quarto dos clássicos

🎬 prazer em falar de cinema

[quartodosclassicos]

#6 O MILAGRE DE ANNE SULLIVAN

Título Original: The Miracle Worker

Ano: 1962

Diretor: Arthur Penn

O longa de 1962 dirigido por Arthur Penn nos leva para o fim do seculo XIX e nos apresenta a infância árdua da jornalista, escritora, filósofa e ativista social Hellen Keller que desde os seus 18 meses de vida não enxerga, não ouve e não fala.

Até seus 7 anos de idade, Hellen vivia em seu próprio mundo escuro, nunca foi ensinado a ela sobre o significado das coisas ao seu redor, que tudo tinha nome e nem como viver em sociedade. O que acabou transformando-a numa garota selvagem e mimada, pois sem disciplina e sem noção do que é certo ou errado ela fazia o que queria. 

Seus pais não suportando mais a situação cômoda que eles mesmo criaram, acabam cedendo e procuram ajuda. Contratam uma professora chamada Anne Sullivan, sem esperança que a filha aprenda algo. Anne Sullivan foi cega durante anos e após algumas cirurgias voltou a enxergar, aprendeu a ler, se formou e se tornou uma referência em educação inclusiva ao longo do século XX.

Neste ponto que o filme começa a ficar mais interessante. Desde sua chegada, Anne Sullivan percebe que a garota sempre foi tratada como uma criatura incapaz de coexistir, então as duas desenvolvem uma relação bastante intensa como muitos altos e baixos. O roteiro explora de forma sagaz e incrível a construção e a evolução dessa relação. Anna Sullivan além de tentá-la ensinar com linguagem de sinais, também usava métodos de cunho ortodoxo e as vezes violento, porém compreensível para a época. Apesar de endossar a rigidez que chega a ser assustadora, é notável sua preocupação e dedicação quase maternal em prol do aprendizado de Hellen.

Todas as cenas são inspiradoras. Você ri de nervoso, fica tenso, agoniado, preocupada e chora de emoção. A entrega das atrizes Anne Bancroft e Patty Duke nos papéis de Anne Sullivan e Hellen Keller são de tirar o fôlego. Principalmente na famosa cena da sala de jantar.

Ao notar que Hellen não se sentava à mesa para comer assim como os demais familiares e tateava de prato em prato ”beliscando” a comida de todo mundo, Anne decide ali mesmo ensinar a menina a se comportar e comer sentada com prato e talheres. De forma rígida a professora bota todo mundo pra fora mantendo apenas as duas e o clima de tensão se instaura na sala. Na tentativa de ensiná-la a comer com uma colher as duas começam a medir forças num clima frenético. As duas atrizes sustentam 8 minutos de cena sem nenhuma fala apenas trocando tapas, puxões, empurrões e destruindo louças e utensílios. Uma verdadeira aula de cinema!

Tamanha sintonia das duas é resultado da mesma parceria delas com a história adaptada para os palcos anteriormente. As estrelas Elisabeth Taylor e Audrey Hepburn foram escaladas para os papéis principais mas Arthur Penn fez questão de trabalhar com as mesmas atrizes da peça teatral que foi adaptado por ele também. Deu tão certo que as duas ganharam o Oscar de melhor atriz e atriz coadjuvante daquele ano e o filme ainda recebeu mais 3 indicações (Melhor Diretor, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Figurino). O roteiro ganhou mais duas adaptações, um em 1979 e outro no ano 2000.

Sem dúvidas este filme é um dos maiores clássicos dos anos 60. Arthur Penn conseguiu mostrar de forma realista e emocionante o ponto de vista tanto pedagógico quanto o olhar de superação, determinação e o modo sensível de alguém que apenas precisava e queria aprender a sair de sua própria escuridão.

[quartodosclassicos]

#5 CASABLANCA

Título Original: Casablanca

Ano: 1942

Direção: Michael Curtiz

Um dos maiores romances já feitos na história do cinema, Casablanca era pra ser só mais um filme entre centenas que eram lançados na era de ouro. Mas com seu roteiro impecável, atuações e frases marcantes, transcendeu-se durante os anos, assim se tornando um clássico imprescindível.

Usando a Segunda Guerra Mundial como pano de fundo, o filme conta a história de Rick Blaine (interpretado pelo homão da porra Humphrey Bogart), um americano superficial e amargo que vive e trabalha em Casablanca, último refúgio de europeus que buscam fugir para a América. O ponto de encontro é o seu café (Rick’s Coffee) super frequentado tanto por franceses e nazistas quanto criminosos e refugiados.

Antes mesmo de conhecermos Rick, o filme mostra a tensão de Casablanca e vemos como o trabalho do diretor Michael Curtiz foi bem detalhista, procurando manter a câmera sempre próximo dos momentos dramáticos para captar melhor as demais reações e situações. No início do filme, por exemplo a câmera se movimenta em direção a uma placa com o lema da Revolução Francesa “Liberté, Égalité, Fraternité” no momento exato em que um cidadão reacionário francês é baleado.

Rick é um homem frio, de poucas palavras e não se importa muito com a cidade prestes a ser invadida pelos alemães, contando que todos vão ao bar dele, já está ótimo. Mas aí o destino apronta e no seu bar badalado ele reencontra seu grande amor do passado, numa das cenas mais lindas e tristes... 

Ao som de “Times Goes By” e viajando pelas lembranças de Rick, vemos um homem apaixonadíssimo pela misteriosa Ilsa (interpretada pela fada Ingrid Bergman) se tornando o carrasco Rick depois de ter sido abandonado por ela sem motivos.

Ilsa na verdade tinha abandonado Rick em Paris porque descobriu que seu marido, Victor Lazlo, um dos líderes da resistência tcheca estava vivo. O reencontro dos dois reacende a paixão, mas ela precisa da ajuda de Rick para que seu marido fuja de Casablanca para que ele possa continuar sua luta contra o nazismo.

Então o dilema de Rick durante o filme todo é ajudar ou não Ilsa a ir embora com Victor, e o filme segue assim até o final. O curioso é que nem a própria Ingrid Bergman sabia com quem ela ficaria, pois o roteiro do filme foi construído na hora.

Nesse clima “ should I stay or should I go “, rola uma das cenas mais marcantes do filme. 

Num momento em que Victor Laszlo, está conversando com Rick Blaine no escritório dele, tentando convencê-lo a lhe ceder as cartas de trânsito que permitiriam que ele e sua esposa chegassem à América. De repente, ouve-se uma música vinda do andar inferior do bar. Os oficiais nazistas haviam tomado conta do piano do velho Sam e estavam tocando e cantando uma canção, muito alegres e satisfeitos. Esta canção é conhecida como Die Wacht am Rhein. Os oficiais nazistas estavam cantando esta velha canção patriótica, feita para exaltar a defesa do Reno contra os franceses, em plena França livre, em um bar repleto de franceses, que ouviam calados e humilhados. Aquilo foi demais para Victor Laszlo, que rapidamente se aproximou da orquestra do bar e ordenou que tocassem La Marseillaise, hino da França. Antes de começar a executar o hino francês, o chefe da orquestra ainda olha timidamente para Rick indagando se deve ou não obedecer a Laszlo. Rick consente e a orquestra começa a executar La Marseillaise. Todo o público do bar levanta e canta o hino francês com um fervor sem igual, exaltando seu orgulho patriótico ferido. Os alemães tentam continuar sua canção, mas rapidamente são abafados pela melodia vibrante da Marselhesa e sentam-se constrangidos. O hino francês é cantado até o final, terminando sob aplausos e gritos de “Vive la France”. É de chorar!

Por fim, Rick renúncia seu grande amor deixando-a partir com seu marido rumo à América em nome da Revolução. Ficando pra si apenas as lembranças maravilhosas que teve com Ilsa em Paris.

O filme foi lançado em 1942, ou seja, em plena II Guerra Mundial, quando o desfecho e as consequências do conflito ainda eram incertos. A trama também se passa na II Guerra Mundial, na cidade de Casablanca, no Marrocos, então uma colônia francesa. Devido a guerra o filme demorou a ser exibido em quase toda a Europa. Na Alemanha Ocidental estreou em 1952 com cortes e na Alemanha Oriental estreou já na televisão, mas isso só em 1983, por exemplo.

O filme foi indicado a 8 Oscars, levou 3: Melhor Roteiro, Melhor Filme e Melhor Diretor.

[quartodosclassicos]

#4 CREPÚSCULO DOS DEUSES

Título Original: Sunset Boulevard

Ano: 1950

Direção: Billy Wilder

  Com uma crítica ácida à indústria cinematográfica, Billy Wilder conta nessa obra como era fácil uma grande estrela cair em ostracismo quando já não se era tão jovem e útil para Hollywood e como isso pode mudar psicologicamente alguém.

   A história é narrada pelo personagem Joe Gillis (William Holden) que inicia a trama morto com 3 tiros numa piscina. A partir desta cena ele volta 6 meses de sua morte para explicar toda a cilada que ele entrou antes de aparecer morto. Gillis, no português claro, era um FUDIDO (!) Largou seu emprego no interior e foi para Hollywood tentar ganhar a vida como escritor. Tentava escrever roteiros que interessasse algum estúdio, sem sucesso. Endividado até o pescoço, com aluguel do apartamento e as prestações do carro atrasadas, estava se dando conta que conseguir fama e sucesso não era tão fácil quanto acreditava.

Um morto narrando a história de sua vida, eu sei que vocês já viram isso em algum lugar, mas pasmem: Billy Wilder não se inspirou em Memórias Póstumas de Brás Cubas. Ele nunca se quer leu Machado de Assis em sua vida.

  Na tentativa de fugir dos credores, Gillis vai parar numa mansão gigantesca e aparentemente abandonada. Por ironia do destino, os dois únicos habitantes da casa - a proprietária e seu fiel mordomo - estavam naquele momento aguardando a chegada de um agente funerário que iria levar um caixão para acondicionar o corpo de um chimpanzé de estimação. O mordomo achando que Gillis é o tal agente, o direciona parar falar com a dona da casa, o mesmo tenta se esquivar tentando explicar o mal entendido, mas sua curiosidade fala mais alto e então ele vai de encontro à madame. Conversam um pouco e Gillis explica o equívoco, reforçando que deixou seu carro escondido na garagem dela, deixando a madame furiosa! Ela o expulsa de sua casa e nesse instante ele a reconhece e diz: “VOCÊ É NORMAN DESMOND! VOCÊ ERA DO CINEMA MUDO! VOCÊ ERA GRANDE!”

então ela rebate: “EU SOU GRANDE! OS FILMES É QUE FICARAM PEQUENOS!”

  Norman Desmond  é interpretada por Gloria Swanson.

Curiosamente ou coincidentemente (me dá uma luz, Billy!) assim como sua personagem, Gloria havia sido uma grande atriz, uma das maiores do cinema mudo. Com o tempo e as mudanças em Hollywood, Gloria foi perdendo oportunidades e ficando esquecida, pois o cinema falado era sucesso e a Era de Ouro do Cinema só tinha espaço para as “novinhas” como Joan Crawford, Veronica Lake, Lauren Bacall, etc. Quando Crepúsculo dos Deuses foi lançado em 1950, fazia quase 10 anos que a atriz estava longe das telas. 

A vida real e a trama do filme se intercalam de forma impressionante em pequenos detalhes, um exemplo disso são as participações especiais do filme: O diretor Cecil B. DeMille que na trama era o diretor que fazia a maioria dos filmes de Norman, na vida real fez muitas parceiras com Gloria. Outro exemplo é a cena que Norman joga cartas com um grupo de amigos representados por Anna O’Nilsson, Buster Keaton e H.B Warner, na vida real eles foram grandes companheiros de Gloria.

Gloria Swanson e o diretor Cecil B. DeMille: Grandes amigos dentro e fora das telas.

Mas, voltando a história...

  Depois de ser reconhecida e descobrir que Gillis é roteirista, Norma oferece um emprego pra Gillis, pede pra ele ajustar um roteiro que ela estava trabalhando em cima há anos, pois sonhava em voltar a brilhar como nos anos 20. Gillis achou o roteiro uma merda, porque Norma é do cinema mudo e não aceitava a transição pro cinema falado e o roteiro todo quase não havia falas. Mas ele não queria perder a oportunidade de ganhar uma grana, já que estava ferrado em dívidas. Tudo começa a desencadear quando Norma hospeda Gillis em sua casa, quita suas dívidas, lhe compra roupas e outros mimos. Como um bom profissional ambicioso, astuto e autoconfiante, ele começa a aceitar as ofertas, pensando que estaria dando um golpe de mestre ao aceitar viver uma situação de conveniência com Norma (mesmo sendo mais velha, ela acaba se apaixonando por ele). No entanto, o destino lhe prega uma peça a partir do momento em que ele começa a se sentir cada vez mais preso dentro daquela mansão e daquele mundo irreal e autodestrutivo. É justamente isso que leva aos acontecimentos do início do filme.

Aclamado por vários críticos na época em que foi lançado, o filme recebeu quatro Golden Globes (melhor filme, atriz, diretor e trilha sonora) e onze indicações ao Oscar de 1951, ganhando três (roteiro original, direção de arte e trilha sonora).

Um clássico indispensável.

[quartodosclassicos]

#3 UM CAMINHO PARA DOIS

Título Original: Two for the Road

Ano: 1967

Direção: Stanley Donen

O amor realmente suporta tudo? Mesclando drama/romance/comédia o diretor Stanley Donen nos mostra neste filme de forma crua as dores e delícias do casamento e da vida a dois. Um filme atemporal que nos ensina que o amor não é combustível suficiente pra manter um relacionamento forte, é preciso botar na receita respeito, comprometimento, lealdade e principalmente compreensão.

O road movie se passa numa cidade interiorana da França onde o destino de dois pobres estrangeiros ingleses, Mark e Joanna se cruzam entre uma carona e outra. A química é imediata e os dois logo se apaixonam. Doze anos depois, estão casados e com uma vida financeira sucedida porém saturados um do outro. Eles voltam para a mesma cidade e em meio as lembranças, tentam descobrir em que momento o relacionamento se desgastou.

Aí que o filme ganha ritmo! Seguindo uma cronologia não linear, somos “convidados” a conhecer a história do casal e os 12 anos deles juntos. Os acontecimentos do passado alegre, feliz e brincalhão voltam à memória do casal que hoje está sério, sem graça e distante um do outro.

Nesse ritmo tudo junto e misturado vemos o casal se apaixonando, depois recém casados numa frustrada lua de mel acompanhados de um casal de americanos e sua filha mimada e insuportável (pra mim a parte mais engraçada do filme), anos mais tarde Joanna grávida e a vida sexual do casal se esvaindo cada vez mais, o que dá margem para traições e por fim, uma grande proposta de emprego para Mark que, viajando muito acaba se afastando demais de sua família.

Tudo isso culminou para um possível fim. Não quero dizer que o amor acaba, mas como eu disse lá no começo é preciso muito mais que isso pra manter uma bom relacionamento. Nunca casei e nem tive grandes relacionamentos, mas com as breves experiências que tive, o segredo para a chama não se apagar de vez É CONVERSAR COM SEU PAR. Donen soube aproveitar bastante isso nos diálogos ácidos do casal.

Falando em casal, o que dizer de Audrey Hepburn e Albert Finney? A trama é tão bem feita que faz acreditar que os dois são casados na vida real. Química maravilhosa... Boatos de Hollywood dizem que quem estava cotado para o personagem Mark era o galãzão Paul Newman, que negou o convite. Ainda bem, né? Sinceramente, acho que não ficaria tão interessante.

Albert Finney e Audrey Hepburn: CASALZÃO DA PORRA ™

Outra coisa que achei um máximo foram os cortes de cabelo e os figurinos (todos assinados por nada mais nada menos que Givenchy) usados pela Audrey, Ícone fashion faz assim =)

É um filme que merece ser visto por todos... Não importa se você é solteiro, casado, separado, enrolado...  É um reflexão de forma leve, pois é mostrado cenas de vida conjugal, que através de uma miríade de vinhetas, passadas sempre em viagem, nos desnudam as forças e fraquezas de um par que pode ser, afinal, qualquer par que está junto há alguns anos.

[quartodosclassicos]

#2 CORTINA RASGADA

Título Original: Torn Curtain

Ano: 1966

Direção: Alfred Hitchcock

 Usando a Guerra Fria como pano de fundo, o thriller de espionagem “Cortina Rasgada” para muitos é considerado o início do de declínio das obras do Hitchcock. O filme não agradou tanto, talvez pelo contexto político, que quase nunca foi usado pelo diretor (lembro que ele voltou no assunto em 1969 com o filme “Topázio” que também não foi abraçado pelo público). Boatos rolam também (digo boatos, porque sou preguiçosa e não fui afundo ver se é verdade mesmo hahahahaha) que o casal de protagonistas que Hitchcock teria escolhido pro filme seriam Cary Grant e Eva-Marie Sant (os dois fizeram par em outro filme do mestre, “Intriga Internacional”, de 1959), não conseguiu contratá-los e por imposição dos estúdios teve que aceitar Paul Newman e Julie Andrews. dois atores incríveis, com papeis memoráveis e lindíssimos, por sinal, mas infelizmente não convence, não tem química. Ainda sim com protagonistas “meia boca” pros papéis e com um roteiro mais ou menos, tio Hitch consegue mostrar pra gente o porquê é chamado (e assim eternizado) “O MESTRE DO SUSPENSE”.

o casal de protagonistas Paul Newman e Julie Andrews: Bonitinhos, mas não convence.

  A história começa em Copenhague onde o cientista americano Michael Armstrong e sua noiva Sara Sherman - que é sua assistente também, estão na cidade para participar de um congresso de física. Sarah, desconfiada, descobre que seu noivo está indo para a Alemanha Oriental levantar fundos para seu projeto que fora ignorado nos Estados Unidos. Mesmo decepcionada com a possível traição, ela decide ir atrás dele.

  O legal desse começo é que Hitchcock já coloca as manguinhas de fora e já deixa o telespectador apreensivo pensando “Por que ele tá mentindo pra ela? o quê ele tá aprontando? Por que ele tá escondendo isso?”. Esse primeiro momento que nos deixa aflitos é mostrado pelo ponto de vista de Sarah, que não sabe de fato o que está acontecendo, e que, num estante somos levados para uma segunda parte onde pelo ponto de vista agora do cientista Armstrong a trama nos conta que na verdade ele está mentindo pros comunistas, que é um espião e que está lá fingindo traição à sua pátria amada pra colher informações. É a partir daí que o filme ganha um ritmo e Hitchcock nos presenteia com duas cenas memoráveis pra deixar o público cada vez mais ansioso.

 A primeira cena acontece quando Armstrong é perseguido por seu guarda-costas alemão Gomek (interpretado por Wolfgang Kieling) num museu. O suspense preenche a tela porque só ouvimos os passos chegando cada vez mais perto, ainda sim depois de quase infartar o telespectador, o mocinho consegue escapar.

Quase morri do coração com essa cena, mas tá tudo bem.

 A outra cena acontece numa fazenda (nesse local que sabemos o verdadeiro motivo de sua vinda à Alemanha), quando tudo parece seguir seu rumo, o maldito do guarda-costas descobre o paradeiro do cientista e mais, descobre também que ele é um espião infiltrado. Aí fodeu grandão! Numa luta sem edições, acredito que deve ter sido uma das cenas mais fodas que o Hitchcock dirigiu em toda sua filmografia, pois ele deixa bem claro como é difícil tirar a vida de alguém. Chega a ser perturbador. Não tem música ao fundo, apenas os dois tentando matar um ao outro. Rola facada, socos, enforcamento, até panela de arroz voando! Gomek só morre finalmente por asfixia quando sua cabeça é colocada no forno com o gás ligado.

“Nos filmes, assassinatos são sempre limpos. Eu mostro o quão difícil é e como é repugnante matar um homem.” - Alfred Hitchcock

 A última parte, depois que nosso herói americano descobre umas formulas de física essenciais e conta a verdade para sua noiva, a trama segue na perseguição e fuga do casal numa mistura de ação e suspense que dura uns 30 minutos até nos arranca algumas gargalhadas. 

 Hitchcock conduz muito bem a seqüência do ônibus, com cada parada funcionando como agente provocador de mais tensão, justamente porque podemos ver o outro ônibus se aproximando ao fundo. A cada nova parada, o coração do espectador parece acelerar, e o mestre sabe disto, prolongando ao máximo o momento, ao mesmo tempo que bate aquele desespero dele serem pegos, rola umas situações bizarras no caminho. Mas como é de praxe (e não vou ficar dando mais spoilers) o casal se dá bem no final. Como? Só assistindo pra saber.

 Talvez eu seja muito suspeita pra falar dos filmes do Alfred Hitchcock, mas sinceramente falando, não achei tão ruim assim como a maioria diz que é. Tio Hitch nos ensina de maneira bem simples a prestar muuuuuita atenção no começo da história, porque é lá que sempre estará a pessoa, a resposta, a chave que terminará o suspense, com “Cortina Rasgada” não foi diferente.

Até o pior filme dele é bom, o cara é um mito, sem mais.

[quartodosclassicos]

#1 AS TRÊS MÁSCARAS DE EVA

Título Original: The Three Faces of Eve

Ano:1957

Direção: Nunnaly Johnson

 Baseado numa história real, “As Três Máscaras de Eva” retrata a vida de uma dona de casa, que sofria constantemente com dores de cabeça, cegueira e breves momentos de perda de memória. Levada ao psiquiatra pelo marido pra fazer tratamento (por achar que ela estava enlouquecendo depois de atacar a filha do casal), o médico descobre que ela tem múltiplas personalidades.

 Num lapso, surge uma personalidade completamente oposta do que a dona de casa Eva White é. Enquanto essa é sofrida, tímida as vezes perdida, sua nova faceta chamada de Eva Black é totalmente descompensada. Cheia de si, extravagante , fuma, bebe. Ela surge quando quer dançar e se divertir com os rapazes. O que deixa o marido (da White) fudido de raiva achando que os médicos e ela estão enganando ele.

Algumas cenas depois , nos deparamos com mais uma personalidade: Jane.

  Ela surge como um bálsamo, apesar de não saber seu nome, de onde veio e o porque surgiu mas é perceptível que essa personalidade é o equilíbrio que as outras duas precisavam. Graças a isso e a hipnose que ela é a chave para a cura de Eva.

 Por ser uma história real, analisando pelo filme sabemos que essas personalidades surgiram por conta de um trauma de infância. Mas acredito também que ter vivido naquele casamento fracassado com um marido que ao invés de dar apoio e cuidar só amedrontou  contribui para piora do seu quadro clínico. Fiquei feliz de no final ela ter separado mesmo daquele embuste e começado uma nova vida com quem realmente se preocupa com ela.

 Joanne Woodward pelo papel de Eva, levou pra casa em 1958 o Oscar de melhor atriz e um Globo de Ouro. Não preciso nem mencionar o trabalho exímio de Joanne ao interpretar três personalidades completamente distintas. Um show de atuação. Me preocupei muito com a Eva White. Eva Black me arrancou boas gargalhadas e torci para Jane não desaparecer. Queria destacar as atuações de Lee J. Cobb e David Wayne, mas foi Joanne que levou o filme nas costas. 

Prêmios mais que merecidos.

Joan Woodward com seu mozão Paul Newman, com quem foi casada até a morte dele em 2008.

[flimslit]

suspicion (1941)