Soundtrack para uma Quarentena

Reviews diários de álbuns de música portuguesa enquanto esta coisa de quarentena durar

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Soundtrack para uma quarentena #26: Salto - Salto

Já sigo os Salto há tempo do suficiente para me lembrar dos vídeos da sessão acústica nos primeiros dias do Mar Shopping. Esta banda já anda por cá há algum tempo, e o seu álbum epónimo, de 2012, é um diamante em bruto não só da banda em si, como dos seus participantes.

Na sua génese, os Salto são Gui Tomé Ribeiro e Luís Montenegro, e isso nota-se neste álbum. Todas as letras e músicas são da autoria destes dois músicos, com a exceção da “Sem 100”, com as duas personalidades, gostos, e influências a transparecerem em cada nota.

Começam por ser uma banda acústica. Mas por altura do álbum Os Salto estavam, sem dúvida, na vanguarda da indie-pop-trónica, com canções catchy, cheias de Groove, energia, e a misturar elementos mais acústicos com uma base forte eletrónica. Isto cria um som atrativo, profundamente energético, dançável, e ridiculamente cantável: peguei no cd depois de bastante tempo sem o ouvir, para me aperceber que ainda sabia as letras todas de cor.

A primeira faixa, “Deixar Cair” abre com aquele conjunto de sons indiscritíveis mas extraordinariamente memorável, num crescendo grandioso que é cortado pela guitarra cortada, seguida do clássico um dois três quatro, só para se atirar de cabeça a um ritmo absolutamente viciante. Há uma base de guitarras, mas os sintetizadores e aquele baixo com um sidechain que percorre a faixa toda criam uma das músicas mais memoráveis da minha (nossa?) adolescência.

Os Salto marcaram profundamente uma subcultura portuense específica, criando uma legião de fãs ferrenhos (eu fazia [faço?] parte dessa subcultura). Em parte pela personalidade dos membros, mas também porque a música, em grande parte devido às letras, são bastante relatable mas interessantes, mesmo que por vezes ligeiramente herméticas (até hoje não tenho a certeza do que quer dizer Vem depois de mim aquilo que sobrou / é tarde mas enfim, amanhã procuro o que / sobrou). E essa subcultura foi de facto uma plataforma de lançamento. Perguntem a muita gente, e ainda se vão lembrar da versão antiga da “Sem 100” (que era incrível, note-se).

Boa parte do que tornou este álbum tão marcante, no entanto, foi a sonoridade. No espectro portuense, ainda não tinha aparecido nenhuma grande banda a fazer a mistura exatamente como os Salto a fizeram. E continuariam a fazer. Os projetos a solo de Luís Montenegro, por exemplo (destaque para Lewis M. e Rapaz Ego) contam essa história, da vontade do sair do universo do pop-rock simples e bruto. E isso nota-se bem na miríade de influências que estas faixas incluem, como o interlúdio “Arcade” ou a faixa “888:88”, que mostram uma base de Garage ou de Glitch Hop bem funky, ou a “Sem 100”, a mostrar um peso enorme de Downtempo e Dubstep (era 2012, e Dubstep ainda era fixe, ok?). O álbum todo caminha essa linha entre o eletrónico e o Indie Rock, e geralmente mantém uma sonoridade coesa, apenas com algumas músicas (“Sem 100”, estou a olhar para ti) a saltar como um espinho. Num ponto ou outro nota-se, aliás, que é um álbum de estreia, onde o som ainda está a ser explorado como ferramenta. Essas ferramentas já vão ser utilizadas como tal em álbuns seguintes, com estruturas muito mais coesas e com um elemento técnico profundamente refinado.

Ainda assim, este epónimo tem uma atração especial, em parte exatamente devido a essa carga de experimentação. Algumas faixas disparam para lados completamente diferentes do rumo geral, o que cria um sentimento de exploração de algo misterioso e novo, embora com uma familiaridade e intimidade fora do comum. São diferentes sensibilidades que se conjugam num puzzle bizarro, e é precisamente por conseguirmos ver as peças diferentes que este álbum marca tanto.

Ou se calhar sou só eu que sou saudosista, e deixei que este álbum marcasse os meus teenage years. Não o nego. Este álbum acompanhou-me durante muitos anos. E ainda assim, quase uma década depois de começar a ouvir falar desta banda, o álbum de estreia ainda é fácil de ouvir, e divertido. Tantos anos depois, e ainda guarda toda a energia.

Mas a sério, malta, façam aí uma edição de b-sides e faixas cortadas. Quero ouvir a outra “Sem 100” só mais uma vez.

JK, 07/04/2020

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Soundtrack para uma quarentena #25: Terebentina – EP 001

A minha cópia do “EP 001” dos Terebentina, lançado no ano passado, tem duas dedicatórias, e uma delas diz apenas “Diverte-te e destrói”. Quem ouvir este álbum fora do contexto não vai pensar imediatamente no quão divertido é. Mas isso faz parte do jogo.

Os Terebentina nascem no seio do coletivo artístico O Bergado, e isso nota-se: o próprio nome da banda aponta nesse sentido (terebentina é um químico usado na pintura a óleo) e demonstra também a atitude: não querem edificar nada de demasiado construtivo, mas vêm para criar e expressar o instável e o anárquico (a terebentina é um solvente para tintas). É aliás num contexto artístico e experimental que tanto o coletivo como a banda nascem. E se as pessoas ligadas aos dois grupos são dandies intelectuais e ah-isso-de-técnica-é-sobrevalorizado, também a música será.

Atenção, isso não quer dizer que a música não tenha valor, bem pelo contrário. As técnicas e mecanismos musicais normais são simplesmente substituídos por formas novas, e isso nota-se no experimentalismo formal das faixas, que se assumem caóticas, ruidosas, destrutivas. Há de fcato uma expressão técnica única, bem treinada e estruturada, mas dirigida para algo não particularmente agradável ao ouvido comum. Sente-se o espírito abrasivo que os punks originais gostavam de ter tido, pela síntese de força destruidora que estes músicos conseguem fazer. O que é interessante, porque essa destruição não é apenas dirigida para fora, mas para dentro também.

De uma forma muito bizarra, este consegue ser um EP pessoal. Não íntimo, porque há constantemente uma projeção de algo para o exterior, mas decididamente com um fundamento introspetivo. Ouve-se uma vontade permanente de expulsar demónios. E é interessante, porque quando se fala de álbuns introspetivos, pensa-se em músicas que falam de amor, saudade, tristeza. Mas a raiva, o medo, a fúria pura, esses também são sentimentos que crescem dentro de nós. E os Terebentina capturaram isso da melhor maneira.

Fazem-no através de faixas pesadíssimas, e bastam-lhes 5. Tudo, desde as guitarras distorcidas e caóticas na faixa “Lápide”, os saxofones errantes na “O Outro”, ou as letras berradas em praticamente todo o EP, tenta lembrar-nos disso. Em certos momentos tornam-se até em faixas difíceis de se ouvir, mas é essa a intenção. Naturalmente há também partes mais “comuns”, com base forte em Noise Punk ou num No Wave nova-iorquino. Mas ao mesmo tempo, esta malta não quer muito saber de etiquetas. Faixas como “O Outro” ganham contornos oníricos e opressivos, com sons e estruturas muito únicas. A música fala por si, e diz o que esta malta quer dizer.

É um EP muito especial. Muito difícil, também, e o ambiente de “medo de algo maior que eu, sinto-me perdido nesta escuridão” que aflige todo o álbum não será para todos. Mas faz sentido exatamente com esse espírito: não duvido por um segundo que todos os elementos deste álbum sejam escolhidos (e “escolhidos” talvez seja uma palavra forte para algumas decisões) porque é assim que devia ser, sem ligar a influências, origem, o como-devia-ser. Não eram Malta das Artes™ se assim não fosse.

 JK, 06/04/2020

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Soundtrack para uma quarentena #24: Algoritmo 42 – Não Entres em Pânico!

Douglas Adams conta o segredo para voar na sua saga “The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy”: é tudo uma questão de nos atirarmos em direção ao chão e falhar. E a Velha Capital, esses génios do rap de Coimbra, merecem muito mais reconhecimento do que têm, que este novo álbum de Algoritmo 42, “Não Entres em Pânico!”, consegue falhar o chão por milhas.

Mãos no ar quem já leu o “Hitchhiker’s Guide”! Não? Só eu? Hm, vai ser uma review gira.

Para dar contexto, o “Hitchhiker’s Guide to the Galaxy” é um livro. E filme, programa de rádio, programa de televisão, jogo de computador, toalha de banho, e novela gráfica. É uma mistura de comédia e ficção científica, que consegue puxar o melhor desses dois mundos. Aliás, é o único livro que eu tenho de pousar regularmente para me rir. Eu adoro o livro, se não apanharam já.

Este álbum é, assumidamente, uma homenagem ao trabalho de Douglas Adams em formato hip-hop. As faixas (quase) todas têm como título fragmentos do H2G2 – “Coração Dourado” é uma das naves espaciais usadas, o “Restaurante no Fim do Universo” é um dos locais importantes da saga, e “So Long” e “Thanks 4D Fish (Vampiros)” é uma referência a uma das poucas coisas que o filme fez bem. O próprio nome “Algoritmo 42” está intrinsecamente ligado à história.

No entanto o álbum não é meramente uma adaptação nem um conjunto de referências, mas algo que usa a série como ponto de partida e fio condutor. Geralmente quando se fala de um álbum em que todos os títulos têm relação fala-se de álbuns conceptuais. Uma narrativa contada ao longo das faixas, um único tema sob o qual as músicas revolvem, um álbum que dá corpo a uma ideia. “Não Entres em Pânico” não é isso, pelo menos singularmente (a intro e o skit contam uma história), porque pega em ideias soltas do H2G2 como papel de embrulho para contar histórias pessoais. É um elemento unificador do projeto, que aponta uma direção específica, mas com espaço aberto para criar um percurso próprio. Todas as faixas têm algo de íntimo e pessoal.

Os beats de Guiné, por outro lado, não querem ser um elemento unificador. Há aqui uma mistura de estilos, influências, e formas. A começar pelo boom bap potente da maior parte das faixas, a aproximação mais trap em “Na Palma Há Poder”, ou os toques mais RnB contemporâneo em “O Coração Dourado”. Isso poderia criar uma distância e desconexão entre as faixas, mas toda a produção é limpa, afinada, e fortíssima, e o flow do Algoritmo liga as faixas e cria uma união forte entre elas.

O flow deste rapper é extraordinário, principalmente em faixas como “Não Entres em Pânico” ou “Ao Restaurante no Fim do Universo”, onde os jogos de palavras são atirados com uma velocidade e lógica incríveis. Não m’habituo a habitar neste habitat moderno / tenh’o hábito de habitar tudo o que habita o meu cérebro / tenho hábito, tu tens hálito de quem vomita um verso. Só faltou a referência à poesia Vogon. Mesmo todos os convidados que aparecem pelas faixas conseguem integrar estas lógicas, cada qual com os seus quirks a completar estas fórmulas, com as rimas de Eterno na faixa “Thanks 4D Fish (Vampiros)” como ponto alto, e a voz de IAMLAWN a construir a faixa “Coração Dourado”.

Todo o mood do álbum tem, ainda assim, o seu quê de clássico. Não há aqui influências do universo do noise-hop nem rap industrial. Não há auto-tunes (felizmente!). Não há um fervor febril pelo “fazer o moderno”. E ainda bem, que este é um álbum que sabe os seus pontos fortes: pega no boom bap bem estudado, e aplica algumas estruturas ensinadas pelo contemporâneo. Não é inovador nem tenta ser, basta-lhe ser incrivelmente bem feito. É um know-how antigo com fórmulas novas, e isso torna este álbum uma das releases mais interessantes desta quarentena.

Isso, e o Hitchhiker’s Guide. Lá fiquei cheio de vontade de ler tudo outra vez, agora...

‘The past,’ they say, ‘is now truly like a foreign country. They do things exactly the same there.’ (Douglas Adams, “Life, The Universe, And Everything”)

 JK, 04/04/2020

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Soundtrack para uma quarentena #23: Mediafired™ - The Pathway Through Whatever

Não haja dúvida nenhuma: o “The Pathway Through Whatever” do Mediafired™, lançado em 2012, é um dos álbuns mais bizarros que já me passaram pelas mãos. É profundamente experimental, é difícil de ouvir (ao princípio), é complexo e ridiculamente simples. É fora. E é um álbum que ajudou a mudar o panorama da música no mundo inteiro. Bem-vindos ao universo do [ V A P O R W A V E ].

Esta é daquelas reviews que é inútil sem explicar o género em que se insere, e esse género é Vaporwave. Explicar Vaporwave é uma tarefa inglória, mas para terem noção, a música mais conhecida desse meio, “リサフランク420 / 現代のコンピュー” (lit. “Lisa Frank 420 / Modern Computing”) criada pela Macintosh Plus é nada mais do que a “It’s Your Move” da Diana Ross abrandada e com efeitos de eco. Seriously. Tem vários milhões de visualizações no Youtube, e as cassetes originais vendem-se por mais de 1200 dolares. É um mundo bizarro, e esta review vai ser longa. Estão avisados.

A nível prático, este género baseia-se em dois elementos: a estética retro-futurista, e o uso de samples de músicas não-tão-antigas. A nível teórico, traz toda uma carga de crítica ao ambiente hiper-capitalista dos anos 90, uma celebração e crítica do consumismo desenfreado, uma relação de paixão-ódio pelas “novas” tecnologias… Tudo isso camuflado por camadas várias de ironias, já que em grande parte o género é visto como um meme. É um género que se assumiu morto à nascença, com o apregoar constante de que “Vaporwave Is Dead”. E no entanto, há já enormes convenções desta cultura, com alguns autores a saltar para os circuitos tradicionais e internacionais. É um rabbit hole estranho, e eu precisava de pelo menos mais duas críticas destas para explicar tudo. Recomendo a ajuda do Google, portanto.

O “Pathway…”, no entanto, destaca-se um pouco desta cultura, simplesmente pelo facto de ser um álbum basilar: surge mesmo nos primórdios do movimento, e álbuns que se seguirão é que cristalizarão a fórmula, e a modificarão para a tornar mais atrativa e diversificada. Este álbum, aliás, é um dos principais álbuns de um estilo apelidado de Eccojams, devido ao álbum do mesmo nome, lançado por Oneohtrix Point Never sob o pseudónimo “Chuck Person” em 2010, que faz uso de samples de músicas famosas, tocadas até à exaustão.

A faixa “Pixies”, por exemplo, usa uma sample da faixa “Wuthering Heights”, de Kate Bush. O refrão é levado ao extremo minimalista, ao recortar só o so cold do refrão e a repeti-lo até à exaustão, com o “c” glotal a saltar a cada compasso. Não há instrumentos, nem percussão, nem sintetizadores adicionados. A própria faixa original torna-se um instrumento, uma base a ser desconstruída até se extrair o essencial. E isto repete-se em todas as faixas, cada uma delas usando uma só música como semente, seja a “Innuendo” dos Queen usada na “Innuintendo”, da “Sweat (A La La La La Long)” dos Inner Circle  presente na faixa “Inner Jerks”, ou a “I Want it That Way” dos Backstreet Boys nas faixas “Tender Age” e “Spring is Here”.

O uso de samples não é nada de novo, em 2012. Pode-se dizer que a totalidade do hip hop e música de dança não existiriam sem samples, mas aí são usados (geralmente) pela estética pura – o sample é um tijolo para construir a parede da melodia. Aqui, no entanto, há o uso simbólico das samples. Steve Reich, com a sua “It’s Gonna Rain”, cria um ambiente pesado simbolicamente ligado à história política dos USA, e Basinski fala da experiência pessoal de uma tragédia com a série “The Disintegration Loops”. O que Mediafired™ faz, por outro lado, é falar de dois temas: a noção de memória, e a relação pessoal com objetos de consumo num universo de bens de consumo. A dualidade deste álbum estabelece-se entre memória e capitalismo.

As músicas usadas não são escolhidas de forma aleatória. São aquelas músicas que a minha geração e as imediatamente mais velhas guardam nos recantos da memória, com um valor nostálgico pesadíssimo. Mas aqui estão transfiguradas, como que filtradas através da memória: fragmentos sonoros, destilados por anos e anos de esquecimento. Ironicamente, as próprias faixas do álbum tornam-se em earworms potentíssimas, daquelas que mantêm qualquer um acordado até às tantas da manhã com a questão do “de onde é que me lembro disto?”. É irónico, mas não é por acaso, já que estas faixas apresentam os elementos mais memoráveis das faixas originais.

O facto de que o que nos é apresentado se tratar de versões extraordinariamente destiladas de hits enormes tem uma razão: é uma versão extrema de mecanismos capitalistas, que despem as músicas até as tornar em objetos preparados para um consumo desenfreado. É uma sátira às editoras que vendem recordes, mas que, pela filtragem e purificação dos sons criam objetos inofensivos e sem significado, com os elementos emocionais destacados e simplificados como forma de criar algo semelhante a ligação emocional.

E é certo, a nossa ligação pessoal à música é sempre emocional. Mesmo quando essa ligação é feita por meios intelectuais, para que haja relação é preciso que isso se transforme em algo emocional. Pensem nas músicas que vos marcaram, e certamente encontrarão sentimentos muito específicos ligados a elas. E o “Pathway Through Whatever” não o nega. Muito pelo contrário, usa isso como arma de arremesso, para desconstruir essa mesma noção de ligação a músicas que nos foram vendidas enquanto material de consumo. E isso é Vaporwave na sua forma mais destilada.

É um álbum que é alimento para a mente, onde todas estas ideias estão muito presentes (vejam-se as múltiplas capas, o facto de só ter sido vendido em cassetes, e o pseudo videoclip). O que não significa que não seja bom de ser ouvido. Talvez pela repetição até à exaustão de samples curtas, as faixas tornam-se profundamente memoráveis, por vezes ganhando até contornos mais catchy (o interlúdio da primeira faixa, “Innuintendo”, é um earworm extraordinário). É um álbum genuinamente hipnótico, quando nos deixamos perder nele.

Mas sejamos sinceros, é um álbum bizarro acima de tudo. Assumidamente bizarro. Mesmo dentro do universo do hipnagógico, do plunderphonics, ou do vaporwave, é algo diferente. É um álbum que está numa categoria à parte. Pensa o capitalismo e a memória, usando pedaços curtíssimos de músicas roubadas. Assim dito, até parece simples. Mas tenho pena de quem pegue neste álbum sem saber no que se está a meter.

Vaporwave is dead. Long live Vaporwave.

 JK, 03/04/2020

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Soundtrack para uma quarentena #22: Paus - Paus

Paus é inclassificável. Podia escrever aqui um parágrafo para começar, a falar do som, do estilo, de géneros, e não ia a lado nenhum. E sinceramente não é preciso. São eles mesmos que, no início do seu álbum auto-intitulado perguntam: Ouve só. Que queres que diga, que estes tambores não digam já?

Tá certo, pôr etiquetas de géneros não funciona bem com uma banda como os Paus. O que não significa que não usemos adjetivos e semelhanças. É muitas vezes usada a comparação com as grandes bandas de Post-Rock, e é verdade que eles têm bastante disso: um uso claro dos ritmos e ups-and-downs estruturais para criar narrativas e ambientes pesados. Mas para além disso adicionam também uma enorme carga psicadélica, e mecanismos muito próprios (e o Post-Rock tende já a ser um caldo de influências em si).

Os Paus têm uma fórmula bem afinada, que se anuncia já na primeira faixa do primeiro EP, “É Uma Água”, com um foco nos ritmos frenéticos e avassaladores (e já vou falar das baterias, lá chegaremos), sintetizadores agressivos, muita distorção e psicadelismo. É um som pesado, sem dúvida, com toda uma parafernália de sons. Os instrumentos e efeitos multiplicam-se, revezam-se, amontoam-se. E depois há as vozes.

O lado vocal dos Paus é um elemento fenomenal, com todos os elementos da banda a participar nas complexas harmonias. E muitas vezes essas harmonias são mais berradas que cantadas. A segunda faixa, por exemplo (“Muito Mais Gente”) começa decetivamente subtil com arpejos de sintetizadores leves. Mas só quando a voz entra, com palavras de ordem de Mostra-me o meu, mostro-te o teu. Vamos pro que vier, o fim é um princípio qualquer., é que a faixa consegue atingir a sua verdadeira expressão.

As letras, no entanto, são aparentemente simples: na maior parte das músicas são pouco mais que um par de frases repetidas, e parecem até poderem ser trocadas de uma música para outra. A um nível superficial parecem estar lá apenas para marcar ritmo (como se precisassem de mais elementos rítmicos – mas já falamos das baterias) e para frisar um mood específico. E fazem-no incrivelmente bem, sem dúvida! Mas são exatamente essas letras que mostram essa emotividade quase primitiva nestas faixas.

Há bastantes elementos delicados no catálogo de mecanismos musicais dos Paus. É, na sua base, um projeto experimental, onde diversos elementos são atirados para um caldeirão. O que é genial nessa mistura é que é feita sempre com uma direção: emoção pura e crua. As letras e as maneiras como são apresentadas demonstram isso. Há espaço para o “belo clássico”, mas esta banda importa-se mais em puxar pela raiva, pelo desejo, pela fome. Um amigo descreveu-me há uns anos uma das músicas deste álbum como “música para gajos com mestrados andarem à porrada”. É uma descrição estúpida. Mas e daí…

Só para retomar: Paus não é só agressividade. Faixas como “Malhão”, embora impregnadas dessa emoção crua e experimentalismo pesado, têm na mesma espaço para algo que se poderá dizer “belo”. E o facto é que as melodias, principalmente as linhas vocais, ficam na cabeça, permanentemente trancadas nos fundos da consciência. E faixas como “Descruzada” têm uma carga psicadélica e melódica potentíssima, em parte por causa das melodias subtis, mas também dos ritmos viciantes que se apresentam com força ao longo do álbum (é agora que vamos falar das baterias).

Os Paus são aquela banda que, face à pergunta “querem a bateria do lado direito ou esquerdo?” respondem com um redondo “ambos”. Os Paus usam duas baterias. Esta “bateria geminada”, como eles lhes chamam, poderia ser só um gimmick, mas não o é, com a multiplicidade e complexidade de ritmos a preencher o espaço de uma forma extraordinária, cada um dos kits completando o outro. E isso é um ótimo exemplo do que os Paus aqui fazem: duas baterias não é algo que lhes é único, mas eles aplicam-no de forma fantástica, sempre focados num propósito e direção musical específica. E isso é um ótimo cartão de visita para a banda.

Há quem diga que este álbum veio mudar muita coisa no panorama musical português. Foi um meteorito caído no deserto, mas não foi uma revolução. As coisas mudaram, mas mudariam de qualquer maneira, creio. O que este álbum veio trazer é mais comedido, mas não menos importante: vieram escancarar as portas do experimentalismo, mostrar que ainda há espaço para novos sons, novas ideias, novas formas de criar, especialmente quando isso é feito com uma direção certeira e própria. Não vieram, por si, redefinir o cânone. Mas sem dúvida que o marcaram.

 JK, 02/04/2020

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Soundtrack para uma quarentena #21: Os Capitães da Areia – O Verão Eterno D’Os Capitães da Areia

Com certeza que alguém algures terá uma fórmula para definir Os Capitães da Areia. Provavelmente um “indie rock eletrónico + pop + ímpeto adolescente + poesia portuguesa”. Não estarão muito longe. E ainda assim, “O Verão Eterno D’Os Capitães da Areia”, lançado em 2011, é muito mais do que qualquer etiqueta que lhe possam pôr.

Há já uns anos valentes que se nota uma tendência forte na música portuguesa. Um retorno à musicalidade portuguesa, com músicas bonitas com toques dançáveis, cultas e levemente irónicas, a falar de sentimentos diferentes, com ansiedades de juventude do século XXI. São os Capitão Fausto, os Ciclo Preparatório, Os Velhos desse país. É o chamado Beto Rock (por quem, não me perguntem, mas toda a gente o sabe). E longe de mim dizer que Os Capitães da Areia começaram a coisa… Mas estão lá no começo, a cristalizar as tendências num álbum magnífico.

As faixas deste álbum têm principalmente duas bases. De um lado, um pop eletrónico bem dançável, animado e bubblegum, bem visível em “Raparigas da Minha Idade” ou “Dezassete Anos”; do outro lado, uma melancolia emocional, poética e arrastada, com expoente máximo em “Portas do Sol” ou “Senhora das Indecisões”. O álbum todo saltita entre os dois lados da fronteira, puxando para um lado para o outro, mas sempre num yin-yang equilibrado, onde até as músicas mais mexidas têm um travo melancólico, e até as mais introspetivas têm um mood que puxa pelo pé de dança.

“Grécia Revista e Aumentada”, bem no meio do álbum, encapsula bem essa dualidade. O baixo sintetizado que percorre a faixa toda e a percussão constante com carga eletrónica forte dão-lhe uma energia moderna, enquanto a letra mostra uma faceta mais pesada e introspetiva: apesar de ter uma das letras mais simples e repetitivas do álbum, Homero, Eletra, Sophia, Eugénio, estão vivos dentro de mim consegue puxar por alguns cordões sentimentais. E os restantes instrumentos lembram-nos constantemente dessas duas faces, com jogos entre os dedilhados agudos que percorrem a faixa e os solos soltos variadíssimos. Noutras faixas, como “Mariana Bem-Me-Quer”, as linhas delicadas de beija-flor no teu silêncio, há coisas a acontecer, na estação imaginária, Mariana bem-me-quer, contrastam com o ritmo repetido e sólido. E essa tendência repete-se.

Os Capitães trazem para este álbum algo (infelizmente) raro, que é toda esta carga poética. As referências constantes ao universo literário português, a começar por Sophia (de Mello Breyner) e Eugénio (de Andrade) com todas as notas clássicas que isso implica, mas dir-se-ia também Torga, Herberto Hélder, tantos mais com tantas vozes belas e delicadas.

Que não se enganem, no entanto. “O Verão Eterno…” está construído sobre alicerces Pop e Indie Rock. O trabalho de bateria é genial e permanentemente enérgico, sendo um elemento unificador fortíssimo nas faixas todas. O modelo de uso das guitarras poderia parecer repetitivo (as harmonias e seus modos de construção repetem-se várias vezes) mas conseguem ter identidades próprias nas diversas músicas, dando personalidade diferente a cada uma delas. Mas apesar de todo esse trabalho de construção melódica há ainda espaço para escrever coisas bonitas.

É um álbum de memórias, contadas em poesia. Mas não exatamente saudosista, porque não há o agarrar-se ao passado, mas um aprender. E se sinto que estou a repetir palavras da primeira crítica deste projeto, não é por acaso, já que se sente nestes dois projetos a mesma base de energia adolescente. Mas se o “Savoir Faire” dos Asterisco Cardinal Bomba Caveira é um olhar amadurecido para um passado já algo distante, “O Verão Eterno…” é uma passagem para essa fase. É uma celebração dos amores e paixões (já não tão inocentes) de uma adolescência mais tardia, que é agora bagagem para uma nova aventura. O Verão não pode durar para sempre.

É um álbum de crescimento, que tem muito para nos ensinar, entre euforia e melancolia. Tudo aqui se conjuga para nos dar essa ideia, a começar pelo título e pelo nome da banda, pelo jogo de baixos graves sintetizados e guitarras agudas, nos ritmos dançáveis e divertidos, e a acabar na poesia delicada e quase solene. É um álbum essencial.

São eles que anunciam o verão. / Não sei doutra glória, doutro / paraíso. à sua entrada os jacarandás / estão em flor, um de cada lado. / E um sorriso, tranquila morada / à minha espera (Eugénio de Andrade, “Aos Jacarandás de Lisboa”)

 JK, 01/04/2020

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Soundtrack para uma quarentena #20: Quarentena Singles Club Vol. 2

Mais dez reviews no saco (9, se forem picuinhas). Por isso, aqui segue mais uma dose de singles portugueses. Estes foram escolhidos com parâmetros específicos, como a data de lançamento, se já falámos do autor ou não, duração da faixa, o acorde com que a música acaba, local de masterização, e presença da cor azul na capa do álbum.

Alguns são recentes, que uma coisa boa no meio disto tudo é que se fecharmos músicos em casa eles aproveitam para produzir música. Curioso.

É de referir que desta vez já temos playlist no Spotify. Links nos nomes na mesma, porque os videoclips também fazem parte!

 Maria Reis – Odeio-te

Se há música viciante nesta lista, é esta. Outras também são, mas esta é mesmo, mesmo, mesmo viciante. Já falamos de Maria Reis antes para referir que ela é metade das Pega Monstro. E isso nota-se, com algumas parecenças, pelo menos temáticas e emocionais comuns com algumas das músicas de um pop mais lento da banda. Mas a música afasta-se do modelo punk para se derreter num pop eletrónico e ritmado.

A letra é divinal. Nunca temos dúvida que estamos perante uma mensagem carregada de sentimentos. E são sentimentos que geralmente não associamos a break-up songs. Maria Reis consegue criar uma das melodias mais catchy e trauteáveis dos últimos tempos, juntamento com uma mensagem fresca e única. Definitivamente uma das melhores faixas do ano passado, pertencente a um álbum genial de que haveremos de falar daqui a uns tempos!

 Filipe Sambado – Jóia da Rotina

Filipe Sambado é uma figura particular, no plano nacional. Anda ali numa zona sem nome concreto, algures entre a indietrónica, pop, uns toquezinhos de trap e RnB contemporâneos… Não é fácil de catalogar, e é por isso que é bom. Pôr etiquetas nas coisas só prejudica.

A faixa tem contornos épicos, com sintetizadores e cordas a entrar taciturnos música dentro. O que é irónico, porque a voz de Filipe Sambado é das coisas mais íntimas que por aí há, e a letra é uma homenagem à humilde rotina, estável e segura, com todas as dores e cansaços que essa apresenta.

A composição é marcada por ritmos quase desconexos e ansiosos, onde a interrupção constante da batida marca uma tensão forte, com a voz íntima mas forte do cantor a segurar a faixa. É uma boa faixa, que transporta sentimentos importantes e intemporais.

 Selma Uamusse – HOYO HOYO

Já falei de Selma neste blog, e é com felicidade que falo dela novamente. Habituou-nos a músicas enérgicas, com ritmos bem marcados e enérgicos, com um conjunto de instrumentos a levar esse energia para a frente, e sempre com a própria da cantora no meio dessa tempestade com uma voz poderosíssima.

Esta faixa não desaponta, bem pelo contrário: usa esses mecanismos já bem testados, mas adiciona ainda elementos frescos. A linha de baixo que percorre a música é orgásmica, à falta de melhor palavra, e as harmonias vocais são deliciosas. Mas adiciona também segmentos onde a voz se transfigura em gritos potentes com uma guitarra a desbravar caminhos novos. Esta faixa tem elementos de rock progressivo, dir-se-ia. E funciona, muito bem. Dava um braço para ver um álbum inteiro de Selma com essas forças!

 Keso x Berna – Divago

O Keso anda a dar-nos um tease imenso com o seu projeto “Sinceramente Porto”. Para sossegar espírito, deu-nos uma mão cheia de faixas. E que faixas. Mesmo que o resto das faixas sejam péssimas (yeah right) só estas já fazem deste o melhor álbum de hip hop em muito tempo.

Na “Divago” Berna toma o leme e conduz a faixa com toda a mestria possível. O flow é forte, e sabe-se modelar quando necessário, sem nunca ser repetitivo ou cansativo. Os jogos de ideias são aguçados e pintam imagens claras: O Palhetas pergunta: E novidades? / Algumas. / A expansão do turismo levou à extinção dos gunas / a era do selfinismo que faz mascarar as rugas.

E o refrão. Oooh, este refrão. É genuinamente divertido, e ainda assim soa ameaçador, com um flow jingão brilhante. A faixa fala do deixar-estar, e do como o não fazer nada é aceitar a mudança, e o refrão só o refere de forma mais pessoal e direta. E indireta. 

É uma malha absolutamente incrível, com uma mensagem importante, rimas fluídas, e uma produção esmerada de 5 estrelas. Não sei o que estão aqui a fazer. Vão ouvir a faixa, e quando acabarem ouçam outra vez enquanto esperam pelo lançamento do álbum. We are Porto!

 S. Pedro – Apanhar Sol

Pode parecer malévolo, se calhar sádico até, trazer aqui uma música cuja mensagem é “hey, meu, sai de casa e vai fazer coisas!”. É o que é, e a minha desculpa é que a música é mesmo muito boa.

A guitarra conduz a melodia, e a percussão entra logo a seguir. Mas a verdadeira estrela da faixa são os pormenores espalhados pelo percurso que adicionam camadas genuinamente bonitas. As melodias com múltiplos instrumentos, as harmonias vocais, os pequenos efeitos que completam a base da música. Todos esses pedacinhos são espalhados habilmente para construir um universo subtil e cheio de personalidade.

A mensagem em si é bonita também. Ou seria, se pudéssemos sair. Mas as letras divertidas brincam também com uma melodia que se diria divertida. A letra não se leva demasiado a sério, mas a melodia também não. E ainda bem, que com este tempo de quarentena quem é que leva a um pedido de Vai apanhar sol a sério?

 Janeiro feat. nāga – YA TA TD BEM

Há uma coisa que me irrita nesta faixa: não a consigo ouvir sem me lembrar de “La Tournure des Choses” de Jacques. Será que é influência direta? Não sei. Mas consegui a certa altura abstrair-me disso, nem sei como, e ouvir, de facto, a música. E é deliciosa.

É profundamente introspetiva, como não podia deixar de ser. Já na review à “Solidão” na Quarentena Singles Club Vol. 1, referi que Janeiro tem este poder de capturar sentimentos extraordinariamente específicos, e esta faixa só vem sublinhar isso. É uma faixa que combina um frio existencial com um aninhar quente. É uma faixa de olhar pesado e cansado. Está tudo bem, mas não está tudo mesmo bem, mas vai-se indo, porque é isso que é. E há, no meio de tudo isto, um desespero por um calor real. A produção só sublinha essa dualidade, com um trabalho fenomenal e fresco de nāga.

Não há muitas músicas que consigam dar-me um calafrio na espinha. Esta consegue fazê-lo tantas vezes quanto a ouça.

 Luís Severo – Primavera

Luís Severo é um prodígio da música portuguesa. E esta faixa é tudo o que se poderia querer.

Tem uma ambiência clássica, toques de folk e fado, até, mas ao mesmo tempo deixa que a melodia se complete com sintetizadores. A própria construção da música brinca com isso, com um refrão que ameaça um shift tonal profundo, que cai por terra com um regresso a uma melodia delicada e um cantar suave de só me reconheço em beijos teus.

É uma canção lindíssima, e não há outra forma de o dizer. É uma daquelas faixas que aparece na vida e que, se soubermos abrir o coração, no-lo encherá, e o deixará a transbordar.

Agora, só gostava de saber: tem um significado político ou não?

E são estes os singles desta vez. O Quarentena Singles Club volta daqui a mais 10 (vá, 9) reviews. Até lá, tudo de bom, keep safe, e sugiram músicas pelo insta ou pelo tumblr! Aproveitem para seguir a playlist geral no Spotify. Prometo não chatear mais. Tudo de bom!

JK, 31/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #19: Cave Story – Spider Tracks EP

Sei bem que a jóia da coroa deste grupo das Caldas seria o álbum “West”. Mas o EP Spider Tracks, lançado em 2015 pelos Cave Story, sempre me atraiu, pelos instrumentos crus e diretos. E ser um EP bite size ajuda.

O EP é, sem qualquer dúvida, marcada por uma crueza punk, com um som sujo, até trashy por vezes. À data, os Cave Story eram um trio, sem street cred que permitisse a integração de outros músicos, o que se nota bem. E o que é ótimo, também, porque mais era desnecessário. Parte do que dá tanto poder a estas faixas é precisamente essa simplicidade técnica. Não há artifícios desnecessários super-produzidos, é apenas uma guitarra com distorção, um baixo, e uma bateria precisa e segura.

Os Cave Story sabem precisamente para o que vêm: oferecer malhas enérgicas, com um mood ligeiramente inclassificável (mas algures entre o ansioso e o chill-pós-caos), e não perdem um segundo a fazê-lo. O EP abre com a “Cleaner” a soltar todo o poder da guitarra e bateria frenética. A energia pode amansar, ao longo do álbum, mas o certo é que não há, e momento algum, um momento chato, com todas as faixas a largar energia. A mistura dos instrumentos e voz preenchem cada instante de cada faixa. E é certo que as melodias e a produção não são tão técnicas quanto o “West”, é preciso conceder. Há quase um minimalismo de produção. Mas também, é isso que se quer.

A voz ocupa um espaço muito especial, no entanto. Atribui um sentimento humanizante ao EP, com uma fluidez de melodia e toques extremamente pessoais. Não é uma voz muito comum nem que fique bem em qualquer faixa. Mas aqui, consegue puxar pelos cordões emocionais para dar o toque que os Cave Story precisam.  E é certo também que às vezes se desejaria um maior destaque da voz na masterização, mas ao mesmo tempo a voz afogada pelo aparente caos melódico encaixa bem. Em “Buzzard Feed” a voz luta agressivamente com a guitarra, e, de alguma forma, isso só lhe adiciona carga emocional.

Não é um EP sobre o qual valha a pena alongar-me muito mais. Como disse, é bite size, frenético, ruidoso até. E é perfeito exatamente por isso. É um EP com uma energia que poucos têm por aí, e é-o pela simplicidade, força, e emoção que transmite.

JK, 31/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #18: India Malhoa – India Malhoa

Sim, isto é uma review ao álbum de estreia da India Malhoa. Essa mesma, filha da Ana Malhoa, cujo single “Lollipop” é viral, por motivos não muito simpáticos. Sim, ela tem todo um álbum, lançado em 2011. É tudo o que se espera de um álbum da India Malhoa. E plot twist: eu gosto, genuinamente e assumidamente, desse álbum. Não é o melhor álbum de sempre… Mas e daí é por isso que gosto dele.

Quem me conhece bem sabe que tenho uma obsessão pouco saudável com a música da India Malhoa. Fui introduzido ao fenómeno pela “Lollipop”, como toda a gente, e até hoje divirto-me a mostrar essa música aos não-iniciados para ver a reação. Porque, sejamos sinceros: a música não é particularmente boa. É bubblegum-pop-teenybopper vazio e com produção simplista. O álbum aventura-se por produções um pouco mais complexas e letras tecnicamente mais profundas (o que, sejamos sinceros, não era difícil).

É preciso lembrar, e relembrar, e lembrar de novo: não sou o público-alvo deste álbum, e provavelmente se estão a ler esta review também não o são. O álbum está coberto por uma energia tween, como se fosse um cupcake coberto de glacé cor de rosa com sprinkles em forma de corações e unicórnios. Mas é exatamente por isso que estas músicas são tão interessantes: não há, em nenhuma destas faixas, uma gota de pretensiosismo. É um álbum que sabe exatamente o que é e o que quer dar, e fá-lo da maneira mais sugary possível.

Há um tipo especial de emoção genuina em trabalhos como estes. As letras são profundamente relatable, mesmo que por vezes possam soar vazias ou desconexas: Pois eu só quero viver / e ganhar ou perder / é o caminho que escolho agora / Tenho muito que aprender / mas só quero viver / tenho a vida à espera lá fora (“Vivo a Vida na Boa”). Por vezes chegam de facto a soar como uma série de hashtags em sequência, mas hey, soa bem!

A produção, essa, é um caos. O álbum abre com “És Só Tu (Que Me Faz Feliz)”, com sons extraídos diretamente de uma qualquer faixa de synthpop dos anos 80, “O Show Vai Começar” é uma faixa de pop para encher estádios, e as faixas “Sou A India” ou “Um Dia Tão Perfeito” (a minha preferida do álbum todo, fyi) têm uma base faux-punk. Não há duas músicas semelhantes… O que também não é mau, já que faz da experiência de ouvir o álbum um constante descobrir de tesouros.

No meio de tudo isto, a voz de India, fica um pouco aquém. Nota-se claramente o facto de se tratar de uma miúda de 12 anos (se as contas estão certas), com o range a falhar algumas vezes, e a afinação a escapar em alguns momentos. Mas o esforço é louvável, com muitas faixas carregadas de energia. O que, de novo, encaixa com os objetivos do álbum. Nunca fui uma miúda de 12 anos, mas se ouvisse este álbum, de certeza que ficaria de coração cheio.

Naturalmente, nem essa ideia consegue salvar todas as músicas, com toda esta mistura a produzir algumas faixas inexplicáveis. A “Lollipop” não está neste álbum, mas existe aqui uma pérola negra intitulada “DJ Aumenta o Som”. Tem um ritmo de disco-house e auto-tune, e um refrão com as linhas DJ eu quero ao teu som dançar / e ao teu beat eu vou-me entregar / vá lá DJ usa esse teu dom / e aumenta o som. É uma música, a bem dizer, péssima. What where they thinking? O álbum, com toda a sua força, não deixa de ser um pastiche colado por um produtor qualquer de meia idade, e por vezes isso nota-se, com o álbum a soar “falso”, acabado de sair de uma fábrica de ídolos pop.

Não sou cego nem surdo (e acho que estúpido também não). Sei perfeitamente da carga imensa de produção por trás deste álbum, sei da árvore genealógica da cantora, conheço a máquina de produção de ídolos para a faixa etária pré-teen. E é exatamente por isso que este álbum e a figura da India Malhoa me fascina tanto: se lhe fosse dada a possibilidade, hoje em dia, de gravar um álbum, sem pressões de editoras e de estatutos, o que saía? Um álbum de malhas power pop? Um disco de sensibilidades RnB? Um conjunto de bangers para rebentar com qualquer discoteca? Preciso de saber, desesperadamente.

Até lá, continuo a navegar neste oceano açucarado e cheio de glitter que é este álbum. Porque, como disse, gosto genuinamente deste álbum. Ou vá, de algumas faixas. E vou continuar a ouvir. Porque, principalmente em tempos tão negros como esta quarentena, de vez em quando faz falta sentirmo-nos como miúdas pré-adolescentes, à espera do primeiro amor, com a vida e todas as esperanças à espera no dia seguinte.

 JK, 30/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #17: Batida - Batida

Vi Batida pela primeira vez num Serralves em Festa, sem fazer ideia do que era, e fiquei imediatamente fascinado pelo caos de cores e movimentos em palco, e pela cacofonia ritmada que saía dos altifalantes. O epónimo deste projeto, lançado em 2012 por Pedro Coquenão, foi dos primeiros álbuns que comprei quando comecei a colecionar discos.

A história do álbum está intrinsecamente ligada aos sons e influências que o permeiam. Pedro Coquenão, nascido em Angola e crescido em Lisboa, começa a notar novas tendências da música de dança com fusões de world music e ritmos eletrónicos. O Kuduro, naturalmente, apresenta uma mistura que lhe é próxima (pela origem angolana), e rapidamente começa a escavar na história deste género que é também a sua. E começa (literalmente) a encontrar e a usar gerações de discos quase esquecidos de Semba, Afrohouse, Soca, e tantos mais géneros para criar algo plenamente pertencente ao século XXI. “Batida” mostra, acima de tudo, um esforço de preservação de um património sonoro, mas também um redirecionar tanto interior (com um shift profundo de temas e meios) como exterior (com uma apresentação cuidada e próxima de circuitos contemporâneos internacionais).

A grande revolução do Kuduro é exatamente essa, um sair de um ambiente diy e local, para um ambiente mundial, onde editoras como a Enchufada ou a Príncipe Discos têm capacidades para dar cartas. E Coquenão é uma expressão perfeita disso: um pé na tradição, com as samples frenéticas e ritmadas de músicas vindas de Angola e vários territórios africanos; e outro pé no moderno, com técnicas de produção clara, sons e temas contemporâneos. O músico não é estranho a nenhum desses mundos, com ligação ao Kuduro angolano (veja-se o documentário É Dreda Ser Angolano) e ao circuito de dança eletrónica (com participações constantes na Boiler Room), e o álbum faz-se dessa dicotomia.

A nível sonoro, o álbum é frenético. Os ritmos são sólidos e constantes, construídos de forma a não haver qualquer buraco. Nunca se sente a falta de um bombo, uma tarola, um prato, mas tudo isso sem criar uma wall of sound, através um equilíbrio cuidado. Nessa cama deita samples (muitas vezes distorcidas) e uma rede de sintetizadores e baixos pesados. As músicas são diversas, tanto contando com jams potentes (“Alegria” ou “Bazuka”) como faixas mais íntimas onde a mensagem é o foco claro (“Saudade” ou “Cuka”). E mesmo nessas faixas mais pesadas (“Saudade” conta com uma sample da música “Quando eu Morrer” de António dos Santos) sente-se uma alegria aparente e esfuziante, com as melodias a transmitir isso com uma força imensa.

Essa diversidade faz-se também pelas participações em diversas músicas. Ikonoklasta (aka Luaty Beirão, nome que deveria ainda estar fresco na memória), MCK, Beat Laden, ou Bob da Rage Sense, que adicionam vozes, constroem toda uma nova camada de significado para estas músicas. E nota-se um perfeito à-vontade entre estes músicos e os ritmos onde despejam linhas delicadas, ou divertidas, ou sentimentais, ou talvez tudo ao mesmo tempo. Mas vozes sempre pautadas por uma energia extraordinária.

Aliás, a principal marca do álbum, a nível estético, é essa energia incessante. Não se pediria nem se quereria diferente de um álbum com estas fundações. Mas ao mesmo tempo, Coquenão consegue efetivamente adicionar toda uma nova carga, com temas sócio-políticas fortes e instrumentação fresca. E, exatamente porque cada uma das faixas é tão afinada e equilibrada, sem entrar demasiado em elementos cliché de um lado ou outro, o álbum ganha uma carga intemporal.

Se a ideia do álbum era ser um arquivo e uma nova direção, cumpre os objetivos na perfeição: este é um álbum com uma vida enérgica e contagiante, que vai continuar igualmente delicioso e vivo daqui a 30 anos.

 JK, 30/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #16: !Von Calhau! – Magneto Luminoso Condutor Sombra

Dizer que o “Magneto Luminoso Condutor Sombra” lançado em 2013 pelos !Von Calhau! é um álbum de música é um erro crasso, mas dizer que é uma “experiência” é erro maior ainda. Como tudo o que esta dupla faz, M.L.C.S. é a expressão de um ciclo, que tanto é musical, como visual, performático, e intelectual. E apesar disso, este disco assume-se como um mastodonte na música experimental portuguesa.

Os !Von Calhau! (ou Calhau!, ou Einstein Von Calhau, ou como queiram chamar) são uma dupla, originária do Porto, composta por Marta Von Calhau e Alves Von Calhau (no relation). São uma dupla vinda do universo das artes conceptuais e visuais, e isso nota-se. Este não é um álbum normal, e confio que muita gente que lê este blog não considerará isto música. O que é legítimo.

Mas como disse, chamar a este disco uma experiência, não só é parvo como é foleiro. Qualquer álbum que se preze saberá captar a atenção do ouvinte e levá-lo numa viagem, para o deixar sair no fim. Esta dupla, no entanto, diverte-se a não criar um final: muitas das suas obras, seja sobre a forma de performance, instalação, livro, ou disco, brincam com a ideia de ciclicidade universal e inevitável. A dupla exposição/zine “Crocodoxa / Dobrodilo”, em 2015, brinca com esse tema de forma especial, ao criar ciclos que se repetem ad infinitum (o crocodilo que chora lágrimas que são bebidas por um crocodilo que chora lágrimas que são bebidas etc etc).

Ora, o M.L.C.S. não tem princípio nem fim, não tem lado A nem B. Tem um lado com riscos, e outro sem ter riscos. As próprias músicas perdem-se nas repetições incessantes e hipnóticas: “MLCS”, a faixa que dá nome ao álbum, repete o nome do álbum até à exaustão. Apenas isso.

Outro tema comum a esta dupla são os jogos de palavras. No seu livro de 2011 “N N”, vê-se esse jogo levado ao extremo, com enormes palíndromes. São enormes poemas, seja qual for a ordem em que o texto é lido. E mesmo quando não são palíndromes, o jogo de palavras e sons é profundamente rico, cheio de referências aos trava-línguas da tradição portuguesa: Fantasma / fã de asma / no bar oco / do barroco / cede ilha /à cedilha. E essa ligação continua presente, já que neste livro, nas notas de rodapé que são elas próprias poemas, aparece já o título deste disco. E estes jogos são evidentes no disco, especialmente em faixas como “Eu-ropa”: E se sacar do eu / dou eu / à Europa / tirar a roupa do eu / dou eu / ai doeu (a forma escrita é apenas uma aproximação minha).

No entanto, para os !Von Calhau!, isso é só parte da receita, e é impossível destacar isso dos sons abstratos que permeiam as faixas e servem de plataforma de salto às linhas de spoken word de Marta Von Calhau. São sons fantasmagóricos. Alguns deles, abrasivos, que tiram qualquer um da sua área de conforto, principalmente quando adicionamos as vozes emocionais e cruas. Muitas vezes as faixas são despidas de qualquer ritmo sólido ou até melodia a que nos consigamos agarrar. Não é um álbum fácil de se ouvir, pelo contrário: é um álbum que não quer ser fácil.

É complicado também separar este conjunto de músicas do lado performativo do grupo, onde esses sons são criados como extensão do próprio corpo do performer: através de sintetizadores com elementos fotossensíveis, por exemplo, cria-se um jogo em que o próprio autor é som. E creio que neste álbum há algo assim, onde muitos dos sons são orgânicos, partindo provavelmente da voz (filtrada e sintetizada) de Alves Von Calhau.

Ainda assim, no meio disto tudo, M.L.C.S. consegue ter algo de belo. Agressivo e disruptivo, sem dúvida, mas é também daí que parte da beleza destas faixas. Não é um disco que eu recomendo facilmente, requer paciência, à-vontade com ambientes bizarros e alienígenas, e vontade de imersão em algo diferente. Mas oh, vale tanto a pena o esforço, porque é tanto mais que uma “experiência”. Dizer que o “Magneto Luminoso Condutor Sombra” lançado em 2013 pelos !Von Calhau! é um álbum de música é um erro crasso, mas dizer que é uma “experiência” é erro maior ainda.

JK, 28/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #15: ProfJam - Mixtakes

Não há muito que eu possa dizer sobre o Mixtakes que o próprio do ProfJam não insinue já ao longo desta mixtape lançada em 2016. É um álbum cuidado, carregado de significados e ideias, que me tem acompanhado em muitas viagens. Provavelmente não as mesmas em que o Prof anda, mas isso é outra história.

O rap de ProfJam (neste álbum pelo menos – não vamos falar de outras coisas) é metódico. Faz uso de um vocabulário extenso, domado com chicote para criar rimas precisas, que se inserem facilmente em narrativas mais extensas: tanto trabalha como storyteller (“Sinestesia”), como criador de ambientes (“Trigo Limpo”), ou simplesmente poeta (todas as faixas, na verdade).

O que é de facto único neste rapper é essa versatilidade. Prof tem a capacidade de modelar o seu discurso, flow, ritmos, tom de voz, e tudo mais, sempre com o objetivo de adicionar mais e mais elementos, tanto simbólicos como expressivos às suas faixas. Em “Queq Queres”, por exemplo, há um saltitar entre tons de voz e até oitavas para conferir mais poder e emoção às letras, com vozes pesadas a acompanhar versos agressivos, e vozes mais cantadas a acompanhar versos mais pensativos. A variedade de referências, desde grandes hinos do hip-hop tuga, a mitologia clássica, filmes, livros, etc, mostra também a capacidade de puxar por elementos específicos para criar uma mensagem concisa.

O foco não é na glorificação do ego próprio, na maior parte destas letras, penso que isso será óbvio. Está presente, claro, mas as mensagens presentes no álbum são muito mais pessoais, e até maiores do que a própria pessoa. Há ao longo destas faixas a noção de jogo entre o micro e o macro-cosmos, onde as experiências de uma só pessoa são expressão de algo mais profundo e universal. E ProfJam sabe-o bem, com os temas mais espirituais que transbordam das rimas. E se isto está tudo a soar muito “psicadélico” e “far out, maaan”, é-o, sem dúvida. Prof adiciona uma boa dose de psicadelismo ao rap já de si “conscious”.

Claro, isto não dava em nada caso o rapper não tivesse os skills para acompanhar estas ideias. E oh, se tem! Basta ouvir a “Além”, para notar o disparar rápido e concreto de ideias nas linhas Sou uma roda dentada sem dentes / não sirvo para esta engrenagem / quero renovar a mensagem / da escola do rap, da tv, da net / é tudo correto / menos ver que no fundo o que mexe / é a lei do cash e que tudo o resto é paisagem / então começa a ver como é que os teus pais agem. Estas frases, com uma métrica inteligente e estruturada acompanhada da cadência de ideias é um dos pontos altos do álbum.

Nota-se uma vontade clara e consistente ao longo destas faixas de sair da área de conforto, de passar mensagens profundas e pensadas. Fazer rap inteligente, e ainda assim atrativo e bem conseguido, tanto a nível estético como técnico, é um troféu em si mesmo. Cada faixa é um mundo, e o álbum é um universo, e ProfJam deixa-nos seguros disso. Mostra-nos os cantos desse universo, que na verdade é o “seu” universo. Único e irrepetível. O que não significa que se possa deixar de tentar o melhor. Pode ser que a quarentena nos dê sons mais introspetivos e cuidados deste rapper brilhante.

 JK, 27/03/2020

[soundtrackparaumaquarentena]

Soundtrack para uma quarentena #14: Bruno Pernadas – How Can We Be Joyful in a World Full of Knowledge

Bruno Pernadas é um génio, e ninguém me consegue convencer do contrário. Quem ainda não ouviu o “How Can We Be Joyful in a World Full of Knowledge”, o álbum de estreia em nome próprio de 2014, que se alegre e o vá ouvir. Vai só seis anos atrasado, mas não há problema nenhum!

A música deste álbum é delicada e sublime. É uma dança, com todos os trejeitos, pormenores, e toques individuais que isso implica. Ao longo das faixas, Bruno habilmente submerge-nos numa piscina de sonoridades subtis, tecidas a partir de influências múltiplas e complexas.

Bruno Pernadas parte do universo do Jazz para construir esta teia, e muitos pormenores traem essa força motriz. Os teclados perdem-se por floreados quando há espaço para tal, e da mesma forma, todos os sons têm tempo e espaço para se exprimirem ou se conterem. O que é extraordinário, dada a miríade de influências aqui congregadas: notam-se traços de dream pop (com as guitarras e vozes descontraídas) de hip hop (com a repetição constante que quase se diria samplada, e os próprios samples de voz), de ambient (com os sintetizadores complexos a criar panos sonoros de fundo), prog rock (nos sintetizadores poéticos e flutuantes)… E claro, muita world music e jazz.

O que torna este álbum tão atrativo, no entanto, não é o facto de Bruno conseguir incorporar os diferentes sons, instrumentos, e mecanismos, mas as próprias sensibilidades de vários estilos e géneros musicais. Como já se referiu, a repetição quase hipnótica que puxa pelo hip hop e, até, pelo chill-hop ou ambiente; as vozes e lyrics íntimas que convocam memórias de um álbum de bedroom pop; ou até a vivacidade de certos tipos de world music.

Nada congrega e expressa melhor todos estes elementos que a primeira faixa, “Ahhhhh”, que começa com samples (creio? O que não será se forem samples?) grandiosos, que logo são cruzados com uma guitarra delicada e vozes mais delicadas ainda. E todo o conjunto prossegue em modelações pop de toques folks íntimos, adicionando elementos bizarros e distorcidos, só porque sim. As harmonias vocais são límpidas e complexas q.b., a bateria é simples… E depois a faixa vai acelerando, com guitarras cada vez mais expressivas, numa multiplicidade de solos onde a guitarra se diria cada vez mais solta. E depois os ritmos que se começam a multiplicar, cada vez mais frenéticos, com a guitarra repetitiva… Para dar um momento para respirar antes de entrar em mais uma fase nova, com percussão complexa e vozes complexas. E prossegue a complexificação, adicionando eventualmente mais elementos de jazz com sopros, melodias, harmonias! Se alguma faixa expressa a noção de “caos controlado” que certos estilos de Jazz muitas vezes incorporam, será esta sem dúvida, que consegue dar mais do que uma volta de 180 graus ao longo da sua construção.

As faixas, apesar de bem diferentes entre si, têm, ainda assim, uma consistência formal única, todas usando distintas formas e sons para criar ambientes pacíficos e hipnóticos, e ainda assim com fortes cargas emocionais. O álbum todo, aliás, consegue ter um sentido hipnótico do princípio ao fim. As faixas não têm daquelas transições seamless muito fancy que álbuns de prog rock têm, não, simplesmente a curadoria é delicada e atenta ao ponto de as músicas encaixarem: apesar de serem distintas, e terem finais e inícios óbvios, as faixas “Huzoor” e “Première” ligam-se na perfeição, e dessa última para a “Guitarras” a mesma coisa, e daí em diante.

Todo o álbum é uma peça prodigiosa, de formas e feitios equilibrados, com todas as faixas dotadas de identidades próprias, baseadas em melodias e construções suaves e hipnóticas. E sei que chamar “hipnótico” a Bruno Pernadas é um cliché, por esta altura. Mas hey, é a mais pura das verdades!

 JK, 26/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #13: Greengo - Dabstep

“Dabstep”, dos Greengo, é assumidamente Stoner Metal. Como o nome implica, isso é, pelo menos à superfície, o equivalente musical a usar tshirts com um padrão de folhas de marijuana. E os Greengo não fogem à estética. E, no entanto, este EP consegue ser tanto mais do que apenas uma mão cheia de referências a erva.

Esta dupla pode ser do Porto, mas não deixa espaço para dúvidas entre erva ou ganza: a sério, não tenho dedos suficientes nas mãos e nos pés para contar as referências a erva neste EP. A começar pelo nome da banda (gringos, mas verdes, get it?), do EP (porque é música, mas para dabs [dos de fumar], get it?), a capa do álbum (é um bud de erva, get it?)… Até a cassete e o vinil são verdes, e não só verdes, como “weed green”. Desnecessário? Provavelmente. Cheesy? Definitivamente. Mas faz parte do jogo, e se conhecerem outras bandas da onda, como os Bongzilla ou os Weedeater, percebem que é só uma estética. É como usar as cores da Jamaica e leões num álbum de reggae, ou imagens escuras e logos hiper-complicados para um álbum de death metal. Não adiciona muito, mas estabelece a identidade.

A música, no entanto, é muito mais que umas quantas referências engraçosas a “hehe, nós fumamos paivas”. Os Greengo assumem-se uma banda Stoner pelos motivos vistos, mas as músicas revelam muitas mais influências do universo do Metal mais pesado, como Doom e Sludge, talvez até uns toques de Drone. Estas influências são óbvias, com diferentes músicas a mostrar diferentes componentes provenientes de diferentes strains de metal (tipo, strains de erva, get it?). E, já que o EP é tão curto, mais vale fazer uma rápida descrição:

A primeira música, “Heavyman”, começa com uma sample de voz (naturalmente, trata-se de uma referência a fumar canhão), mas não perde tempo a entrar a pés juntos com as duas primeiras músicas do EP a mostrar a força stoner, com baixos pesados e distorcidos e vozes agressivas. A segunda música, aliás (“Big Bikes”), pesca o nome de uma música dos Kyuss, mas é das poucas semelhanças entre as duas. Já a terceira faixa (“Inhale”), a fechar a primeira metade do EP, puxa pelo lado mais pesado, a assumir uma lentidão típica de Doom ou Sludge, sem quaisquer adereços ou artifícios: é peso puro. “You For Yourself, Satan For All” abre o segundo lado com um dos melhores nomes de sempre, e a introduzir elementos psicadélicos e de Black Metal. “Think U Think” continua essa tendência, com os baixos de tal maneira pesados que parecem pedir growling a acompanhar. “Red Eyes” fecha a trip (tipo, trip, get it?) com uma última malha de peso, onde o final, progressivamente lento e sludgy parece afogar-nos num pântano de thc.

Por estranho que possa parecer, no entanto, no meio de todo este peso e fumo, o som consegue ser controlado. Não limpo, nunca – a distorção certifica-se que isso nunca acontece. Mas as melodias graves conseguem não se perder num caos frenético. Greengo são apenas duas pessoas, “Chaka” na bateria e “Martelo” no baixo, e daí ser tão interessante o controlo e sinergia entre os diferentes sons, bem como o Groove que apenas uma banda composta por elementos rítmicos consegue sacar.

As músicas são ótimas. Curtas, o que também não é mau. Muitas bandas de Stoner cometem o erro de prolongar as músicas por tempos aparentemente infinitos; e é certo que o próprio modelo sonoro de Sludge (melodias profundamente pesadas e longas) pede faixas mais compridas, mas para os Greengo não funciona assim. A “You For Yourself…” entra a matar, como uma chapada (tipo, ficar todo chapado, get it?), apenas para a seguir a “Think U Think” entrar como um murro no estômago. Esta rapidez das faixas é usada como forma de manter o ouvinte sempre atento, à próxima da próxima rasteira. E funciona.

Os sons são pesadíssimos, como se quer. Lentos, mas nunca repetitivos ou aborrecidos, a estabelecer bons grooves ao longo das faixas, e ainda assim a saber acelerar quando é necessário. Se conseguirem ver para além das piadas superficiais sobre weed, e quiserem o lado mais pesado e lento da coisa, esta é uma release fenomenal.

Mas a sério, eram precisas tantas piadas sobre erva? Já percebemos. Vocês fumam desse.

 JK, 25/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #12: B Fachada – B Fachada

Esta é uma review que tenho evitado, dada a majestosidade do álbum e o impacto sentido. B Fachada é um daqueles raros casos que conseguiu, com sucesso, subverter e redirigir o cânone da música portuguesa. E fê-lo ao inserir um álbum específico no imaginário português: o seu self-titled. B Fachada. O de 2009. Porque, ya know, há mais dois epónimos, e outros dois com o nome do autor no título.

Este é um álbum portuguesíssimo, tanto nas suas inspirações, ideias, e sons, a dar o melhor uso possível a melodias imaginativas e meticulosas, apesar de impressas de uma aparente simplicidade. O uso pleno de tudo quanto é estrutura, cliché, e som da música portuguesa atribui uma carga não só simbólica mas melódica, com construções extremamente belas, onde a simplicidade lírica é a chave. Não vemos cacofonias, múltiplos instrumentos, secções quase confusas. Pelo contrário, as faixas são contidas, profundamente concisas. Sabem como dizer o que têm a dizer, e dizem-no sem adereços desnecessários. É filho da FlorCaveira, e isso nota-se.

Mas claro, a carga simbólica é também importante. Naturalmente que Fachada não é desligado do seu contexto e história, com muitas das edições anteriores a referirem-se diretamente a essas tradições (o EP “Guitarra Braguesa” não tenta sequer não o fazer. Está lá no nome). Mas ainda assim, e é isso que é tão profundamente genial e delicado neste primeiro epónimo: mesmo esses elementos são apenas o motor que arrastam as mensagens e letras profundamente pessoais.

Um exemplo: “A Velha Europa”. Conhecem Vitorino? Peço que ouçam a “Queda do Império”, logo a seguir a ouvirem esta do Fachada. Apanharam? Pois. Não é um roubo, obviamente. Será mais homenagem. Mas não é apenas uma cover, bem pelo contrário: há aqui uma desconstrução. Se Vitorino fala da grandiosidade de uma nação construída nas viagens, B Fachada parte desse Perguntei ao vento para tecer uma história íntima, de desamparo. Trata-se da “queda de um império”, mas de império pessoal.

Segundo exemplo: “A Bela Helena”. Conhecem a obra escrita de Homero? Não vou pedir que leiam tudo, apenas que se lembrem da história de Helena de Tróia, raptada (ou fugida, quem sabe) com um “outro”, e toda a discórdia que isso gera: toda uma guerra. Nesta música, e nesta desconstrução, um triângulo amoroso é apresentado como um evento grandioso, mesmo partindo do quotidiano comum. E a história de Helena de Tróia, mais exército menos exército, é isso: um triângulo amoroso. Essa dualidade é uma das chaves para perceber o álbum – a banalidade do épico e o épico do banal. Os exemplos prosseguem. Cada uma das músicas revela, debaixo da superfície, uma história mais ou menos pessoal, narrada de forma delicada e íntima.

De uma forma bizarra, o cantautor conseguiu prever as tendências, e dar-lhes um rumo. Tem a subtileza e a introspeção que muitas bandas do indie pop têm; consegue puxar pela música portuguesa e elementos tradicionais (não por acaso, participou nos primeiros álbuns dos Diabo na Cruz); consegue criar faixas com personalidade, mas concisas, singularmente, e ao longo de um álbum. Consegue criar histórias, de tal maneira subtis que, se ninguém chamar à atenção, passam despercebidas.

Quanto mais ouço este álbum, mais deliciado fico, e mais me pergunto: será que este álbum previu todas as direções da música portuguesa? Ou será que as criou?

 JK, 25/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #11: Blasted Mechanism – Avatara

De vez em quando, aparece uma banda que define uma geração. Dizer que os Blasted Mechanism o foram, talvez não seja verdade. E que o fizeram com o seu álbum “Avatara”, de 2005, será menos verdade ainda… Ou será? Este foi um álbum que ficou bem gravado na memória portuguesa, de uma maneira muito, muito, muito estranha.

A uma primeira vista, os Blasted Mechanism podem parecer uma banda gimmicky, até infantil: vestem-se de aliens com fato complexos que mudam com cada álbum, cantam numa linguagem própria, e baseiam muita da identidade da banda em torno desses elementos teatrais. Mas o facto é que, dadas as origens da banda e dos seus sons, as suas mensagens e ideias, esses elementos fazem sentido. As letras das músicas comunicam muitas vezes uma noção de “tribo global” uma ideia que, não assumida política, convoca muito da noção de paz à escala mundial, que é expressa numa visão de ficção científica de simplicidade cósmica.

Fatos estranhos, noções de “tribo”, um universo psicadélico. Parecem hippies, certo? E, de certa forma, são-no. Tanto em espírito como musicalmente. Para quem conhece os trabalhos anteriores, em especial o EP de estreia “Balayhashi” (1997. Se nunca o ouviram, pausem a leitura e vão ouvir. Vá, eu espero. Tudo ouvido? Bom!) sabe a mixórdia de influências que a banda convoca. E mixórdia é a palavra certa, se separarmos as influências tão díspares, que vão desde música balcânica, drum ‘n’ bass e jungle, funk-rock, psy trance, hip-hop… Tudo isso suportado por elementos de world music, com instrumentos, melodias e mecanismos retirados de música tradicional hindi, africana, asiática… Chamar a esta mistura “psicadélica” não arranha sequer a superfície.

Para quem conhecer as culturas musicais de onde esses elementos surgem, esses não surpreenderão. A cítara, vinda do rock psicadélico. Os ritmos frenéticos vindo do jungle. Os baixos saltitantes e os ecos do ragga e do dub. Os scratches do hip-hop. Nada é assim tão único. O contexto é que é a chave, porque nestas músicas todas essas puzzles são montadas de forma a criar uma estética sonora extremamente consistente, mas ainda assim a atribuir variedade suficiente para que cada música tenha uma personalidade própria. É uma mistela, mas é uma mistela que funciona, num sincretismo sonoro difícil de conseguir.

As faixas em si têm, sem dúvida, sabores próprios, cada um deles com narrativas próprias. Também o tinham no primeiro ep ou no primeiro álbum (“Plasma”, 1999), mas essas quase sempre a dar uso a estruturas musicais extraordinariamente complexas, com abruptas mudanças de ritmo, sons, melodias, ou formatos, no que se poderá chamar de “psicadelismo progressivo” (se é que isso é uma coisa) (se não é, passa a ser). Mas neste álbum assume-se na perfeição a ideia de estruturas consistentes, com diferentes elementos a modificar os sons e moods musicais: na música “What Is All About”, por exemplo, sente-se na perfeição o domínio do impacto dos instrumentos que entram no refrão ou na bridge, e que criam uma ambiência diferente, e na “Sun Goes Down” sente-se essas mudanças de forma radical… Mas ainda assim concisas, respeitando uma estruturação lógica de uma narrativa musical. Agora, que instrumentos são esses que potenciam esses shifts, isso já é uma questão impossível.

Isto pode ser visto como um assumir mais pop pela banda. E será, e indica bem a direção que a banda tomará mais tarde (fora crítica de valor ou julgamento de qualidade. DM para isso). O que não é necessariamente mau, já que ajuda a criar um universo sonoro mais consistente, que não dispersa como os primeiros álbuns. Que, embora adore (a “I Believe” continua a ser das minhas preferidas deles), convenhamos: conseguiam ser confusos.

Não que as músicas deste Avatara não consigam ser confusas. Oh, são-no, quando querem. Entre interlúdios bizarros, vocals completamente diferentes da norma, e a já referida mixórdia de estilos, conseguem puxar o caos até ao 11. Mas um 11 contido, concreto, e conciso.

A não ser com o feature dos Dealema, “Hand Full of Nothing”. Esse é um ponto estranho, em que o álbum parece sair dos trilhos para acomodar a presença dos pesos pesados do hip hop tuga. Ouvir Karkow, vocalista do Blasted Mechanism a mandar um rap é bizarro, e os DLM a declamar em português, cada qual dos membros com os seus estilos típicos, é… Muito fora. É uma faixa em que dois mundos chocam e não se misturam, e onde as modificações ao som dos Blasted Mechanism para acomodar os convidados não funciona bem. O que é pena, porque mesclar estilos e experimentar com géneros musicais diferentes é a maior força desta banda.

Este é um álbum estranho para ser o álbum-ícone da banda. Não tem o caos estrutural dos primeiros, nem o foco no eletrónico pop dos últimos. Ainda tem o peso todo das raízes, mas já tem a influência do pop limpo e asseado. É um álbum de meio da estrada, e por isso mesmo captura bem o que foram, e o que prometiam ser. E para um álbum em que as músicas se assumem como viagens intergalácticas, essa é uma imagem interessante.

Mas agora sério, se chegaram até aqui e ainda não foram ouvir o Balayhashi, façam-no. Só porque podem. E devem.

JK, 24/03/2020

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Soundtrack para uma quarentena #10: Quarentena Singles Club Vol.1

10 álbuns em 4 dias? Não está mal. Um bocado repetitivo, talvez. Por isso, para variar, esta 10ª review não é de um álbum, mas de uma mão cheia de singles. Há hot singles na vossa área prontos a serem ouvidos! É só querer!

  Churky – Pente Fino

Não sei quem ensinou este rapaz, mas “desvaneio” não é uma palavra. É basicamente isso que tenho a apontar de errado nesta música, uma das minhas preferidas do ano passado.

O baixo que entra a matar é simplesmente viciante. Simples, mas direto. Cumpre a função para que é chamado – criar a linha mais groovy que ouvi em muito tempo. A percussão que entra com os sopros, no entanto, mostram muito claramente que esta música não é só ear candy, e consegue ser pesada. E é.

Quando a música explode, isso dá sentido ao mood anterior. Não se tratava de um Groove pelo Groove, mas da captura de um “está tudo bem e eu estou bem”, quando, se calhar, não está? A faixa faz-se desse diálogo entre o que está cá dentro, e o que não se deixa sair… Mas que eventualmente sai.

É uma música habilmente construída, onde cada um dos instrumentos (voz incluída) cumprem funções muito específicas, e constroem sentimentos afiados e claros. É uma música brutal, em muitos sentidos.

 Chico da Tina – Romarias

Vá, a questão que corre na cabeça de todos: é possível gostar de Chico da Tina não ironicamente? Oh pá, eu não sei. Eu sei que gosto desta música, e acho que, à sua maneira, o Chico da Tina é incrível. O flow é rápido e tight, mas o mais admirável é a capacidade de manter a personagem, com uma temática muito própria de Minho-gangster-trapper. E se para alguns isso será um gimmick, uma maneira fácil e vazia de criar uma coesão temática, para outros será um comentário à identidade portuguesa, com humor à mistura.

A produção, essa, é sempre pesada. É um paradoxo imenso, a constante tirada de “és um americanizado” (uma crítica profundamente legítima, note-se) e uma base musical que de português pouco tem. De alguma forma, no entanto, funciona. E funciona bem. Mas para quando um solo de concertina e cavaquinho, Chico?

 Helena Kendall – aDeus

Já conheço a Helena há uns, portanto, 24 anos, dado que ela é, portanto, minha irmã. Só para ficarem a saber.

A “aDeus”, segundo single da jovem cantautora, é uma música plena de emoção e sentimento. É uma homenagem, a quem já não está cá, a quem por cá ficou, e a Àquele que os recebeu. E Helena fá-lo de uma forma humilde e despretensiosa. As imagens que são usadas na música dir-se-iam vindas da cabeça de uma criança, e é exatamente essa inocência, que clama saudade e medo, mas também esperança, que nos apanha desprevenidos.

A música em si é fenomenal. HK consegue rodear-se de uma mão-cheia de músicos fenomenais, que conseguem criar uma plataforma da qual ela pode cantar e fazer o que quiser.

É um single para ouvir, rezar, e talvez soltar uma lágrima.

 The Black Wizards – Imposing Sun

Este single vem coçar um formigueiro que muita gente sentia há algum tempo. Os The Black Wizard são donos de uma atitude pesada mas energética, com esta malha colhendo influências muito díspares: têm a sua dose de stoner, de psych-rock, de blues… É uma mistela à boa maneira de uma certa banda altamente prolífica que inclui “Wizard” no seu nome.

A faixa sabe ao que vem – entregar uma boa dose de guitarras distorcidas e acompanhamento psicadélico. Não perde muito tempo a anunciar-se, e mal acabado o intro, todos esses elementos entram de rompante. É uma música direta e clara nos seus objetivos, e cumpre-os de forma direta. E muita falta faz a este Portugal bandas que saibam ser diretas e claras. Se vierem carregadas de fuzz então, melhor ainda!

 Janeiro – Solidão

Quem consegue ouvir esta malha e não sente vontade de dançar um bocado, ou tem problemas auditivos, ou nunca sentiu a felicidade simples de dançar sozinho no quarto. E não tenho grande dúvida que esta música já ensinou isso a muita gente.

É estranho uma música aparentemente alegre ter uma letra tão aparentemente triste. Mas nem a melodia é completamente alegre, nem a letra é triste. Ambas se viram para dentro, a primeira numa tentativa de agarrar a alegria que escapa (notam-se bem alguns hints de melancolia na mistura melódica), e a segunda num fechar para dentro para apanhar as peças.

Não há muitas músicas que consigam tão habilmente captar esse sentimento específico do “pedras no caminho”. Mas esta consegue, e ainda lhe dá roupagens de dança imensamente viciante. É pop, é indie, é dança. É uma mistura delicada e extraordinária. Permanentemente em loop nas minhas playlists, e devia estar nas vossas também.

 Weis – Mais Que Qualquer Um

“+QQQ1” é um dos sons de rap mais poderosos que me apareceu à frente no ano passado.

Sou fã assumido do Weis (aka. Maudito). Aliás, sou fanboy dele. Adoro as malhas dele, o flow, o sentido de humor, os jogos de palavras. E este rapidamente tornou-se no meu som preferido dele, por ter todos esses elementos perfeitamente destilados.

Os jogos de palavras estão no ponto: E jurar a pés juntos - “Não fui eu, sou fiel” / No final eu perco o rumo, bebo rum, “Yo Fidel” / Numa buba estou em Cuba. Uma bebida e vai-se a vida, estou em coma / Estou de cama a gregar quimo do meu estômago. As aliterações, rimas cruzadas, ritmos, tudo se conjuga para criar uma música que tem que ser ouvida uma e outra vez. O que não magoa, já que a faixa mal passa os dois minutos.

A outra razão pela qual esta música se tornou uma favorita é a evolução. Indo ouvir as músicas e mixtapes antigas, sente-se a evolução. As rimas estão mais inteligentes e apertadas, os jogos de palavras mais complexos. A concretização de todo o potencial prometido.

A imaturidade do humor, essa também amadureceu. Continua lá, sem dúvida, mas mais madura. Isso faz sentido? Se calhar é melhor ouvir outra vez para confirmar.

 JK, 23/03/2020