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@razaperro
La foto del perro asomado entre las cenizas de Villa La Angostura la tomé en julio de 2011. No supe de la existencia del cuadro de Goya hasta mayo de 2014, cuando lo vi en el Museo del Prado. No sé qué tipo de conexión me habrá llevado por ese camino. O simplemente será que la vida se anticipa al conocimiento.
Marcha LGBT 2012, Buenos Aires, Argentina.
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Birdman y las alas del deseo
En una apuesta a la pasión y la audacia, la nueva película de Alejandro González Iñárritu persigue a sus protagonistas en un tour de force en busca de la redención.
¿Cuáles son los caminos que elegimos para ser valorados, queridos o simplemente tenidos en cuenta? ¿Alcanza con satisfacer el deseo propio? Aparentemente no.
Somos seres cuya identidad y subjetividad se construye en relación con el Otro y lo social, condición que nos somete a cánones dominantes de popularidad y legitimación. Así, se suele resignar el fuego personal para amoldarse a requisitos de validación. ¿Pero no sería más saludable trascender mediante incursiones sociales que canalicen la riqueza de nuestras auténticas pasiones?
La trama de la comedia negra Birdman está construida sobre aspiraciones de ese tipo, que las reglas de etiqueta social y el domesticador sentido común no pueden sosegar.
Los personajes atraviesan etapas de angustia, desesperación y ansiedad. Están jugados y sin fichas. Enojados, desaforados y entregados ante la última o única oportunidad de triunfar o cumplir un sueño. Desean la aprobación de los demás (crítica, público, familia) pero también quieren estar en paz con ellos mismos.
Búsqueda frenética dentro y fuera de cuadro
El film abre con una cita de Raymond Carver: “-¿Conseguiste lo que deseabas de esta vida? –Sí. -¿Y qué deseabas? -Poder llamarme amado, sentirme amado sobre la Tierra”. De entrada, el fondo negro y las letras rojas sumergen al espectador en la oscuridad de un túnel que quizás llegue a la luz de la reivindicación y la legitimación, incluso cuando ya no seamos parte de este mundo.
En ese recorrido se expone el universo personal en ebullición de cada personaje. Y con más crudeza aún, las relaciones entre ellos, que en cada escena desbordan los primeros planos con inseguridades, conflictos y egos maltrechos pero sin dar un paso atrás en sus convicciones.
No es casual que en Birdman predomine ese tipo de encuadres. Al tomar decisiones para construir la narrativa, el director Alejandro González Iñárritu abandonó la zona de confort garantizada por el prestigio (que no lo exime de numerosos detractores) forjado durante su carrera hollywoodense.
Aquí escapa de la repetición de fórmulas -como el sobrevalorado binomio de historias paralelas que confluían en Amores Perros (2000) y Babel (2006)-. Y tampoco aspira a marcar un hito entre los géneros clásicos del cine norteamericano.
El desarrollo del guion supuso un cúmulo de voluntades, ya que lo escribió en conjunto con los argentinos Armando Bo y Nicolás Giacobone -responsables de El Último Elvis (2012) y colaboradores del mexicano en Biutiful (2010)-, y el norteamericano Alexander Dinelaris.
Pero la principal innovación apareció al momento de definir cómo contar la historia. En lugar de elegir el camino más fácil, González Iñárritu pateó el tablero para optar por un recurso técnico en apariencia instintivo, acorde con la inestabilidad emocional del relato: un único plano secuencia. Así está realizada Birdman.
De esta manera, logra el grado de intimidad necesario para desnudar los miedos y ansias de los personajes. Y al mismo tiempo, por medio de la continuidad ininterrumpida, alimenta el crecimiento de la intensidad narrativa escena tras escena.
En esa línea, la banda de sonido profundiza el golpe de efecto. Es un jazz anárquico, de expansión en espiral creciente. Un vehículo que transporta el mismo salvajismo primario que las pasiones en pantalla absorben como combustible.
A pesar de este comportamiento caótico, la música de Birdman mantiene una estructura disfrazada de improvisación que termina por configurar una melodía revulsiva pero con identidad propia. Algo similar ocurre con los protagonistas, ya que amén de sus arrebatos emocionales, son conscientes del camino que recorren hacia ese triunfo personal, capaz de representar el deseo alcanzado.
Finalmente, la descomunal dirección de fotografía a cargo de Emmanuel Lubezki (habitual colaborador de otro director mexicano, Alfonso Cuarón), completa la trifecta. Logra que el incesante cambio de escenarios y ambientes fluya sin perder coherencia, pero acentuando la carga dramática de cada escena.
Los de afuera son de palo Suele decirse que la satisfacción es la muerte del deseo, ya que éste se extingue en el preciso momento en que alcanzamos lo que buscábamos. Por este motivo, quizás sea más conveniente seguir anhelando en vez de llegar al objeto deseado.
La clave radica en cómo se capitaliza el resultado. Lo más cómodo es completar el formulario de ingreso al pabellón de la legitimación social y cumplir con las exigencias pour la galerie, incluso relegando nuestro auténtico deseo original.
Pero también puede ser un fin en sí mismo, que garantiza la plenitud personal tras un proceso de búsqueda. Con Birdman, González Iñárritu asume riesgos y evita refugiarse en terrenos conocidos, más amigables para el público pero huérfanos de desafíos. Así recurrió a elementos que le permitieron imprimir una singularidad atípica para el mainstream de la industria cultural hollywoodense.
Apostó a la audacia de representar la pasión, con los excesos y los miedos que ella dispara a su paso. Y el resultado es una gesta cuyo reconocimiento seguramente está llegando de la mano de premios, críticas y taquilla.
Pero en el fondo, y si nos dejamos llevar por la trama del film, lo más satisfactorio de Birdman debe ser la posibilidad de haber podido plasmar ideas, deseos y pasiones, más allá del talento y las capacidades profesionales y artísticas que dieron forma a esta película. Yo quiero creer.
Reclamo de Verdad y Justicia por la desaparición de los 43 estudiantes de #Ayotzinapa, #México
"¡Vivos se los llevaron! ¡Vivos los queremos!"
Que vayan pasando...
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Nunca fui fanático de Soda ni de su carrera solista, pero cuando recién le dije a mi viejo "se murió Cerati", me cayó una ficha conmovedora hasta las lágrimas. No descubro nada al decir que lo de hoy excede gustos musicales y las opiniones a favor y en contra. Pero siento que para nuestra generación en cierta forma marca el fin de una era. Su figura condensaba esa capacidad de los que nos criamos en los 80, maduramos en los 90 y vivimos en el siglo XXI para confirmarnos, mejorarnos y reinventarnos, sin dejar de ser los mismos de siempre. Quería compartir eso. Y darle las gracias a mi amigo Juan Manuel Dvoskin por haberme elegido para acompañarlo al verdadero último concierto, el de las Gracias Totales.
No somos víctimas
Video hipnótico.
Do you remember?
What’s your preference?
16, 33 or 45 rpm?
“El retorno de Sudacasaurio Igua Resc”, de Mildred Burton (2003).
Primer premio en la tercera edición de los Premios Museo Nacional de Bellas Artes-Fundación Banco Ciudad a las artes visuales. El jurado de premios estuvo integrado por Elba Castaño (vicepresidente de la Fundación Banco Ciudad), Nelson Di Maggio (crítico uruguayo), Albino Dieguez Videla, Alberto Giudici, Jorge Glusberg, Patricia Kolesnicov, Graciela Melgarejo y Oscar Smoljan.
De Ámbito Web: «Así como en EE.UU. tienen sus series de Terminator, Rambo, yo quise -dice Burton-crear en el Museo uno que nos represente a todos, y trabajé sobre una iguana». Es una imagen a la manera del cómic, en posición erguida como es habitual en su actitud de pelea, y la artista le agregó un aura para convertirla en ícono. Utilizó imitaciones de piedras preciosas, con cristales que producen reflejos en los ojos y en la cola. Pintada además con oro en polvo en suspensión, la iguana, con tremendas uñas y garras, simula emitir luces. «Quise realizar una representación de un ejército norteamericano y por eso incluí soldaditos que de lejos parecen pasto que se quema». La artista, además, les cortó piernas y cabezas.
