchir sur ce que la société nous pousse à faire pour être en couple, afin de ne pas être rangé parmi les marginaux, et sur le traitement qu’elle réserve à ses éléments indésirables.

Commençons par le commencement : la décision de Lanthimos de tourner exclusivement en lumière naturelle (excepté quelques scènes de nuit), et sans maquillage, donne au film un ton et une atmosphère très organique. Celle-ci sert parfaitement le propos de film : en effet, cet éclairage naturel donne au film un ton passé et aseptisé qui correspond parfaitement à la futilité des relations créées à l’Hôtel et à l’individualisme forcené des Solitaires ; il permet également de créer une dichotomie visuelle entre ces deux partis grâce à une excellente performance du chef décorateur :  il existe un côté très carré, droit, voire classique dans la blancheur presque « médicale » de l’Hôtel qui s’oppose à la « sauvagerie » de la forêt des Solitaires. De plus, le fait d’avoir grimé tous les résidents de l’Hôtel en M.Mme Toutlemonde permet à chacun une certaine identification.

Ce film est, à mon sens, une critique acerbe et décomplexée du paradoxe que connaît notre société aujourd’hui : nous évoluons constamment entre hyperindividualisme forcené et peur panique de la solitude amoureuse. En effet, je vois l’Hôtel comme étant une métaphore des sites de rencontre, à travers sa formation de couples dans un temps imparti. Par peur d’une potentielle transformation en animal (c’est à dire, d’une marginalisation par la société du fait de leur solitude), les résidents se verront obligés par eux-même de former des couples, non pas sur une attirance mutuelle mais sur une correspondance de goût, quitte à mentir et à contrefaire ce qu’ils sont pour parvenir à se sortir de la zone de « danger ». Le plaisir partagé y est glorifié et tout plaisir individuel puni (masturbation). D’un autre côté se trouvent les Solitaires, qui refusent toute idée de plaisir partagé par deux êtres potentiellement amoureusement attachés, quitte à les punir. Il s’agit d’une masse uniforme sans unité qui porte très peu d’intérêt à leurs congénères mais sont prêts à se grimer et à falsifier ce qu’ils sont pour atteindre les biens normalement réservés aux « couples ». Entre les deux partis existe également une « chasse » acceptée, ritualisée et organisée dans le but de marginaliser de force ceux qui ont choisi d’être Solitaires.

Entre ces deux partis, David, le personnage principal, tente de se remettre de son divorce. S’il est originellement prêt à changer ce qu’il est pour atteindre à nouveau l’idée que la société se fait de la normalité, son expérience ratée ainsi qu’un choc subi à l’Hôtel le poussera a s’enfuir parmi les Solitaires. C’est là qu’il trouvera, de manière assez ironique, le réel amour, c’est à dire celui basé de prime abord non pas par des intérêts communs mais par une attirance mutuelle.

Cependant, il est des sacrifices que nous ne sommes pas à même de faire, même pour ceux que nous aimons réellement.

En espérant vous avoir été utile, MFWM.

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Crimson Peak - Un triste téléphonage...

Bonjour à toutes et à tous, 

Crimson Peak est donc un "film d'horreur" coécrit, coproduit et réalisé par Guillermo del Toro, réalisateur du Labyrinthe de Pan et de Pacific Rim, et distribué par Universal Pictures. Pour poser le contexte, l'action se déroule vraisemblablement au XIXème siècle et prend place entre les États-Unis et l'Angleterre : elle suit l'histoire d'Edith, jouée par Mia Wasikowska et du mystérieux Thomas, joué par Tom Hiddleston, accompagné de son étrange soeur Lucille (Jessica Chastain). Venons-en au fait : j'ai été extrêmement déçu par ce film. Mais commençons par les meubles qui restent à sauver : les décors, les costumes et la photographie ont de grandes qualités, et correspondent parfaitement à l'époque durant laquelle le film est sensé se dérouler, et la musique composée par Fernando Velasquèz (El Orphanato) accompagne délicieusement bien l'action du film. Les problèmes majeurs de celui-ci résident dans son scénario et dans sa réalisation. En effet, passons brièvement sur son scénario pour ne rien spoiler : il s'agit d'une histoire extrêmement lambda, qui ressemble presque à une recette déjà pré-mâchée et pré-digérée. Chaque retournement de situation est extrêmement téléphoné, l'histoire est suffisamment prévisible pour être devinée après la première demi-heure de film, et les velléités d'écriture du personnage principal sur lesquelles l'histoire insiste lourdement en début de film s'avèrent être un vrai pétard mouillé. Ensuite, quant à la réalisation... Guillermo del Toro emploie quelques astuces de réalisation correctes (notamment de créer une dichotomie de luminosité entre les États-Unis et l'Angleterre afin de transcrire l'état d'esprit du personnage principal, et la viscosité des matières rouges présentes dans le film pour métaphoriser les drames qui se sont précédemment déroulés), mais rien n'est réellement original. Encore une fois, on a l'impression de se trouver devant un film jailli d'une recette réingurgitée maintes et maintes fois au point qu'elle en devienne parfaitement insipide. En somme, il s'agit d'un film juste moyen qu'il est préférable de voir chez soi un soir d'ennui plutôt que de dépenser de l'argent pour le voir au cinéma. Tous ces défauts brisent souvent la suspension de l'incrédulité, surtout si vous avez tout comme moi une salle légèrement dissidente. En espérant vous avoir été utile, MFWM. Followez moi sur Twitter & IG : @MF_Watermelon ! (Critique originellement publiée sur Sens Critique le 14/10/2015)