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Crítica ganadora Criticón 8 • Una luna para los malnacidos: lo contemporáneo de lo entrañable

Por Tartamudo / Uriel Mejía Vidal

 Ciertosdramas, como seres que la naturaleza ha privilegiado, ven pasar el tiempo en incontables lecturas y representaciones, sin perder por ello la fuerza vital con que fueron concebidos. Son universos imperfectos, o como decía Arthur Miller “accidentales”, reflejo y síntesis del alma humana, casi siempre atormentada. Así  sucede de nuevo, y al mismo tiempo por primera vez, con Una luna para los malnacidos, obra que pertenece al último ciclo creativo de Eugene O´Neill –quizá el más personal y laberíntico— cuyo germen ya se vislumbraba en Largo viaje hacia la noche, y que representa la letra, la palabra, la voz dolorosa de reivindicación para Jamie O´Neill, su hermano mayor.

           El foro Sor Juana, con ese aire de maternal intimidad, es el lugar elegido para contener dos universos que se revelan y complementan al mismo tiempo: el del hombre y el del mito. Mario Espinosa y un sólido equipo de creativos, asumen dicho ejercicio de autoexploración, logrando de forma magistral hacer nacer la verdad artística, y capturarla en un instante de comunión.

           La historia explora la búsqueda humana de consuelo universal ante un pasado que se vuelve presente y futuro. Jim Tyrone, apuesta la última esperanza de decir “perdón” a su madre muerta en la imagen de Josie Hogan, una mujer que resalta por ser tan distinta a aquellas señoritas de Broadway con las que tantas noches vacías ha pasado. Y, como si de un jugador al borde de la bancarrota se tratase, Jim deja caer sus dados en una cita en la que se cuelan dos invitados: la luna y el alcohol. ¿A cuál de los dos representa el espectador? A ambos seguramente.

           Espinosa apuesta a su vez por una escenificación en la que el personaje y el actor, estén tan desnudos, dramáticamente hablando, como sea posible, volviéndose la gama de caras humanas el principal recurso y eje motor. Apenas el espectador da un paso hacia su butaca, y contempla el trabajo sobrio (ficción desde el primer vistazo) que en escenografía ha realizado Gloria Carrasco, llega la sensación de que algo insondable ya ha iniciado. El espacio circular invita a buscar un centro, contenido por los últimos suspiros de un viejo árbol. “Ahí va a nacer algo”, susurra el diseño. El vestuario, a cargo de Enrique Jiménez e Israel Ayala, es una extensión del estado anímico y físico del personaje, mientras que el diseño sonoro es una reverberación dentro del plano mítico que anuncia, a modo del teatro griego, la inminencia del caos y la desolación. Por su parte, el texto, a cargo de Humberto Pérez Mortera, captura el lenguaje de los personajes de O´Neill y lo hace reconocible en tiempo y forma al espectador. Además escoge, entre los títulos posibles, el más apto para el espíritu de esta escenificación.

           Las interpretaciones hablan de un trabajo de introspección comprometido. Los actores dejan que la realidad de la palabra transformada en acción los abarque, para, llegado el momento indicado, dejar que se manifieste en un grito, en una risa huérfana, en el único llanto de Jim a la luz de la luna; un llanto de expiación en el que muere durmiendo y renace sabiendo que el descanso sólo será eterno en la tumba, pero que en adelante será menor la carga. Karina Gidi se muestra imponente y frágil al mismo tiempo, encantadora con su cuidada corporalidad, que insinúa una profunda ternura detrás de la educación que ha recibido de su padre; irresistible y bondadosa en el llanto contagioso que precede al último adiós a Tyrone. Patricio Castillo es el encargado de llevar el ritmo de acción en la primera mitad de la obra y encuentra la risa del espectador sin buscarla, así como encuentra su reconciliación. José Juan Sánchez, en el papel de Harder revela la problemática aparente de los Hogan, ante la problemática real del hombre, y aunque pequeña su intervención, cumple con el objetivo. Y Rodolfo Árias nos presenta de manera portentosa a un alcohólico a punto de la última caída y con la fuerza de la última pasión; una cátedra total.

           Tan conmovedor resulta que Espinosa nos muestre un espejo firme para la memoria, de lo que llevamos dentro.

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EN EL LADO OSCURO DEL SER: UNA LUNA PARA LOS MALNACIDOS

Por LeónManzano / Gabriel Rodríguez

 En la dimensión de lo elíptico se guardan huellas invisibles, fragmentos del rompecabezas psicológico que aflora con gestos, ademanes y manías. En la superficie nos asomamos a las conductas, y en el fondo de cada individuo subyacen traumas, pesadillas y frustraciones, bastan los estímulos adecuados para que brote el volcán interno que al vivir en sociedad se contiene. Siguiendo las “buenas costumbres”, los personajes se hacen previsibles: la puta malhablada, el viejo gruñón lanzando improperios, el pedante castrado y un galán inoxidable en el fin del mundo que tiene nuevo dueño. Rasgando el idilio bucólico, el escritor estadounidense Eugene O’Neill, minero de la psicología norteamericana interpretó su mentalidad y la plasmó en monólogos y situaciones donde explota la frustración de los sueños reprimidos. La incredulidad en Dios, la esperanza diluida en el alcohol que entra y sale de los seres como un vehículo para las euforias y las penas. Aún en la lejanía vibran los estereotipos de las estrellas de Hollywood. En contraste con lo campirano y sencillo, las evocaciones de Broadway suenan ridículas y artificiales. Los ecos de la tragedia griega se compensan con las mentadas de madre de los desgraciados. Las majaderías en español, nos acercan al interior exaltado y lo execrable tiene la virtud de volverse entrañable. Bajo la dirección de Mario Espinosa, la traducción de Humberto Pérez Mortera deja fluir una moral envuelta en el criterio y la elasticidad de los deseos. El público es convidado a la escenografía de Gloria Carrasco que dibuja un aro de cantera al que se adentran los personajes como en una glorieta, una pista de circo donde presentan sus estridencias, brota el poder de los silencios y la densidad de sus lágrimas. Afuera hay agua estancada y podrida. Desde ese mirador oscuro se asoman al paisaje, alejados de la civilización y sus amenazas. El trazo delimita sin imponerse, abre la imaginación a los espacios cercanos como la casa y otras propiedades vecinas o nos coloca en un punto imaginario en Estados Unidos. La enorme rama del árbol que se asoma en lo alto, es testigo de las confesiones y cobijo imposible de las tristezas. Como una bocanada de viento llegan cada tanto los acordes de una guitarra lánguida, rasgando escalas de blues. El diseño sonoro de Rodrigo Espinosa nos transporta por la costa este y las venas del río Mississippi.

 Satélite circular, luna llena, círculo eterno. Resumen de un país con voces de las generaciones rotas, olvidadas y sus anhelos pospuestos, las fragilidades encarnadas en la puntualidad otoñal, que cierra los meses y anticipa el año nuevo. La dirección huye del melodrama y suma el antídoto del humor para hacer reír y no llorar en las orillas obvias en las que duelen más las heridas del tiempo fracturado en las familias marcadas por el olvido y los alejamientos. Los personajes se cimbran en el cuadrángulo de piezas que no embonan y se estrellan en pedazos y en abrazos. Phil Hogan, interpretado por Patricio Castillo es el temperamental padre de Josie Hogan interpretada por Karina Gidi, flor de invierno local tocada por hojas crepusculares y envuelta en las noches ajenas. Una tarde todo cambia cuando los límites del pudor y el honor se apuestan buscando el porvenir y el amor paterno se inflama de cinismo.  Rodolfo Arias es Jim Tyron, gigante de azúcar que se derrite en la ternura de la carne que encarnó sus espejismos. José Juan Sánchez da vida a T.S. Harder, muchachito pedante que se embarra en el orgullo de los humildes. Esa noche todos viven metamorfosis rugiendo y refugiándose en las palabras agresivas. Luego se funden los amores para dejar aflorar los espíritus al límite. Poco visto en nuestro país, el realismo norteamericano de O’Neill sintetiza en pinceladas profundas las contradicciones de su nación. En esta pieza inédita en México y producida por Teatro UNAM en el ciclo Los grandes dramaturgos del siglo XX, se asoman las paradojas, los peligros y los enemigos del sueño americano, los hombres dignos contra las corporaciones voraces, el latifundio y las metáforas de la contaminación ambiental. Amanece y la soledad es el camino de libertad que todos piden. Renacen los malnacidos, a partir de ese día pueden cambiar sus vidas.

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Una luna para los malnacidos

Por F. Rea / Fátima Rea Murguia

Dirección: Mario Espinosa.

Todos estamos escondidos en la oscuridad del jardín, allá donde la desolación no permite ver más. La arquitectura esta erosionada, la naturaleza marchita y todo queda a merced de una luna que nos ve desde lo alto.

Un grupo de personajes entran a este círculo, reflejo de los malos hábitos que nos tienen viciados, donde algunos son incapaces de salir u otros deciden por voluntad propia permanecer, y solo nos queda observar como sus decisiones los llevan, sin planearlo, al descubrimiento de uno mismo a través del reflejo en el otro.

Mario Espinosa nos presenta uno de los capítulos más íntimos en la vida del autor Eugene O’Neill, padre del realismo norteamericano que utilizó referencias como Connecticut, la depresión y el alcohol, para exhibir su vida familiar y en particular, el reflejo de su hermano Jamie, quien bebió hasta morir.

“Una luna para los malnacidos” es una obra de gran profundidad y humanismo, que le exige de una transparencia emocional a sus actores en todo momento; Karina Gidi, Patricio Castillo, Rodolfo Arias y José Juan Sánchez, sirven como medios para reflejar la decadencia humana que busca defenderse con violencia verbal y una armadura dura y hostil para así proteger las inseguridades que atormentan día tras día.

Poética, romántica, nos saca esas risas melancólicas continuamente, donde cada palabra les sirve para ocultar sus deseos y hacer un ajuste de cuentas con su pasado, permitiendo al espectador identificarse y compadecerse de las exigencias a las que nos sometemos como sociedad.

Ésta puesta en escena genera un reto, donde el peso de su autor y el del género dramático, convoca a un equipo de primera, capaz de remover aquello que creíamos oculto dentro de nosotros gracias a la homogeneización estética y discursiva que se logra. “Una luna para los malnacidos” fue parte del  Ciclo los Grandes Dramaturgos del Siglo XX en el Centro Cultural Universitario, de la UNAM.

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No queda más que decir.

Por La Calulax / Claudia Campos Zamora 

Al romper con los esquemas de teatro tradicional: la estética y la técnica dramática. Surgió la categorización de la obra de Samuel Beckett como del “anti teatro” o “teatro del absurdo”. Caracterizado por un teatro estático, por personajes esquemáticos, escenografía simbólica, diálogos repetitivos, acciones a veces ciclicas, sin trucos escénicos. Donde impera la insignificancia humana, la soledad como batuta sin la menor visualización de esperanza.

“No queda más qué decir” es un proyecto de Teatro UNAM, vinculado al ciclo “Grandes dramaturgos del siglo XX”, que abarca cinco obras breves de Beckett, reinterpretadas por cinco directores: Impromtu de Ohio (David Jiménez), Arrullo (Mónica Jasso), Pisadas (Mariana Gándara), Juego (Juan Carrillo) y Catástrofe (Damián Cervantes).

Se inicia este viaje al entrar en la sala con Impromtu de Ohio, y lo que resulta una imagen impactante, es la de estos dos personajes dispuestos en altos pedestales, casi perceptibles por la atenuación de la luz para darle entrada al espectador a un ambiente que produce un vacío en el espectador.

Si bien estuvieron presentes los silencios beckettianos, también hubo un elemento que se manifesto en varias de las obras breves, y se trataba de ruidos, donde algunos de ellos se transformaban en un eco infinito. También habían repeticiones de lo que parecían ser pelotas rebotando entre diálogo y diálogo. Al igual que las pisadas estaban acompañadas por otras reveraciones del mismo golpe de la pisada. Así como el sonido que hacía la inmensa caja que contenía a la actriz, al ser  empujada por la niña. Estos elementos auditivos también fueron otro personaje más dentro del montaje.

A pesar de que las cinco fueron dirigidas por diferentes directores, se puede decir con un gran hilo conductor fue: el vestuario, junto con el maquillaje, la iluminación y el trabajo físico de cada uno de los personajes, convirtieron a cada uno de los actores en hermosas y meláncolicas piezas pictóricas.

Otra idea acertiva en la puesta en escena, en la obra “el juego”, donde integran por períodos de tiempo muy corto al espectador, al iluminarlos con las linternas, evocando no solo el juego, sino haciendo un preámbulo de lo que empezaría luego, tres cabezas esbozando sus diálogos.

Es un gran trabajo, interpretado por grupo de grandes actores qué lograron convertir el silencio en un modo de expresión, pues el silencio que ya no habla es una respuesta, es la aceptación pasiva del nihilismo que envuelve al individuo.

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No queda nada que decir. Un ataque al lenguaje y el eterno retorno

Por Georgina Rodríguez / Georgina Azucena Rodríguez Torres

 La puesta en escena agrupó cinco obras breves del dramaturgo irlandés del siglo XX: Samuel Beckett; bajo la visión de cinco jóvenes directores. Comenzó con Impromptu de Ohio, dirigida por David Jiménez, con una intrigante pareja de hombres (Sergio Ramos Ruiz y Harif Ovalle). La segunda obra: Pisadas, bajo la dirección de Mariana Gándara, presentó a una joven hija (Nailea Norvind) y el recuerdo de su madre personalizado por Georgina Tabora. La tercera: Juego, mostró a un misterioso hombre (Sergio Ramos Ruiz) y un peculiar trio formado por: Nailea Norvind, Harif Ovalle y Georgina Tabora con la dirección de Juan Carrillo. En la cuarta: Arrullo, bajo la dirección de Mónica Jasso, apareció una anciana agonizante (Georgina Tabora) y una niña. La última obra: Catástrofe, con la dirección de Damián Cervantes, presentó al único hombre vestido de blanco (Sergio Ramos Ruiz), una joven asistente (Nailea Norvind) y su jefe (Harif Ovalle). Cada obra mostró a parejas dependientes, dudosas, rutinarias, insensibles, indiferentes e inconscientes de su eterno retorno, que no lograban comunicarse; lo cual representó el ataque al lenguaje.

El montaje tuvo pobreza decorativa con un escenario negro (Martín Acosta), como los vestuarios (Ricardo Loyola), lo cual metaforizó la monotonía de la vida y el vacío existencial. Surgieron efectos luminosos (Félix Arroyo) que marcaban los cambios de acciones y situaciones en un eterno retorno. Hubo efectos sonoros de fondo (Joaquín López) y producidos por los personajes que provocaron incomunicación, suspenso, miedo, interrupciones y extrañamiento a través de: los chasquidos que daban pie al rebote de un objeto rodante —como la piedra del Mito de Sísifo de Albert Camus— que interrumpían la lectura en voz alta del personaje de Impromptu de Ohio; el caminar rítmico con unas zapatillas desmoronándose y los giros reiterativos de la joven hija que articulaba desesperadamente monólogos internos con el recuerdo personificado de su madre en Pisadas; igual que los discursos disparatados y monótonos del trio de heridos con un cepo en el cuello que sólo podían hablar cuando los iluminaban con una linterna en Juego; los quejidos desesperanzados de la anciana agonizante meciéndose dentro de una caja de madera, empujada una y otra vez por la niña —de nuevo, la metáfora de Sísifo—, mientras se escuchaba la voz monótona de la hija narrando el paso de los días de su madre en Arrullo; y las ordenes imponentes del jefe tirano hacia su sumisa asistente acerca del aspecto del hombre inmóvil en Catástrofe.

Así, se representó a la perfección: la falta de sentido en la vida, la rutina, la degradación humana, la inconciencia de las acciones, la inutilidad de los esfuerzos humanos, la indolencia de la desgracia ajena, la imposibilidad de salir del martirio y sometimiento de otros. Todas estas características y elementos inconfundibles del teatro beckettiano, representados en metáforas muy bien logradas de la obra, aluden al eterno retorno —ejemplificado con el Mito de Sísifo— y el ataque al lenguaje como medio de comunicación entre los hombres.

Sin duda, resultó un excelente montaje de cinco obras selectas y entrelazadas con elementos escénicos perfectamente aplicados al estilo y contexto del autor. Fue una puesta en escena curiosa y apasionante, que aunque pudo resultar compleja, ésta es una de las características en el teatro del original y peculiar dramaturgo: Samuel Beckett, que exhorta al espectador a reflexionar sobre su existencia.

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Madre Coraje y sus hijos

Por Tallahassee Death / Nombre: VíctorJiménez Figueroa

La humanidad exasperada arroja a la avidez de una hoguera

inextinguible  sus riquezas y su esperanza,

la sangre de efebos gloriosos, el orgullo moral de veinte siglos.

La civilización declina y el mundo agoniza.

Todas las fuerzas de la destrucción y de la muerte

se asocian en una perpetua hecatombe.

Francisco García Calderón

 Madre Coraje y sus hijos es una adaptación basada en la novela del literato alemán Bertolt Brecht (Mutter Courage und ihre Kinder). La obra se desenvuelve en el inicio de la guerra de los treinta años. Por su parte la adaptación UNAM se da en los inicios de la Revolución Mexicana; desarrollando la trama a través de los acontecimientos más significativos del conflicto.

Madre Coraje es una visión ambivalente; la narración de dos historias, de la paz y  de la guerra. Una sátira picaresca de lo que es la humanidad y su ambición, el lucro de la decencia humana cuando los valores se resumen a sólo valor monetario.

El escenario de esta obra está anclado a la original con la carreta de Madre Coraje- otras veces con la pipa del cocinero, manteniendo su intertextualidad con la obra de Brecht - en que ofrece sus mercancías a los solados de la revolución, que consumen con avidez lo poco que tienen y dejan buenas ganancias a la protagonista. La obra es un vodevil, que intercala números musicales con coreografías vistosas; adornadas por la vestimenta colorida de un reflejo kitche del estereotipo mexicano del revolucionario. El hijo de madre coraje ataviado como norteño, de carácter y que no se raja, alude por composición al narcotraficante. Lo que respecta a la escenografía, la puesta mantiene una economía de elementos pero, muy dinámica, pues está montada sobre una base giratoria. Además de la capilla con doble vista que se convierte en la casa de los campesinos y, se suplementa con el contenido folklórico en su interpretación de Madre Coraje.

El tema del presentador nos remite al programa de variedades, que casi siempre era el que aminoraba el golpe dramático que dejaba una escena con algún chiste de temática actual; es el elemento satírico que critica nuestra realidad y la hace una obra punzante.

La obra rompe con la cotidianeidad, no sólo en su forma narrativa y representativa, pues todas las características que la componen, hacen de ella una nueva forma de percibir el teatro. Rompe con el canon clásico, combinando los planos escénicos y representando en la parte de abajo secuencias cómicas y en la parte de arriba del escenario la más intensa, la muerte de Catalina.

Las luces complementan la cromática refulgente de los personajes, así como cada una sus características y, ambientan cada acto. El juego de colores da diferentes tonalidades respecto a la iluminación, que afecta la visión del espectador para captar el mundo. Partiendo del análisis del personaje central: Madre Coraje, amalgama en sí, el carácter bélico del negocio, en que su ambición la lleva a perder a sus hijos. Aunque en este caso el distanciamiento parece nulificarse, pues sumerge al espectador en la empatía con los hechos que se desarrollan, cada acto es introducido por un narrador que logra empatar la trama de forma satírica y, hace participe al público con los acontecimientos que van desfilando en escena.  

En la obra de teatro, los dos referentes principales son Madre Coraje y sus hijos, pero no recae en ninguno mayor peso como en Catalina, que es muda al igual que en la obra original y cuya falta de habla, la suple con un gran poder que lleva consigo, su nobleza y valor; no la hace falta voz cuando lleva en la mano un tambor; no le hace falta un hombre a su lado cuando se tiene a ella misma; es el ejemplo de sacrificio por una noble causa. A su vez Madre Coraje representa al pueblo, que no importa cuántos embates acometan contra él, siempre seguirá adelante y en pie.

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Madre Coraje y sus Hijos, un retrato del (tra)bucle mexicano

Por: Gabba Gabba Hey / Eduardo Tonatiuh Trejo Gómez

La bisabuela Juana me platicaba sobre sus experiencias como parte de la leva revolucionaria. Ella salió al campo de batalla siguiendo a su hombre. Iba a cuidarlo, decía; iba con “la bola”, pero, ¿era la bola de los buenos? Un día le pregunté de qué bando había peleado. “Éramos del bando que nos diera de comer”, respondió. La bisabuela Juana formó parte de ese capítulo nacional y después de los matriarcados que cuidaron la infancia de la sociedad naciente. Poco cambió la cosa para ella. Entonces, ¿para qué, para quiénes fue la Revolución mexicana?

Madre Coraje y sus Hijos, original de Brecht, es una puesta en escena que regresó aquella pregunta a mi cabeza. Al final, luego de varios años trajinando por el México de la Revolución, Madre Coraje pierde a sus tres hijos, ve pasar al tren del amor y conserva sólo el símbolo de su identidad: su tienda-carreta. Ha padecido situaciones durísimas, divertidas, vergonzosas, absurdas, salpicadas de personajes que a veces nos resultan agradables y a veces repulsivos. Nos reconocemos en todos ellos. Este reflejo tan nítido de la naturaleza mexicana tiene que ver con el primer gran mérito de la puesta en escena: la traducción de la obra.

Juan Alberto Alejos no sólo ha desdoblado un texto, y junto con Iona Weissberg y Aline De la Cruz tradujo además la temperatura de una sociedad fría y acerina (la alemana) a la tibieza con que el mexicano pinta su día cada que se burla de su desgracia, por ello igual es acierto haber circunscrito la obra dentro del teatro de revista, hijo natural de la capacidad de autobullying que tenemos acá.

Sergio Villegas prueba que la escenografía tiene un rasgo fotográfico y retrata al México desvencijado, metaforizado en carreta barroca multiusos. Es práctico: todos giran en círculo frente a nosotros porque la vida nacional ha sido eso: un (tra)bucle que pasa por el mismo lugar sin importar qué tan amplio ha sido el diámetro de su órbita. Por su parte, el vestuario de Emilio Rebollar presenta bocetos terminados en una paleta infantil que cobra mucho sentido. México, con todo y sus zonas de penumbra, es un país de colores.

 Alejandra Ley fluye. Su papel (Madre Coraje) –que lleva el ritmo de la obra y cuyo espectro emocional es amplio– le exige un grado de sagacidad que entrega con gusto. El periodista de Rodrigo Murray es mancuerna de la señora Coraje, es su “carnal Marcelo”, y forma con ella una dupla equilibrada por la brillantez y la tontera, la malicia y la bondad en el tono tragicómico que tan bien le sale.

El elenco que los acompaña cumple cabalmente; nos transporta del escenario a la sillería con miradas y gestos pulidos. La dirección se nota. El presentador (Artús Chávez) actúa como enlace sólido entre la ficción y la dura realidad actual. Sobresalen los personajes del Cocinero y la Poutette Français (es decir, la diva francesa). Otro personaje importante es la golpeada ruralidad mexicana.

Los números musicales (basados en las partituras de Paul Dessau para la puesta de 1949, también traducidos a modo de corridos, rancheras y otros géneros vernáculos) hacen lucir hasta a “la Muda”. La música en vivo siempre es un agasajo adicional.

En esta obra cada personaje sale a escena para ser nuestro espejo. Intento imaginar qué diría la bisabuela Juana al respecto, pero confundido por esta ficción-realidad sólo consigo verla tomándose unos tequilas con Mère Courage, brindando sardónicamente: “¡Porque mientras haya corrupción hay esperanza!” Una línea que, a la fecha, parece no tener fecha de caducidad.

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Madre Coraje, Logrado Teatro de Fusión

Por Claudia de Lorena / Claudia Romero Herrera

 En 1939 escribe Brecht Madre Valor y sus Hijos, situándola, no en su aquí y ahora, sino en un allá y entonces de la historia alemana, que si bien espejeaba la inminente Segunda Guerra Mundial, quedó a salvo por el simple hecho del cambio de contexto.

Tres cuartos de siglo después, las directoras Iona Weissberg y Aline de la Cruz llevan a la escena un montaje de esta obra, con un principio parecido: La anécdota del ahora clásico del Siglo XX, sucediendo en México, en los tiempos de Don Porfirio y la Revolución Mexicana. Nuevamente la cercanía con nuestro presente se vuelve intencional y descarada tanto en la adaptación y su lenguaje como en la estética propuesta. A la adaptación de la ficción se le añade un maestro de ceremonias que inserta el drama en un teatro de revista, a la vez porfiriano y brechtiano por su rompimiento franco y humorístico, y que además mantiene el ritmo de la obra vivo e impecable.

En la afortunada adaptación de Juan Alberto Alejos, cada avance en la anécdota encaja con algún hecho de la Revolución. Madre Coraje es a simple vista, una Adelita, y sus hijos son ahora “Oaxaca” (en lugar de “Queso Suizo”), Elifgardo y Catalina. Al atuendo afrancesado de Ivette Poitier (ahora acertadamente Putier) se le escapan unos tacones modernísimos, a los soldados oficiales, gorras granaderas, a la carreta, una puerta de auto de los 1970s, y plásticos y fierros que nos remiten al ambulante de hoy.

A nivel auditivo también se permea la realidad mexicana de los albores de los Siglos XX y XXI. La música de Mario Santos está basada en la de Paul Dessau (compositor del montaje original), pero él la trastoca y traduce en corridos y rancheras, añadiendo rap y ritmos modernos que hacen aún más efectivo el convivio con el espectador de lo que el formato de revista nos otorga per se.  

 La dirección merece un gran aplauso, pues supo llevar la estética del equipo creativo a un puerto fresco e inteligente, acompañada de la iluminación de Xóchitl González, que aportó profundidad y belleza a cada transición y a cada escena.

Un gran teatro de fusión, sin duda, de estilos, de tiempos y de Méxicos, que se verificó también en el casting. Éste fue encabezado por Alejandra Ley, cabaretera y comediante, logrando una memorable Madre Coraje por su presencia ligera y estudiada voz cantada, Rodrigo Murray, actor de teatro y televisión, bien en sus papeles, y Artúz Chávez, clown, quien nos regala un maestro de ceremonias, personaje en sí mismo, que nos hace recordar la grandeza de sus símiles de Pippin y Cabaret en las versiones dirigidas por Bob Fosse.

Cabe agradecer que este montaje está bien cantado, bien musicalizado, bien orquestado, y bien sonorizado, algo que podría obviarse, pero que no es siempre la realidad de un musical.

Madre Coraje y sus hijos entretiene y lo hace muy bien. Cabría preguntarse si los espectadores alcanzamos a ver las atrocidades de la guerra, o si para coraje póstumo de Brecht, volvimos a empatizar con la protagonista, y dejamos de lado su intención original. Cuestionarse también si vimos que Coraje es a fin de cuentas la Madre Patria matando a sus hijos por la ceguera de creer que alguien puede beneficiarse de la guerra. Si nos dimos cuenta que lo que llevamos a cuestas de manera obstinada, como Ana y su carreta, termina por acabar con nuestra vida. Tal vez no, pero en estos tiempos, en los que el miedo vuelve a asomar la cabeza seguida de un arma que le apunta, la imagen de la hija muda que deja de serlo por tocar el tambor hasta morir, quizá no solamente logró que Zapata nunca fuera asesinado, sino recordarnos con belleza y silencio nuestra responsabilidad de dejar de ser espectadores una vez abandonado el teatro.