Stephanie Johne

t e x t ü b e r s e t z u n g e v e n t p r c o n s u l t i n g

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Oh Yes? Hello No! Text: Stephanie Johne

Montagmorgen, in der U-Bahn drängen sich die Menschen dicht aneinander. Der erste Schnee des Jahr zwingt sie, den Weg zur Arbeit unterirdisch zurückzulegen. Es ist so eng, dass es keinen Unterschied mehr macht, ob man sitzt oder steht. Der Bild gewordene Gruppenzwang auf Kuschelkurs; umfallen unmöglich – aussteigen auch. Mir ist es gleich, ich muss ohnehin bis zur Endstation. Eigentlich wäre heute mein freier Tag – hätte ich nicht einer Freundin versprochen, ihr mit ihren Bewerbungen zu helfen. Ich konnte ihr die Bitte einfach nicht abschlagen. Da ‚steh-sitze‘ ich nun also, inmitten der Rush Hour, die ich so viel lieber einsam in meinem Bett verschlafen hätte. Irgendwo klingelt es – alle Blicke plötzlich auf mich gerichtet. Mein Handy. Ich kämpfe mich durch ein Gelage aus mit Daunen und Schurwolle bedeckten Oberkörpern, die den Weg zu meiner Gesäßtasche versperren. Meine geheuchelte Euphorie durchbricht für einen Moment die geschäftige Stille im Zug: „Nein, gar kein Problem – das mache ich sehr gerne!“ Noch sieben Stationen bis zu meinem Ziel – Zeit genug zwei E-Mails und eine What’s App Nachricht zu schreiben. Letztere geht schließlich an meinen Chef: „Alles erledigt, Tisch ist für 13 Uhr reserviert, K. weiß Bescheid.“ Als ich aussteige, schwirrt mir der Kopf. Es ist gerade mal fünf nach neun und ich habe eigentlich Urlaub.

Allzeit bereit!

Nur wenige Stunden später sitze ich mit einer alten Freundin über einer dampfenden Pho beim Vietnamesen unseres Vertrauens. Seufzend berichte ich ihr von meinem bisherigen Tag – an dem ich eigentlich nichts anderes tun wollte, als zu schlafen. Sie lächelt nur müde und nennt das Kind ohne Umschweife beim Namen: „Du musst lernen Nein-zu-sagen, Liebes! Immer dieses Ja-und-Amen-Gehabe! Wem willst du denn etwas beweisen?“ Ich weiß, dass sie Recht hat. Es ist im Grunde nämlich immer dasselbe – so sehr ich es mir auch vornehme, ich kann es einfach nicht. Immer, wenn es darum geht, anderen einen Gefallen zu tun, schaltet sich mein Helfersyndrom ein und die Vernunft aus. Und damit bin ich nicht allein – obwohl meiner Generation doch gemeinhin nachgesagt wird, so gar nicht emphatisch zu sein. Dass ich nicht lache! „Allzeit bereit!“ wäre wohl viel passender. Ich zumindest kenne kaum jemanden, der nicht sofort für alles und jeden Feuer und Flamme wäre und überall mitmischen wolle? Außer besagte Freundin, die mich bei dem Gedanken mit argwöhnischem Blick mustert. Habe ich das laut gesagt?

Netflix, meine heiße Schokolade und ich!

„Du verwechselst da etwas – Empathie heißt nicht gleich bedingungslos allem zustimmen zu müssen,“ unterbricht meine Freundin meine Tagträumerei (Ich habe das doch wirklich nicht laut gesagt, oder doch?). Gedankenverloren nehme ich noch einen großen Schluck von meiner Suppe und verbrenne mir den Gaumen. In letzter Zeit fühle ich mich oft ausgebrannt, kraftlos und kann mich nicht erinnern, wann ich das letzte Mal einfach so im Bett rumgegammelt wäre. Nur ich, Netflix und meine heiße Schokolade? Fehlanzeige! Dabei ist das doc wirklich nicht meine Schuld – in einer Zeit, in der es ständig darum geht, immer einen Schritt voraus zu sein und bloß nichts zu verpassen. Ja-sagen gehört da fast schon zum guten Ton. Aber bedeutet Ja- und offen gegenüber Neuem zu sein wirklich immer Ja-sagen zu müssen? Nein! Die Kunst besteht nämlich darin, immer dann, wenn wir Nein-sind auch einfach Nein-zu-sagen. In der Theorie ziemlich einfach. In der Praxis schon schwieriger. Immerhin galt Empathie lange als das ultimative Erfolgsrezept für Karriere und Privatleben. Wer sich in andere hineinversetzen und mitfühlen kann, findet sich schnell ganz oben wieder – so der gesellschaftliche Konsens. Aber was ist mit den Schattenseiten, von denen meine Freundin spricht und die mir so zu schaffen machen?

„Never Mister Clever!“

„Es ist wie bei so vielen Dingen der innere Schweinehund, der einmal überwunden werden muss. Ich bin doch mit dieser Erkenntnis auch nicht geboren worden,“ fügt meine Freundin hinzu. Und es gibt wirklich viele Möglichkeiten Nein-zu-sagen ohne „Nein!“ zu sagen. Ich erinnere mich an Dr. Cox aus Bill Lawrence Dramedy-Serie Scrubs (kurz verliere ich mich wieder in meiner Sehnsucht nach Netflix und heißer Schokolade). Seine Antwortmöglichkeiten reichen von „Niemals“ über „Nicht in einer Million Jahren“ bis hin zu „Never Mister Clever“ und treffen damit ein Problem unserer Zeit auf den Kopf. Oft beginnt das aber nicht mit der fehlenden Schlagfertigkeit, sondern schon viel früher: wir sind schlichtweg einfach zu abgelenkt oder zu beschäftigt, wenn es darum geht jemandem für etwas zu- oder abzusagen! Jede(r) von uns kennt die Situationen, in denen wir leichtfertig Ja-sagen – weil wir nicht richtig zugehört oder aber die Konsequenzen nicht wirklich durchdacht haben – und es im nächsten Moment sofort wieder bereuen. Und was passiert dann? Wir versuchen, einen Rückzieher zu machen und verbringen viel Zeit damit, die Verpflichtung umzudisponieren. Dabei ginge es lediglich darum, offen für die eigenen Bedürfnisse einzustehen und dem Bauchgefühl Gehör zu schenken.

21, 22, 23…

Das Geheimnis ist Zeit. Nicht viel, oft machen schon magische drei Sekunden (21, 22, 23… zählt sich wirklich ziemlich schnell dahin, oder?) den Unterschied, ohne dass sich der Gegenüber auch nur wundert. „Bevor du das nächste Mal leichtfertig mit einer Antwort herausplatzt, könntest du genauso gut auch erst einmal einfach tief durchatmen und die Frage kurz sacken lassen.“ Und wenn kein direktes Gegenüber da ist? Umso besser! „Erkläre, dass du später zurückrufst und klapp den Laptop zu, geh spazieren, schließ die Augen für einen Moment oder schlaf schlicht und ergreifend eine Nacht darüber. Ganz oft macht sich dann schon ein deutliches Bauchgefühl breit.“ Und Fakt ist: kurz innehalten bedarf rückblickend betrachtet sehr viel weniger Zeit, als voreilig etwas zuzusagen und dann mit sich zu hadern.

Den Heimweg trete ich in einer beinahe leeren U-Bahn an. Wieder klingelt mein Telefon. Auf meinem Display leuchtet in Großbuchstaben das Wort „Büro“. Ich atme einmal tief durch und zähle leise vor mich hin – „21, 22, 23…“ – bevor ich schließlich den roten Hörer drücke und stattdessen eine Nachricht tippe: „Kann gerade nicht sprechen, melde mich mich, wenn ich aus dem Urlaub zurück bin.“ Sich einfach mal rar machen, gut fühlt sich das an, auch wenn das jetzt eher eine von den leichten Übungen war.

Zuhause angekommen wartet eine verzweifelte Nachbarn auf mich – sie hat sich ausgesperrt und sitzt im Nachthemd auf der Treppe. Ohne zu zögern bitte ich sie herein und mache uns eine heiße Schokolade. Sie lächelt mich erleichtert an – in ihrem Blick lese ich, dass ihr Tag sehr viel anstrengender war, als meiner. Irgendwie sind wir beide ziemlich die jeweils andere zu sehen. Ich muss lachen! Meistens da ist sie eben für etwas gut, diese Empathie.

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Nachhaltigkeit für Feinschmecker.

Text: Alfred Rinaldi / Übersetzung ins Deutsche: Stephanie Johne

Ryan Chetiyawardana – besser bekannt als Mr. Lyan – wurde 2015 zum besten Barkeeper der Welt gekürt. Sein Faible für außergewöhnliche Aromen und Nachhaltigkeit überträgt er nun auf sein erstes Restaurant, das Cub. Unser Autor macht einen Ausflug ins Londoner East End und gönnt sich einen Vorgeschmack auf die Zukunft.

Das Cub: halb Cocktailbar, halb Restaurant. In der sonst eher ruhigen Hoxton Street gelegen, ist es auf den ersten Blick leicht zu übersehen. Nur die auffällige Neon-Leuchtreklame mit der Aufschrift „Super Lyan“ lässt darauf schließen, dass sich hinter der unscheinbaren Tür eines der aufregendsten Restaurants Londons befindet.

Ich brenne darauf, zu sehen, ob der Hype hält, was er verspricht. In meinem Eifer bin ich überpünktlich. Als ich noch vor dem offiziellen Betriebsbeginn die Tür aufstoße, treffe ich direkt auf Ryan – er trägt gerade eine Kiste in die Cocktailbar im Kellergeschoss. Zwei Minuten später erklärt eine fröhliche australische Kellnerin das Lokal für eröffnet, nimmt meinen Mantel entgegen und führt mich in das Restaurant im Erdgeschoss.

Das Interieur ist stilvoll minimalistisch – gespickt mit visuellen, geistreichen Details. Hinter der Bar befindet sich eine große Magnettafel, an der ein Krug und eine Reihe von Metallutensilien hängen, als seien sie angeklebt. Ein Glaskolben, wie man ihn aus dem Chemielabor kennt, dient als Weinkaraffe (er ist mit einer goldfarbenen Kugel verschlossen) und beim Gang zur Toilette begegnen einem skurrile Kritzeleien auf den Türen und Spülungen.

Kreative Drinks statt Barmätzchen

Die Raumaufteilung erinnert an ein Diner: Während eine Reihe von Hockern die Theke säumt, sitzen die meisten Gäste auf hüfthohen, gelben Lederbänken.

Ryan steht neben einem der Küchenchefs. Es würde wohl niemand erraten, dass dieser unscheinbare, bebrillte Typ mit dem zurückhaltenden Lächeln hier der Boss ist. Man merkt, dass er nicht darauf aus ist, sein Publikum mit Flaschenjonglieren oder anderen Barmätzchen zu beeindrucken. Stattdessen konzentriert sich die gut gelaunte Crew ganz auf die Arbeit, wobei aus den Lautsprechern ein entspannter Soundtrack aus Hip Hop und jazzigen Grooves wabert.

Ich entscheide mich für ein alkoholfreies und durchaus erschwingliches Neun-Gänge-Menü. Die Handschrift des Gründungsteams ist bei den fantasievollen Kreationen unverkennbar. Außer Mr. Lyan ist Chefkoch Doug McMaster mit von der Partie: Er hat bereits Brightons Zero-Waste-Restaurant Silo gegründet.

Ich beginne den Abend mit einem Superfly: einem auf Melone basierenden, leicht prickelnden Cocktail mit Jasmin und Olivenöl. Am Boden des hochstieligen Glases befindet sich eine gelierte Kapsel, die den letzten Schluck besonders schmackhaft macht und schon eine Vorahnung auf die nächsten zwei Stunden gibt – geprägt von ungewöhnlichen Konsistenzen und Aromen, die mein kulinarisches Vokabular bereichern.

Beinahe vegetarisch

Als Hommage an einen nachhaltigen Lebensstil finden sich im „Beinahe-vegetarisch-Menü” Zutaten wie gärender Käse, der normalerweise weggeworfen werden würde, Molke, ausgepresste Zitrusfrüchte aus Mr. Lyans Cocktail-Bar sowie „hässliche Stachelbeeren” und Feta, der von einer griechischen Familie im Norden Londons hergestellt wurde.

Serviert werden diese mit selbstgebackenem Brot und hausgemachter Butter. Die Hühnerbrühe besteht aus aussortierten Hühnerknochen und schmeckt wie durch Zauberhand nach einem Hauch Seetang.

Von der Kerbelwurzel – für gewöhnlich eher selten auf dem Teller zu finden – bis hin zu zarten, gefrorenen Apfelscheiben, die im Backofen aufgetaut werden (nachdem sie in ein Vitamin-C-Bad getaucht wurden) – die Liste neuer, ungewöhnlicher Zutaten ist lang.

Bei den Getränken überzeugt mich ein delikater Mix aus weißem Tee und Pflaume, gefolgt von einem köstlichen, gekrönten Square Mile Coffee. Er ist von einer fast durchsichtigen Karamellfärbung.

Wenn moderne Kunst essbar wäre, würde sie so aussehen und schmecken – kein Wunder, hat doch Ryan am Central Saint Martins studiert, Londons renommierter Kunsthochschule.

Nachhaltigkeit ohne Verzicht

Zum Abschluss wird eine köstliche Melasse-Praline aus übriggebliebenen Früchten gereicht. Sie lässt mich satt und zufrieden in den Sessel sinken. „Nachhaltigkeit heißt nicht zwangsläufig, auf etwas verzichten zu müssen“, erklärt Ryan, „und Luxus muss nicht immer mit Verschwendung einhergehen.“ Dieser Vision wird das Cub mit seinem gewagten, neuartigen Konzept mehr als gerecht.

Die Zeiten sind vorbei, als man sein gutes Gewissen mit Genussverzicht bezahlen musste und nachhaltige Produkte – optisch wie geschmacklich – zweitklassig waren. Stattdessen ist Cub der Inbegriff eines neuen und dabei ganz pragmatischen Luxus.

Mehr Infos zu Cub gibt es hier.

https://www.smart-magazine.com/de/nachhaltiges-restaurant-cub/

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Girlboss, nein! Female Leader, ja!

Nicht nur der Begriff Girlboss hätte eine Neuauflage bitter nötig, sondern auch seine vermeintlichen Vorbilder sind etwas in die Jahre gekommen. Das geht auch anders, finden wir.

Dass die Gleichstellung der Frau auch 2017 noch utopisch ist, liegt nicht zuletzt daran, dass der zeitgenössische Feminismus seine Zeit lieber mit plakativen Posen und etymologisch fragwürdig besetzten Hashtags wie #girlpower und #girlboss auf Instagram vergeudet. Zwar feierten „Girlbands“, „It-Girls“ und „Callgirls“ bereits in den 90ern Hochkonjunktur – ihre männlichen Pendants sucht man bis heute vergebens: „Boyband“ und „Callboy“ mögen gleichberechtigte Gegenüber sein, „It-Boy“ geht schon viel schwerer über die Lippen, von „Boypower“ oder gar „Boyboss“ ganz zu schweigen! Ein Boyboss in der Chefetage? Undenkbar!

Warum schmücken sich Frauen freiwillig mit so offensichtlich degradierenden Titeln? Girl kommt ursprünglich von „gurle“ und steht für „Kind des weiblichen Geschlechts“, kurz: „Mädchen“. „Boss“ hingegen ist patriarchalischer Natur (wogegen der Feminismus eigentlich vorzugehen versucht) und bedeutet – abgeleitet aus dem Französischen – so viel wie „wichtiger Mann“.

Dass es der Begriff überhaupt in den kollektiven Wortschatz des Feminismus' geschafft hat, daran ist auch Sophia Amoruso Schuld, Gründerin der Online-Modeboutique „Nasty Gal“. Amoruso ist ein Girlboss wie er im von ihr geschriebenen gleichbetitelten Buche steht. Ihr Verdienst: mit einer durchschnittlich guten Idee hat sie überdurchschnittlich viel Geld verdient. Und das in einer Branche, die ohnehin von Frauen dominiert wird – nicht mehr, aber auch nicht weniger. Elf Jahre später reproduziert sie sich trotz erster Insolvenz immer noch selbst, schreibt mittelmäßige Fernsehserien über ihren Erfolg, spricht aber nie  über ihr Scheitern, was durchaus erfrischend und hilfreich wäre. Stattdessen steht sie wegen ihres Führungsstils immer wieder in der Kritik – unter anderem weil Mitarbeiterinnen in der Schwangerschaft gekündigt wurde. Ziemlich bossy, ein bisschen girly, aber zeitgemäß oder gar feministisch? Fehlanzeige!

Ist die Welt noch nicht bereit für so viel Girlpower? Wenn es nach der Charme-Offensive von Monika Grütters geht offensichtlich nicht! Als Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien versuchte sie Anfang des Jahres eher schlecht als recht mit der Twitter-Aktion #weiles2017ist über noch immer bestehende Missstände in Sachen Gleichstellung zwischen Mann und Frau aufmerksam zu machen. Was es braucht, ist allerdings nicht noch eine Social Media-Kampagne um Wachzurütteln (wach sind wir schließlich längst), sondern neue Role Models! Frauen, die andere Frauen inspirieren, um die Ecke zu denken und alte Mauern einzureißen, anstatt mit Erfolgsgeschichten zu protzen. Was es braucht, sind echte Vorbilder – und wenn diese Rolle schon ob der damit verbundenen, besseren Marketingtauglichkeit unbedingt einen Namen tragen muss, dann vielleicht lieber „Female Leaders“? Mit 20.695 Beiträgen auf Instagram (zum Vergleich: #girlboss hat 7.232.865), gibt es bis zum viralen Durchbruch zwar noch einiges zu tun, passende Role Models allerdings bereits zu genüge. Wir hätten da ein paar:

Die Influencerin Sie wird von einem höheren Zweck getrieben und ist oft global erfolgreich. Ihr Erfolgsrezept? Eine gesunde Portion Selbstironie und ihre Freundinnen!

Role Model: Kimberly Drew Gründerin des Tumblr „Black Contemporary Art“ – seinesgleichen die einflussreichste digitale Plattformen für afrikanische und afroamerikanische Kunst; arbeitet als Kuratorin und Social Media-Managerin für das „The Metropolitan Museum of Modern Art“ in New York.

Instagram: @museummammy Twitter: @museummammy

Die Idealistin Wenn sie sich ein Ziel gesteckt hat, hält sie mit an Sturheit grenzender Beharrlichkeit daran fest. Dabei helfen ihr eine lebhafte Fantasie und eine nahezu hellsichtige Intuition!

Role Model: Munroe Bergdorf Als Transgender-Model, DJane und Aktivistin verkörpert sie Vielfalt und Individualität und hat keine Angst, laut zu sagen sagen, was sie denkt. Das wurde ihr kürzlich zum ‚Verhängnis’: nach einem Kommentar zur Rassismusdebatte auf Facebook kündigt ihr L’Oreal. Macht nichts, denn mittlerweile ist sie beim Konkurrenten Illamasqua unter Vertrag.

Instagram: @munroebergdorf Twitter:@MunroeBergdorf

Die Unermüdliche Frei nach dem Motto „Der Weg ist das Ziel…“ wird sie nie müde, Dinge auszuprobieren und sich dafür selbst die Hände schmutzig zu machen.

Role Model: Mareike Nieberding Nach Trumps Wahlsieg hat die Journalistin die Nase gestrichen voll und beschließt, selbst die politische Bühne zu betreten. Mit ihrer Jugendbewegung „DEMO“ will sie junge Menschen wieder für Politik begeistern, auf Facebook erklärt sie: „Ich weiß, man gründet keine Bewegung, sondern man wird eine. Aber ich überspringe das Werden und proklamiere das Sein.“

Instagram: @mnieberding / @demo_bewegt Twitter: @MNieberding

Die Pionierin Das Klischee vom genialen Erfinder ist keineswegs nur Männern vorbehalten. Auch Frauen setzen zur Genüge neue, richtungsweisende Maßstäbe im Bereich Naturwissenschaften. Traurig nur, dass wir das überhaupt hervorheben müssen.

Role Model: Anne-Marie Imafidon Mit 20 absolvierte die Britin bereits ihren Master in Mathe und Informatik in Oxford, mit 24 gründet sie ihre eigene Firma Stemettes, die junge Mädchen ermutigen soll, es ihr gleichzutun. Ihr Ziel? Dass Frauen wie Männer in Zukunft ganz selbstverständlich als Ingenieure, Informatiker oder Mathematiker brillieren.

Instagram: @stemettes Twitter:@aimafidon

Die Querdenkerin Nach dem Motto „Think outside the box“ bringt sie zusammen, was auf den ersten Blick nicht zusammen gehört. Sie hat heute schon zig neue Ideen für morgen und würde sich nie darüber beklagen, zu viel zu tun zu haben.

Role Model: Roya Mahboob Das „Time“-Magazine wählte sie zu einer der 100 einflussreichsten Menschen der Welt. Ihr Ziel? Mit ihrer Non-Profit-Organisation Digital Citizen Fund Mädchen und Frauen in Entwicklungsländern Zugang zum Internet zu verschaffen und ihnen als IT-Expertinnen beruflich eine neue Perspektive zu geben.

Instagram: @royamahboob Twitter: @RoyaMahboob

Die Kreative Sie sprudelt nur so vor neuen Ideen und hantiert oft auf vielen Baustellen gleichzeitig. Wenn sie damit auch noch etwas bewegen kann, ist sie mehr zufrieden.

Role Model: Jemima Kirke Jemima oder Jessa? Es gab Zeiten, da kannten nicht nur eingefleischte Fans der Fernsehserie „Girls“, sondern auch sie selbst, die Antwort auf diese Frage nicht so genau. In puncto Selbstbewusstsein steht Jemima ihrem Seriencharakter dennoch in nichts nach und propagiert nicht nur auf dem Bildschirm, sondern auch mit ihrer Malerei ein positives Körpergefühl.

Instagram: nicht aktiv Twitter: @jemimakirke

Die Aktivistin Trotz klarem Ziel vergißt sie nie das große Ganze. Sie möchte die Welt nachhaltig verändern, oft aus sehr persönlichen Gründen.

Role Model: Kübra Gümüşay Muslimische Feministinnen? Gibt es nicht? Gibt es wohl! Kübra Gümüşay ist das beste Beispiel dafür. Die Hamburger Journalistin, Bloggerin und Netz-Aktivistin geht aktiv gegen Stereotypen vor und beweist, dass sich Kopftuch und Feminismus nicht ausschließen.

Instagram: @kuebrag Twitter: @kuebra

Die Selbstverständliche Gleichberechtigung ist für sie nicht nur eine Phrase. Als Kind von zwei berufstätigen Eltern findet sie es ganz normal, dass Frauen wie Männern die Welt gleichermaßen offen steht.

Role Model: Lea Riek Ein Jahr lang reist sie allein mit ihrem Motorrad Cleo einmal um die Welt und berichtet auf ihrem Blog Got2Go darüber. Usbekistan, Tajikistan, Indien, Nepal Marokko und Südamerika sind nur einige ihrer Ziele. Die überraschten Reaktionen der Mitmenschen, wenn unter dem Helm eine Frau zum Vorschein kommt – für Lea kein Problem!

Instagram: @lea_rieck Twitter: @RiekLea

Die Unerschütterliche Wie Phoenix aus der Asche rafft sie sich allen Schicksalsschlägen zum Trotz immer wieder auf und vergisst dabei nie ihre gesellschaftliche Verantwortung.

Role Model: Mama Cāx Eigentlich heißt sie mit bürgerlichem Namen Née Cacsmy Brutus. Nach einer Krebserkrankung verlor die haitianisch-amerikanische Bloggerin und Beauty-Aktivistin zwar ihr rechtes Beins, nicht aber ihre Lebenslust. Mithilfe von Social Media rüttelt sie an den Festen althergebrachter Schönheitsstandards und beweist, dass wir jeden Tag  selbst die Wahl haben, ob wir uns schön fühlen oder nicht.

Instagram: @mamacaxx Twitter: @MamaCaxx

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Refinery29 

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Es gibt viele Mythen und Tabus rund um die Themen Kinderkriegen und -haben; Stillen gehört dazu. Zumeist entweder romantisiert oder angeheizt durch Horrorgeschichten über entzündete Brustwarzen, Ausbleiben der Milch, gesellschaftliche Ausgrenzung oder Verlust der eigenen Unabhängigkeit, beschränkt sich die Debatte wie so oft faktisch auf Schwarz oder Weiß. Dazwischen gibt es kaum etwas, vor allem das Attribut „normal“ scheint in dem Zusammenhang noch in weiter Ferne.Dennoch ist man sich in einer Sache mittlerweile einig: Muttermilch ist laut Bundesverband der Kinder- und Jugendärzte unangefochten das beste fürs Baby. Neben den gesundheitlichen Vorteilen ist auch die psychische Komponente nicht außer Acht zu lassen, denn Stillen fördert nachweislich die Mutter-Kind-Beziehung. Ob, wie, wo und vor allem wie lange ein Baby gestillt wird, muss jede Mutter selbst entscheiden, insofern nicht aus medizinischen Gründen etwas gegen das eine oder das andere spricht.WERBUNG

“WARUM ABER WERDEN FRAUEN TROTZDEM NOCH IMMER SCHIEF ANGESCHAUT, WENN SIE IN DER ÖFFENTLICHKEIT IHRE BUSEN AUSPACKEN, UM IHR BABY ZU STILLEN?”

Jetzt ist es aber nun mal so, dass es gerade gegenüber jungen Müttern gerne gut gemeinte Ratschläge hagelt – natürlich völlig unabhängig davon, ob diese auf eigenen Erfahrungen basieren oder lediglich angelesen sind. Das Internet strotzt ohnehin nur so vor Foren, die bis unter die Taskleiste vollgepackt sind mit Tipps und Tricks. Eigentlich sollten wir ja also wirklich Bescheid wissen, oder? Warum aber werden Frauen trotzdem noch immer schief angeschaut, wenn sie in der Öffentlichkeit ihre Busen auspacken, um ihr Baby zu stillen?Ich selbst bin seit vier Monaten Mama und stille voll. Bis auf die obligatorischen ersten Anlaufschwierigkeiten hatte ich keinerlei Probleme damit – im Gegenteil, ich genieße es in vollen Zügen. Dass das nicht selbstverständlich ist, weiß ich. In meinem Umfeld haben sich viele Frauen nämlich ganz bewusst gegen das Stillen entschieden – aus unterschiedlichen Gründen. Und doch höre ich oft denselben: weil sie sich unangenehme Blicke in der Öffentlichkeit ersparen möchten. Bei der Aussage versetzt es mir regelmäßig einen Schlag in die Magengegend. Wie bitte? Mir ist bewusst, dass ich offenbar mit einem sehr gesunden Frauenbild aufgewachsen bin und deswegen noch nicht einen Gedanken daran verschwendet habe, wie es den anderen gehen könnte, wenn ich in der Öffentlichkeit blank ziehe.

Lediglich die Wahl eines stillfreundlichen Outfits beschäftigt mich jeden Tag aufs Neue. Sicher, das Stillen in der Öffentlichkeit ist natürlich nicht immer einfach, insbesondere weil mein Sohn ein echter Busenakrobat ist und damit natürlich nur noch mehr Aufmerksamkeit auf mein Dekolleté zieht. Mir macht das nichts, aber was ist mit meinen Mitmenschen?WERBUNG

Angeheizt wird die Diskussion gerade aufgrund einer aktuellen Werbekampagne von Baby Dove – eine Hautpflege-Linie von Unilever – in England, die derzeit jede Menge Kritik in Mama-Foren und auf diversen Social Media-Kanälen erntet. Die Kampagne schmückt folgender Text: „75 Prozent sagen, Stillen in der Öffentlichkeit sei okay. 25 Prozent sagen: Packt die Brüste ein. Wie seht ihr das?“ Der Vorwurf aus den Communities: Nicht nur, dass die Herkunft der Statistik fragwürdig ist, es ist auch mehr als enttäuschend, dass eine Marke wie Dove den Diskurs aus offenbar reinen Marketing-Gründen überhaupt heraufbeschwört, denn in England (im Gegensatz zu Deutschland oder Österreich) gilt: öffentliches Stillen ist gesetzlich geregelt und ausdrücklich erlaubt.

“MEINE ERFAHRUNG: JE UNBEFANGENER ICH SELBST MIT DEM STILLEN UMGEHE, UMSO SELBSTVERSTÄNDLICHER REAGIERT AUCH DAS UMFELD. DEM RESONANZPRINZIP SEI DANK!”

Hierzulande gibt es keine gesetzliche Regelung (warum eigentlich?), dennoch wird es allgemeinläufig zumeist geduldet. Ich selbst achte – wenn ich nicht gerade nur Augen für mein Baby habe – beim Stillen immer wieder auf die Reaktionen in meinem Umfeld und muss feststellen: gänzlich unbefangen steht unsere Gesellschaft dem Thema nicht gegenüber. Denn auch wenn die meisten Menschen versuchen, sich nichts anmerken zu lassen, spüre ich doch oft ihre Unsicherheit. Eigentlich können nur andere Mütter unbeeindruckt ein Gespräch fortsetzen und so weitermachen wie zuvor. Meine Erfahrung: je unbefangener ich selbst mit dem Stillen umgehe, umso selbstverständlicher reagiert auch das Umfeld. Dem Resonanzprinzip sei dank! Das hat natürlich auch sehr persönliche Gründe. Zugegeben hatte ich vorher keine besonders „gute“ Beziehung zu meinen Brüsten, eigentlich waren sie immer nur zu klein. Heute ist das anders! Sie sind es, die meinem Baby das Überleben sichern, die es nähren und satt machen und zum ersten Mal sehe ich sie mit anderen Augen und bin stolz auf sie. Ich wünschte, jede Frau könne so empfinden.WERBUNG

Es müssen ja auch nicht gleich Lobgesänge und Danksagungen sein, nur ein bisschen mehr Normalität. Den Grundstein dafür legen wir Mamas allerdings selbst. Denn je selbstverständlicher wir damit umgehen, umso eher kann das Stillen zum öffentlichen Alltag werden. Wenn ich im Restaurant beispielsweise gefragt werde, ob ich mich lieber in eine ruhigere Ecke zurückziehen möchte, um mein Baby zu „füttern“, dann gilt dieses Angebot keineswegs ausschließlich meinem Komfort, sondern auch dem der Kellner und anderen Gäste. Ich lehne jedes Mal ab und bestelle mir stattdessen noch einen koffeinfreien Cappuccino oder ein alkoholfreies Bier. Nicht ausgrenzen lassen, einfach machen. Natürlich sorgt das manchmal für irritierte Blicke, manchmal aber auch für ein ehrliches Lächeln und hoffentlich am Ende dafür, dass wir uns alle ein bisschen weniger wichtig nehmen. Eine Mama mit Baby am Busen – alles ganz natürlich und halb so wild, liebe Mitmenschen.

Unter dem Hashtag #normalizebreastfeeding teilen weltweit mittlerweile immer mehr Frauen ihre Geschichte, auch prominente Mütter wie Candice Swanepoel. Immer wieder postet sie Fotos von sehr intimen Stillmomenten mit ihrem Sohn. Molly Sims, US-Sängerin Pink alias Alecia Moore oder Liv Tyler tun es ihr gleich. Hashtags wie #mothernature“ oder #normalizebreastfeeding haben alle dieselbe Message: Stillen gehört zu unserem Alltag und es wird Zeit, dass wir es nicht mehr zum Thema machen müssen. Man sollte ohnehin meinen, dass wir 2017 eigentlich längst soweit wären, immerhin haben sich bereits Gisele Bündchen und Miranda Kerr dafür eingesetzt. 2015 veröffentlichte die australische ELLE sogar die stillende Nicole Trunfio auf der Titelseite ihrer Juniausgabe. Was damals für jede Menge Aufruhr sorgte, käme aber leider auch heute nicht minder einem Pioniersakt gleich. Denn auch 2017 – zwei Jahre später – sorgt ein Bild auf dem ein entblößter Busen neben dem Kopf eines Babys erscheint noch für so manche Kontroverse. Schade!Dennoch gibt es vor allem im Netz mittlerweile genug Frauen, die ihre (teilweise selbst schwierigen Erfahrungen) offen zum Thema und damit anderen Mut machen. Auch die Plattform normalizebreastfeeding.org trägt dazu bei, dass das Thema zunehmend mehr Aufmerksamkeit bekommt. Fehlt eigentlich nur noch, dass auch im echten Leben noch mehr Mamas Courage beweisen und wir den Diskurs zeitnah und ein für allemal zu den Akten legen können. Auf dass unsere Töchter ungläubig den Kopf schütteln mögen, wenn wir ihnen davon erzählen.Mehr zum Thema findet ihr hier:

6 Frauen sprechen darüber, wie Stillen wirklich ist

“Ich wurde gestillt, bis ich fünf war & erinnere mich lebhaft daran!“

„Seit ich nicht mehr stille, bin ich eine bessere Mutter und Ehefrau“

ILLUSTRATION: LY NGO.

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Online Magazin hey woman!

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Meine Welt: Lauren Kennedy Malpas (e.g.)

Text: Julia Knolle / Übersetzung ins Deutsche: Stephanie Johne

Manchmal „trifft“ man online auf Menschen, von denen man glaubt, dass sie einen im echten Leben genauso beeindrucken würden. Lauren Kennedy Malpas ist so eine Person. Der Instagram Account der Art Direktorin/Stylistin war mir schon vor einer Weile aufgefallen, mixte sie dort visuell meines Erachtens Elemente der französischen und japanischen Kultur so chic und ansprechend, dass ich ihr irgendwann eine Interviewanfrage schickte. „Wie bist du wohl auf mich gekommen?“, fragte sie bescheiden. Die darauf folgenden Emails bereiteten mir wöchentliche Freude. Wie sie bis hierher gekommen sei, wollte ich noch wissen: „Ein Freund und ich organisierten so ziemlich aus heiterem Himmel eine Fundraising Party für Japan, eine verträumte pink blossom party, woraufhin das Telefon nicht mehr still stand und ich unzählige Anfragen für Modekooperationen erhielt. Und hier bin ich, sieben Jahre später…. !“ Ich bin mir sicher, dass ihr humorvolles Wesen auch beim ersten Treffen im echten Leben so charmant sein wird, wie es ihre digitale Person verspricht.

Den gesamten Text gibt es hier:

http://hey-woman.com/de/2017/meine-welt-lauren-kennedy-malpas/

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Nina Ullrich (London based label)

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Nina Ullrich stands for a bold aesthetic and functional minimalism, a monochrome color palette completes the simple appearance of the well-selected accessories line. The laid back leather envelope clutches and belts are handmade in an intricate design process in her London studio and capture the spirit of the British capital. The detailed edge work conveys the brands philosophy for exquisite artistry.

Behind the refined luxury surface hides a rebellious core: plain cuts feature deliberately edgy details, as found everywhere in the streets of London. Part studded, part perforated with fine silver finish hardware they capture the cities penchant for subcultural movements such as rock, punk and goth. The all black clutches are available in several sizes - functioning for the different needs of their wearer. Only the finest vegetable tanned skins from Belgium are used to create this collection of elegant bags, belts and true statement pieces.

The leather work is complemented by a jewellery collection featuring sleek long silver crosses that symbolise its wearers courage; just like warrior swords rather than as what they are known for in christian tradition.

Having a background in fashion and knitwear, the designer discovered leather as an equally versatile material much later but figured that it perfectly meets her demands for a technical design approach and the intimate, strong process of still making things by hand.

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Liebeskind Berlin: The Berlin Guide

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“Wir haben sie gefunden: Unsere Lieblingsorte, an die wir zurückkehren. Wir starten mit der Stadterkundung im Dunkeln, gegen 22:30 Uhr – wenn die Bars sich füllen und die Clubs die Türen öffnen. Später dann, wenn wir nach einer langen Nacht die Lider öffnen, scheint der Nachmittag schon durchs Fenster. Frühstück? Genau! Gegen 15:00 Uhr und am besten bis zum Sonnenuntergang. Abendbrot gibt’s morgen. Ab 19.30 Uhr nehmen wir gerne eine Kostprobe. Und die Sehnsucht nach Berlin bei Tag? Die erwacht so gegen 11:30 Uhr. Dann flanieren wir durch unbekannte Kieze. Kommst du mit?”

https://de.liebeskind-berlin.com/p/the-berlin-guide-216.612.90.11081.html

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L’Offciel Deutschland

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Modisches Comeback: Opulenter Schmuck reduziert eingesetzt. Das Berliner Label Anne Manns Jewelry zeigt, wie es geht

Der Sinn für Kunst und Ästhetik ist ein Grundbedürfnis des Menschen, ebenso wie der Wunsch, sich mit diesen Attributen zu schmücken. Schon immer galt Schmuck dabei mehr, als einfach nur der Zierde. Er war Statussymbol, definierte gesellschaftliche Zugehörigkeit und ist heute wieder mehr denn je Spiegelbild modischen Zeitgeistes. Bestes Beispiel: Die expressionistischen Designs von Anne Manns, die alte Maßstäbe neu definieren.

Beheimatet in Berlin und Norditalien, vereinen die skulpturalen Silhouetten ihrer goldenen Kreationen die urbanen Grenzen der Stadt mit der umgezähmten Endlosigkeit der Natur; ihre Kollektionen entstehen in Zusammenarbeit mit sorgfältig ausgewählten Familienbetrieben. Dabei könnten die Entwürfe zu den Ohrringen und Broschen ebenso gut von der Hand großer Künstler stammen: Dalí-istische Formen, in denen sich das Sonnenlicht bricht, verschmelzen mit ihrer Trägerin; florale Ornamente, die an Ellsworth Kellys grafisches Werk erinnern, statuieren selbstbewusst und spielerisch eine neue Weiblichkeit; und gegenstandslose, organische Figuren mit textilen Stickereien erwecken die späten Kompositionen Kandinskys scheinbar wieder zum Leben.

Trotz extrovertierter Formensprache sind Anne Manns Entwürfe auch ein Statement zu mehr Understatement. Die opulenten Modelle bestechen durch klare Linien und avancieren so zu zeitlosen Lieblingstücken – ungeachtet dessen, was modische Trenddiktate vorgeben. Statt auf überteuerte Materialien beruft sie sich auf klassische Goldschmiedearbeit und zukunftsweisende Techniken wie die 3D-Stickkunst, die den Stücken eine ungewöhnliche, strukturierte Oberfläche verleihen.

Diesen wenig gebräuchlichen Materialkombinationen und artifiziellen Designs setzt sie in der aktuellen Kampagne eine unaufgeregte Bildsprache entgegen: Gelassene Momentaufnahmen im Wald, auf dem Zeltplatz und im Hinterhof treffen auf lässige, Vintage inspirierte Outfits und natürliches Make-Up. Erst die reduziert eingesetzten Schmuckstücke machen das triviale Szenario scheinbar zu etwas Besonderem. Zurückhaltender Glamour gepaart mit dem Fokus auf regionale Produktion als Erfolgsrezept? Noch ist Anne Manns Werk jung, gerade einmal 2016 hat sie ihr eigenes Label gegründet. Aber schon jetzt funktionieren ihre Unikate als starkes, feminines Statement, dessen eigentliche Bedeutung in der intendierten Interaktion liegt – zwischen dem Schmuck, seiner Trägerin und ihrer Kleidung.

http://lofficiel.de/mode/focus-on-anne-manns-jewelry-berlin-schmuckdesign/

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L’Offciel Deutschland

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Weniger ist mehr; so will es die neue Trendfarbe Aschblond! Ein Plädoyer für mehr Understatement in Sachen Schönheit

In den Neunzigern noch selbstbewusst zur Schau getragen, galt es mit der Jahrtausendwende plötzlich als langweilig: Aschblond. Irgendwie nichts Halbes und nichts Ganzes, wurde die Straßenköter-Ausgabe von Platinblond & Co. jäh in den Schatten gestellt und lange nicht beachtet. Jetzt mausert sie sich zur beliebtesten Farbe 2017 – Gigi Hadid, Frida Gustavsson und Cara Delevingne sei Dank! Aber auch Brands wie Rodarte setzen für Frühjahr/Sommer 2017 beim Styling auf Natürlichkeit und aschfarbene Nuancen auf dem Kopf. Was der Mischton aus Blond und Braun alles kann, wie man ihn am besten in Szene setzt und warum er ruhig mehr als nur eine Phase sein darf, erklären wir hier:

Wer von Natur aus nicht mit einem aschblonden Schopf gesegnet ist, dem seien die Ash Naturals Nuancen mit Vibrachrom Technologie von Davines ans Herz gelegt. Das italienische Familienunternehmen setzt auf natürliche Schönheit und nachhaltige Produkte und kommt auch bei seinen Haarfarben ohne Parabene und Para-Phenylendiamine aus; zusätzlich sorgen Omega-9, Phospholipid und Quinoa-Proteine für einen seidigen Glanz. Ausgewählte Friseure schwören auf das innovative System – für alle, die das Schicksal ihrer Haare lieber in professionelle Hände geben.

Ash Naturals Haarfarbe mit Vibrachrom Technologie von Davines

Wahre Schönheit fängt bekanntlich beim Lebensgefühl an. Deswegen setzt die Ash-Serie von Baxter California mit ihren Kerzen aus Sojawachs auf Natur pur; inspiriert durch lodernde Lagerfeuer im Freien – ob in den hohen Bergen der Alpen, den weiten Wüstentälern der Steppe oder den rauen Küstenlandschaft Nordkaliforniens. Der Duft vereint Aromen aus Zeder, Sandelholz, Moschus, rotem Ingwer und rauchiger Asche – ein Muss für Outdoor-Fans.

Sweet Ash Duftkerze von Baxter of California, etwa 55 Euro

Egal in welcher Farbe: Der Satin Matte Mineral Lidschatten ist das kleine Schwarze in meiner Kosmetiktasche und ein absolutes Beauty-Must-Have. Aktueller Neuzugang: Die Farbe “Ash”. Eignet sich tagsüber perfekt zum Auffrischen für zwischendurch; am Abend zaubert sie – zusammen mit einem schwarzen Lidstrich – einen verführerischen Augenaufschlag. Alle Produkte von Alima Pure sind frei von synthetischen Farbstoffen und nicht an Tieren getestet.

Satin Matte Lidschatten von Alima Pure, etwa 10 Euro

Ein natürlicher Look bedarf eines makellosen Teints. Für porentiefe Reinigung sorgt die Volcano Ash Transformative Maske von Soveral mit vulkanischer Asche. In Kombination mit feuchtigkeitsausgleichendem Palmarosaöl aus wohlriechendem, tropischem Süßgras, Extrakt aus Sonnenblumenkernen, Rizinusöl, Rosmarin und Aloe Vera reguliert sie die Ölproduktion und regeneriert die Hautzellen. Absoluter Allrounder im Badezimmer!

Volcano Ash Transformative Gesichtsmaske von Soveral, etwa 50 Euro

Die zum Trend passende Farbe für die Nägel heißt Auspicious und kommt von der New Yorker Maniküristin Jin Soon Choi: Ein schmutziges Grau inspiriert von der launisch androgynen Attitüde Jamie Bocherts. Aufhellende Lavendel-Nuancen verhindern, dass die Haut zu fahl wirkt. Alle Nagellacke von JINsoon bestechen durch Natürlichkeit auf ganzer Linie und sind frei von Chemikalien wie DBP, Formaldehyd oder Toluol.

Nagellack Auspicious von JINsoon, etwa 15 Euro

Auch das Haargummi feiert ein Comeback – das ist spätestens seit Sam McKnights Styling-Coup für Chanel auf der Pariser Fashion Week im Oktober offensichtlich. Dabei ist auch hier Zurückhaltung geboten; am besten mit dem Schmuck von Saskia Diez. Ihre Stücke sind durchdacht und unkompliziert, ganz wie der Star Hair in den Farben Silber, Gold und Smoky (wie passend!) – für unkomplizierte Stylings, wenn es mal wieder schneller gehen muss. Am Ende sind es schließlich die kleinen Details, die den Unterschied machen.

Star Hair Haargummi von Saskia Diez, etwa 20 Euro

http://lofficiel.de/beauty/trend-aschig-aschgrau-aschblond-haare/

[stephaniejohne]

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L’Offciel Deutschland

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Kunst und Mode verfließen immer mehr. Bestes Beispiel: das norwegisch-österreichische Label We Are The Faces

Mode als Konglomerat aus Kunst und Design – das Onlinelabel We Are The Faces setzt auf tragbare Kollektionen aus der Feder wechselnder Kreativer, fernab saisonaler Trend- und Geschlechterkonventionen.

Kann Mode Kunst sein und umgekehrt? Diese Frage ist seit vielen Jahren tonangebend für den Diskurs um das Verhältnis dieser beiden (un)gleichen Disziplinen. Das im März 2016 gegründete Label We Are The Faces bringt mit einem ebenso cleveren wie ästhetischen Versuch einer Antwort frischen Wind in diese wankelmütige Auseinandersetzung. Die wechselnden Kollektionen des weltweiten Gemeinschaftsprojekt agieren nicht einfach als Dialog zwischen den beiden Fachbereichen, sondern integrieren Design, neue Technologien und künstlerische Herangehensweisen völlig gleichberechtigt. Das Ergebnis ist eine textile Galerie; entworfen von genrefernen Kreativen, kuratiert von der Norwegerin Amanda Karijord und der Österreicherin Hannah Gutkauf, deren Wege sich erstmalig während einer Studienreise in New York kreuzten. Seitdem teilen sie nicht nur ihre Liebe zu Brooklyn, sondern auch ihre Leidenschaft für innovative Ansätze in der Mode miteinander.

Als konzeptionelle Retail- und Design-Agentur ist es ihr Ziel, einzigartige Entwürfe zu kreieren, die Mode wie Kunst neu definieren und beiden Disziplinen eine zusätzliche Plattform bietet. Ihr Medium? Der Körper! Ihre Bühne? Die urbanen Landschaften der Straße! Auf diese Weise befreien sie die Kunst aus ihrem sterilen, musealen Kontext und die Mode von ihrer trendbestimmten Flüchtigkeit. Mit den auf Stoffe projizierten Kreationen entstehen sprichwörtlich tragbare und zeitlose Exponate, die die Trägerin als aktiv gestalterischen Part seit Anbeginn mit einkalkulieren. Indem sie die Kleidungsstücke wiederum mit eigenen Sachen kombiniert, erhebt sie sich selbst zum Teil des Werks. „Mit diesem Konzept wollen wir eine neue Form von Kunstgalerie entstehen lassen, die ausreichend Freiraum für unkonventionelle Geschichten und Kreativität weitab vom Mainstream ermöglicht. Nach dem Motto: We are the faces. You are the gallery“, erklärt Amanda Karijord.

Im Rahmen der ersten Kollaboration mit dem Schweizer Grafiker Felix Pfäffli, dem amerikanischen Illustrator Tim Lahan und der schwedischen 3D-Künstlerin Anny Wang lieferten die drei nicht nur die Vorlagen für die Ducke, sondern waren von der Skizze über den Schnitt bis zur Stoffauswahl an der Entwicklung der Designs beteiligt: Fließende Hemdblusen mit sphärischen Nebellandschaften, kräftige Denim-Stoffe mit Poesiebilder gleichen, floralen Stills oder warholeske Zigarettenstummel auf Baumwollshorts. Die Schnitte brechen mit gängigen Genderklischees und bedienen einen lässigen Unisex-Look. Der zweite Streich des Duos ist bereits in Arbeit; eine Augmented Reality Kollektion zum Thema Nachhaltigkeit, in Kooperation (soviel darf verraten werden) mit dem Künstlerteam Wang & Södström aus Dänemark. Man darf gespannt sein, wie nachhaltige und recycelte Materialien und eine eigens programmierte App zusammenpassen.

[stephaniejohne]

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SMAC PRÄSENTIERT: JENNY MICHEL “WIE ES IST”

Die komplexen Arbeiten der in Berlin lebenden Künstlerin Jenny Michel funktionieren wie labyrinthische Pläne durch die vielschichtige Gedankenwelt des Menschen. Inhaltlich bewegen sie sich zwischen Wissenschaft und Fiktion und ironisieren den Absolutheitsanspruch des Bewusstseins in der Gesellschaft, entlarven Idealvorstellungen bisweilen sogar als widersprüchliche Phänomene. Objekte, Zeichnungen, Fotografien, Texte und Videos werden zu umfassenden Werkreihen verbunden, die modulartig am Ende ein großes Ganzes ergeben. Bezug nehmend auf Samuel Becketts Roman „Wie es ist“ bespielt die Künstlerin auf verschiedenen medialen Ebenen dazu ab heute (15.09.2016) drei Etagen im Projektraum SMAC. (Text: Stephanie Johne / Fotos: (links) Ryan Hursh,(unten) Frank Pichler)

SMAC, Linienstr.57, 10119 Berlin-Mitte; Stadtplan

Eröffnung: Do 15.09.2016, 19h, Facebook-Event Ausstellung während Art Week: Fr-So 16.-18.09.2016, 12-18h Ausstellung: 19.9-2.10.2016, nach Vereinbarung

http://ceecee.cc/smac-prasentiert-jenny-michel-wie-es-ist/

[stephaniejohne]

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DAS GRAFISCHE WERK VON ELLSWORTH KELLY

Im Innenhof der US-Botschaft in Berlin steht sein “Berlin Totem”, die Installation “Berlin Panels 2000″ ziert die Westfassade des Paul-Löbe-Hauses. Dabei sind die dreidimensionalen Arbeiten von Ellsworth Kelly, Vertreter der Stilrichtung Hard Edge, nur ein Teil seines Oeuvres. Neben totempfahlartigen Skulpturen hinterlässt der im Dezember 2015 verstorbene Künstler vor allem ein umfangreiches grafisches Werk – geprägt durch harte Konturen und eine abstrakte Form – sowie intensive Farbgebung. Das älteste, noch in Familienbesitz befindliche Kunsthaus Lempertz widmet ihm mit ausgewählten Arbeiten aus den Jahren 1964 bis 2000 ab heute Abend in Berlin eine Retrospektive. Lithographien, Serigraphien und Radierungen bilden wieder nur einen Teil seines bedeutenden Schaffens, wohl aber einen sehr repräsentativen! (Text: Stephanie Johne)

Kunsthaus Lempertz, Poststr.22, 10178 Berlin-Mitte; Stadtplan Ellsworth Kelly, 9.9.16-30.9.16, Mo-Fr 10-15h Vernissage, 8.9.16, 19-23h; Facebook Event

http://ceecee.cc/das-grafische-werk-von-ellsworth-kelly/

[stephaniejohne]

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MALTE ZENSES ERÖFFNET NEUE GALERIE IM STUDIO PICKNICK

Das Studio Picknick verwandelt seine bisherigen Lagerräume im Hinterhof fortan in eine weitere Galerie. Auf der hochfrequentierten Potsdamer Straße am U-Bahnhof Kurfürstenstraße gelegen, bieten die Räumlichkeiten zukünftig Platz für Ausstellungen und künstlerische Diskurse. Den Anfang macht zur Berlin Art Week der Künstler Malte Zenses mit seiner Werkreihe Lips (women reading) und einer Auswahl neuer Arbeiten und Studien. Dabei sind seine scheinbar beiläufig entstandenen Malereien keineswegs eine anatomische, sondern vielmehr eine inhaltliche Auseinandersetzung mit dem flüchtigen Moment und dem künstlerischen Prozess. Den damit einhergehenden Anspruch nach Vollständigkeit versteht Zenses bewusst in Frage zu stellen. (Text: Stephanie Johne)

Studio Picknick, Potsdamerstr.118 (im Hinterhof), 10785 Berlin; Stadtplan

Ausstellung während Art Week: 15.-18.9.2016, Do 14-18h, Fr 14-22h, Sa-So 12-18h Ausstellung: 19.09.-01.10.2016, Sa 14-20h und nach Vereinbarung, Facebook Event

[stephaniejohne]

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Berlins jüngste Galeristin Anahita Sadighi: „Am Ende sind wir alle Künstler — Lebenskünstler!“

Bodentiefe Schaufenster in der Schlüterstrasse 16 in Berlin Charlottenburg gewähren einen großzügigen Blick in die stilvoll eingerichtete Galerie „Anahita Arts of Asia“. Die Besitzerin: Anahita Sadighi, eine temperamentvolle junge Frau aus dem Iran. Ihre Leidenschaft und Berufung: Das Handeln mit asiatischen und islamischen Antiquitäten. Das mag dem ersten Anschein nach nicht ungewöhnlich sein, bis sich Anahita vorstellt und ihr Alter nennt: 27 Jahre.

Seit knapp einem Jahr betreibt sie nun die Galerie im Alleingang. Eine Power-Frau, wie sie im Buche steht. Weltgewandt, zielstrebig und erfolgreich. Dabei war der Schritt dahin ziemlich gewagt. Nicht nur, weil die Kunstwelt ein an sich hart umkämpftes Pflaster ist, sondern auch, weil sie sich für einen Kulturraum entschieden hat, der bis heute gesellschaftlich von Männern dominiert wird. Doch für Anahita ist genau das der Reiz — sich behaupten zu müssen: „Ich mache im Moment alles alleine. Obwohl mich eine Assistentin unterstützt, kann ich schwer abgeben. Zum einen, weil ich sehr klare Vorstellungen habe und zum anderen, weil ich die Identität einer Marke etablieren möchte, die unweigerlich mit meiner eigenen Person verknüpft ist,“ und sie fügt hinzu: „Ich habe auch kein Problem damit, mir die Finger schmutzig zu machen. Ich bin ja noch jung, auch wenn ich natürlich darauf bedacht sein muss, was sich in meiner Position ziemt und was nicht.“

FRAU-SEIN IST IMMER NOCH EIN HANDICAP. DIE IRANISCHE GESELLSCHAFT IST DA NOCH PARADOXER ALS DIE HIESIGE, ABER DAS ZU AKZEPTIEREN UND VIELLEICHT AUCH ALS MÖGLICHKEIT ZU SEHEN, DAS IST DOCH DIE GROSSE KUNST

Aufgewachsen als Iranerin in Deutschland hat sie früh gelernt sich durchzusetzen. Bereits in der Schule wusste sie, sich zu behaupten, denn ihr war klar: als das fremde Mädchen werde sie es doppelt schwer haben. Aufgewachsen inmitten einer iranischen Großfamilie mit jeder Menge starker Frauenvorbilder bekommt sie zu Hause vorgelebt, was das heißt. Mit fünf Jahren ist sie bereits Jungstudentin im Fach Klavier an der Hochschule für Musik von Hanns Eisler. Ihr damaliger Berufswunsch: Pianistin. Das wünscht sich auch der Vater Hamid Sadighi Neiriz für die Tochter, der zu dem Zeitpunkt einer der gefragtesten Kunsthändler und Galeristen für außereuropäische Kunst in Berlin ist. Seine „Galerie Neiriz“ schließt er 2014, um sich fortan eigenen Arbeiten zu widmen. Da absolviert Anahita bereits ihren Master of Arts in Islamischer Kunst und Architektur an der School of Oriental and African Studies in London. Pianistin will sie jetzt nicht mehr werden, sondern viel mehr in die Fußstapfen des Vaters treten. Doch ihr ist klar: Das geht nur, wenn sie es auf ihre Art macht: „Mein Ziel ist es, die fernöstliche Kultur von ihrem negativen, brisanten Ruf zu befreien und wieder die morgenländische Faszination zu wecken. Ich möchte Vorurteile abbauen und die Kultur in all ihrer Vielseitigkeit zugänglich machen.“ Anahitas großer Vorteil bei diesem Unterfangen: Die Möglichkeiten des Internets sind für sie selbstverständlich. Mit Hilfe von Social Media Kanälen wie Facebook und Instagram schafft sie spielend den Spagat zwischen Tradition und Moderne. Muss sie auch, denn aus dem Schatten ihres Vaters zu treten, ist trotz allem kein leichtes Unterfangen. „Klar, ich bin die zweite Generation, aber ich betreibe diese Galerie, so, wie ich es für richtig halte. Natürlich hat mein Vater mir viele seiner Kontakte vorgestellt, obwohl er von meiner Entscheidung nicht begeistert war. Er hält nichts davon, auf dem Erfolg vorhergehender Generationen aufzubauen. Und gerade in dieser Industrie ist es schwierig, wenn man in zweiter Generation weitermacht. Hier muss man eine Persönlichkeit sein. Ich habe mich von vornherein klar positioniert und hätte mich nicht wie mein Vater der außereuropäischen Kunst widmen können, das ist viel zu universell und weitläufig. Man pflegt zu sagen: Im Kunsthandel kannst Du Dir ein Leben lang einen Ruf aufbauen, aber Du kannst ihn auch an einem Tag verlieren. Das ist ein enormer Druck, dem man täglich ausgesetzt ist.“

In Zeiten schnelllebiger, zumeist vom Westen geprägter Popkultur überrascht es da doppelt, dass sie sich für den Handel mit traditionsbehafteten Exponaten wie Japanischen Farbholzschnitten, Chinesischen Möbel, Ostasiatischer Keramik, Buddhistischer Kunst und Islamischer Kunst entscheidet, anstatt sich zeitgenössischen Werken zu widmen. „Eigentlich ist es nicht so außergewöhnlich,“ erklärt Anahita mit funkelnden Augen, „ich bin ja quasi damit aufgewachsen und als kleines Kind schon auf diesen Teppichen herumgekrabbelt.“ Vielleicht rührt auch gerade daher ihre Intention, das Genre von seinem staubigen Image zu befreien. Mit einem breiten Angebot will sie es vor allem jungen Menschen zugänglich machen: „Die preiswertesten Exponate kosten so um die 100 Euro, das ist zwar Massenware aber antik. Jeder kann sich das leisten. Top Objekte kosten maximal um die 30.000 Euro. Wir sind ja auch Berlin und nicht London oder Paris, ich will nicht abheben.“ Ein Mädchen wie Anahita, die so voller Tatendrang ist, hegt aber natürlich unlängst auch Pläne für neue Projekte. Eine Galerie für zeitgenössische, asiatische Kunst soll es sein. Nicht weil sie größenwahnsinnig ist, sondern weil es ihr auch hier um die richtigen Synergien geht. Und darum, den Leuten zu zeigen, dass die alten Sachen wunderbar mit den neuen funktionieren. Ein zeitgenößisches Bild mit einem alten Teppich beispielsweise. Überhaupt scheint die junge Frau keineswegs getrieben von monetären Aspekte, sondern von einer tiefen, sinnlichen Leidenschaft für ihre Objekte. „Ich bin tagtäglich umgeben von Dingen, die eine ganz besondere Ausstrahlung und Seele haben. Das Tolle an dem Beruf ist, dass es ein lebenslanges Studium ist. Mit jedem Objekt lernst du wieder etwas dazu. Es geht darum, ein Gefühl für die Dinge zu entwickeln, offen zu sein für die Formen, die Farben die Haptik. Objekte kommen und gehen und mit ihnen neue Energien. Es ist spannend zu sehen, warum sich Menschen für etwas entscheiden.“ 

Und wie sieht ihr Alltag als Galeristin aus? „Das kommt ganz darauf an. Die Galerie hat mit 14.00 bis 19.00 ganz klassische Öffnungszeiten. Ich arbeite seit knapp einem Jahr gemeinsam mit einer Freundin noch zusätzlich an einem Start-Up, einer Kunst-Expertise-App für junge Leute, die nächste Generation von Kunstsammlern quasi. Vormittags verbringe ich deswegen viel Zeit mit ihr oder mache Sport. Ich finde es wichtig, Dinge für sich zu tun. Wenn nichts dergleichen auf dem Programm steht, habe ich am Vormittag oft Meetings, weil ich am Nachmittag immer in der Galerie sein möchte.“ Und wieder bleibt nur zu sagen: Eine Power-Frau, wie sie im Buche steht.

ICH WILL MIT MEINEN FREUNDINNEN HAND IN HAND NACH VORNE GEHEN UND ETWAS SCHAFFEN UND UNS DAS EINANDER GÖNNEN

Und damit schließt sich dann auch der Kreis, woher Anahitas Faszination für dieses ungewöhnliche Kunstgenre noch rühren muss. Denn die nomadische Kunst ist ausschließlich eine Kunst der Frauen: „Die archaischen Muster der Teppiche werden von Generation zu Generation weitergegeben und funktionieren letztendlich wie eine Art Talisman. Das Wissen um die Motive und Symbolik, die den Stamm beschützen sollen, ist seit jeher in den Händen von Frauen — auf der Grundlage einer matriarchalischen Kultur. Das ist etwas, was dem iranischen Volk sehr eigen ist, hierzulande aber gar nicht wahrgenommen wird. Es waren die Nomadenstämme, die das Land geprägt haben. Das möchte ich in die Welt hinaustragen.“ Vielleicht hat sich Anahita deshalb auch in ihrem Privatleben ein Netzwerk aus starken Frauen geschaffen. Gemeinsam wollen sie Dinge angehen und etwas bewegen. „Das ist etwas, was mir Kraft gibt. Wir veranstalten oft gemeinsam Events hier — Teezeremonien, Poetry Nights, eigentlich alles, was im Rahmen dieser Galerie funktioniert. Ich sehe es als großes Privileg, als Frau meine eigene Galerie führen zu können. Das wäre nicht überall auf der Welt selbstverständlich und ich habe die größte Achtung davor. Was uns jungen Frauen hierzulande oft fehlt, ist, dass wir nicht zusammenhalten. Die Männer tun das so viel besser. Ich will mit meinen Freundinnen Hand in Hand nach vorne gehen und etwas schaffen und uns das einander gönnen. Wenn wir füreinander offen und empfänglich sind und unsere Stärken und Schwächen zulassen, dann können wir gegenseitig voneinander lernen. Machen wir uns nichts vor, Frau-Sein ist immer noch ein Handicap, auch wenn sich bereits viel geändert hat. Die iranische Gesellschaft ist da noch paradoxer als die hiesige, aber das zu akzeptieren und vielleicht auch als Möglichkeit zu sehen, dass ist doch die große Kunst. Am Ende sind wir alle Künstler — Lebenskünstler — und bestimmen jede unseren eigenen Weg.“

Photos: PR

http://www.refinery29.de/berlins-j-ngste-galeristin-anahita-sadighi

[stephaniejohne]

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Feminismus in Bosnien: Die jungen Frauen Sarajevos

Etwas ratlos schaue ich mich um in der Stadt, die ich nur aus Geschichtsbüchern kenne. Franz Ferdinand, das Kaiserreich, der Erste Weltkrieg. Danach reißt mein Wissen ab und setzt sich erst mit dem Bosnienkrieg fort. Von Wissen zu sprechen, wäre hier aber fast anmaßend. Im Grunde habe ich keine Ahnung von diesem Land und seinen Menschen. Vom Glanz und Glamour der einstig imperialen Kaiserstadt ist auf den ersten Blick jedenfalls nicht mehr viel zu sehen. Trotzdem ist da eine unbeschreibliche Energie in der Luft. Kein Wunder, denn Sarajevo gilt als eine der traditionsreichsten und vielseitigsten Städte dieses Teils Europas und ist doch isolierter denn je zuvor. Seit dem Krieg ist es still geworden um das geschichtsträchtige, verträumte Städtchen. Doch am Fuße des Dinarischen Gebirges brodelt es. So wie einst nach dem Attentat auf den österreichisch-ungarischen Thronfolger oder unter der Herrschaft von Tito. Auch wenn die Fassaden verlassener Häuser, ja ganze Straßen, noch immer auf ihren Wiederaufbau warten — die Stadt ist voller Gegensätze und der einstige Geist, Vorreiter für eine Sache zu sein, ungebrochen. Nur, dass der Rest Europas davon (noch) nichts wirklich mitbekommen hat. Auch ich nicht. Bis zum heutigen Tag. Doch von vorne. Als mein Freund auf die Idee kommt, nach Bosnien zu fahren, glaube ich zuerst, er nimmt mich auf den Arm. Bosnien? Warum nicht Mallorca oder Ibiza? Meine ersten Gedanken kreisen um die Bilder aus dem Fernsehen, die sich während meiner Kindheit in den 90er Jahren in mein Gedächtnis gebrannt haben. In den Nachrichten ging es immer wieder um diesen Krieg — Bosnien gegen Serbien — jahrelang. Von Jugoslawien und später dem ehemaligen Jugoslawien war die Rede. Ebenso wie meine Eltern oft vom Westen und der ehemaligen DDR gesprochen haben. Das habe ich natürlich alles nicht zuordnen können. Wohl aber, dass sich da einiges tut, auf diesem Kontinent. Neue Nachbarn tauchten auf, die angeblich aus dem Krisengebiet kamen, und verschwanden wieder, als der Krieg vorbei war. Ebenso wie die Meldungen über Sarajevo. Vergessen. Sarajevo — na klar, denke ich. Dicht gefolgt von der absurden Frage: Ist das denn sicher? Da war doch Krieg? Für den Gedanken will ich mich im selben Atemzug selber Ohrfeigen. Fahren wir also nach Sarajevo! 

Nachdem ich mich ein wenig durchs Netzt geklickt habe — immer noch etwas ahnungslos, worauf ich mich da einlasse, stoße ich zufällig auf das Onlinemagazin „Fashion.Beauty.Love“ und eine überraschend gut vernetzte Kreativ-Szene in der Stadt. Wieder ärgere ich mich. Warum überrascht mich das überhaupt? Schnell wird klar: Die Wortführer sind zumeist junge Frauen. Ein von ihnen ist Sabina. Ich tue, was unsere Generation tun kann: ich schreibe ihr auf Facebook. Noch während ich mich durch ihr Social Media Profil klicke, bekomme ich eine Antwort. Sabinas Instagram Account ist düster. Sie modelt, fotografiert, arbeitet als Grafikdesignerin und trägt vorzugsweise schwarz. Außerdem ist sie ganz offenbar überzeugte Feministin. Damit habe ich nicht gerechnet. Auch nicht damit, dass sie uns gerne treffen will. Und sie soll nicht die einzige bleiben. Auch andere Mädchen, die ich im Zuge meiner Entdeckung angeschrieben habe, bieten Hilfe an. Ich bin überwältigt von so viel Offenheit. Auf einmal kann ich es kaum mehr erwarten.

SARAJEVOS ALTSTADT IST EIN FARBENFROHER UND VOR ALLEN DINGEN FRIEDLICHER SCHMELZTIEGEL DER RELIGIONEN

Drei nächtliche Passkontrollen und eine 12-stündige Busfahrt von Wien später, sind wir angekommen. Ich bin müde und wieder skeptisch. Das Taxi, das uns ins Zentrum fährt, ist mindestens 30 Jahre alt. An der Autoscheibe ziehen graue Häuserfassaden vorüber. Trist ist es. Bis wir in der Altstadt einfahren. Vorbei am aufwendig restaurierten neomaurischen Rathaus, das heute die Nationalbibliothek beherbergt, dem osmanischen Bazaar mit all seinen Marktbuden und orientalischen Schätzen, hinein in ein wildes Wirrwarr aus schmalen Gassen. Hier zeigt sich plötzlich, was ich schon überall gelesen habe: Sarajevos Altstadt, auch Stari Grad genannt, ist ein farbenfroher und vor allen Dingen friedlicher Schmelztiegel der Religionen. Anleihen aus dem Juden-, Christentum und Islam finden sich an allen Ecken. Meine Müdigkeit ist vergessen. Unsere Unterkunft mitten auf der belebten Hauptverkehrsader der Stadt, der Mula Mustafe Bašeskije, in einem erhaltenen, ehemaligen österreichisch-ungarischen Gebäude mit Parkettboden und Flügeltüren steigert meine Laune noch zusätzlich. Da riskiert selbst die Sonne einen verstohlenen Blick. Keine Stunde später sitzen wir im Barhana bei urig italienischem Ambiente und plaudern mit Sabina, als würden wir uns schon ewig kennen. Sie erzählt über ihre Heimat, die sie als eine von wenigen während des Krieges nicht verlassen hat. Bis heute nicht. Zumindest nicht dauerhaft. Die Welt hat sie natürlich gesehen, zuletzt war sie in New York. Wir erfahren, dass es in Sarajevo im Volksmund zwei Zeitrechnungen gibt — „vor dem Krieg“ und „nach dem Krieg“. Natürlich schimpft sie viel die Stadt — zu wenig Clubs, zu wenig Zeitgeschehenen und Bewegung, zu wenig junge Leute. Dafür schwärmt sie von Berlin. Resignieren will sie trotzdem nicht. Manchmal träumt sie davon zu gehen, sagt sie. Aber sie will bleiben und etwas bewegen, so wie viele andere.

Am nächsten Tag treffen wir Sabina wieder, dieses Mal im Kinocafé Meeting Point — einem der wenigen Orte, wo man bis spät in die Nacht Freunde treffen kann — auf der anderen Seite des Flusses Miljacka, der die Stadt in zwei ungleiche Teile teilt. Sie ist nicht allein. Ihre Freundin Anida ist bei ihr. Anida ist Modedesignerin und spricht fließend Deutsch. Sie war in Deutschland im Exil und spricht noch mehr über den Krieg als Sabina. Darüber, was er mit der Stadt gemacht hat. Vielleicht, weil sie ihr den Rücken zugekehrt und Zuflucht in Deutschland gefunden hat. Nur ihr Vater sei damals geblieben, um sie zu verteidigen. Sie sollte ihn erst viele Jahre später wiedersehen. Sichtlich erleichtert darüber reden zu können, zündet sie sich eine Zigarette nach der anderen an, während sie von ihren Plänen, nach Hamburg oder Berlin zu ziehen, erzählt. Schnell wird klar: Sie, die genauso alt sind wie wir, wissen um Längen mehr über das Leben bei uns, als andersherum. Und obwohl Anida vom Gehen spricht, findet sie ansonsten nur liebevolle Worte für Sarajevo und bestärkt Sabina zu bleiben. Man könne nichts verändern, wenn man wegläuft, das sei ihr wohl klar. Nur die Perspektiven für sie als Modedesignerin sind leider immer noch sehr begrenzt. Dabei würde sie gern etwas bewegen hier. So wie einst Tito, der große Josip Broz Tito. Bis heute vergöttern viele junge Menschen den ehemaligen kommunistischen Anführer und hängen ihm in Nostalgie nach. Dabei geht es weniger um seine Politik. Sie suchen nach Vorbildern, die sie derzeit nur in der Vergangenheit oder außerhalb der Ländergrenzen finden. Letztlich wollen sie alle Sarajevo nur aus dem Schatten seiner Vergangenheit verhelfen. 

NACH DEM KRIEG MUSSTEN VIELE FAMILIEN OHNE MÄNNER AUSKOMMEN. DIE FRAUEN HABEN ZUSAMMENGEHALTEN, DIE VATERROLLE ÜBERNOMMEN UND IHRE KINDER SO GUT ES GING AUF DAS NEUE LEBEN VORBEREITET

In ihren Erzählungen ist immer wieder von starken Frauenpersönlichkeiten aus ihrem Freundeskreis die Rede — von allein erziehenden, jungen Müttern genauso wie erfolgreichen Galeristinnen, Künstlerinnen oder Filmemacherinnen. Ich will wissen, woher das kommt, dieses starke Frauenbild. Das sei schon immer so gewesen, sagen sie. Jeder durfte hier sein, was er sein wollte. Dieser Geist hat sich erhalten. Hinzu kommt, dass nach dem Krieg viele Familien ohne Männer auskommen mussten. Die Frauen haben zusammengehalten, die Vaterrolle übernommen und ihre Kinder so gut es ging auf das neue Leben vorbereitet. Das prägt. 

Am Abend nimmt uns Sabina mit zu Freunden in eine kleine Neubauwohnung in der Innenstadt. Der Aufstieg erinnert an die Treppenhäuser und die Ostblockarchitektur aus meiner Kindheit. Im Wohnzimmer sitzen etwa fünfzehn junge Leute um einen Tisch. Sie spielen Brettspiele, rauchen und trinken. Wir werden so selbstverständlich in dieser intimen Runde empfangen, als gehörten wir immer schon dazu. Tun wir vielleicht auch, denn die Gruppe besteht überwiegend aus Studenten der Sarajevo Film Academy und sind zumeist zugezogen. Mir wird ein Teller mit Cevapcici gereicht, das Nationalgericht der Bosnier. Ich esse eigentlich kein Fleisch, will aber nicht unhöflich sein. Die gegrillten Röllchen aus Hackfleisch schmecken, wie es in der Altstadt und den Markthallen duftet. Nach Gewürzen, Holzkohle und gebratenem Fleisch. Ich wische die Finger an meiner Jeans sauber. Es ist nach 24 Uhr, in der Altstadt ist jetzt das Wasser abgestellt. Hände waschen ist bis zum Morgengrauen nicht möglich. Wir ziehen ohnehin schon wieder weiter ins Kino Bosna, vielleicht gibt es da Wasser. Das Bosna ist ein ehemaliger Kinosaal, der heute als Bar genutzt wird. Nur einmal in der Woche werden hier noch Filme gezeigt. Ansonsten erinnern Schwarz-Weiß Portraits von großen Schauspielern und Schauspielerinnen an seine ursprüngliche Funktion. Tische und Stühle stehen wild zusammengewürfelt beieinander, das Licht ist grell. Zu grell für eine Kneipe, aber das scheint niemanden zu stören. Der Laden ist voll. Es ist Montagabend. Wir suchen uns einen Tisch an der Seite von Marylin Monroe. Christina steht auf und kommt mit einem Tablett Rackia zurück. So geht das die ganze Nacht. Reihum. 

Christina kommt aus England. Nachdem sie die ganze Welt bereist und lange in Japan gelebt hat, ist sie jetzt hier. Sarajevo sei so unverbraucht und die Filmakademie wirklich renommiert. Sie hat gerade ihr Debüt als Regisseurin abgeschlossen. Der Film wird im August auf dem jährlichen Filmfestival uraufgeführt. Das ist eine ziemlich große Sache! Worum es denn in dem Film ginge, fragt jemand. Um die Suche nach Identität, um die Idee des dream weaver, erwidert sie. Wie aus dem Song von Gary Wright? Nein, eher wie bei John Lennon: „The dream is over. What can I say? The dream is over. Yesterday, I was the dream weaver. But now I'm reborn. I was the Walrus. But now I'm John. And so dear friends. You just have to carry on. The dream is over,“ summe ich leise vor mich hin. Während die Studenten aus Großbritannien, Mexiko und Italien an unserem Tisch noch eifrig darüber diskutieren, ob und wenn, welcher der Protagonisten nun der Funktion des dream weaver gerecht wird, lasse ich den Blick schweifen. Vielleicht ist Sarajevo ja der dream weaver. Mit all seinen Idealen aus der Vergangenheit und dem sehnlichen Wunsch ein Exempel in Europa zu statuieren, wie friedliches Zusammenleben unterschiedlichster Religionen und Kulturen funktioniert. Der Krieg hat vieles davon kaputt gemacht, bis auf den Kampfgeist und den Willen der jungen Menschen, die wir treffen durften. Der Traum der Eltern-Generation mag geplatzt sein, jetzt sind Sabina und ihre Freunde dran, den ihren zu leben und Sarajevo aus dem Dornröschenschlaf zu erheben.

Photos: Stephanie Johne

http://www.refinery29.de/sarajevo

[stephaniejohne]

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Virtuelles Vaginamuseum: Warum wir das weibliche Geschlecht neu betrachten müssen

Alles Vulva! In Österreich gibt es das erste und wahrscheinlich auch einzige Museum, das sich künstlerisch ausschließlich dem weiblichen Geschlecht widmet. Ebenso vielseitig, wie die kreative Namensgebung für den Genitalbereich der Frau – die Liste reicht von Vulva, Mumu, Pussy, Patuschka, Yoni, Scheide über Vagina – sind auch die hier gezeigten, zeitgenössischen Interpretationen. Während das männliche Glied in der Kunst schon lange fest etabliert ist, verhielt man(n) wie frau sich bei Darstellungen des weiblichen Geschlechts immer eher zurückhaltend bis es mit zunehmendem Einfluss der Kirche ganz aus der bildenden Kunst verschwand. Neben der medialen Degradierung zum pornografischen Sinnbild gibt es bis heute leider noch immer wenig Raum für eine sentimentalere Wahrnehmung. Im Zuge der sexuellen Revolution der Frau sieht sich jedoch auch dieses Phänomen mit einer wachsenden Gegenbewegung konfrontiert. Denn immer mehr Künstler/innen machen die weibliche Geschlechtlichkeit zum Gegenstand ihrer kreativen Arbeit.

Gerade gab die schwedische Sängerin Lykke Li auf Instagram ihr neuestes Projekt Liv bekannt,eine gemeinschaftliche Zusammenarbeit mit Andrew Wyatt (Sänger der Band Miike Snow). Das Cover zum ersten Song „Wings of Love“ ziert eine Vulva ähnliche Darstellung einer Frucht in den Farben Lila und Pink, die Raum für eindeutige Spekulationen lässt. Die Schwedin, die vor einem halben Jahr Mutter geworden ist, befasst sich nicht erst seitdem mit ihrer weiblichen Identität und scheut sich auch nicht, öffentlich für diese einzustehen. In Österreich hat sich eine nicht minder starke Künstlerin sehr viel ausführlicher an die Thematik gewagt und zu Gunsten des weiblichen Geschlechts gleich ein ganzes Museum ins Leben gerufen.

Dabei handelt es sich beim VAGINAMUSEUM.at um keine real begehbare Örtlichkeit, sondern um ein virtuelles Kunstprojekt. Trotz seines kulturellen Wertes als Aufklärungsplattform polarisierte Kerstin Rajnar, die selbst unter dem Pseudonym frau mag rosa pink (ein Persiflage aus: die Frau, die Rosa und Pink mag, aber auch eine Magistra ist) agiert, damit von der ersten Sekunde an. Kein Wunder, denn sie greift ein gesellschaftlich lang totgeschwiegenes Tabuthema auf und gibt dieses öffentlich zur Diskussion frei. Da, wo bis dato Unsicherheit und Scham ihren Platz hatten, versucht sie stattdessen Verständnis zu manifestieren und bricht so aus dem reinen Kunstdiskurs aus. So schwierig die Notwendigkeit einer solchen Plattform seitens der Öffentlichkeit nachzuvollziehen sein mag, so überfällig ist sie. Denn das weibliche Geschlecht ist in der Gesellschaft nach wie vor nicht positiv integriert.

WARUM BEHARREN WIR NOCH IMMER AUF NAMEN WIE „SCHAMLIPPEN“, WO DOCH „VENUSHÜGEL“ UND „VENUSLIPPEN“ SOVIEL SCHÖNER KLINGEN?

Doch warum ist die öffentliche Darstellung intimer Weiblichkeit in einer emanzipierten Gesellschaft nach wie vor so schambesetzt? Kerstin Rajnar hat ihre Antwort in den Traditionen der Vergangenheit gefunden: „In der prähistorischen Zeit repräsentierte die Vulva noch die Kraft der Frau als Lebensspenderin und wurde entsprechend geachtet. Im Mittelalter änderte sich das, unter anderem auch bedingt durch die Kirche. Die Frau wurde als dem Mann unterlegen angesehen und galt als Inbegriff der Sünde. Auch ihre öffentliche Darstellung veränderte sich. An Kirchen konnte man sogenannte Vulva weisende Figuren sehen, die die Menschen vom Irrglauben abhalten und die Gefährlichkeit der Frau aufzeigen sollten. Im barocken Zeitalter galt die Frau dann als erotisches Objekt der Begierde und diente der Schaulust des Mannes. Diese Schaulust hat sich bis in die Gegenwart fortgesetzt und unter dem Begriff „Pornografie“ oder „Sex Sells“ in den Medien Einzug gehalten. Die christlichen Wertvorstellungen, verzerrt dargestellte Sexualität in Pornokultur und Medien, aber auch schambesetzte Begrifflichkeiten prägen unser Unterbewusstsein und bewerten somit das weibliche Geschlecht negativ, was wiederum Angst erzeugt. Diese Angst wird in unterschwelliger Aggression und Schamhaftigkeit zum Ausdruck gebracht.“

Und tatsächlich spiegelt sich diese bis heute selbst in der Bezeichnung des weiblichen Geschlechts wieder. Oder warum beharren wir sonst noch immer auf Namen wie „Schamlippen“ oder die „Scham“, wo doch „Venushügel“ und „Venuslippen“ soviel schöner klingen? Anstatt das weibliche Geschlecht als Leben schenkendes, positiv behaftetes Organ zu sehen, wird es – wenn es denn öffentlich thematisiert wird – entweder pornografisiert oder mit längst überholten, kulturellen Riten, wie der Beschneidung junger Mädchen, in Verbindung gebracht.

Kerstins Museum sieht sich als informative und kulturelle Bildungsplattform deswegen auch als Versuch, das weibliche Geschlecht aus dem Schatten dieser einseitigen Wahrnehmung zu erheben. Die für Menschen jeden Alters, Geschlechts und sozialer wie ethnischer Herkunft zugänglich gemachten Inhalte sollen zum Nachdenken und zur wertfreien Auseinandersetzung anregen. Bis heute hat keine andere kulturelle Einrichtung weltweit versucht, intime Weiblichkeit fernab von Genres wie Aktmalerei oder erotischer Fotografie in diesem Ausmaß sichtbar zu machen. Arbeiten wie The Great Wall of Vagina von Bildhauer Jamie McCartney, für die er die Vulven von rund 400 Frauen in Gips abdrucken ließ oder Anish Kapoors überdimensionierte Skulptur aus verrostetem Stahl, queen’s vagina, bilden dabei eher die Ausnahme. Der Mangel an kulturell wie künstlerisch relevanteren Auseinandersetzungen mit der Thematik gab Kerstin schließlich den entscheidenden Impuls, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen. „Angst, Scheu, Scham und Belustigung sind oft erkennbare Merkmale, wenn es um das weibliche Geschlecht geht. Indirekt ist dann zu beobachten, wie sich diese Verhaltensweisen auch auf die Persönlichkeit der Frau auswirken. Mir war deswegen wichtig, einen zeitgemäß orts- und zeitungebundenen Raum zu schaffen, wo sich Menschen wertfrei informieren können.“

DIE REALISIERUNG DES MUSEUMS WAR EINE LANGE, SCHWERE UND SCHMERZHAFTE GEBURT, HAT MIR ABER AUCH DIE NOTWENDIGKEIT AUFGEZEIGT, EINE SOLCHE EINRICHTUNG ZU SCHAFFEN.

Wie bereits erwähnt waren die Reaktionen der Öffentlichkeit, insbesondere seitens der Medien, zu Beginn alles andere als positiv. „Ich bin noch vor Projektstart medial angegriffen worden – vor allem in Bezug auf die öffentlichen Förderungen hat sich eine kleine österreichische Boulevardzeitung äußerst negativ geäußert. Das Projekt wurde als dubios, verrückt und sogar wahnsinnig bezeichnet. Glücklicherweise haben sich die negativen Berichterstattungen nach der Eröffnung zum positiven gewandelt. Die Realisierung des Museums war eine lange, schwere und schmerzhafte Geburt, hat mir aber auch die Notwendigkeit aufgezeigt, eine solche Einrichtung zu schaffen. Wäre die Weiblichkeit in unserer Gesellschaft gleichberechtigt, sichtbar und positiv, wäre doch niemals so ein Auflehnen entstanden.“

Eine Neuausrichtung dieser Wahrnehmung ist daher nicht nur in Hinsicht auf die Kunst längst überfällig, sondern auch zugunsten der Verbesserung der Stellung der Frau und der Normalisierung dieser Debatte. „Laut einem Bericht der Weltgesundheitsorganisation WHO, ich glaube aus dem Jahr 2013 (Global and regional estimates of violence against women), erleidet weltweit jede dritte Frau körperliche und/oder sexuelle Gewalt, die oft mit schweren psychischen Traumata einhergehen. Durch die öffentlich positive Darstellung des weiblichen Geschlechtes könnte nicht nur die Weiblichkeit an sich wieder positiv sichtbar gemacht werden, sondern vielleicht auch Gewalt aus dem Leben vieler Frauen verbannt werden.“ Um das zu erreichen, ist Kerstin vor allem an der Vernetzung von Kunst und Gesellschaft gelegen. Sie selbst befasst sich in ihrer Arbeit schon lange mit Geschlechterrollen und der suggestiven Wahrnehmung von Weiblichkeit – nicht ohne Grund ist ihr Künstlerinnenname frau mag rosa pink. „Die Farbe Pink ist weich und warm und laut Farbpsychologie die Farbe der Liebe. Nicht zu verwechseln mit der Farbe Rot, der fälschlicherweise oft diese Rolle zugeschrieben wird, denn Rot ist die Farbe der großen Emotionen. Pink ist allerdings auch die umstrittenste Farbe der Gegenwart und wird gerne als billig oder geschmacklos abgetan, und absurderweise dem Weiblichen zugeordnet. 1920 war das noch anders. Laut dem Ladies' Home Journal von 1918 war Rosa, auch als „kleines Rot“ bekannt, die Farbe für Buben, während Blau als passend für Mädchen galt. Der Grund dafür: Rosa ist eine entschlossenere, starke Farbe, während Blau zarter und anmutiger ist.“

Seit 1940 ist das laut der deutschen Schriftstellerin und Sozialwissenschaftlerin Eva Heller anders. Nachdem Arbeiter vermehrt Blau getragen haben und die religiöse Assoziation mit der Jungfrau Maria immer mehr verblasst ist, wird Blau eher dem Männlichen zugeordnet. Das paradoxe ist, dass das gegenwärtig – obwohl noch gar nicht lange her – längst ein Fakt und absolute Verständlichkeit ist. Für uns alle sollte das einmal mehr bedeuten: Geschlechterparadigmen gehören kritisch hinterfragt und ein für allemal aufgebrochen. Und wenn der Weg dahin eine positivere Wahrnehmung des weiblichen Geschlechts ist und die Kunst dazu beitragen kann, das weibliche Geschlecht wieder oder überhaupt salonfähig zu machen, dann leistet das virtuelle VAGINAMUSEUM.at einen ganz entscheidenden Beitrag dazu – denn ihre Onlinepräsenz entscheidet am Ende des Tages auch über ihre Offlinepräsenz.

#r29vaginawoche

Die Vagina schenkt uns das Leben, wir sollten ihr auch 'was zurückgeben: Uns zuliebe müssen wir anfangen, sie zu verstehen und eben auch zum Thema zu machen. Mit der Aktionswoche feiert Refinery29 das weibliche Geschlechtsorgan.

http://www.refinery29.de/2016/11/126270/virtuelles-vaginamuseum-zeitgenoessische-interpretationen-des-weiblichen-geschlechts

[stephaniejohne]

T E X T / 

Stylemag

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Trend Watch: Auf kunstvollen Sohlen durch den Sommer 2016

Für Frauen sind sie neben der obligatorischen Handtasche eines der wichtigsten Statussymbole – kein Wunder, immerhin bilden sie das Fundament, auf dem wir gehen. Bequem oder bizarr – Schuhe faszinieren, egal ob als kleine architektonische Meisterwerke, mit gesellschaftskritischem Potenzial oder historischen Bezügen. 2016 darf es beim Schuhwerk ruhig extravaganter zugehen, vorbei sind die Zeiten von Understatement aka Birkenstock und Pistol Boots. Stylemag hat einen Blick auf die neuesten Modelle gewagt und die wichtigsten Trends zusammengefasst!

Kunstvolle Absätze

Marvel-mäßig verformte Metal-Heels gab es bei Acne bereits im Winter 2015, jetzt übernimmt auch Opening Ceremony den Trend und besticht mit gedrehten Lack-Absätzen in schwarz, die zwar nicht aussehen als hätte ein Superheld zu fest zugedrückt, wohl aber als wären sie direkt aus einer Haribo-Lakritz-Parade entsprungen. Ob als Ankle Boots oder Sandalen mit glatten Oberflächenstrukturen und schlichten Details, in Kombination mit Jeans oder Abendgarderobe macht der futuristische Trend zu jedem Look eine gute Figur.

Prima Ballerina

Inspiriert vom perfekten Sitz der Ballettschlappe, gibt es die lange aus dem modischen Diktat verbannten Ballerinas in diesem Sommer in ganz neuer Auflage. Nicht nur Acne macht mit seinen schlichten Modellen Lust auf wärmere Tage, sondern auch Lanvin und Marc Jacobs liefern mit ihren verspielten Modellen wahre All-Round-Talente, die nicht nur bequem, sondern auch noch hübsch anzusehen sind. Auch hier halten sich hartnäckig die Farben der Saison: Schwarz, Beige/Nude und Orange.

Extravagante Weiblichkeit

Was ein bisschen an altbackenen Granny-Look erinnert, ist in diesem Jahr der meist gesichteten Schuh der Pariser It-Girls: Pumps mit Midi-Absatz verleihen jedem Look einen Hauch schlichte, weibliche Eleganz. Ob mit extravaganter Schnürung bei Miu Miu, extrovertierten Fransendetails bei Amélie Pichard oder altbekanntem Muschelsaum in Purpurrot bei Chloé, die Schuhe sind nicht nur richtig schick, sondern mit einer anatomiefreundlichen Absatzhöhe auch der perfekte Wegbegleiter für lange Sommernächte.

Puristische Bequemlichkeit

Für alle, die es lieber richtig bequem mögen, sind die an gemütliche Puschen angelehnten Designs von Stella McCartney, Marsèll und Simone Rocha eine vortreffliche Wahl. Ohne viel Schnick-Schnack, dafür funktional und mit einem modernen Twist bestechen die Modelle durch puristische Zurückhaltung und klare Linienführung. Nur Barfuß laufen ist noch schöner!

Credits: Collagen Stylemag/ Stephanie Johne

http://www.stylemag.net/2016/03/03/trend-watch-auf-kunstvollen-sohlen-durch-den-sommer-2016/