"Family Home Evening" di Joel e Graham Brown: nel rituale della memoria
Venerdì sera abbiamo assistito alla prima prova aperta del nuovo lavoro degli artisti americani Joel e Graham Brown, che li vede riuniti dopo anni di percorso individuale. Inserita nel contesto del progetto Open Dialogo, il periodo di residenza creativa a Mondaino ha visto prendere forma la scrittura di alcuni appunti coreografici e tematici di Family Home Evening. Ed è proprio il rito mormone richiamato dal titolo a configurasi come un dispositivo narrativo e autobiografico, una drammaturgia multimediale che si costruisce nella giustapposizione di coreografie, canzoni, musiche e narrazione. Grazie a questa molteplicità di linguaggi la performance si fa viaggio in un universo personale e interiore: il corpo e la voce del danzatore raccontano una storia fatta di memorie, paesaggi e sentimenti contrastanti.
La scena si apre in un salotto, dove il danzatore si muove circondato da spettatori che, come fantasmi familiari, abitano lo spazio e vi si immergono. Qui ogni sguardo e ogni gesto è un frammento di passato che rivive nel presente. Joel attraversa il palcoscenico come se disegnasse con il proprio corpo le geografie spaziali e sentimentali della sua infanzia:
Siete stati nello Utah? È una terra bellissima
Il sole tramonta sul Lago Salato e sull'Isola di Antelope…
E così il pubblico percorre con lui, nei suoi movimenti oltre che nelle parole, quel paesaggio arido e maestoso, dove la natura si fa protagonista. Le montagne, i fiumi, la living room di casa: ogni immagine evoca la complessità di una gioventù segnata da confini fisici e interiori, dove la felicità e il dolore coesistono.
Ogni spostamento del performer trasforma il palcoscenico in un romanzo di formazione. Il passaggio dall’infanzia all’età adulta si fa strada attraverso un fluire di ricordi e immagini toccando apici di intensità quando riaffiorano dalle canzoni i ricordi tristi di un fratello perso, dell’incidente, dell’abbandono e il rifiuto del padre veterano di guerra.
Infine, il desiderio di essere compresi e accettati si fa palpabile nel brano Ti porto a casa mia:
Vorrei portarti fuori e portarti a casa mia. Mostrarti come vivo ed essere un po' in imbarazzo. Così potrai vedere davvero cosa il tempo ha fatto di me.
Queste parole, ripetute alla madre quasi in un mantra, rappresentano l’invito a chi osserva la performance a guardare oltre la superficie, ad abbracciare la fragilità e la forza di chi ha vissuto e trasformato le proprie cicatrici in storie da raccontare.
Ogni elemento di questa drammaturgia – dalla coreografia che scandisce il tempo dei ricordi, alla narrazione che evoca i luoghi e i momenti della vita, fino alle canzoni che dipingono quadri intimi e dolorosi – si unisce per creare un mosaico emozionale in cui passato e presente si fondono in un’unica, intensa esperienza. In questo spazio il rito si configura come un processo di memoria condiviso, un invito a riflettere sul passaggio del tempo e sul cambiamento di sé.
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Last night, we attended the first open rehearsal of the new work by American artists Joel & Graham Brown, who are reuniting after years of pursuing individual paths. As part of the Open Dialogo project, their creative residency in Mondaino has given shape to the choreographic and thematic notes of Family Home Evening. The Mormon ritual referenced in the title functions as a narrative and autobiographical device, a multimedia dramaturgy constructed through the juxtaposition of choreography, songs, music, and storytelling. Thanks to this multiplicity of languages, the performance becomes a journey into a personal and inner universe: the dancer’s body and voice tell a story made of memories, landscapes, and conflicting emotions.
The scene opens in a living room where the dancer moves, surrounded by a few spectators who, like familiar ghosts, inhabit and immerse themselves in the space. Here, every gaze and every gesture recount the story of a past that becomes present. Joel crosses the stage as if drawing with his body the spatial and emotional geographies of his childhood:
Have you ever been to Utah? It’s a beautiful land. The sun sets over the Great Salt Lake and Antelope Island…
And so, the audience journeys with Joel—not only through his words but also through his movements—across an arid yet majestic landscape, where nature itself becomes a protagonist. The mountains, the rivers, the living room at home: each image evokes the complexity of a youth marked by both physical and inner boundaries, where happiness and pain coexist.
Every movement of the performer transforms the stage into a coming-of-age novel. The transition from childhood to adulthood unfolds through a stream of memories and images, reaching peaks of intensity when the songs bring back painful recollections of a lost brother, the accident, abandonment, and the rejection of a father who was a war veteran.
Finally, the desire to be understood and accepted becomes palpable in the song I’ll Take You Home:
I’d like to take you out and bring you to my home. Show you how I live and feel a little embarrassed. So you can really see what time has made of me.
These words, repeated to his mother almost like a mantra, serve as an invitation to those watching the performance to look beyond the surface, to embrace both the fragility and strength of someone who has lived and transformed their scars into stories worth telling.
The scene unfolds in a living room, where the dancer moves, surrounded by spectators who, like familial ghosts, inhabit and immerse themselves in the space. Here, every glance and gesture evoke the presence of a past coming alive. Joel traverses the stage as if drawing, with his body, the spatial and emotional geographies of his childhood:
“Have you been to Utah? It’s a beautiful land
The sun sets over the Great Salt Lake and Antelope Island…”
In this way, the audience follows Joe—through both his movements and words—across a vast, majestic, and arid landscape, where nature takes center stage. The mountains, the rivers, the living room of home: each image evokes the complexity of a youth marked by both physical and internal boundaries, where joy and pain coexist.
Every shift in the performer transforms the stage into a bildungsroman. The transition from childhood to adulthood unfolds in a flow of memories and images, reaching peaks of intensity when the songs bring forth bittersweet recollections of a lost brother, an accident, abandonment, and the rejection by a war veteran father.
Finally, the yearning to be understood and accepted becomes palpable in the piece Ti porto a casa mia:
“I’d like to take you out and bring you to my home.
To show you how I live and to be a little embarrassed.
So you can truly see what time has done to me.”
These words, repeated almost as a mantra, extend an invitation to the audience to look beyond the surface—to embrace both the fragility and the strength of someone who has transformed their scars into stories worth telling.
Every element of this dramaturgy—from the choreography that marks the passage of memories, to the narration that evokes places and moments in life, and to the songs that paint intimate and poignant pictures—combines to create an emotional mosaic where past and present blend into a single, intense experience. In this space, the rite unfolds as a process of remembrance and personal evolution, an invitation to reflect on the passage of time and the transformation of oneself.
