Petites immensités

Le blog de Fotokino, Marseille

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Paul Cox, paysages

Pour beaucoup, Paul Cox est une figure tutélaire des arts graphiques contemporains, revigorant régulièrement des pans entiers de la discipline. Ses séries d’affiches, ses livres jeunesse ou livres d’artiste, marquent la création graphique depuis une vingtaine d’années.

Mais si Paul Cox pratique le graphisme, c’est à la manière de Schwitters ou Rodtchenko, expérimentant insatiablement et exécutant des va-et-vient constants avec les autres territoires de l’art. Graphisme, illustration, volume, livre, installations, scénographie... toutes ces activités reposent sur les bases qu’il explore quotidiennement en peinture et en dessin : proportions, angles, précision, valeurs, couleurs, méthode, etc.

Le paysage constitue un réservoir inépuisable de formes pour son travail. Il concentre ses préoccupations esthétiques et sensibles, mais devient aussi le sujet d’une forme d’exercice d’apprentissage qui nourrit l’ensemble de son œuvre.

(Images issues de Désordres.)

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Karel Martens, monotypes.

Graphiste et typographe néerlandais, Karel Martens réalise depuis les années 1960 des monotypes à l’aide de plaques de métal d’origines diverses. Pièces de Meccano ou de mécanique, ces résidus de quincaillerie se parent de couleurs sur le papier, souvent trouvé (comme des fiches de classement du Stedelijk museum, ou des formulaires administratifs). Ces pièces uniques archivent ainsi l’éphémère de l’expérimentation et procèdent à une véritable poétique du fragment.

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Nathalie Du Pasquier, Constructions

Les assemblages de formes et d’objets familiers sont présents dans les peintures de Nathalie Du Pasquier depuis la fin des années 1980. À partir de 2002, ils instaurent un va-et-vient entre peinture et sculpture.

Comme modèle pour nombre de ses tableaux, elle construit des maquettes à l’aide de bouteilles, entonnoirs, bouts de bois, étagères, parallélépipèdes divers, fragments du quotidien plus ou moins indentifiables, qu’elle recouvre de couleur, puis qu’elle organise tels des paysages domestiques. Ces compositions, qui vont progressivement exister en tant que telles, se retrouvent alors à la surface de toiles dont le format imposant surdimensionne les objets que l’on croyait si bien connaître. Au fil des ans, ces architectures de peu vont laisser de côté les objets usuels et les questions de représentation, pour ne devenir que jeux de masses, de lignes et de couleurs.

http://nathaliedupasquier.com

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Moderne solitude, Amy Bennett

Jeune artiste américaine, Amy Bennett distille dans ses tableaux une sourde mélancolie, qui trouble le spectateur à plus d'un titre : représentations de rêves, scènes de films ou souvenirs effacés, ses peintures sont semblables à des clichés figés dans un entre-deux, où le fil de la narration est resté en suspens.

Paysages enneigés, lacs lisses et villas sans histoires : chaque tableau contient une fausse tranquillité, que viennent briser de petites notes discordantes. Couples en crise, enfants disparus, personnages instables, sont les témoins ou les acteurs d'une folie et d'une solitude quotidiennes...

Afin d'obtenir cette ambiance si particulière, Amy Bennett fabrique tout d'abord des petits mondes de toutes pièces, jusqu'au moindres détails, avec du carton, du tissu, du bois et de la mousse. À la manière d'un metteur en scène, elle cherche ensuite le meilleur éclairage, le meilleur point de vue, qui va accentuer le drame sur le point de se nouer ou se dénouer. Ensuite, seulement, commence le travail du peintre. Ultime étape d'un processus long et minutieux (une maquette nécessite parfois plusieurs mois), le tableau est un concentré de temps et de perceptions, à partir duquel le spectateur peut imaginer sa propre fiction.

http://www.amybennett.com

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Les émaux d’Ettore Sottsass

En 1958, Ettore Sottsass étudie le processus technique de l'émaillage et a commence à l'utiliser sur différents supports, principalement des vases en bois et assiettes métalliques.

La nature vitreuse de l'émail donne une épaisseur physique aux surfaces irrégulières, qui contraste avec leur aspect lisse et brillant. Dans ses vases en bois, la brillance et la vivacité des couleurs viennent également à l'encontre de la chaleur des teintes boisées, et de la matité du matériau. Les formes simples, géométriques et colorées avec lesquelles il joue, sont héritées du rationalisme dont il va progressivement se détacher au cours du temps, pour créer une œuvre unique dans l'histoire du design du XXe siècle.

Enamelled Copper Tondo, 1958

Enamelled Copper Vases on Wooden Base, 1958

Pastel on Blueprint, 1958

© Musée Casa Mollino © Kunsthal Museum 
© Photos Enzo Asaia

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Lavinia Schulz et Walter Holdt, Die Maskentänzer

Entre 1920 et 1924, Lavinia Schulz et Walter Holdt créèrent une série de masques et de costumes qu'ils revêtaient pour des représentations théâtrales sous le nom de Die Maskentänzer ("Les danseurs masqués").

Tous deux se démarquèrent du mouvement expressionniste et de l'influence d'Oskar Schlemmer par une vive détestation du monde de l'industrie et des machines, et un goût pour les formes organiques et animales. Ils confectionnaient leurs costumes dans un petit appartement en sous-sol, près de la gare de Hambourg, avec des éléments très pauvres : papier mâché, bouts de tissu, fil de fer, emballages… Lavinia inventa également une technique de notation graphique des chorégraphies, que l'on peut voir dans ce dessin. Après être allés d'échec en échec, Lavinia Schulz et Walter Holdt finirent leur jours en 1924, dans le plus grand dénuement, Lavinia tuant Walter dans son sommeil avant de se suicider. Aujourd'hui, restent des documents de travail et les costumes, conservés par le Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburg, redécouverts à la fin des années 1980. Et cette série de photographies réalisée en 1924 par Minya Diez-Dührkoop.

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The Sky and The Ground, Michael Dumontier

Comme pour son très beau livre Call Ampersand Response réalisé avec Micah Lexier, la série The Sky and The Ground (for Remy Charlip) est également issue d’une collaboration. Mais avec un éditeur inconnu, car seules comptent ici les couleurs du cartonnage et de la toile de reliure. Pour autant, choisir un vieux livre pour ce jeu débuté en 2012, et l'adresser à Remy Charlip, nous dit tout ce que peut être un livre : la réalité (The Ground), le rêve (The Sky). Et un horizon à conquérir.

Michael Dumontier a fondé en 1996 The Royal Art Lodge avec Marcel Dzama et Neil Farber. Depuis 2008, il continue à collaborer avec ce dernier, réalisant dessins et peintures à quatre mains.

http://stoppingoffplace.blogspot.ca http://personalmessageblog.blogspot.ca http://www.royalartlodge.com

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Anna Atkins, William Henry Fox Talbot

Pour l'anecdote, Anna Atkins dispute à Constance Talbot, l’épouse de William Henry Fox Talbot, le titre de première femme photographe. En 1843, cette première fait paraître son premier recueil de cyanotypes, qui est aussi le premier de l'histoire de la photographie, “British Algae: Cyanotype Impression”, puis, dix ans plus tard, “Cyanotypes of British and Foreign Ferns”, consacré aux fougères.

William Henry Fox Talbot, l’époux, est lui aussi un scientifique, pionnier de la photographie, passionné de botanique. En 1839, il expérimente le procédé du dessin photogénique, identique à celui du cyanotype, et que l'on nommerait aujourd'hui "photogramme" : il place directement sur le papier sensible des végétaux, et les expose à la lumière du jour.

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Les sculptures de Betty Parsons

Betty Parsons occupe une place particulière dans l'histoire de l'art de la seconde moitié du XXe siècle, essentiellement de par son travail exceptionnel de galeriste. Qui a longtemps éclipsé sa propre œuvre. "Quand je ne suis pas à la galerie, mon art est un moment de détente, mais aussi ma plus grande joie. Mais parce qu'il m'apporte tant, je ne ressens jamais la nécessité d'en faire la promotion."

En 1959, elle s'installe à Southold, Long Island. Près de la mer, elle se met à collecter et assembler les bouts de bois rejetés par la mer. Elle est particulièrement attirée par ce que ces rebus portent avec eux : les mille récits de leurs vies antérieures, et le passage du temps, qui les a érodés et mutilés.

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Luigi Ghirri, l'atelier de Giorgio Morandi

À la fin des années 1980, Luigi Ghirri réalise de nombreuses photographies en intérieur. Maisons, musées, ateliers d'artisans, celui d'Aldo Rossi… Il semble alors, selon son ami Giorgio Messori, comme lassé de regarder le monde dans sa vaste étendue. Et s'attarde alors sur la familiarité et l'intimité des espaces intérieurs, révélant des paysages plus secrets mais néanmoins tout aussi riches que ceux qu'il avait enregistrés jusqu'à lors.

Les sujets de son œuvre restent les mêmes sur ces territoires réduits : les objets simples, l'émotion qu'ils contiennent, l'horizon, le banal, le dialogue entre la réalité et l'image de la réalité… Sans compter ce qui est propre au travail du photographe – comme à celui du peintre : la lumière, la composition, le cadre.

C'est sur l'ensemble de ces sujets que l'œuvre de Ghirri rencontre celle de Morandi. Les deux artistes écrivent avec les mêmes mots, utilisent le même langage, antique et moderne à la fois. Ils sont tout deux des artistes du peu, tous deux ont la même utilisation de la lumière, celle qui fait apparaître les choses dans le monde, mais qui peut également les rendre évanescentes, et les faire disparaître. Tous deux nourrissent le même rapport intense à l'espace qui leur est nécessaire pour créer : le paysage de l'Émilie Romagne pour Ghirri, celui de l'atelier pour Morandi. Et c'est avec cette intensité que Luigi Ghirri photographie les deux maisons de Giorgio Morandi. Cellle de la via Fondazza – petit théâtre du souvenir, et sa résidence d'été de Grizzana – épure de la moindre chose.

Luigi Ghirri, Bologna, Studio di Giorgio Morandi, 1989-1990. © Eredi Ghirri.

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Kiki Smith, Touch et Crystals

Dans les années 1980, après la mort de son père, le sculpteur Tony Smith, Kiki Smith éprouve les thèmes de la mortalité et du corps humain dans son propre travail, allant jusqu'à en explorer les entrailles et les fluides. Cette période donnera lieu a un nombre considérable d'œuvres qui dessineront en creux une démarche forte et frontale des questions relatives à la féminité. Des œuvres plus récentes assument cependant des sujets moins amers tels que le monde animal, les personnages féminins de conte, la voûte céleste, le minéral…

Par là, elle s'éloigne d'une certaine brutalité en plaçant le spectateur dans un rapport plus indirect à sa propre spiritualité, sans toutefois éluder la violence de sa condition. Les séries de gravures et aquatintes Touch (2006) et Crystals (2000), produites chez Harlan & Weaver, en sont l'illustration. Et font appel à deux images continuellement présentes chez Kiki Smith : celle de la féminité la plus sensible, et celle de l'âpreté la plus obsédante.

© Kiki Smith — Harlan and Weaver

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Masques de Patrick Tosani

Dans cette série de photographies réalisées entre 1998 et 2000, Tosani convoque des corps absents, anonymes. Ils nous regardent, inquiets, depuis l'espace béant et incertain qui sépare la présence de ces objets du quotidien et l'immatérialité de leurs propriétaires.

© Patrick Tosani / ADAGP

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Tove Jansson, le Snark, le Hobbit et Alice

Artiste et auteur finlandaise d'expression suédoise, Tove Jansson (1914-2001) est d'abord connue pour être la créatrice des Moomins, créatures débonnaires qui peuplent l'imaginaire scandinave depuis plus de soixante ans. Mais elle a également illustré trois grands textes de la littérature anglaise.

Le premier fut, en 1959, "La Chasse au Snark" de Lewis Carrol, qui était une référence pour Tove Jansson lors de l'écriture de "Un Comète au pays de Moomin", le premier volume de la série. La complexité du récit l'amena à se détacher de l'esthétique rassurante des Moomins pour s'engager dans des univers plus mystérieux. Immédiatement après, en 1960, Astrid Lindgren l'implore d'illustrer le texte de J. R. R. Tolkien, "Le Hobbit", pensant qu'elle en ferait le livre de jeunesse du siècle. Enfin, en 1966, elle illustra "Alice au pays de Merveilles" de Lewis Carroll. Chacun de ces trois textes se déroulent dans des univers imaginaires ancrés dans une logique parfois délirante, qui ne cesse de faire des aller-retour avec le réel. De quoi ravir celle qui inventa Moominland.

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Les carnets de Jacob Whibley

Jacob Whibley est un artiste canadien basé à Toronto. Son travail donne une importance particulière au collage, mais se permet aussi d'explorer la sculpture et l'installation. Les carnets qu'il utilise ne sont pas à proprement parler des "carnets d'artistes" dévolus à l'expérimentation. Ils sont le support véritable de l'œuvre, et dévoilent des myriades de formes géométriques ou organiques, évocations des avant-gardes du XXe siècle, petites architectures en suspens, topographies de papier dont l'équilibre instable nous invitent à mille déambulations possibles.

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Les boîtes de Joseph Cornell

C'est à New York que Joseph Cornell (1903-1972) vécu la majeure partie de sa vie, maraudant dans les brocantes et les rues de la ville où il collectait des objets, livres et papiers hétéroclites, fragments d'une culture populaire qui fut le sujet principal de son œuvre. Ses boîtes sont les réceptacles soignés d'assemblages poétiques, juxtapositions d'images oniriques laissant libre la lecture que peut en faire chaque regardeur, et rendant les matériaux pauvres dont elles sont faites tout aussi précieux qu'un souvenir d'enfance.

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The World is Round

En 1938, Margaret Wise Brown propose à plusieurs auteurs de renom d'écrire pour les enfants. Alors qu'Hemingway et Steinbeck déclinent l'invitation, Gertrude Stein répond qu'un manuscrit n'attendait que cette occasion pour être publié. En 1939 paraît la première édition de The World is Round, accompagnée des illustrations de Clement Hurd ; elle est aujourd'hui rééditée par Harper Collins. On y redécouvre Rose et Willie, deux enfants sur les routes d'un monde tout rond. Rose se demande sans cesse comment, quand et pourquoi. Tandis que Willie ne semble pas intéressé par ces questions, certain qu'il est des réponses. "A rose is a rose is a rose"...