#critique cinema

[lemuseeimaginaire-world-blog]

1. Time Out, une critique cinéma de Sarah

Time Out est un film réalisé par Andrew Niccol en 2011. Les acteurs principaux y sont Justine Timberlake et Amanda Seyfried. Ils incarnent deux jeunes gens, Will Salas et Amanda Weis. Ce film mêle plusieurs genres : c’est à la fois un film d’action, de science-fiction, d’amour et un film politique puisqu’il dénonce un système où le temps a remplacer l’argent. Dans ce système, le jeune homme incarné par Justin Timberlake devient riche du jour au lendemain et prend l’initiative d’aider les gens dans le besoin.

Il y a plusieurs choses qui m’ont déplues dans ce film. Par exemple le fait qu’à part le personnage principal, personne n’a de compassion pour les pauvres au point que retrouver des cadavres dans les rues de Dayton apparaisse comme normal. Mais j’ai aussi trouvé la scène où meurt la mère dans les bras de son fils particulièrement triste et émouvante. J’aurais aimé que sa mère survive. J’ai aussi trouvé dommage que nous n’ayons pas vu d’images ou de scènes montrant son père.

Cependant, j’ai apprécié l’histoire d’amour improbable entre cet homme ayant grandi parmi les pauvres (Will Salas) et une femme ayant toujours été très riche (Amanda Weis) car cela nous montre que même s’ils n’avaient rien en commun, ils se sont trouvés un but à accomplir ensemble. Le fait que Dayton soit une ville qui n’existe pas réellement prouve que cette histoire peut se passer n’importe où. Ensuite, le moment où Sylvia se  retourne contre le monde où elle a toujours vécu et contre ses parents m’a aussi plu car cela montre que malgré tout le réseau de gardes de corps payé par son père pour la protéger, il n’a pas su la protéger : tous les systèmes ont une faille, et ici cela a abouti au vol d’un million d’année.

Pour conclure, je dirais que ce film m’a beaucoup plu. La mise en scène, les textes et les décors sont très bien faits ; en outre l’idée globale du film est très originale. J’avais déjà vu ce film de multiples fois, mais il me fait toujours autant réfléchir. On peut penser que ce film a quelque chose de caricatural, mais décrivant cette société, le réalisateur nous  oblige à la comparer à la notre, qui n’est finalement pas si différente.

[poupimali]

Tchi Tcha d'octobre 2016 : Mercrenaire et Miss Peregrine ! 

Tchi Tcha d’octobre 2016 : Mercrenaire et Miss Peregrine ! 

Je vous en conseille deux : “Mercenaire” réalisé par Sacha Wolff et “Miss Peregrine et les enfants particuliers” réalisé par Tim Burton. Mercenaire de Sacha Wolff Avec Toki Pilioko, Iliana Zabeth, Mikaele Tuugahala Date de sortie au cinéma en France : 5 octobre 2016 Genre : Drame Le pitch : Soane quitte Wallis et Futuna et un père particulièrement toxique, pour rejoindre un grand club de rugby.…

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[unshaded-chronicles]

Marie-José Mondzain déconstruit le film Intouchables.

Marie-José Mondzain a étudié à l’École normale supérieure de Sèvres avant de faire une carrière universitaire comme directrice de recherche au Groupe de sociologie politique et morale au Centre national de la recherche scientifique (CNRS).

Elle s'est spécialisée dans l'étude du rapport aux images, de l'iconoclasme de la période byzantine jusqu'aux représentations modernes (publicité, propagande, actualités, ainsi que celles de l'art contemporain).

Source: Wikipedia

[jegarde]

Under the skin

Under the skin de Jonathan Glazer

Under the Skin raconte tellement peu de chose que poser les bases de l’histoire me semble déjà dévoiler le film.

Si la bande annonce vous a assez intrigué pour vous donner l’envie de découvrir le film, alors franchissez le pas. Que vous aimiez ou pas, ce film ne devrait pas vous laisser indifférent. Si par contre, elle vous a laissé de marbre, passez votre chemin.

Scarlett Johansson (qui reste assez mono-expressive durant le film) a un but dans la vie, appâter le jeune célibataire afin que sa race extra-terrestre fasse je ne sais quoi de leurs organes. Si je ne sais pas ce qu’ils leurs font, c’est parce que tout cela n’est pas dit. Le très peu de choses que nous découvrons sur eux ne sert qu’à combler le désir du réalisateur à faire de l’art vidéo contemporain auquel j’accorde un regard curieux et septique, mais qui une fois de plus n’a su susciter chez moi ni admiration, ni émotion.

A côté de cela, ce dresse le portrait psychologie de Scarlett, cet aspect reste le plus intéressant à mes yeux, bien qu’assez récurrent au cinéma. Au départ, Scarlett remplie sa besogne, sans remord et sans se poser de questions. Puis peu à peu, elle va découvrir la vie, les sentiments et son comportement va changer.

Cette transformation est très bien menée par le récit et comporte une forte cohérence. Son rythme est cependant très long et m’a quelque peu ennuyé. Je ne peux cependant pas vraiment le reprocher, c’est un parti pris qui sied à ce personnage mutique.

Under the Skin pose les bases d’une histoire qui soulèvent beaucoup d'interrogations mais qui n’est malheureusement là que montrer l’humanisation d’un extra-terrestre.

Note : 6/10

[jegarde]

La chambre bleue

La chambre bleue de Mathieu Amalric.

Le dernier film de Mathieu Amalric, sélectionné à un certain regard à Cannes me laisse perplexe. Car qu'en retiens-je ?  Je n’ai pas lu la nouvelle de Simenon, mais son histoire ne repose que sur un simple fait divers, une histoire d’adultère ayant mal tournée, le genre de scénario parfaitement adaptable en téléfilm pour France 3. Si le film a su captiver mon attention, c’est par un lourd et pesant mystère mis en place par une habile construction du récit alternant les époques et les points de vue, entre les faits du personnage principal et l’interrogatoire menée par le juge. La dualité de ces approches nous intrigue et donne irrémédiablement envie de connaitre la vérité. Malheureusement, ce questionnement se développent dans une ambiance monotone, peinant à susciter l’émotion et l’empathie envers des personnages pourtant bien joué.

Un film très mystérieux mais trop froid à mes yeux.

Note : 6,5/10

[jegarde]

Godzilla

Godzilla de Gareth Edwards III

Godzilla, c’était avant tout une bande annonce impressionnante. Ce saut en parachute à l’esthétisme travaillé, cette musique initiatrice de terreur et ce Godzilla à peine montré, elle savait parfaitement donner l’envie de voir le film. Malheureusement les premières critiques arrivèrent et ce ne fut pas glorieux, même plutôt mauvais. L’hésitation naissait en moi, cette bande annonce ne pouvait pas avoir totalement tort. La curiosité se faisait chaque jour plus grande et je décidais d’aller le voir. L’histoire est très classique : un monstre apparait et des chercheurs tentent de trouver son origine afin d’aider les militaires à lui péter la gueule. Plus classique, tu meurs. Un scénario aussi léger est pardonnable pour peu que le réalisateur sache insuffler un rythme à son récit et proposer de personnages intéressants. Ce n’est malheureusement pas le cas, les personnages sont d’une inutilité impressionnante dans le déroulement de l’histoire, leurs rôles sont intéressants et se limitent aux clichés du genre : - Soldat : je dois le faire pour mon pays et ma famille. - Chercheur : je vous avais prévenu, mais personne ne m’a écouté/nous ne somme rien face à la nature. - Général : ta gueule le chercheur, je préfère l’utilisation de la force. Le plus ahurissant est que Gareth Edwards est adopté comme point de vue celui de ses personnages, donnant quelques fois des scènes totalement absurdes. Exemple : des soldats ouvrent des portes dans un bunker à la rechercher d’un monstre, ils ouvrent la bonne et découvrent un cratère gros comme un stade visible de la lune. Quel besoin d’ouvrir des portes quand des hélicos font des rondes juste au-dessus. Uniquement pour garder un point de vue humain. N’y a-t-il donc que des défauts dans ce film ? Heureusement non. Lors de certains passages, la photographie et les décors sont très réussis mais complètement sous exploités, comme la ville japonaise complètement abandonnée. Mais la grande force du film réside dans la mise en scène autour de Godzilla. Le réalisateur attise la curiosité du spectateur, fait monter la pression et divulgue petit à petit son bébé jusqu’au plan complet du bestiau, jouissif et impressionnant, dégageant un sentiment de puissance et de respect. D’autre part, même sans connaitre le matériel original, j’ai fortement ressenti l’hommage qui lui était fait, le respect de l’adaptation. Il ne me reste plus qu’à trouver le courage de visionner le premier du nom. Note : 5/10 

[jegarde]

States of Grace

Nous sommes face à un film taillé pour le festival de Sundance, c'est à dire un film américain, avec un personnage un peu paumé et une musique indie folk à tomber.   Je l'avoue, j'en suis assez friand. J'aime le côté humain et authentique de ces films, préférant développer un personnage qu'une histoire rocambolesque. L’idéal étant de réussir à mélanger les deux, ce qui nous donne de petites merveilles comme Little Miss Sunshine.  Dans States of Grace, nous suivons le quotidien de Grace, une jeune femme travaillant dans un foyer dans lequel elle encadre des enfants à qui la vie n’a pas fait de cadeaux (maltraitance, viol, abandon, etc.). En ce lieu et avec son équipe, elle réconforte ces enfants, elle leur offre un cadre de vie serein et protecteur. Cependant l’apparente tranquillité qui se dégage d’elle, cache pour elle aussi un traumatisme auquel elle n’a pas encore su faire totalement face.

L’histoire est très bien menée et suit comme il faut l’évolution du personnage principal, mais la beauté de ce film ne réside pas dans le scénario, elle se dévoile dans ces instants de confidences, où les enfants partagent leur souffrance, évacuent leurs démons et se décident à refaire confiance aux autres. Ces moments de grâce sont d’une sincérité et d’une justesse à couper le souffle, nous laissant déceler leurs plaies les plus profondes, nous en oublions qu’il s’agit d’acteur et nous laissons porter par l’émotion.

States of Grace m’a ému comme je ne l’ai rarement été et le message d’espoir qu’il véhicule le rend tout simplement beau. Un nouveau coup de cœur.

Note : 9/10

[jegarde]

Nebraska

Nebraska de Alexander Payne.

Nebraska a été ovationné par la presse. Son acteur principal : Bruce Dern, a reçu le prix d'interprétation à Cannes. Pourtant, je ne partage pas leur enthousiasme. Certains trouvent que l'utilisation du noir et blanc sied à ce film. Ce n'est pas mon cas, certes le visage de Bruce Dern, papi à la limite de la sénilité, rend magnifiquement bien en noir et blanc, mais personnellement la couleur m'a manqué. Pour me comprendre, il faut en venir à l'histoire. Woody Grant est donc le papi interprété par Bruce Dern. Un jour, il reçoit une publicité lui disant qu'il a gagné 1 million de dollars, il ne lui en faut pas plus pour partir parcourir 2000 km à pied afin d'aller récupérer son magot. Rapidement rattrapé par la police et ramené chez lui, il ne démord pas et la récupération de son bien tourne à l'obsession. Son fils décide donc de l'y amener. Ainsi débute ce road-movie à travers des Etats-Unis frappés par la crise et durant lequel ils feront halte dans le village natal de ce Woody. A mon goût, le film tourne autour du fils, il s'agit de sa vision, de la découverte du passé de son père et de sa relation avec lui. Ce regard nouveau, dénué de nostalgie, nécessite de la couleur, afin de percevoir l'effet du temps sur la vie. D'autant plus que certains plans me donnaient l'envie d'apercevoir l'éclairage chaleureux du soleil, celui sordide des néons de bars ou bien le bleu profond d'un ciel de panorama. Bref, même si je trouve que l'histoire se résume un peu trop à une succession de scénettes, il n'en reste pas moins qu'elles savent être drôles ou émouvantes et que les relations entre les personnages sont brillamment construites, surtout quand l'argent vient révéler la vraie nature des gens. Un film drôle et sympathique mais bien loin d'un chef-d'œuvre. Note : 6,5/10