Dal Rinascimento al Barocco

The Renaissance (from the middle of 15th - end of 16th century) is first and foremost a fact of culture, a conception of life and reality that operates in the arts, letters, sciences and customs with the intention of re-proposing the modes and forms of intellectual and artistic life of the classical age. The Baroque transcends art. It was a cultural, scientific, technological, philosophical, political, economic period... The 17th century was born with political (modern states), religious (the Counter-Reformation), technological (the telescope), economic (crisis) and social (the bourgeoisie) changes. This atmosphere gave rise to an anti-classical style, less rational and more passionate, a reaction against what had gone before, as often happens - and must happen - throughout the history of art.

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Pinturicchio (1454–1513). Face of an Angel, detail from the Madonna della Pace (c. 1490). San Severino delle Marche Civic Art Gallery, Italy.

(English / Español / Italiano)

Pinturicchio (1454 - 1513). Rostro de un ángel, detalle de la Virgen de la Paz (hacia 1490). Pinacoteca Cívica de San Severino delle Marche, Italia.

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Pinturicchio (1454 - 1513). Volto di un Angelo, dettaglio della Madonna della Pace (1490 c.). Pinacoteca Civica San Severino delle Marche.

Source: E-ART by Angela Pistolesi

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The level of detail is impressive:

Bust of María Barberini Duglioli, 1627.

Created by Giuliano Finelli (Carrara, 1602 – Rome, 1653), an Italian Baroque sculptor who trained at the school of Gian Lorenzo Bernini.

(English / Español / Italiano)

Impresionante el nivel de detalle:

busto de María Barberini Duglioli, 1627.

Hecha por Giuliano Finelli (Carrara, 1602 - Roma, 1653) quien fue un escultor italiano del barroco iniciado en la escuela de Gian Lorenzo Bernini.

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Il livello di dettaglio è impressionante:

busto de María Barberini Duglioli, 1627.

Opera di Giuliano Finelli (Carrara, 1602 - Roma, 1653), scultore barocco italiano formatosi nella scuola di Gian Lorenzo Bernini.

Source: La Biblioteca de Alejandría

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Orbis Terrarum Typus De Integro Multis In Locis Emendatus. By Petrus Plancius (1594).

Beat that, Google Maps!

(English / Español / Italiano)

This is the first printed map to feature decorative allegorical figures to embellish the area surrounding the hemispheres at the edge. Every centimetre of the document is covered with information and images.

Surrounding the geographical and cosmographical details are allegorical figures representing the main regions of the world (clockwise from the top left-hand corner): Europa, Asia, Africa, Magallanica, Peruana et Mexicana. In each illustration, a woman represents the characteristics—from a Eurocentric perspective—of that particular place, whilst the backgrounds depict other features such as the landscape, the flora, the fauna and the various peoples.

The most fantastic part of the map is the Magallanica section. Named in honour of Ferdinand Magellan, a Portuguese explorer and navigator in the service of Castile, who led the first circumnavigation. Magallanica was one of the names given to the fantastic southern continent, which included present-day  Australia and parts of Antarctica, of unknown and variable size, which was believed to balance out the continents of the northern hemisphere.

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Se trata del primer mapa impreso que incluye figuras alegóricas decorativas para embellecer el área que rodea los hemisferios en el borde. Cada centímetro del documento está cubierto de información e imágenes.

Alrededor de los detalles geográficos y cosmográficos están las figuras alegóricas que representan las principales regiones del mundo (en el sentido de las agujas del reloj desde la esquina superior izquierda): Europa, Asia, Africa, Magallanica, Peruana et Mexicana. En cada ilustración, una mujer representa las cualidades desde el punto de vista eurocéntrico, de ese lugar en particular, mientras que los fondos muestran otros rasgos como el paisaje, la flora, la fauna y los diversos pueblos.

La parte más fantástica del mapa es la sección de Magallanica. Llamado así en honor de Fernando de Magallanes, explorador y navegante portugués al servicio de Castilla, protagonista de la primera circunnavegación. Magallánica fue uno de los nombres dados al fantástico continente del sur, que incluía la actual Australia y tierras de la Antártida, de tamaño desconocido y variable que se creía contrarrestaba los continentes del hemisferio norte.

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Si tratta della prima mappa stampata che include figure allegoriche decorative per abbellire l'area che circonda gli emisferi lungo il bordo. Ogni centimetro del documento è ricoperto di informazioni e immagini.

Intorno ai dettagli geografici e cosmografici si trovano le figure allegoriche che rappresentano le principali regioni del mondo (in senso orario a partire dall’angolo in alto a sinistra): Europa, Asia, Africa, Magallanica, Peruviana e Messicana. In ogni illustrazione, una donna incarna le qualità, da un punto di vista eurocentrico, di quel luogo specifico, mentre gli sfondi mostrano altri aspetti quali il paesaggio, la flora, la fauna e i vari popoli.

La parte più affascinante della mappa è la sezione dedicata alla Magallanica. Chiamata così in onore di Fernando de Magallanes, esploratore e navigatore portoghese al servizio della Castiglia, protagonista della prima circumnavigazione.& Magallanica era uno dei nomi attribuiti al fantastico continente meridionale, che comprendeva l’attuale Australia e le terre dell’ Antartide, di dimensioni sconosciute e variabili, che si riteneva facesse da contrappeso ai continenti dell’ emisfero settentrionale.

Source: Línea del Horizonte

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This fresco is a detail from the Camera degli Sposi (also known as Camera Picta), a Renaissance masterpiece painted by Andrea Mantegna between 1465 and 1474 and dedicated to Ludovico III Gonzaga and his wife Barbara of Brandenburg. The work is housed within the Castle of San Giorgio, part of the Ducal Palace complex in Mantua, Italy.

(English / Español / Italiano)

The imposing figure seated in the centre, wearing a golden gown, is the Marquise of Mantua, Barbara of Brandenburg, wife of Ludovico III Gonzaga. The young man standing immediately behind his mother, dressed in a red brocade suit, is Rodolfo Gonzaga. The little girl at her mother’s feet, who appears to be offering her an apple, is Paola Gonzaga.

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Este fresco es un detalle de la Cámara de los Novios (también conocida como Camera Picta), una obra maestra del Renacimiento realizada por Andrea Mantegna entre 1465 y 1474 y dedicados a Ludovico III Gonzaga y a su esposa Bárbara de Brandeburgo. La obra se encuentra en el interior del Castillo de San Jorge, que forma parte del complejo del Palacio Ducal de Mantua, Italia.

La imponente figura sentada en el centro, con un vestido dorado, es la marquesa consorte de Mantua, esposa de Ludovico III Gonzaga, Bárbara de Brandeburgo. El joven que está de pie justo detrás de su madre, vestido con un traje rojo de brocado, es Rodolfo Gonzaga. La niña a los pies de su madre, que parece ofrecerle una manzana, es Paola Gonzaga.

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Questo affresco è un dettaglio della Camera degli Sposi (nota anche come Camera Picta), capolavoro del Rinascimento realizzato da Andrea Mantegna tra il 1465 e il 1474 e dedicati a Ludovico III Gonzaga e a sua moglie Barbara di Brandeburgo. L'opera si trova all'interno del Castello di San Giorgio, parte del complesso del Palazzo Ducale di Mantova.

La figura imponente seduta al centro in abito dorato è la marchesa consorte di Mantova, moglie di Ludovico III Gonzaga, Barbara di Brandeburgo. Il giovane uomo in piedi subito dietro la madre, vestito con un abito rosso e broccato è Rodolfo Gonzaga. La bambina ai piedi della madre che sembra porgerle una mela è Paola Gonzaga.

Source: Evviva L'arte 

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This sheet is one of those Michelangelo produced to help his young apprentices practise. It features a mouth with a nose, an eye seen in profile and from the front, a foot with a distinctive shin guard, and a left ear surrounded by curls. The sheet belongs to the Musée des Beaux-Arts in Besançon and has been dated to between 1532 and 1534.

(English / Español / Italiano)

Este boceto es uno de los que Miguel Ángel realizó para que los jóvenes aprendices practicaran. En él se aprecian una boca con una nariz, un ojo visto de perfil y de frente, un pie con una espinillera característica y una oreja izquierda rodeada de rizos. La hoja pertenece al Musée des Beaux-Arts de Besançon y se ha datado entre 1532 y 1534.

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Questo foglio è uno di quelli che Michelangelo realizza per far fare pratica ai ragazzi apprendisti. Ci sono una bocca con un naso, un occhio visto di profilo e di fronte, un piede con un particolare schiniere e un orecchio sinistro circondato da riccioli. Il foglio appartiene al Musèe des Beaux Arts di Besancon ed è stato datato fra il 1532 e il 1534.

Source: michelangelobuonarrotietornato.com

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Head of an Old Man (in Italian, Testa di vecchio), a polychrome terracotta sculpture created by the Italian artist Guido Mazzoni between 1480 and 1485.

(English / Español / Italiano)

Guido Mazzoni (c. 1450–1518), a Renaissance master renowned for his detailed and hyper-realistic sculptural groups.

It is a small but striking sculpture, measuring 26 centimetres in height, and stands out for its extreme and naturalistic realism, characteristic of the artistic culture of the Po Valley in the late 15th century. It starkly depicts the wrinkles, sagging skin and features marked by age.

It is moulded from terracotta. Although experts suggest that the paint it currently retains is not the original polychrome, it faithfully reproduces the colour scheme it must have had originally.

It is currently on display and protected at the prestigious Galleria Estense in Modena, Italy.

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Cabeza de viejo (en italiano, Testa di vecchio), una escultura de terracota policromada creada por el artista italiano Guido Mazzoni entre los años 1480 y 1485.

Guido Mazzoni (ca. 1450–1518), un maestro del Renacimiento célebre por sus detallados e hiperrealistas grupos escultóricos.

Tiene una altura pequeña pero impactante de 26 centímetros y sobresale por un realismo extremo y naturalista, característico de la cultura artística de la llanura del Po a finales del siglo XV. Muestra de forma cruda las arrugas, la flacidez de la piel y los rasgos marcados por la edad.

Está moldeada en terracota. Aunque los expertos indican que la pintura que conserva actualmente no es la policromía original, replica fielmente el aspecto cromático que debió tener en su origen.

Actualmente see encuentra expuesta y protegida en la prestigiosa Galleria Estense en Módena, Italia.

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Testa di vecchio (in italiano, Testa di vecchio), una scultura in terracotta policroma realizzata dall'artista italiano Guido Mazzoni tra il 1480 e il 1485.

Guido Mazzoni (ca. 1450–1518), un maestro del Rinascimento famoso per i suoi gruppi scultorei ricchi di dettagli e iperrealistici.

Ha un’altezza modesta ma di grande effetto, pari a 26 centimetri, e si distingue per l’estrema e naturalistica realistica, caratteristica della cultura artistica della pianura padana alla fine del XV secolo. Mostra in modo crudo le rughe, il rilassamento cutaneo e i tratti segnati dall’età.

È realizzata in terracotta. Sebbene gli esperti sostengano che la pittura che conserva attualmente non sia la policromia originale, essa riproduce fedelmente l'aspetto cromatico che doveva avere in origine.

Attualmente è esposta e custodita nella prestigiosa Galleria Estense di Modena.

Source: HISTORIA

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The Madonna della Pace (Virgin of Peace) is a notable painting by the Renaissance master Pinturicchio (Bernardino di Betto, c. 1452–1513), dated around 1490.

(English / Español / Italiano)

This oil on panel (143 × 70 cm) is considered one of the few works from his early mature period to be entirely in his own hand. It was commissioned by the humanist Liberato Bartelli, a native of San Severino and canon of Santa Maria in Trastevere in Rome, who donated the work to the cathedral in his hometown.

It is housed in the ‘Pinacoteca Civica Padre Pietro Tacchi Venturi’ in San Severino Marche, Italy.

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La Madonna della Pace (Virgen de la Paz) es una destacada pintura del maestro renecentista Pinturicchio (Bernardino di Betto c.1452 - 1513) datada hacia 1490. Esta obra de óleo sobre madera (143 × 70 cm) se considera una de las pocas piezas totalmente autógrafas de su etapa de temprana madurez. Fue un encargo del humanista Liberato Bartelli, oriundo de San Severino y canónigo de Santa María en Trastevere en Roma, quien donó la obra a la catedral de su ciudad natal.

Se conserva en la Pinacoteca Civica Padre Pietro Tacchi Venturi en San Severino Marche, Italia.

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La Madonna della Pace (Vergine della Pace) è un’opera di grande rilievo del maestro rinascimentale Pinturicchio (Bernardino di Betto, 1452 circa – 1513), datata intorno al 1490. Quest’opera, realizzata a olio su tavola (143 × 70 cm), è considerata una delle poche opere interamente autografe del suo primo periodo di maturità. Fu commissionata dall’umanista Liberato Bartelli, originario di San Severino e canonico di Santa Maria in Trastevere a Roma, il quale donò l’opera alla cattedrale della sua città natale.

Se conserva en la Pinacoteca Civica Padre Pietro Tacchi Venturi en San Severino Marche, Macerata.

Source: Historia del Arte

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The work "Angel of the Annunciation" (1430) by the Sienese master Giovanni di Paolo (c. 1455–1460) is a refined tempera and gold on panel. This work depicts the Archangel Gabriel and is located on the reverse of a panel depicting The Annunciation to Zechariah. It is housed in the renowned collection of The Metropolitan Museum of Art in New York.

(English / Español / Italiano)

La obra «Ángel de la Anunciación» (1430) del maestro senés Giovanni di Paolo (h. 1455–1460) es una refinada pintura al temple y oro sobre tabla. Esta obra representa al arcángel Gabriel y se encuentra en el reverso de un panel que muestra La Anunciación a Zacarías. Se conserva en la famosa colección del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

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L'opera "Angelo dell'Annunciazione" (1430) del maestro senese Giovanni di Paolo (ca. 1455–1460) è una raffinata tempera e oro su tavola. Quest'opera raffigura l'arcangelo Gabriele e si trova sul retro di un pannello che mostra L'Annunciazione a Zaccaria. È conservata nella celebre collezione del The Metropolitan Museum of Art di New York.

Source: Wikimedia Commons

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Hubert van Eyck and Jan van Eyck, Detail from the Ghent Altarpiece, 1426–1432, St Bavo’s Cathedral, Ghent.

(English / Español / Italiano)

The polyptych of the Adoration of the Mystical Lamb is one of the finest works of the Flemish school and is currently housed in St Bavo’s Cathedral in Ghent. This magnificent work is the result of a collaboration between Hubert and his brother Jan van Eyck (commissioned by Joos Vyd and his wife, Elisabeth Borluut), and there is some debate as to which parts were painted by each brother; however, this is only attested to by a message inscribed on the frame of the composition:

Pictor Hubertos e Eyck·maior quo nemo repertus incepit·pondus·que Johannes arte secundus Frater perfunctus·Judoci Vijd prece fretus· Versus sexta mai·vos collocat acta tueri.

(The painter Hubert van Eyck, the greatest of his kind, began this work, and Jan, his brother, second only to him in art, having completed the task at the expense of Judocus Vyd, invites you through this verse, on 6 May, to contemplate what has been done).

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Hubert van Eyck y Jan van Eyck, Detalle del Políptico del Cordero Místico, 1426-1432, catedral de San Bavón, Gante.

El políptico de la Adoración del Cordero Místico, es una de las más nobles creaciones de la escuela flamenca, estando actualmente en la Catedral de San Bavón de Gante. Esta magna obra es fruto de la colaboración de Hubert con su hermano Jan van Eyck (por encargo de Joos Vyd y su esposa, Elisabeth Borluut), discutiéndose qué partes corresponden a cada hermano, sin embargo, este hecho solo lo atestigua un mensaje grabado en el marco de la composición:

Pictor Hubertos e Eyck·maior quo nemo repertus incepit·pondus·que Johannes arte secundus Frater perfunctus·Judoci Vijd prece fretus· Versus sexta mai·vos collocat acta tueri.

(El pintor Hubert van Eyck, mayor del cual no hay nadie, comenzó esta obra y Jan, su hermano, segundo en arte, habiendo terminado la tarea a expensas de Judocus Vyd, os invita mediante este verso, el 6 de mayo, a contemplar lo que se ha hecho).

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Hubert van Eyck e Jan van Eyck, Particolare del Polittico dell'Agnello Mistico, 1426-1432, cattedrale di San Bavone, Gand.

Il polittico dell'Adorazione dell'Agnello Mistico, è una delle creazioni più nobili della scuola fiamminga e si trova attualmente nella Cattedrale di San Bavone a Gand. Questa magnifica opera è frutto della collaborazione di Hubert con suo fratello Jan van Eyck (su incarico di Joos Vyd e di sua moglie, Elisabeth Borluut), e si discute su quali parti siano state realizzate da ciascuno dei due fratelli; tuttavia, l'unica testimonianza di questo fatto è un messaggio inciso nella cornice della composizione:

Pictor Hubertos e Eyck·maior quo nemo repertus incepit·pondus·que Johannes arte secundus Frater perfunctus·Judoci Vijd prece fretus· Versus sexta mai·vos collocat acta tueri.

(Il pittore Hubert van Eyck, il più grande tra tutti, ha iniziato quest'opera e Jan, suo fratello, secondo per talento artistico, avendola portata a termine per conto di Judocus Vyd, vi invita con questo verso, il 6 maggio, a contemplare ciò che è stato realizzato).

Source: In viaggio con Tessa

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Bernardo Zenale and Bernardino Butinone.

Detail from the San Martino Polyptych (Saint Lucy, Saint Catherine of Alexandria and Saint Mary Magdalene) (1485–1491), housed in the exhibition space “La Porta del Cielo” (The Gate of Heaven), an oratory attached to the Basilica of San Martino and Santa Maria Assunta in Treviglio, in the province of Bergamo, Italy.

(English / Español / Italiano)

In 1485, Zenale, together with Bernardino Butinone, completed and signed the monumental polyptych for the church of San Martino in Treviglio (Treviglio Polyptych). Between 1484 and 1493, Zenale, in collaboration with Butinone, painted the frescoes depicting scenes from the Life of Saint Ambrose and The Angel Musicians found in the Grifi Chapel of the Milanese church of San Pietro a Gesate.

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Bernardo Zenale e Bernardino Butinone.

Detalle del Políptico de San Martín (Santa Lucía, Santa Catalina de Alejandría y Santa María Magdalena) (1485-1491), conservado en el espacio expositivo «La Porta del Cielo», oratorio anexo a la Basílica de San Martín y Santa María de la Asunción en Treviglio, provincia de Bérgamo, Italia.

 En 1485 Zenale, junto a Bernardino Butinone, concluyen y firman el monumental políptico de la iglesia de san Martino en Treviglio (Políptico de Treviglio). Entre el período que va de 1484 a 1493 Zenale realizó en colaboración con Butinone los frescos de las escenas de la Vida de san Ambrosio y Los Ángeles músicos que se encuentran en la capilla Grifi de la iglesia milanesa de San Pietro a Gesate.

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Bernardo Zenale e Bernardino Butinone.

Particolare del Polittico di San Martino (Santa Lucia, Santa Caterina d’Alessandria e Santa Maria Maddalena) (1485 -1491), conservato nello spazio espositivo "La Porta del Cielo" oratorio annesso alla Basilica di San Martino e Santa Maria Assunta a Treviglio, provincia di Bergamo.

Nel 1485 Zenale, insieme a Bernardino Butinone, completò e firmò il monumentale polittico della chiesa di San Martino a Treviglio (Polittico di Treviglio). Nel periodo compreso tra il 1484 e il 1493 Zenale realizzò, in collaborazione con Butinone, gli affreschi delle scene della  Vita di Sant'Ambrogio e Gli angeli musicisti che si trovano nella cappella Grifi della chiesa milanese di San Pietro a Gesate.

Source: In viaggio con Tessa

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"Saint Michael the Archangel" 1490s, Bernardo Zenale (aka Bernardino, Lombard Renaissance painter of religious subjects, Treviglio, near Bergamo 1477-Milan 1526).

Tempera and oil on wood panel. Galleria degli Uffizi, Florence.

(English / Español / Italiano)

«San Miguel Arcángel», c. 1490, Bernardo Zenale (también conocido como Bernardino, pintor renacentista lombardo de temas religiosos, Treviglio, cerca de Bérgamo, 1477-Milán, 1526).

Tempera y óleo sobre tabla. Gallería degli Uffizi, Florencia.

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"San Michele Arcangelo", 1490 circa, Bernardo Zenale (detto Bernardino, pittore rinascimentale lombardo di soggetti religiosi, Treviglio 1477-Milano 1526).

Tempera e olio su tavola. Galleria degli Uffizi, Firenze.

Source: Late Middle Ages to Baroque Art by Silvia Franzolini

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Human Frailty (circa 1656), Salvator Rosa (1615-1673). The painting is currently on display at the Fitzwilliam Museum in Cambridge.

(English / Español / Italiano)

In 1655, a devastating plague ravaged Naples. Salvator Rosa’s son, Rosalvo, his brother, his sister, her husband and five of their children died. The transience of human life was a recurring theme in 17th-century painting and thought, but for Rosa, in the year he painted this work, the subject took on a tragic immediacy. A letter to his friend Ricciardi makes clear the impact this multiple loss had on him: ‘This time heaven has struck me so hard that it shows me that all human remedies are useless and that the least pain I feel is when I tell you that I am weeping as I write.’

One can imagine him weeping as he painted L'Umana Fragilità.

Despite its universal and timeless theme—the fragility of human life—this is a deeply personal painting. The seated woman, looking weary and strangely passive, is a portrait of Lucrezia, Salvator’s lover and Rosalvo’s mother. The child, whose wrist is held by Death, represents the artist’s deceased son. The circle of pale roses around the mother’s head is probably an allusion to the family name. Salvator’s initials appear at the bottom of the canvas, on the blade of the knife—a symbol of death, the relentless steel that took his family from him.

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«La fragilidad humana» (h. 1656), Salvator Rosa (1615-1673). La obra se encuentra actualmente expuesta en el Museo Fitzwilliam de Cambridge.

En 1655, una plaga devastadora asoló Nápoles. El hijo de Salvator Rosa, Rosalvo, su hermano, su hermana, el marido de esta y cinco de sus hijos fallecieron. La fugacidad de la vida humana era un tema recurrente en la pintura y el pensamiento del siglo XVII, pero para Rosa, en el año en que realizó este cuadro, el tema adquirió una trágica inmediatez. Una carta a su amigo Ricciardi deja claro el impacto que esta pérdida múltiple tuvo en él: «Esta vez el cielo me ha golpeado de tal manera que me muestra que todos los remedios humanos son inútiles y que el menor dolor que siento es cuando te digo que lloro mientras escribo».

Uno puede imaginarlo llorando mientras pintaba L'Umana Fragilità .

A pesar de su tema universal y eterno —la fragilidad de la vida humana—, esta es una pintura profundamente personal. La mujer sentada, de aspecto cansado y extrañamente pasiva, es un retrato de Lucrecia, amante de Salvator y madre de Rosalvo. El niño, con la muñeca sujeta por la Muerte, representa al hijo fallecido del artista. El círculo de rosas pálidas alrededor de la cabeza de la madre es probablemente una alusión al apellido. Las iniciales de Salvator aparecen en la parte inferior del lienzo, en la hoja del cuchillo, símbolo de la muerte, el acero implacable que le arrebató a su familia.

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La fragilità umana (circa 1656), Salvator Rosa (1615-1673). Il dipinto è attualmente esposto al Fitzwilliam Museum di Cambridge.

Nel 1655 una devastante pestilenza colpì Napoli. Morirono il figlio di Salvator Rosa, Rosalvo, suo fratello, sua sorella, il marito di quest’ultima e cinque dei loro figli. La fugacità della vita umana era un tema ricorrente nella pittura e nel pensiero del XVII secolo, ma per Rosa, nell’anno in cui realizzò questo quadro, il tema assunse una tragica attualità. Una lettera al suo amico Ricciardi chiarisce l'impatto che questa perdita multipla ebbe su di lui: «Questa volta il cielo mi ha colpito in modo tale da mostrarmi che tutti i rimedi umani sono inutili e che il dolore minore che provo è quando ti dico che piango mentre scrivo».

Viene da immaginare che piangesse mentre dipingeva L'Umana Fragilità.

Nonostante il suo tema universale ed eterno —la fragilità della vita umana—, questo è un dipinto profondamente personale. La donna seduta, dall’aspetto stanco e stranamente passivo, è un ritratto di Lucrezia, amante di Salvator e madre di Rosalvo. Il bambino, con il polso afferrato dalla Morte, rappresenta il figlio defunto dell’artista. Il cerchio di rose pallide attorno alla testa della madre è probabilmente un'allusione al cognome. Le iniziali di Salvator compaiono nella parte inferiore della tela, sulla lama del coltello, simbolo della morte, l'acciaio implacabile che gli ha strappato la sua famiglia.

Source: The Fitzwilliam Museum

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A close-up of the gloved hand holding a beautiful handkerchief decorated with needle lace. It is taken from the portrait of Queen Anne of Austria, painted by Alonso Sánchez Coello in 1571.

In the 16th century, perfumed gloves and handkerchiefs were symbols of status, wealth and royal protocol.

Collection Kunsthistorisches Museum, Vienna.

(English / Español / Italiano)

Detalle de la mano enguantada que sostiene un hermoso pañuelo ornamentado con encaje a la aguja. Pertenece al retrato de la Reina Ana de Austria, pintado por Alonso Sánchez Coello en 1571.

En el siglo XVI, los guantes perfumados y pañuelos eran símbolos de estatus, riqueza y protocolo dinástico.

Colección Kunsthistorisches Museum, Viena.

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Dettaglio della mano guantata che regge un bellissimo fazzoletto decorato con merletti a punto croce. Appartiene al ritratto della regina Anna d'Austria, dipinto da Alonso Sánchez Coello nel 1571.

Nel XVI secolo, i guanti profumati e i fazzoletti erano simboli di prestigio, ricchezza e protocollo dinastico.

Collezione Kunsthistorisches Museum, Vienna.

Source: Historia de la Moda y los Tejidos

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Saint Mary Magdalene is a tempera and gilding painting on panel (152 x 49 cm) by Carlo Crivelli, dated around 1476 and now in the Rijksmuseum, Amsterdam. It is signed below in a dummy cartouche OPVS KAROLI CRIVELLI VENETI.

(English / Español / Italiano)

Santa María Magdalena es un pintura al temple y dorado sobre tabla (152 x 49 cm) de Carlo Crivelli, datada en 1476 aproximadamente y conservada en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Está firmado abajo en una cartela simulada OPVS KAROLI CRIVELLI VENETI.

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La Santa Maria Maddalena è un dipinto a tempera e doratura su tavola (152 x 49 cm) di Carlo Crivelli, datato all’incirca al 1476 e conservato al Rijksmuseum di Amsterdam. È firmato in basso su un cartiglio finto con la scritta «OPVS KAROLI CRIVELLI VENETI».

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The Pala di San Cassiano is an oil painting on panel (115x65 cm central panel, 55.9x35 left panel and 56.8x35.6 right panel) by Antonello da Messina, dated 1475-1476 and preserved in the Kunsthistorisches Museum of Vienna.

(English / Español / Italiano)

The altarpiece, although severely mutilated, was a real watershed in the Venetian painting of the fifteenth century between old and new, introducing some characteristics that became constant in the subsequent production.

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El Retablo de San Cassiano es una pintura al óleo sobre tabla (115x65 cm panel central, 55,9x35 panel izquierdo y 56,8x35,6 panel derecho) de Antonello da Messina, fechada 1475-1476 y conservada en el Kunsthistorisches Museum de Viena. El retablo, aunque gravemente mutilado, fue un verdadero hito en la pintura véneta del siglo XV entre lo viejo y lo nuevo, introduciendo algunas características que se volvieron constantes en la producción posterior.

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La Pala di San Cassiano è un dipinto olio su tavola (115x65 cm pannello centrale, 55,9x35 pannello sinistro e 56,8x35,6 pannello destro) di Antonello da Messina, datata 1475-1476 e conservata nel Kunsthistorisches Museum di Vienna. La pala, sebbene gravemente mutilata, fu un vero e proprio spartiacque nella pittura veneta del Quattrocento tra vecchio e nuovo, introducendo alcune caratteristiche che divennero costanti nella produzione successiva.

Source: Musei Italiani/ museionline.info

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The Annunciation Piermatteo Lauro de' Manfredi da Amelia (ca, 1475).

(English / Español / Italiano)

Piermatteo d'Amelia (Amelia, 1448) was one of the leading figures in Umbrian painting of the second half of the 15th century. He was very well known in his day and his real name was Piermatteo Lauro de’ Manfredi of Amelia. He was a pupil of Filippo Lippi and in Florence he also came into contact with Andrea del Verrocchio, from whom he derived his incisive and precise style.  Around  1480  Piermatteo is documented in Rome, as he was called upon to assist Perugino with the frescoes in the Sistine Chapel.

In addition to his panel paintings, the master from Amelia was also renowned for his frescoes, as evidenced by the splendid Holy Conversation in the Church of Sant'Agostino in Narni, a masterpiece of superb quality, owing to its technical perfection and masterful drawing. Another example of great value is the Toscolano cycle.

Piermatteo died between 1503 and 1508.

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La Anunciación, Piermatteo Lauro de' Manfredi (c. 1475).

Piermatteo d'Amelia (Amelia, 1448) fue uno de los principales representantes de la pintura umbra de la segunda mitad del siglo XV. En su época era muy conocido y su verdadero nombre era Piermatteo Lauro de' Manfredi de Amelia. Fue discípulo de Filippo Lippi y en Florencia entró en contacto también con Andrea del Verrocchio, de quien derivó su trazo incisivo y preciso.  Hacia 1480  se tiene constancia de la presencia de Piermatteo en Roma, ya que fue llamado para colaborar con Perugino en los frescos de la Capilla Sixtina.

Además de la pintura sobre tabla, el maestro de Amelia también era apreciado por sus frescos, como lo atestigua la espléndida «Sacra conversazione» de la iglesia de Sant'Agostino en Narni, obra maestra de calidad soberbia, por su perfección técnica y la maestría del dibujo. Otro ejemplo de gran valor es el ciclo pictórico de Toscolano.

Piermatteo murió entre 1503 y 1508.

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L'Annunciazione, Piermatteo Lauro de' Manfredi (1475 circa).

Piermatteo d'Amelia (Amelia 1448) è stato uno dei protagonisti della pittura umbra della seconda metà  del '400. Ai suoi tempi era molto noto e il suo vero nome era Piermatteo Lauro de' Manfredi di Amelia. Fu allievo di Filippo Lippi e a Firenze entrò in contatto anche con Andrea del Verrocchio, da cui derivò il disegno incisivo e preciso.  Intorno al  1480  Piermatteo è documentato a Roma, poichè venne chiamato per affiancare il Perugino agli affreschi della Cappella Sistina.

Oltre alla pittura su tavola, il maestro di Amelia era apprezzato anche per i suoi affreschi, come è testimoniato dalla splendida Sacra conversazione nella chiesa di Sant'Agostino a Narni, capolavoro di qualità superba, per la perfezione tecnica e la sapienza del disegno. Un altro esempio di grande valore e il ciclo pittorico di Toscolano.

Piermatteo morì tra il 1503 e il 1508.

The work is on display at the Isabella Gardner Museum - Boston.

Source: geometriefluide.com by A. Cocchi

[rinascimentoebarocco]

The Annunciation is an oil painting on panel by the Venetian artist Jacopo Bellini, created between 1425 and 1435 for the church of Sant'Alessandro in Brescia (Italy).

(English / Español / Italiano)

Initially attributed to Beato Angelico, then to Gentile da Fabriano, the Annunciation polyptych was identified by Giovanni Morelli as one of Jacopo Bellini’s mature works.

Bellini, who was renowned for his use of gold, employs it in the robes, the back wall and the sacred attributes of the Angel and the dove of the Holy Spirit. 

The use of gold, the static nature of the figures that appear to be levitating, and the pointed arch are all typical features of the Gothic style, whilst the new expressiveness of the faces, the architectural structure with its coffered ceiling, and the recessed floor with its Anatolian carpet are signs of the emerging Renaissance trends.

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La Anunciación es un óleo sobre tabla del pintor veneciano Jacopo Bellini, realizado entre 1425 y 1435 para la iglesia de Sant'Alessandro en Brescia (Italia).

Atribuido inicialmente a Beato Angelico y posteriormente a Gentile da Fabriano, el políptico de la Anunciación fue identificado por Giovanni Morelli como una de las obras de la madurez de Jacopo Bellini.

Bellini, famoso por su uso del oro, lo emplea en las vestiduras, en el fondo y en los atributos sagrados del ángel y de la paloma del Espíritu Santo. 

El uso del oro, la inmovilidad de las figuras que parecen levitar y el marco con remates en forma de punta son elementos típicos del gótico, mientras que la nueva expresividad de los rostros, la estructura arquitectónica con techo artesonado y el suelo en pendiente con una alfombra anatolia son signos de las incipientes tendencias renacentistas.

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L'Annunciazione è un dipinto olio su tavola del pittore veneziano Jacopo Bellini realizzato tra il 1425 e 1435 per la chiesa di Sant'Alessandro a Brescia.

Inizialmente attribuita a Beato Angelico, poi a Gentile da Fabriano, il polittico dell'Annunciazione fu identificato da Giovanni Morelli come una delle opere della maturità di Jacopo Bellini.

Bellini, che era celebre per l'utilizzo dell'oro, ne fa uso nelle vesti, nella parete di fondo e negli attributi sacri dell'Angelo e della colomba dello Spirito Santo. 

L'uso dell'oro, la staticità delle figure che sembrano levitare, e la cornice cuspidata solo elementi tipici del gotico, mentre una nuova espressività dei volti, la struttura architettonica con soffitto cassettonato e il pavimento arretrante con tappeto anatolico sono segno delle incipienti tendenze rinascimentali.

Source: museodiocesano.brescia.it