Rock Ranitzki

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Deichkind – Niveau Weshalb Warum (Deluxe)

Evolution aus der Mikrowelle

VÖ: 30. Januar 2015 Wie das neue Album von Deichkind ist? Keine Ahnung. Ich bin bisher nicht über den ersten Song hinweggekommen. „So 'ne Musik“ ist so geil, den muss ich einfach immer wieder von vorne hören...

Nee, jetzt mal ohne Flachs! „So 'ne Musik“ ist zwar ein echter Hammer, der geile Sound und der brachiale Refrain gehen einem tagelang nicht aus dem Kopf, doch der Rest der Platte ist mindestens genau so geil. Die Deichkinder haben in den vergangenen Monaten ein bezaubernd bescheuertes Album zusammengedengelt, das für die Hamburger Elektro-Hip-Hopper nicht besser hätte werden können. „Niveau Weshalb Warum“ kann alles.

Ebenso mordsmäßig wie beim eingangs erwähnten Opener des Longplayers geht es bei „Denken Sie groß“ weiter. Bescheidenheit wird klein geschrieben. Das zeigt auch das epochale Gitarrensolo, das Michael Jackson damals auch gut für „Dirty Diana“ hätte benutzen können.

Geiler Sound und Texte zum totlachen, so geht’s weiter in den Tracks 3 bis 15. Die Highlights sind gut verteilt, wie zum Beispiel „Mehr als lebensgefährlich“, ein Song über leere Joghurtbecher und so weiter, oder „Die Welt ist fertig“, in dem die Evolution in ein leckeres Mikrowellenmenü verpackt wird. Zwischendurch wird’s auch mal romantisch: „Porzellan und Elefanten“ geht einwandfrei als Ballade durch.

Ein Stück, das zumindest etwas irritiert, ist „Oma gib Handtasche“. Der erste Eindruck: Deichkind, die Atzen und David Guetta haben die Nacht ordentlich gebechert und sind am nächsten Morgen nackt nebeneinander aufgewacht. Im Kater ist dann dieses Stück entstanden. Da es allerdings nur 1:52 lang ist, ist es glücklicherweise nicht mehr als ein Fingerzeig des Deichkind-DJs.

Bei der Deluxe-Version des Albums schenkt Deichkind den Fans noch zwei Bonustracks, von denen „Selber machen lassen“ eindeutig der bessere ist. In alter Hip-Hop-Tradition hat Deichkind seine besten Kumpels zusammengetrommelt und einen Song aufgenommen, in dem jeder nur ein bis zwei Zeilen hat, also gewissermaßen ein „We are the World“ im Deichkind-Style. Beim ersten reinhören habe ich Fettes Brot, Dendemann, Jan Delay, Kraftklub und Zweiraumwohnung erkannt, und ich glaube auch Smudo und die Beatsteaks. Und es sind bestimmt noch mehr bekannte Nasen dabei, die ihre Stimme verstellt haben. Textlich ist der Song außerdem eine Perle der Ironie.

So, jetzt reicht's aber mit dem Gefasel, ich muss langsam mal wieder „So 'ne Musik“ hören. Wer macht denn heute noch...

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Marilyn Manson – The Pale Emperor (Deluxe Version) (Explicit)

Unterhaltung ohne Provokation

VÖ: 16. Januar 2015

Frühere Kritiker von Marilyn Manson können beruhigt sein: Das neue Album des US-Schockrockers dürfte keinen durchgeknallten Teenie mehr zu einem Amoklauf an seiner Schule verleiten. Das Werk mit dem Titel „The Pale Emperor“ bietet viel Manson, aber wenig Krach und ist vor allem nicht böse.

Die Highlights des Albums werden leider schon in der ersten CD-Hälfte verballert. „Killing Strangers“ ist ein cooler Opener, danach folgt der einzige richtig laute Song „Deep Six“. Manson zeigt leider nur hier kurz, wo es lang geht. Den Song kann man ordentlich aufdrehen, doch die Gitarre ist viel zu brav und geregelt. Kein Schockfaktor.

Danach schlägt das Album eine düstere Richtung ein, die bis zum Ende durchgezogen wird. „Third day of a seven day binge“ und „The Mephistopheles of Los Angeles“ sind ruhig, haben aber die typische Mansonstimmung. „Warship my wreck“ ist kraftvoll und sphärisch mit coolen Sounds.

Bis zum Ende des Albums ändert sich an der Stimmung wenig. Die übrigen Songs bleiben ruhig, sind nur zwischendurch mal etwas schräg, bieten aber keine nennenswerten Highlights. Wahrscheinlich offenbaren sich diese erst nach dem fünften oder achten Hören, das Potenzial dafür ist da.

Für die Käufer der Deluxe-Version hat Manson am Ende noch ein paar Vorschläge für die Lagerfeuer-Interpretation seiner Songs parat. Drei Stücke werden dort noch in einer Akustik-Version dargeboten.

„The Pale Emperor“ ist ein gutes Album, in das man sich allerdings einige Zeit hineinhören muss. Stellenweise erinnert es an den Wüstenrock, den die Eagles of Deathmetal oder die Queens of the Stone age spielen. Manson liefert Unterhaltung ohne Provokation, viel Atmosphäre in langen Songs (bis zu 6:22), lange Intros ohne Hast, aber leider auch wenig Highlights und keine Überraschungen.

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AC/DC – Rock or Bust

Nichts Altbewährtes gescheut

VÖ: 28. November 2014

Coca Cola schmeckt seit hundert Jahren gleich, Ferrari baut immer noch rote Autos mit einem Pferd vorne drauf und AC/DC haut immer noch die gleichen Zutaten in die Rock-Suppe seiner Alben. Auch dieses Mal haben Sänger Brian Johnson und seine Kollegen nichts Altbewährtes gescheut und den AC/DC-Automaten wieder mit viel Gitarre, ordentlich Rhythmus und einem Dutzend Textzeilen, in denen „Rock“ vorkommt, gefüttert. Herausgekommen ist „Rock or Bust“, ein AC/DC-Album, das so ist, wie es sein muss.

Die australischen Altherren der Rock'n'Roll-Champions-League haben auf ihrer neuen CD nicht mit ihren Markenzeichen gegeizt. Schon die ersten beiden Songs „Rock or Bust“ und „Play Ball“ sind vollgepackt mit den typischen Elementen einer AC/DC-Platte: eingängige Gitarrenriffs mit wenigen Akkorden und ein knackiger Rhythmus zum Mitklatschen. Auch „Got some Rock'n'Roll Thunder“ und „Rock the House“ gehören dazu. „Play Ball“ ist außerdem ein geschickt komponierter Schachzug der Band, denn der Song kann in den kommenden hundert Jahren bei jeder Football-, Baseball- und Handball-Werbung verwendet werden. Ein Wunder, dass er nicht vor der Fußball-WM veröffentlicht wurde.

Neben den Krachern ist auf dem Album aber auch wieder viel Füllmaterial verbaut worden. Tracks wie „Hard Times“ oder „Baptism by Fire“ sind nett, bleiben aber nicht hängen. Und „Rock the Blues away“ ist der verzweifelte Versuch, die Musiker um die 60 immer noch als Partyhengste mit jeder Menge „Girls“ auf dem Schoß zu verkaufen. Aber dicke Hose muss ein.

Mit dem coolen Riff in „Emission Control“ geht das Album nach gut 35 Minuten auch schon wieder zu Ende. AC/DC kann es noch und macht es noch. „Rock or Bust“ bietet keine Überraschungen, doch die will auch niemand. Das Album kam rechtzeitig zum Weihnachtsgeschäft auf den Markt, damit es jedem Papa zwischen Sydney und Los Angeles unter den Baum gelegt werden kann. Und die Gerüchte, wonach dieses Album nach den ersten gesundheitlichen Problemen der Musiker vielleicht das letzte sein könnte, sind strategisch ebenfalls gut platziert worden.

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Foo Fighters – Sonic Highways

Viel Zeit für Musik

VÖ: 10. November 2014

Die Foo Fighters haben auf ihrem neuen Album „Sonic Highways“ nichts falsch gemacht. Außer vielleicht, dass es auf den ersten Blick ziemlich kurz wirkt. Es sind nur acht Songs auf der CD, zählt man die jedoch zusammen, kommt man auf ordentliche 42 Minuten Spielzeit. Da haben andere Bands bereits viel kürzere Werke abgeliefert.

Die Songs auf „Sonic Highways“ sind lang. Die Foo Fighters haben sich viel Zeit für Musik und dem Hörer viel Zeit zum Nachdenken gegeben.

Mit „Something from Nothing“ hätte das Album nicht besser starten können. In dem Song ist alles drin. Er geht ruhig los, drückt aber schnell auf die Tube. Und neben ordentlichem Rock werden auch Elemente aus Pop und Funk verwurstet. Rockig geht’s dann weiter. „The Feast and the Famine“ ist schnell und dynamisch und „Congregation“ ist ein typischer FF-Song mit einem tollen Instrumentalteil, genauso wie „Outside“.

Bemerkenswert ist der Doppelsong „What did I do/God as my Witness“. Im ersten Teil klingen Dave Grohl und seine Kollegen mit einer Prise Country so frisch wie in den 90ern. Dann fusioniert der Track mit einem zweiten und erinnert streckenweise an Queens „Bohemian Rapsody“. Und schließlich entwickelt sich das Ganze fast zu einer Stadionhymne von Guns'n'Roses. Toll komponiert.

Zum Ende hin wird die CD ruhiger. „In the Clear“ ist recht unspektakulär, doch „Subterranean“ ist der perfekte Soundtrack für einen schönen Sommertag, an dem sich die Sonne im Wasser spiegelt. Und der Übergang zum letzten Track „I am a River“ ist wirklich gelungen. Der Fan wird mit einem kraftvollen und leidenschaftlichen Song mit orchestralem Finale verabschiedet.

„Sonic Highways“ hat alle Elemente einer typischen FF-Platte und eine tolle Hintergrundgeschichte. Jeder Song wurde in einer anderen amerikanischen Stadt aufgenommen. Das Album ist also ziemlich toll, beim nächsten Mal können die Jungs aber gerne wieder etwas mehr Rock drauflegen.

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Die Fantastischen Vier – Rekord

Die Adams und Evas des deutschen Hip Hop

VÖ: 24.10.2014

Zum Dienstjubiläum bekommen viele nur einen warmen Händedruck vom Chef. Wer 25 Jahre dabei ist, bekommt vielleicht noch einen Blumenstrauß oder einen Restaurantgutschein. Danach geht’s wieder an die Arbeit, die dann bis zur Rente irgendwie durchgezogen wird. Bei den Fantastischen Vier ist das anders. Die Adams und Evas des deutschen Hip Hop haben sich zum Jubiläum nochmal auf die fantastischen vier Buchstaben gesetzt und einen Arbeitsnachweis abgeliefert, der so frisch ist, als ob ihn der Azubi im zweiten Lehrjahr zusammengezimmert hätte.

Toll ist ein Album, das einen von der ersten Sekunde an mitnimmt und mindestens für die ersten drei oder vier Tracks nicht wieder loslässt. „Rekord“ ist so ein Album. Den Opener „25“ kennt jeder aus dem Radio. Mit diesem Stück wurde das Album schon Monate im voraus beworben. Dass der Refrain von Don Snow eingesungen wurde, dem Sänger von The Catch, die mit „25 Years“ Anfang der 80er ihren ersten Hit hatten, macht die Single zu etwas besonderem.

Was danach folgt, sind einige tolle Hip-Hop-Songs mit Partystimmung, wie zum Beispiel „Heute“ und „Der Mann den nichts bewegt“. „Lass sehen“ wird durch Streicher und Bläser angereichert und wirkt dadurch beeindruckend groß.

An einigen Stellen erinnert die Musik an frühere Fanta-4-Alben. Bei „Gegen jede Vernunft“ kommt die Orgel aus „Die 4. Dimension“ zum Einsatz und die überdrehten Stimmen waren zum Beispiel auf „4:99“ zu hören. Einen Song wie „Sie ist weg“ gibt es auch, nämlich die Hip-Hop-Ballade „Single“. Und bei „Gott ist mein Zeuge“ präsentiert sich Thomas D. in Bestform wie bei „Krieger“ oder „Millionen Legionen“.

Ähnlich anrührend ist auch „Wie geliebt“, in dem Thomas (Strophe) und Michi (Refrain) nachdenklich über Liebeskummer und die Suche nach dem Sinn rappen. Und „Disco“ könnte mit seiner Nightliner-Stimmung auch vom 98er Soloalbum „Weltweit“ von Michi Beck stammen.

„Rekord“ von den Fantastischen Vier ist ein sehr einheitliches und poppiges Rapalbum ohne Experimente. Andy Y. hat für das Album bemerkenswerte Musik produziert, die sich teilweise nach Deichkind („Typisch Ich“) oder Busta Rhymes („Der Mann den nichts bewegt“) anhört, die aber immer voll ins Schwarze trifft. Allerdings kommt Smudo gefühlt etwas zu kurz.

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Slipknot – Vol.5 The Gray Chapter (Explicit) (Special Edition)

Return of the Scratches

VÖ 17.10.14

Das neue Album von Slipknot ist so ähnlich, wie beim Kaffeeklatsch mit Oma nebenbei SAW IV laufen lassen – es schockt nicht mehr wirklich, weil jeder mittlerweile weiß, wie es läuft. Ok, ganz so schlimm ist „The Gray Chapter“ vielleicht nicht, aber besser als „mittel“ fällt das Urteil nicht aus. Es ist auf jeden Fall Heavy Metal und es geht zwischendurch definitiv richtig ab, doch viel zu oft fragt sich der Hörer: „Was hat sich der Künstler dabei gedacht? Scratches?“ Doch dazu gleich mehr...

Natürlich geht es auf „The Gray Chapter“ immer wieder ordentlich zur Sache. Songs wie „The Devil an I“, „Lech“ und „Nomadic“ sind Aushängeschilder des Metal – hart genug, schnell genug, kraftvolle Riffs.

Auch „The One that kills the Least“ gehört dazu. Doch bei einem Element dieses Songs bleibt einem der Fledermauskopf fast im Hals stecken: Scratches. Irgendwie passt das Plattengekratze nicht richtig. Und es taucht nicht nur hier auf, sondern auch in den Tracks „Sarcastrophe“, „Skeptic“ und „The Negative One“. Das ist zu viel. Das wäre spätestens noch um die Jahrtausendwende erlaubt gewesen. Heute darf das höchstens noch Limp Biskit machen.

Das Album kommt leider nicht richtig aus dem Quark und ist in Gänze betrachtet nicht böse genug. Bei Slipknot denkt man in erster Linie an singende Zombies mit Horrormasken, doch „The Gray Chapter“ spiegelt das nicht wider. Sänger Corey Taylor schreit zu wenig und knurrt vor allem nicht mehr so schön wie früher.

Alles in allem ist „The Gray Chapter“ natürlich hervorragend produziert. Musikalisch spielt die Band auf höchstem Niveau. Jeder beherrscht seinen Part, das Timing passt perfekt und die Double-Base ist oft genug genial. Doch es fliegt einem nicht mehr das Hirn aus dem Schädel. Nächstes Mal darf es gern wieder etwas böser sein.

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Beatsteaks – Beatsteaks

Für den kleinen Hunger auf Rock

VÖ: 1.8.2014

Jede Band liefert mal ein schwaches Album ab. Bei den einen dauert es etwas länger, bei anderen nicht so lang. Bei den „Beatsteaks“ hat es glücklicherweise etwas länger gedauert. Keine Frage: Das jüngste Album „Beatsteaks“ der Berliner Band ist 100 Prozent „Beatsteaks“. Doch die Jungs sind auf ihrem siebten Werk nicht mehr so wegweisend, frisch und frech wie früher. Das Gute ist, dass sie über die Jahre ihre gute Laune und ihre Spielfreude beibehalten haben und das merkt der Fan auch auf der neuesten Platte.

Mit dem Intro „A real Paradise“ machen die Jungs da weiter, wo sie mit dem letzten Album „Boombox“ aufgehört haben. Es ist die typische Beatsteaks-Coolness. Den Song kann man sich hervorragend als Intro auf der Live-Tour vorstellen. Er macht Stimmung und Lust auf mehr. Leider hält das Album nicht das, was der erste Song verspricht.  

Weiter geht’s mit dem Zwei-Minuten-Quickie „DNA“, einem gut gelaunten Punk-Flitzer. Schön, aber nichts Besonderes. Die erste Überraschung dann bei „Be smart an breathe“. Sänger Arnim Teutoburg-Weiß überlässt das Mikro Drummer Thomas Götz. Das bringt Abwechslung und passt. Melodisch geht’s weiter mit „Make a wish“, einer fast schon romantischen Stadionhymne.

Der Mittelteil der Platte überzeugt mit absoluter Coolness. Bei „Everything went black“ muss man unweigerlich mit dem Kopf im Takt nicken und „Up on the roof“ ist ein schnelles Rock-Stück, bei dem sich das Cabrio-Dach ganz von alleine öffnet. Sommerlich und gechillt geht’s dann bei „Pass the message“ weiter. Hier kommt zum Ende hin eine Handvoll Bläser zum Einsatz, was dem Stück ein ordentliches Volumen verleiht.

Das Stück „Gentleman of the year“ kennt jeder bereits aus dem Radio. Nach anfänglicher Skepsis hat sich der Song bei mir zu einem echten Ohrwurm entwickelt. Er kommt nicht richtig in Fahrt, ist aber trotzdem cool. Und er hat etwas, das ich in der Musik generell liebe: Nach drei Minuten ist der Song eigentlich zu Ende, doch er kommt nochmal zurück und tobt sich mit allen musikalischen Elementen des Stückes aus, bevor er endgültig verschwindet. Ganz toll, aber neben dem Intro der einzige richtige Höhepunkt.

Danach geht’s schnell und unspektakulär zu Ende. „Wicked witch“ ist nett und etwas abgedreht, kann aber nicht so richtig überzeugen. „Creep Magnet“ und „I never was“ sind ruhig und nachdenklich, aber zumindest das letzte Stück ist punkig und gut gelaunt.

Alles in allem ist „Beatsteaks“ ein rundes Album ohne Schnick-Schnack, allerdings auch ohne die erhoffte Extraportion Pfeffer. Dennoch: Die Songs sind toll produziert und die Band bleibt knackig. Das Album ist nach gut einer halben Stunde bereits wieder vorbei und trotzdem sind dort elf Songs untergebracht. Doch vielleicht hätten sich die Berliner noch ein paar Tage mehr Zeit für die Aufnahmen nehmen sollen. Vielleicht wäre ihnen dann auch ein toller Titel eingefallen. Eine Platte ohne Namen zu veröffentlichen hat zwar Tradition bei Rockbands, doch macht nur Sinn, wenn das Album absolut überzeugend ist. „Beatsteaks“ stillt nur den kleinen Hunger auf Rock zwischendurch. Hoffentlich tischt uns die Band beim nächsten Mal wieder eine größere Mahlzeit auf.