Admiro a Mike Leigh por su carrera como director y escritor cinematográfico (Secrets & Lies, Topsy Turvy). Este año tuve la suerte de interpretar a Beverly en el clásico del teatro inglés “Abigail’s Party”, uno de los trabajos que llevó a la fama a Leigh en los años setenta.
Siendo la octava producción teatral de la que formo parte en esta compañía de habla inglesa, vuelvo a sentirme honrada de haber trabajado a la par de tanta gente talentosa y profesional, y de haber tenido la oportunidad de encarnar este rol que tantos desafíos me presentó y gracias al cual me vi crecer mucho.
Ambientada en los años 70, la imponente escenografía de Yamila Chiappe se destacó, junto con la dirección de Simon Chater. Otra temporada exitosa para The Suburban Players.
El Domingo 4 de Noviembre finalizó “Murder on the Nile” de Agatha Christie. La tercer obra que hice como parte de la Compañía teatral The Suburban Players.
Se trató de la clásica ficción policial que tiene lugar en los años 30′, donde suceden varios asesinatos inesperados a bordo de un barco que navega por el río Nilo en Egipto, con un grupo muy particular de personas de la alta sociedad inglesa, y una tripulación que deja mucho que desear.
Algo sobre la obra...
Antes de llevarse al teatro, la escritora británica escribió la novela “Death on the Nile” en 1937, teniendo como protagonista al detective Hercul Poirot (clásico personaje de la mayoría de sus novelas). Luego en 1944 la autora reescribe la novela, ahora como obra teatral, llamándola “Murder on the Nile” y quitando a Poirot, repartiendo el protagonismo de este personaje en otros que resuelven el misterio.
Estar a bordo del barco Lotus con este gran elenco fue una experiencia muy divertida. Preparamos la obra en tan sólo 6 semanas y tuvo un resultado excelente, con muy buena crítica.
Medley de las conocidas canciones "I feel the earth" / "It's too late" de Carole King. Lo presentamos en el show "Canciones 70's y 80's" en San Isidro, Bueno...
Es la última obra que compuso William Shakespeare, y si bien la había leído, fue la primera vez que la vi interpretada en vivo y además con una puesta en escena tan particular y desafiante.
La obra, encabezada por Osqui Guzmán, Malena Solda y Alexia Moyano en el elenco y dirigida por la británica Penny Cherns, formó parte de la Temporada Internacional Reino Unido - Argentina 2018 en el Teatro San Martín. Es una obra que si bien sigue los temas clásicos del autor, tiene una vuelta de tuerca inesperada e interesante que da sentido a toda su obra previa y si bien yo la había estudiado, al verla en vivo para mí cobró una importancia inmensa e hizo que me lleve la sensación de inmortalidad del teatro.
Lo que más me sorprendió fue el riesgo que implicaba el escenario. El suelo geométrico y a veces hasta peligroso era sumamente interesante, así como el efecto que creaban de las luces y toda la parte “tecnológica” que jugaba un rol importante en la forma de contar esta historia, aún con un texto (traducido al español) tan fiel al original.
También me gustó mucho la actuación de Gustavo Pardi haciendo de dos personajes muy contrastantes (como los actores Martín Slipak, Marcelo Xicarts e Iván Moschner también hacían).
más info en este link: https://complejoteatral.gob.ar/ver/la-tempestad
Conocí a Luis Salgado en el Congreso Internacional de Musicales y Óperas Rock en 2017 en Buenos Aires, y tuve el privilegio tenerlo de maestro de danza. Fue así como encendió mi llama para ser una ARTISTA CON PROPÓSITO.
Además de ser un increíble bailarín e intérprete en Broadway (en producciones como In The Heights), coreógrafo, director y maestro puertorriqueño, Luis es también un trabajador social que defiende la idea de hacer una diferencia a través del arte con su organización R.Evolución Latina. Link al sitio: http://espanol.revolucionlatina.org/about-us-espanol/
A continuación, les comparto parte de una serie de preguntas y respuestas que hacía Luis Salgado a modo de charla después de las masterclasses de danza del Congreso, que logré grabar, transcribir y adaptar:
“YO PUEDO. Nosotros como seres humanos dejamos de creer que podemos. Y nosotros como latinos, en la boca de este jodido tiburón del capitalismo del mundo, muchas veces nos sentimos “menos que”, y no somos “menos que”. Entonces tenemos que entender el valor que tenemos como artistas, como humanos, como personas que tienen culturas muy bellas y hacer nuestra propia historia, contarla, hacer nuestro propio teatro, buscar nuestra forma y decir: “a la mierda, yo puedo”.
Shakespeare lo dejó muy claro: Ser o no ser. He ahí la cuestión. Esa voz que dice “no puedo”, no es tuya sola, esa voz la tenemos todos. Pero al final del día, nosotros con el arte tenemos que aprender a lidiar con el conflicto.
En la vida cotidiana tratamos de evadir el conflicto, pero nosotros tenemos una bendición y es que somos artistas, y el arte nos enseña a lidiar con el conflicto porque el teatro sin conflicto no debe existir.
Debemos entrenarnos en el conflicto. Pero nosotros incluso tomamos clase evadiendo el conflicto. No queremos vernos feos, no queremos caernos, no queremos cagar la nota musical. Pero es que tienes que cagar la nota musical! Tienes que caerte porque quieres hacer 4 piruetas en vez de 3! Tienes que olvidarte las líneas porque te envolviste en la escena. Y cuando pasa todo esto entonces voy a entrar en el escenario y tener la libertad de estar siempre completo.
Y no teman a ser vulnerables! Nosotros constantemente queremos ponernos una máscara. “Voy al escenario y me pongo la máscara de la comedia o de la tragedia”. No! Todo lo contrario! quítate la jodida máscara y déjate desnudo en el medio del escenario. Si tú puedes hacer esto, entonces sí puedes usar la máscara necesaria. Pero no puedes ponerte una máscara sin haberte desnudado.
Como artistas estamos en una industria que nos hace dudar demasiado, porque la industria misma es complicada. Pero tú tienes que hacer todo lo posible en tu vida para sentirte pleno y lleno, para que puedas hacer que las personas que te rodean se sientan bien también. Y eso se sigue manifestando, manifestando y manifestando. Y hace que al final de el día, no estemos matándonos unos a otros.
El arte es un arma de esta revolución, es una herramienta de construcción donde tú necesitas conectarte contigo mismo al máximo, por medio de lo que amas hacer, para que puedas abrirle la puerta a la gente que te rodea para que también sientan la confianza de hacer lo que ellos aman hacer. Y vamos al arte con propósito, a la idea de atrevernos a más. Y este arte es no sólo hacerlo por hacerlo. Es que NECESITO hacerlo.
La mayoría de las personas que yo amo seguir, por ejemplo el director de teatro Daniele Finzi Pasca, como Anne Bogart, como Tadashi Suzuki, son personas que se han atrevido a ser completamente lo que ellos son. Y son personas que respeto mucho más por eso que por el arte que crean.
Entonces, como artista, dónde está tu prioridad? En ser o en no ser?”
- LUIS SALGADO, Congreso Internacional de Musicales y Óperas Rock 2017, Buenos Aires, Argentina.
Ciclo 'Inside the Actors Studio' entrevista a Dustin Hoffman - Temporada 2006. Dustin Lee Hoffman (Los Ángeles, 8 de agosto de 1937) es un actor y director estadounidense. Ha ganado en dos ocasiones del premio Óscar de la Academia de Cine de Hollywood al mejor actor.1 Es uno de los...
Estudié teatro en el Actor’s Studio de Buenos Aires en el año 2014. Finalmente lo dejé porque estaba, a la vez, estudiando la carrera de actuación. Pero en ese tiempo aprendí muchísimo. Después de mi primer clase allí, revisé toda la página web (que está buenísima) y me encontré con esta entrevista maravillosa (enlace).
Las partes que más destaco de la misma son:
“En actuación, uno intenta admitir más que el crimen menor, uno desciende hasta los crímenes propios más profundos“
“Los seres humanos somos imperfectos, saltamos si nos sentamos sobre una estufa y lo mismo hacemos llegando a situaciones profundas de nosotros mismos... no queremos saber. Actuar es como darle la mano al diablo.“
“El arte está en el detalle“ “El teatro se investiga en la vida real”
“Fallar es mejor que cometer un pecado. Negarte a tu don, no dar el 100%, es un pecado.“
La producción más desafiante en la que participé hasta ahora ha llegado a su fin. “The Threepenny Opera” by The Suburban Players. Dirigida y adaptada por Hugo Halbrich.
Se trata de la histórica ópera (pionera de aspectos teatrales como la ruptura de la cuarta pared y la explícita crítica social) del alemán Bertolt Brecht con la música de Kurt Weill, fue representada por primera vez en 1928, Alemania.
Las 9 funciones que presentamos de The Threepenny Opera con The Suburban Players (companía de teatro en inglés en San Isidro, Buenos Aires. Link al sitio: thesuburbanplayers.com) fueron un éxito rotundo, fruto del gran compromiso tanto del elenco como de los que estuvieron involucrados en la producción de esta obra fuera del escenario.
Me llevo recuerdos que durarán para siempre y la alegría de haber trabajado con tan buena gente, en un nivel demasiado profesional para llamarse amateur.
El año pasado, en Octubre de 2017, participé del Congreso Internacional de Óperas Rock y Musicales en Buenos Aires. Fueron los 4 días más motivadores e inspiradores de mi vida.
Durante las cuatro jornadas completas del Congreso, tuve el privilegio de participar en clases intensivas de las distintas disciplinas que me apasionan como danza, canto, actuación, integración, (y más), dictadas por exponentes internacionales del Teatro Musical como Chet Walker, Luis Salgado, Rene Pfister (Berklee), Pepe Cibrián, Alejandro Paker, entre muchísimos más.
En la jornada de cierre de dicho Congreso, la gran Nacha Guevara me sacó todo prejuicio iluminándome en una entrevista que grabé y transcribí, y a la cual recurro constantemente porque me enseñó qué significa ser un artista.
Que para denominarse artista, hay que ser valiente, hay que ser humilde, hay que ser generoso y hay que estar disponible.
Acá va la redacción que hice de la entrevista de Nacha. Me tomé la libertad de omitir las preguntas del entrevistador. Espero que les sirva tanto como a mí.
“Un artista vence la barrera del tiempo. Un artista vence la barrera de las generaciones. Un artista verdadero es capaz de comunicarse con todas las generaciones al mismo tiempo. Porque el arte sucede, cuando sucede, en un lugar que está fuera del tiempo y del espacio. En otro lugar. Ese es el don de algunos artistas. Sobre todo hablo del escenario en este caso. Son capaces de crear un mundo donde todos están incluidos, el público y el artista. Y en ese mundo, el tiempo y el espacio no son como afuera de ese mundo. Ese mundo es eterno.”
“Por eso un artista puede perdurar en el tiempo, por eso podemos ver a Chaplin hoy y reírnos como nos reíamos cuando éramos niños. Y un niño de 4 años puede ver a Chaplin y reírse también.”
“No se dejen llevar por lo que está de moda. Un artista no se pone de moda. Un artista trabaja, sigue su sueño. No importa lo que pase alrededor, sigue con su sueño. A veces tiene éxito, a veces no lo tiene. Pero el mayor éxito que una persona puede tener es ser feliz. Ese es el éxito. No son las tapas de las revistas, no son los reportajes en televisión. El mayor éxito es que sean felices haciendo lo que hacen, no importa lo que sea”
“El “no” en las audiciones es muy difícil, porque estamos de algún modo vendiéndonos. Cuando una persona vende una aspiradora, por ejemplo, y no se la compran, bueno, es la aspiradora que no quieren. Cuando te dicen que no a vos mismo es más complejo. Porque ahí no hay otro objeto. Te dicen que no a vos. Ese es un entrenamiento, el entrenamiento del “no”. Si ustedes confunden la persona con el personaje, la van a pasar mal. La persona va a estar siempre, los personajes van a cambiar, así que hay que apoyarse en lo que uno es verdaderamente. Y ese rol quizás no era para uno, hay millones de posibilidades de que no nos den el rol. Pero eso no significa que no sirvamos. Eso significa que ese rol en ese momento no era para nosotros. Nada más que eso.”
“Aprendan a no tomar las cosas personalmente. Yo cuando trabajo con actores me cuesta mucho, todo lo toman personal. No es personal, es más allá de lo personal. Y otra cosa que les aconsejo es: Estén disponibles. Ya sea en una audición o con un director, lo que me piden lo tengo que hacer. Sin ofrecer resistencia. Un director no es un maestro. Aunque un buen director, después de haber pasado la experiencia, habrá sido un maestro. Pero no está allí para enseñarnos cómo actuar. Eso lo tenemos que hacer ahora (refiriéndose al congreso), antes. Hay que formarse, hay que prepararse. Ese tiempo es fundamental antes de salir al escenario. Porque después, suponiendo que tengan éxito, eso se tambalea inmediatamente, no hay “con qué”. Hay que tener “con qué”. Y esa es la formación.”
“Yo he visto mucha gente de mucho talento que no llegó a ningún lado y he visto gente con menos talento pero que tenía una enorme voluntad y además, ganas de aprender, y que estudiaba, y llegó mucho más lejos. Lo de la voluntad es esto: cuando me piden algo, lo hago. No lo cuestiono, no lo resisto, no lo critico, no pido que me compadezcan, no soy una víctima…”
“Ustedes tienen que estar listos para la acción porque eso es lo que se les va a pedir: actúen! Accionen!”
“Y yo noto que las generaciones jóvenes hay mucha falta de disponibilidad, mucha excusa. No pongan excusas. Levántense y háganlo. Con la excusa no van a aprender.Sólo se aprende con la experiencia. Hay mucha queja y mucha justificación. “No me sale porque...” a nadie le interesa por qué no le sale. La verdad, a nadie le interesa. Hay que hacerlo.”
“Yo recuerdo una vez que estaba haciendo El Graduado y tenía que salir desnuda (había aceptado hacerlo, no es que me pusieron un revólver en la cabeza). Y llegó el momento de ensayar esa escena. Y si bien estaba enormemente cuidada, protegida, etcétera. Yo estaba detrás de una puerta, tenía que abrirla y salir desnuda. Y llegó el momento de hacerlo. Y cuando llegó el momento yo estaba sentada detrás de esa puerta y tenía que entrar y no entraba, no entraba y no entré. Entonces el director, que era una persona excelente, un hermoso director, cuando vio que no salía entendió que estaba pasando algo, vino de la platea, dio toda la vuelta, me vio ahí sentada como una tonta, chiquitita dentro de la silla y yo pensé: me va a consolar, me va a decir “te comprendo, lo que hacés es muy difícil, yo sabía que esto iba a pasar, pero te va a salir divino”. Yo esperé todo eso pero él me miró fijo y me dijo: “Hay que hacerlo” y esa fue una gran enseñanza.”
“Un actor-actor es un actor, llamémoslo “correcto”. Es el actor que cumple, es el actor que no arriesga mucho, el que no cuestiona, que no se cuestiona siquiera a sí mismo. El que para los empresarios es mucho más conveniente. Y después está el actor-creativo. Es el actor que es más valiente, que explora más, que tiene sus ideas propias pero que no son caprichos, son cosas que puede hablar con el director desde un lugar de conocimiento de lo que se está haciendo. Son más imaginativos, más originales, menos convencionales. No siguen tendencias, crean sus propias tendencias.”
“A quién le va mejor? Es difícil de contestar eso, pero diría que en un medio generalmente mediocre como el que estamos viviendo, le va mejor al actor-actor. Es más cómodo. Ustedes tienen que decidir quién quieren ser. Si me preguntan a mí, yo les diría sean los actores creativos, sean los artistas, pero esa es una decisión personal de cada uno. Yo creo que es más feliz el actor artista aunque a veces no pueda pagar el alquiler. Pero tiene unas satisfacciones tan enormes, y está cumpliendo con su destino, con lo que eligió. Sugiere más dificultades, más incomprensión, más críticas. Pero esos son los artistas que perduran.”
“La disponibilidad es una manera de salir de la zona de confort. Porque uno no sale de su zona de confort por miedo, siempre. Entonces resiste, y se siente peor, y la relación con el director y los compañeros se tensa… El área de comodidad es como si fuera un círculo. Y nosotros sabemos que es un círculo. Nos asomamos, nos da miedo, y volvemos al centro del círculo. Una vez que miramos afuera sabemos que hay más. Y el ser humano es curioso, entonces, o se vuelve y se queda en el centro, o se anima, va, y da el salto a otra área, a un mundo desconocido. Salir del área de comodidad es saltar a lo desconocido. A lo desconocido por un tiempo, porque esa área nueva, con el tiempo se vuelve conocida, se vuelve cómoda, se vuelve aburrida, y debemos hacer el mismo ciclo de asomarnos y saltar.”
“Porque la vida es expansión así que siempre iremos saltando de un círculo en otro, para expandirnos. Eso es inevitable.”
“Yo vivo saltando desde áreas de comodidad. Ahora estoy preparando un espectáculo nuevo y estoy tomando clases de clown, que no había tomado nunca. Y en general lo que he visto es que las técnicas teatrales son buenas, están muy bien, pero las técnicas del payaso te obligan a ser espontáneo. No hay manera de hacerlo pensando. No hay que pensar. Y la mente, en muchos casos es la enemiga del actor.”
“Entonces el trabajo de clown es pura acción sin pensamiento. Da pánico, sí, pero después nos damos cuenta que en realidad tenemos más recursos de los que creíamos tener.”
“Cuando estás obligado a hacer algo, porque no te dan tiempo, te dicen “ya” y vamos, no hay tiempo de elaborar nada: hay que hacerlo. Y uno se da cuenta que tiene más recursos de los que creía tener, y empieza a sacar partes de uno que ni siquiera sabía que tenía, y a confiar en uno. Es una gran escuela de confianza.”
“Confiando te das cuenta de que podés ser mucho más cómica de lo que creías, que podés perder inhibiciones, que podés hacer el ridículo. Hagan el ridículo. Estén siempre cerca del ridículo. Si no se animan a hacer el ridículo, siempre van a estar “correctos”.”
“La línea entre el ridículo y lo sublime es más delgada que un pelo.”
“Y si no nos animamos a llegar ahí, nunca llegaremos a grandes cosas. Y por favor, cáguense en la opinión ajena. En la opinión ajena con respecto a mi trabajo, en la opinión ajena con respecto a cómo me visto, con respecto a cómo enfrento mi carrera, a lo que quiero estudiar, a lo que quiero ser. Escuchen a quien tienen que escuchar, pero de toda la gente que habla, y opina, en las redes, y en la televisión, etc., eso, no les sirve para nada.”
“No se crean ni los “likes” ni los “dislikes”, porque cambian a cada segundo. Fíjense en otra cosa. Que no les importe lo que los demás digan de lo que ustedes hacen. Porque nadie ha vivido la vida que han vivido ustedes, y las elecciones que ustedes hacen es por la vida que han vivido. Así que sigan su camino, no escuchen boludeces.”
“La única manera de transformar algo es a través de la aceptación. Un lindo ejercicio para que hagan: mírense profundamente a los ojos en el espejo y vean la mirada de esa persona que ustedes son. Aprendan a mirarse a los ojos en el espejo y a reconciliarse con ustedes. Y a gustarse. Y no hablo del ego, nada más lejos. Hablo de una relación superior, la relación con ustedes mismos.
“Nunca podrán ser artistas si no se conocen a ustedes mismos. El actor que está en el escenario no tiene instrumento, el es el instrumento.”
“¿Podría haber un pianista que no sepa que es un piano? Qué se parara ahí sentado y dijera: ¿y ésto para qué sirve? Nosotros somos el piano. Tenemos que saber qué tecla hay que oprimir para lograr lo que queremos lograr.”
“Es muy complicado ser un artista, ser un actor. Hay que tener un rango de emociones enorme y saber cual hay que convocar en cada momento, hasta que después se hace mecánico (primero hay que aprender, luego se hace mecánico).”
“Antoine Artaud dio la definición del actor más maravillosa que yo conozco. Él decía: Un actor es un atleta del corazón. Alguien que ha entrenado sus emociones de tal manera que puede convocarlas a voluntad. Esto implica una generosidad enorme. Otra virtud del artista. La valentía, la generosidad, y la humildad.”
“Hay cosas que son difíciles para el actor: Una, la del ego, es no tomarlo como un enemigo. Todos tenemos ego y lo necesitamos. El ego es nuestra personalidad, es cómo nos relacionamos, no es un enemigo. Pero cuando se interpone en la tarea creativa, la limita. Es ahí donde caemos al lugar común: siempre vamos a ser nosotros mismos en el escenario, o en la película. Uno aspira cuando quiere hacer esto, a vivir muchas vidas en una. Esa es la oportunidad que da esto. A conocer cómo funciona el alma de los demás también, no solo la propia.”
“Y otra cosa que les aconsejo si quieren ser artistas interesantes: vivan vidas interesantes. Porque lo que sale aquí (en el escenario) cuando alguien se para, es lo que ha vivido. No en vano los grandes actores todos tienen unas infancias tremendas. Han vivido, han sufrido, han aprendido, se han arriesgado, se han divertido. El instrumento tiene que ser muy amplio, no puede tener sólo una octava (Está bien, para telenovela por ahí les sirve). Y sólo se amplía ese registro, esa octava, con experiencias de vida interesantes... Arriesgadas, que pueden dar miedo, que pueden ser reprobadas por el entorno. Pero sigan la voz interior. Porque la voz interior siempre les va a decir: Sean libres.”
“El teatro es la representación más pura, más profunda, de lo que es la vida humana Y estar en contacto con eso, valientemente, generosamente, ayuda a aprender cómo es uno, y al mismo tiempo, cómo son los demás. Yo creo que estudiar teatro debería ser para todo el mundo, aunque no vayan a ser actores nunca. Porque las mismas leyes que rigen el teatro, son las leyes que rigen la vida. Y cuando un actor verdaderamente se entrega al arte de actuar, cuando vuelve a su vida cotidiana vuelve completamente enriquecido y transformado. Actuar es un arte. A veces cuesta creerlo cuando vemos ciertas cosas que tenemos que ver todos los días. Pero no se olviden: actuar es un arte. Y aprender a ser un artista puede llevar toda la vida.”
Siempre quise cantar este tema en vivo!!! Etta James es una de mis ídolas indiscutibles. En Mayo del 2017 en John John Irish Pub me saqué las ganas y me acom...
Comparto con ustedes un cover hecho por mí de la canción “Damn your eyes” de Etta James.
Malditos tus ojos por quitarme el aire, por hacer que quiera quedarme...
El instrumento típico de Hawaii llegó a mis manos y entró en mi vida para quedarse, cuando estaba (irónicamente) del otro lado del mundo: en Escocia.
Le digo “ukulele” porque así se lo llama en inglés. En español es “ukelele”.
La nuestra es una linda historia... En Mayo de 2014 hice un viaje familiar por Europa. Principalmente conocí Inglaterra y Escocia, en donde visité un pueblito alucinantemente lindo, llamado Stonehaven. Ese lugar es especial para mí porque allí vivió mi tárara abuelo.
Caminando por las callecitas llenas de magia de Stonehaven, pasé por una tienda de música. Me acuerdo el momento en que lo vi en la vidriera y me flechó.
Supe que ese Kala Brand Concert Ukulele debía ser mío!
Y así fue... Ahora tenía que comprar una funda, pero como en la tiendita no tenían fundas para ukuleles concert (se lo llama así por su tamaño. está entre el soprano, que es el más pequeño, y el tenor. El más grande es el uku barítono), me compré mi súperpoderosa funda Lanikai para Ukulele Tenor (adonde vaya, mi funda se lleva todos los piropos... tiene mucho rock).
A todo esto yo no tenía idea de cómo tocar, sólo recordaba un poco de técnica de guitarra (había tomando algunas clases y luego desistí) pero nunca me imaginé tocando el uku. En Londres conseguí un librito con canciones para aprender, y así fui entendiendo cómo se hacía.
Mis conocimientos se pusieron a prueba en Buenos Aires, en 2015, cuando hice un taller en Los Hermanos escuelita & tienda de Ukeleles con el genio de Adrián Capresi (chequeen su canal de youtube Aquí , vale la pena). Aprendiendo a tocar temas de autores como Henry Kailimai o Django Rainhardt me di cuenta de la complejidad del instrumento.
"Volando a Oscuras” de Alerta Pachuca fue la primer canción que canté acompañada de mi uku en vivo:
Tocando acá y allá y sobre todo viajando con este instrumento tan maravillosamente transportable como compañero, me fui poniendo más canchera, empecé a escribir algunos temas propios e incorporé mi uku cada vez más en mis presentaciones en vivo.
El timbre tan dulce del ukulele lo hace único. Me encanta cuando lo acompaña otro o varios instrumentos de cuerda diferentes, porque el uku al ser agudo, la combinación con los bajos de la guitarra, por ejemplo, queda excelente.
Todo comenzó en un viaje y hoy después de 3 años, con varios paisajes, escenarios y momentos compartidos con músicos y amigos, no tengo dudas de que el ukulele es el instrumento con el que más cómoda me siento y me incentiva para desarrollar mi música.
John Lennon es uno de los artistas más inspiradores para mí desde que era muy pequeña (tengo un póster suyo que traje de Liverpool colgado en mi cuarto!). Lo admiro tanto por su música y su arte como por su compromiso social y contribución para la paz en el mundo.
