práctica independiente

El diseño gráfico es oficio y arte, no software. Soy Jeanne Jiménez, diseñador gráfico trabajando desde Caracas, Venezuela, especialista en identidad visual y publicaciones. He aquí mi práctica independiente.

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Francisco Salazar Foundation (2022)

El logotipo de la Francisco Salazar Foundation rinde homenaje al legado del maestro venezolano, inspirándose profundamente en su investigación sobre el espacio, la luz y la geometría. El logotipo nace de la reinterpretación de su lenguaje artístico, particularmente de sus exploraciones, donde la superposición de planos genera una profundidad vibrante y una estructura en constante diálogo. Al centro de la marca, dos formas cuadrangulares se entrelazan —una sólida con sutiles degradados y otra delineada con precisión— para evocar el juego de luces, sombras y relieves característico de la obra cinética de Salazar.

Esta propuesta se complementa con una tipografía sans-serif de trazos limpios que equilibra la complejidad visual del símbolo. El sutil contraste de pesos entre los nombres no solo establece una jerarquía clara, sino que también refleja la dualidad entre la ligereza del concepto y la solidez de la institución. El resultado es una síntesis visual atemporal y sofisticada, diseñada para habitar espacios digitales con una estética que definió la trayectoria del artista.

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The Francisco Salazar Foundation logo pays tribute to the legacy of the Venezuelan master, drawing deep inspiration from his research on space, light, and geometry. It stems from a reinterpretation of his artistic language, specifically those explorations where the overlapping of planes creates a vibrant depth and a structure in constant dialogue. At the heart of the brand, two intertwined quadrangular shapes—one solid with subtle gradients and the other precisely outlined—evoke the interplay of light, shadows, and relief characteristic of Salazar’s kinetic work.

This visual proposal is complemented by a clean-lined sans-serif typeface that balances the symbol’s visual complexity. The subtle contrast in weight between the names not only establishes a clear hierarchy but also reflects the duality between the lightness of the concept and the solidity of the institution. The final result is a timeless and sophisticated visual synthesis, designed to thrive in digital spaces while honoring the aesthetic that defined the artist’s career.

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Sistema de Identidad Visual MAAA - Manual de uso (2022)

El Sistema de Identidad Visual del Museo de Arte Acarigua Araure se consolida en un manual integral que norma la coherencia y el dinamismo de la marca en todos sus puntos de contacto. Este documento técnico organiza los elementos básicos —logotipo, tipografía, icono y color— para asegurar que la esencia del museo se mantenga intacta en aplicaciones de papelería, formatos digitales o piezas de difusión. El sistema actúa como una hoja de ruta que garantiza la unidad visual mientras permite la flexibilidad necesaria para la comunicación del arte contemporáneo, transformando la identidad en una experiencia sensorial completa que integra arquitectura y gestión cultural.

Este despliegue normativo abarca desde la construcción geométrica de los elementos básicos y la papelería institucional hasta la señalética estratégica en los espacios del museo. Asimismo, el sistema define la indumentaria del personal y el diseño de productos de mercadeo como libretas, bolsos y artículos promocionales, donde los patrones orgánicos derivados del icono y la paleta vibrante cobran protagonismo para reforzar la presencia de la marca en el entorno físico.

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The MAAA Visual Identity System is compiled into a detailed manual that ensures the brand's consistency and vitality at every point of interaction. This technical document systematically organizes essential elements—such as the logo, typography, icons, and color palettes—ensuring that the museum's identity remains strong across various applications, including stationery, digital formats, and promotional materials. It serves as a guiding framework that maintains visual harmony while allowing for the flexibility needed in contemporary art communication, transforming the identity into a rich sensory experience that merges architecture with cultural management.

This set of guidelines encompasses everything from the geometric foundations of the core elements and institutional stationery to strategic signage throughout the museum spaces. Moreover, it outlines the design of staff uniforms and marketing products like notebooks, bags, and promotional items, where the organic patterns drawn from the logo and the vibrant color schemes play a pivotal role in reinforcing the brand's presence within the physical environment.

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Icono MAAA (2022)

El concepto visual del MAAA se completa con un elemento pictográfico sólido y orgánico que funciona como isotipo independiente. Inspirado en la emblemática de Gerd Leufert y en la abstracción de los patrones del piso del museo, este icono nace para complementar la ligereza del logotipo. Su diseño busca una identificación inmediata e inequívoca, extrayendo gestos plásticos de la propia arquitectura para crear una forma que puede orbitar alrededor del nombre o funcionar por sí sola con una fuerza visual minimalista y expresiva.

La construcción del icono se basa en un proceso de abstracción geométrica que utiliza el círculo como unidad fundamental. Mediante una relación modular de diámetros (1, 2, 3 y 5), se yuxtaponen tres círculos para formar la mancha principal del museo, la cual es intersectada por dos círculos menores que representan la conurbación Acarigua-Araure. Esta composición emula la organicidad de lo natural y la anomalía visual presente en el diseño del edificio, logrando una síntesis que conecta el patrimonio arquitectónico con la identidad gráfica contemporánea.

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The visual concept of the MAAA is brought to life by a solid yet organic pictographic element that serves as an independent isotype. Drawing inspiration from the iconic work of Gerd Leufert and the abstract patterns found in the museum's flooring, this symbol is designed to enhance the logo's overall lightness. Its purpose is to promote immediate and clear recognition, capturing the architectural essence to create a form that can either complement the name or stand alone with striking minimalism and visual impact.

The icon's construction is rooted in geometric abstraction, with the circle as its foundational unit. By establishing a modular relationship with diameters of 1, 2, 3, and 5, three larger circles are combined to represent the museum's primary mass. This mass is intersected by two smaller circles that symbolize the Acarigua-Araure conurbation. This design emulates the organic qualities of nature and reflects the unique visual aspects of the building's architecture, achieving a harmonious blend of historical heritage and contemporary graphic identity.

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La nueva MAAA Typeface (2022)

La MAAA Typeface es una tipografía original inspirada en el legado modernista de Nedo M. Ferrario y Álvaro Sotillo, referentes del diseño gráfico venezolano. Esta familia de puras versales, de estilo sans serif expandido y terminaciones redondeadas, traduce la plasticidad del modernismo en trazos uniformes, donde la horizontalidad de los llanos rige el alargamiento de sus glifos. El proceso de diseño partió del acrónimo MAAA, extrayendo rasgos de la M y la A para construir un sistema completo de caracteres que equilibra una sobriedad peculiar con una neutralidad funcional y atemporal.

Más que un recurso gráfico, la tipografía es una extensión de la marca en sí misma: cualquier enunciado escrito con ella se identifica inmediatamente con la institución. Su diseño está pensado para piezas exclusivas del museo, desde señalética y catálogos de la colección hasta programas educativos, funcionando como un hilo conductor visual. Aunque el museo puede convivir con otras tipografías en proyectos específicos, la MAAA Typeface garantiza la coherencia institucional, convirtiendo cada texto en un paisaje visual que refuerza la identidad del museo.

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The MAAA Typeface is a distinctive font that draws inspiration from the modernist legacies of Nedo M. Ferrario and Álvaro Sotillo, two icons of Venezuelan graphic design. This all-caps, expanded sans-serif family features rounded terminals, capturing the essence of modernism through its uniform strokes. The design is characterized by the horizontality of its forms, which influences the elongation of its glyphs. The creative journey began with the MAAA acronym, from which we extracted elements of the M and A to develop a comprehensive character set that balances a unique sobriety with a practical and timeless neutrality.

More than just a graphic tool, this typeface serves as an extension of the brand itself. Any text set in it is instantly linked to the institution. Designed primarily for the museum’s exclusive assets—ranging from signage and collection catalogs to educational materials—it acts as a cohesive visual thread. While the museum may incorporate other typefaces for specific projects, the MAAA Typeface maintains institutional consistency, transforming every piece of text into a visual landscape that strengthens the museum's identity.

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El nuevo logotipo responsivo del Museo de Arte Acarigua Araure (MAAA).

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The new responsive logo for the Museo de Arte Acarigua Araure (MAAA).

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Museo de Arte Acarigua Araure - MAAA (2022)

La nueva identidad del Museo de Arte Acarigua Araure nace de la síntesis entre su entorno geográfico y su estilo arquitectónico. El punto de partida es la MAAA Typeface, una tipografía original inspirada en el modernismo geométrico que busca traducir la plasticidad de la línea y la horizontalidad infinita de los llanos venezolanos en una forma tipográfica única.

Esta identidad se manifiesta a través de un sistema de logotipos responsivos y un juego libre con el acrónimo MAAA, mostrando diversidad y variación dentro de la economía formal del diseño, sin perder la unidad. Se logra así una presencia sutil, singular y transparente, que mantiene la cohesión visual en todas sus aplicaciones.

El verde prasino, un tono neón y vibrante, rompe la sobriedad tradicional de los museos para conectar con el exotismo del entorno y la vitalidad del arte contemporáneo. Mientras las instituciones suelen refugiarse en la neutralidad, el MAAA apuesta por este color explosivo como símbolo de renacimiento y esperanza.

Como complemento a la linealidad del logotipo, la identidad incluye un elemento pictográfico sólido y orgánico que funciona como isotipo independiente. Su diseño, inspirado en la emblemática de Gerd Leufert, nace de la abstracción geométrica de las formas del piso del museo. El ícono se construye mediante cinco círculos yuxtapuestos en una relación modular: tres mayores forman la mancha principal, mientras que dos menores se intersectan para representar la conurbación Acarigua-Araure, logrando una síntesis minimalista de identificación inmediata.

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The new identity of the Museo de Arte Acarigua Araure is a seamless blend of its geographical context and architectural style. Central to this identity is the ‘MAAA Typeface,’ an original font inspired by geometric modernism. This typeface captures the fluidity of lines and the vast horizontality of the Venezuelan Llanos, translating these concepts into a unique typographic form.

This identity unfolds through a system of responsive logos and a dynamic play with the MAAA acronym. This approach brings about diversity and variation within the design while maintaining a sense of unity. The result is an elegant, singular, and transparent presence that ensures visual cohesion across all applications.

Prasine green, a striking neon hue, stands apart from the conventional muted tones typically associated with museums, drawing inspiration from the exotic surroundings and the vibrancy of contemporary art. While many institutions lean towards neutrality, the MAAA boldly embraces this vivid color as a symbol of renewal and hope.

Complementing the logo's linear aspects, the identity features a solid, organic pictographic element that acts as an independent isotype. Its design, influenced by the notable works of Gerd Leufert, emerges from the geometric patterns found in the museum's floor layout. This icon comprises five circles arranged in a modular relationship: three larger circles form the main structure, while two smaller ones intersect, symbolizing the Acarigua-Araure conurbation, achieving a minimalist design for easy recognition.

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Sustrato gráfico de Mollusca 2019 - 2022

Compendio de proyectos gráficos realizados durante mis primeros años a cargo de la dirección de arte. La estética presagiada por el sustrato para la variedad de publicaciones y experiencias de Mollusca, se asentó en una característica de los moluscos, la elastoplasticidad; idea principal para entender y explicar la consistencia y movimientos de su hacer. Por un lado, los diseños presentan una apariencia minimalista serena, fundamentalmente productos de orden organizacional y/o institucional, los cuales están compaginados en diagramaciones libres pero consistentes en tipografía, paleta cromática, texturas y patrones. Por otro lado, la estética se vuelve ecléctica y vibrante con el uso de piezas de artistas e ilustraciones originales para potenciar el magazine, los programas de estudio y las experiencias, como lugares donde Mollusca da vitrina a la creación artística así como a los trabajos de investigación. Para el sustrato gráfico la marca no es estática, en los diseños institucionales rotan elastoplásticamente los elementos básico de la identidad visual, y en los diseños promocionales, la unidad dentro de la variedad de creadores invitados se sustenta en una marcada estilización tipográfica.

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Molluca’s Graphic Substrate

Compendium of graphic projects I carried out during my first years in charge of the art direction. The aesthetics foreshadowed by the substrate for the variety of publications and experiences of Mollusca thrives on a characteristic of mollusks, elastoplasticity, the main idea behind understanding and explaining the consistency and movements of their work. On the one hand, the designs display a serene minimalist appearance, fundamentally products of organizational and institutional order, compounded in a free layout consistent in typography, color palette, textures, and patterns. On the other hand, the aesthetics become eclectic and vibrant with the use of original artwork and illustrations to boost the magazine, experiences, and study programs, as stands where Molluca showcases artistic creation and research work. For the graphic substrate, the brand is not static; for institutional designs, the visual identity assets rotate elastoplastically. For promotional designs, the unity within the variety of the pieces of guest creators relies on a marked typographic stylization.

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Amor fugitivo (2021)

Para el programa de estudio Amor Fugitivo. Lo erótico en el borde, dictado por Luis Mancipe y producido por Mollusca, creé una imaginería basada en un diseño de patrón. Este taller de lectura de imágenes se enfocó en el aventurero veneciano de siglo XVIII Giacomo Casanova, de las mascaras y los extravíos de sus recorridos deriva la ilustración de ornamentos con figuras tomadas de la película Il Casanova (1979) de Federico Fellini. El barroco patrón aventurero tiene ímpetu y carisma, es un encantador fondo para un juego de luces y desenfoques de la estilización tipográfica y diagramación de los diseños del kit promocional.

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For the study program, ‘Amor Fugitivo. Lo erótico en el borde’, taught by Luis Mancipe and produced by Mollusca, I created imagery based on a pattern design. This image reading workshop focused on the 18th-century Venetian adventurer Giacomo Casanova; from the masks and the misplacements of his travels come the illustration of ornaments with figures taken from the film Il Casanova (1979) by Federico Fellini. The adventurous baroque pattern design has impetus and charisma, and it is a charming background for a play of lights and blurs of the typographic styling and layout of the promotional kit designs.

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¿Quién es la autoridad? (2021)

El programa de estudio, ¿Quién es la autoridad? Cómo identificarla en un mundo de caos, fue una experiencia intelectual de lectura e intercambio de filosofía práctica, dictado por Miguel Ángel Soto Reyes y producido por Mollusca. La interrogante que el programa plantea derivó en la idea de crear un póster de propaganda y agitación de aspecto soviético de tendencia geométrica con un acabado de litografía. La fuerte diagonal de la composición geométrica apoya el poder de la sentencia, engranado a una paleta cromática saturada y de texturas granuladas. Este compendio estilístico se reitera en el diseño de los materiales producidos para el kit promocional del programa.

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The study program “¿Quién es la autoridad? Cómo identificarla en un mundo de caos” was an intellectual experience of reading and exchanging practical philosophy, taught by Miguel Ángel Soto Reyes and produced by Mollusca. The program's central question inspired the creation of a Soviet-style propaganda and agitation poster with a geometric design and a lithographic finish. The strong diagonal of the geometric composition supports the power of the sentence, geared to a saturated color palette and grainy textures. I used this stylistic approach to convey a consistent graphism to the design of the program's promotional materials.

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‘De terror, nostalgia y encanto’ (2021) 

Las ilustraciones para el programa de estudio, De terror, nostalgia y encanto. Breve recorrido por  la ruina, parten de fotografías de estructuras ruinosas sintetizadas en siluetas gris cemento rodeadas con detalles de vegetación, en forma de collage digital. El programa de estudio producido por Mollusca y dictado por Elvira Blanco Santini, fue un seminario que introdujo a los participantes a discursos críticos y propuestas artísticas en torno al concepto de la ruina. Los pósters creados muestran el contraste entre el mundo de cemento y la vegetación, entre lo oscuro y lo luminoso del placer estético. De estos se desprenden detalles gráficos y hasta un efecto de musgo sobre cemento, que sirvieron para diseñar los materiales del kit promocional.

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The illustrations for the study program ‘De terror, nostalgia y encanto. Breve recorrido por  la ruina’ are based on photographs of ruined structures of modern buildings, which silhouettes I synthesized in gray cement shapes surrounded with vegetation resulting in a digital collage. The study program produced by Mollusca and taught by Elvira Blanco Santini was a seminar that introduced participants to critical discourses and artistic proposals around the concept of ruin. The posters show the contrast between the cement world and the vegetation, between the dark and the light of aesthetic pleasure. From these, graphic details emerge, and even a new effect, moss on cement, to design the materials of the promotional kit.

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Programas de estudio Mollusca (2021)

Para los programas de estudios de Mollusca, el equipo estaba claro en producir artes originales en lugar de montarlos dentro de un formato con la imagen institucional, para así apuntar a una apariencia más expresiva y cautivadora. Para el sustrato gráfico, producir estas imágenes con nuestros ritmos de trabajo fue un reto. Al inicio me hice cargo de crear algunas de las ilustraciones, desde concepto hasta el acabado final, para luego generar un kit promocional. Eventualmente, hicimos un ‘llamado a crear’ a artistas visuales, diseñadores e ilustradores, para compartir sus creaciones en nuestro sustrato. Las piezas son concebidas de acuerdo al argumento del programa, sin embargo, en algunos casos optamos por creaciones inéditas de los colaboradores que aluden al tema. De este modo Mollusca reúne un compendio de ilustraciones y pósters que contiene diferentes miradas y expresiones como manifestación de nuestras aspiraciones como sustrato de creación. El kit promocional generado comprende diseño de pósters, flyers, posts, un brochure y un landing page, marcados con una estilización tipográfica coherente con la identidad visual de Mollusca.

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For Mollusca's study programs, the team aimed to create original artwork rather than lay it out within an institutional image format to achieve a more expressive and captivating appearance. Creating these images was challenging within our work rates at the graphic substrate. At first, I took charge of part of the illustrations from concept to final execution, followed by assembling a promotional kit. Eventually, we put out a 'call to create' to visual artists, designers, and illustrators to share their creations on our substrate. Creators conceived the pieces according to the program's outline, but in some cases, we chose unpublished artwork from collaborators that allude to the theme. In this way, Mollusca gathers a compendium of illustrations and posters that contain different views and expressions as a manifestation of our aspirations as a substrate for creation. The promotional kit generated includes the design of posters, flyers, posts, a brochure, and a landing page, marked with a typographic stylization that is cohesive with the visual identity of Mollusca.

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Kit promocional del primer círculo de lectura Hedonismos contemporáneos, producido por Mollusca en el año 2020, uno de los primeros encuentros a distancia para reflexionar sobre el placer a través de las perspectivas de algunos autores. El collage digital El jardín, además de servir como portada del entorno editorial, fue la imagen principal para poster, flyers, brochure digital y sitio web de esta actividad especial de su sustrato de estudios. 

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Promotional kit for the first reading circle ‘Hedonismos Contemporáneos’, produced by Mollusca in 2020, one of the first remote gatherings to reflect on pleasure through the perspectives of some authors. The digital collage ‘The Garden’, in addition to serving as the cover of the editorial environment, was the main image for the poster, flyers, digital brochure and website of this special activity of its studies substrate,

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La apuesta de Epicuro y de su jardín va más allá de la persecución de los placeres del cuerpo, promueve más bien los del espíritu, como podrían ser las amistades o la contemplación de la naturaleza. Y en este jardín no faltó el codiciado conocimiento como fuente de placer, convertí parte de las delicias y entorno en sustratos para leer la obra De anima de Aristóteles, una influencia del epicureísmo. Los escritos de este tratado sobre el alma complementan la composición con un tono reflexivo en relación a los valores de Mollusca, tomando cortes de páginas de traducciones al español e inglés de una edición libre del libro consolidando la estética del collage.

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The commitment of Epicurus and his garden goes beyond the pursuit of the pleasures of the body, rather it promotes those of the spirit, such as friendships or the contemplation of nature. And in this garden there was no lack of craved knowledge as a source of pleasure, I converted part of the delicacies and environment into substrates to read Aristotle's ‘De anima’, an influence of Epicureanism. The writings of this treatise on the soul complement the composition with a reflective tone in relation to Mollusca's values, taking cuts from pages of translations into Spanish and English from a free edition of the book consolidating the aesthetics of a collage.

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La primera etapa editorial de Mollusca estuvo colmada de textos que abordan el placer como valor en la sensibilidad contemporánea y como fundamento del hacer de este sustrato de creación e investigación. Un sustrato que plantea “el placer como metodología”, encuentra referente filosófico en la academia de Epicuro (342-272 a.C.), “El Jardín”, cuya doctrina se fundamenta en la implementación racional de una ética hedonista. El epicureísmo me trajo a la mente la pintura del neerlandés Jheronimus Bosch (el Bosco), El jardín de las delicias (c. 1500-1505), como imagen encarnada de un jardín donde los placeres desbordan lo imaginable.

Para reinterpretar este jardín como cover del sustrato editorial de Mollusca, emulé la técnica cut-outs de Henri Matisse, aprovechando el error de la mano mientras estrenaba mi nueva tabla de dibujo Wacom, creando un collage digital en el que figura el panel central del famoso tríptico. Entre las delicias de este jardín se halla el codiciado conocimiento en corte de páginas de la obra De anima de Aristóteles, una de las influencias del epicureísmo.

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The first editorial stage of Mollusca was full of texts that address pleasure as a value in contemporary sensibility and as the foundation of this substrate of creation and research. A substrate that proposes "pleasure as a methodology" finds a philosophical reference in the academy of Epicurus (342-272 BC), The Garden, whose doctrine lies on the rational implementation of a hedonistic ethic. Epicureanism brought to mind a painting by the Dutch Jheronimus Bosch (El Bosco), The Garden of Earthly Delights (c. 1500-1505), as an incarnated image of a garden where pleasures exceed the imaginable.

To reinterpret this garden as a cover for Mollusca's editorial substrate, I emulated Henri Matisse's cut-outs technique, taking advantage of the error in my hand while opening my new Wacom drawing board, creating a digital collage featuring the central panel of the famous triptych. Among the delights of this garden is the coveted knowledge on the page cuts of Aristotle's De Anima, one of the influences of Epicureanism.

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De las ilustraciones creadas por Neerland Dávila para su primer cuento infantil, Capito quiere divertirse (2021), emergen los personajes, objetos, arbustos, flores, hojas y piedras, silueteados detalladamente y agrupados con manchas de colores pasteles, para componer un simpático patrón. Primeramente, sirve para el interior de la cubierta con solapas del libro, y posteriormente, para un papel de regalo marcado con el logotipo simple de Capito.

From the illustrations created by Neerland Dávila for her first children's book, Capito quiere divertirse (2021), the characters, objects, bushes, flowers, leaves and stones emerge, detailed silhouettes and grouped with pastel-colored spots, to compose a nice pattern. Firstly, it is used for the inside of the book's cover, and later, for a wrapping paper marked with the Capito’s simple logo.

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Capito quiere divertirse, 2021.

El primer cuento infantil de la autora e ilustradora venezolana Neerland Dávila, Capito quiere divertirse, lleva una cubierta flexible con solapas, en cartón sulfato con plastificado brillante externo y tripa en papel lumisilk, encuadernado con lomo recto y encolado. La portada revela al  personaje principal de la historia, encabezado por el título en una composición tipográfica nítida pero juguetona, finalmente marcada con el nuevo logo, creado a partir de esta silueta de Capito. De antemano, la autora planteó un esquema básico con narración y diálogo en la página par y la ilustración correspondiente en la impar, sin embargo, no tenía claro aspectos técnicos y editoriales para publicar un libro, como la compaginación, portadillas, presentaciones, créditos, e incluso aspectos legales, que completó gracias a mi asesoría. En cuanto al diseño, apliqué a los textos de la narración un tipo de letra escrita a mano, y las ilustraciones las dispuse sangradas o enmarcadas con margen en blanco. Para complementar y animar el esquema básico planteado, apliqué como atavío a lo largo del libro, figuras que extraje silueteadas de las ilustraciones de Neerland, dispuestas sobre manchas coloreadas. Así, los personajes del cuento, objetos, hojas, arbustos y piedras adornan y enmarcan las páginas con texto, portadillas, esquemas, etc., y además sirvieron para crear un patrón para el interior de la cubierta y un papel de regalo con la marca Capito.

The first children's story by the Venezuelan author and illustrator Neerland Dávila, Capito quiere divertirse, has a flexible cover with flaps, in sulfate cardboard with external glossy laminate and interior pages in lumisilk paper, bound with a straight spine and glued. The cover reveals the main character of the story, led by the title in a sharp but playful typesetting, finally branded with the new logo, created from this silhouette of Capito. In advance, the author proposed a basic scheme with narration and dialogue on the even page and the corresponding illustration on the odd page, however, she was not clear about the technical and editorial aspects for a book to be published, such as the layout, title pages, introductions, credits , and even legal aspects, which she completed through my advice. As for the design, I applied a handwritten typeface to the narrative texts, and the illustrations were bleeded or framed with a white margin. To complement and animate the basic scheme proposed, I applied as an attire throughout the book, figures that I extracted silhouetted from Neerland's illustrations, arranged on colored spots. Thus, the characters of the story, objects, leaves, bushes and stones adorn and frame the pages with text, title pages, diagrams, etc., and they also served to create a pattern for the inside of the cover and for a gift paper with the brand Capito.