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[felipcastillo]

[andreaocampo]

Los caminos de la luz Sobre “Pixel” de Nicolás Manning en Campus Creativo UNAB, mayo 2017

“Pixel” de Nicolás Manning continúa la senda planeada e intuida desde el “El eterno brillo de los diamantes” (Galería Concreta, 2009) pero avanza a pasos agigantados la trayectoria propia del artista. Hoy Manning es capaz de verse a sí mismo y pensar sus etapas, algo que comenzó a gestarse en la instalación “Testigo” (Galería Tactile, 2015) y que se planteó como tal en “Mitos” (Galería Animal, 2016). En este mural Nicolás sabe que “Kodak” (Sin título, Matucana 100, 2010) puede ser obra, pero también trama. La descomposición geométrica en technicolor aparece referenciando el quiebre con la técnica y sus edades, y se apropia de una poética que hoy puede ser utilizada como un recurso más. Manning es Kodak, pero también es esos colores. Nicolás no es muralista, sin embargo, trabaja murales.

Los colores explosionan al costado izquierdo, emergen desestructurados, siguiendo el pulso del ensayo y el borrador, un flujo eléctrico que encalla en la trama Kodak. Referencia ochentera que aparece como negativo de la misma trama, en blanco y negro, como la televisión de los ochenta, como el cine mudo. La trama superpuesta a una esfera de luz se asoma a la vez que otra se cuela desde un pasaje, desde una hendidura. Apertura por medio del mural que nos indica que estamos frente a cuatro planos, cuatro dimensiones de una geometría desgranada y technicolor que estalla desde su estructura orgánica y se torna totalmente irregular. Sin importar el avance del tiempo, la época del autor o las definiciones. Sin pose, sin posicionamiento. Sin un solo eje avanza. No nace dispuesto para el veedor, sino que para aquel que es llamado en sus múltiples perspectivas, de distintos modos. Para aquel que percibe.

Desestructurado, obtiene formas y sus sombras al descubrir un pasadizo secreto, que abre a la vez que oculta el umbral de sus tramas, las que lo cubren y remarcan en diagonal. Hendidura primera, nunca terciaria en esta composición. La misma se abalanza al futuro en la inclusión de abanicos que recuerdan, ya no el pasado Kodak, sino que el pasado Konica. Ambas marcas fotográficas, en el lenguaje de Manning, implican asuntos distintos. Mientras Kodak es el recuerdo infantil de la corrección del color, de la racionalización de las formas, “de aquellos momentos” llamados para ser editados y capturados, Konica es esfera abierta, colores fugados que no proyectan el negro. Es el diamante expuesto al haz de luz del año 2009 que ya no proyecta el negro, sino que solo el arcoiris emotivo; la sensación que escapa de aquella infancia sorpresiva en el reencuentro intuitivo, impensado, con los objetos y sus leyes físicas. Mientras Kodak recuerda, Konica revive algo.

Pero detengámonos en aquello que soporta la composición. Aquella noticia y enigma contenida en las esferas de luz. Pareciera que traen algo que estalla, una velocidad, una fuerza quizás eléctrica -como sugiere el autor- que se manifiesta en los colores o en cómo la luz se expande sobre este mural. Decimos que una luz se expande, porque vemos su movimiento. Como si aquella hendidura donde emergen las esferas demarcaran una distancia que afecta la intensidad de la luz: desde la oscuridad a la claridad, frecuencias de un efecto que implica movimiento y trayectoria. Más bien digamos trayectorias. Nada en la obra de Manning ha permanecido quieto y ha proliferado.

Asistimos entonces a un mural que pareciera jugar con al menos dos luces e intensidades, como si una pudiese penetrar en nuestro cuerpo, en la materia y otra fuera aún superficial. Dos vibraciones. Una, como los rayos equis, se expone ante una mano y la atraviesa, conectándonos con el umbral de nuestros restos. Nos atraviesa la carne, nos vuelve ánima, nos vuelve transparentes. Por otro lado, la luz superficial consigue llegar a la superficie -exhibiéndonos- sin abrir el enigma del soporte, evidenciando lo opaco de nuestra carne y, por tanto, los límites de la percepción en el mundo de los vivos.

Las tramas, las épocas y la generación ochentera a la que apela Manning no se detiene en los enclaves socio-políticos de la dictadura y post-dictadura chilena, más bien utiliza la estéticas y sus colores para hinchar y desfondar cuanto haya en ella, cuanto pueda ser consumido por ella. Hace de la ideología implantada en Chile un recurso. El capitalismo salvaje, en ese sentido, no solo modifica sino que crea recuerdos, clausura dimensiones y sobreactúa una infancia recreada hasta el cansancio en producciones culturales de hoy como “Stranger Things” (Netflix, 2017).

Pero debajo de ello, en una dimensión cuasi secreta emerge la geometría de las esferas o los caminos de la luz. El haz de luz -el rayo- se sucede constante y discurre por una trayectoria más o menos lineal. El rayo equis que nos traspasa puede ser también un rayo láser cuya luz es probablemente direccional. La luz, aquella que nos muestra este estallido de colores, está formada por infinidad de rayos que se propagan y transmiten en todas direcciones. Manning lo que hace entonces, es superponerse, hacer de sí un collage, reagrupar la técnica y utilizarla para quizá aislar una trayectoria y conseguir que el luz se extienda como línea recta. Como hendidura, como quiebre luminoso sobre una superficie opaca: este mural.

Tal como en física, cuando un foco emisor es estable, el rayo de luz lo será. En nuestro caso, Manning ha estabilizado sus tramas, sus píxeles arman y desarman la pantalla del televisor donde él ve sus recuerdos. El recuerdo vibra en la misma frecuencia, luego, al pintarse y codificarse se vuelve estable, coherente. Aparece entonces la luz rectilínea y de un solo color que abre el pasaje a una dimensión cuarta. A una dimensión donde los muertos, cohabitan con marcianos, Madonna, E.T, Charly García. Lo que sea. Lo que allí ocurre es el germen del recuerdo, es la proliferación invariable y constante de imagen.

Sólo Manning puede ve esos los cuerpos. El movimiento en el arte geométrico y conceptual del autor es posible mediante la multidimensionalidad y direcciones que las esferas opacas hoy nos han indicado. Este andamiaje material posee un origen, proviene de una cavidad que no es sola, sino que avanza buscando otras, como deseo de proyección pero también de refracción y por tanto variabilidad de la imagen. Deseamos aquello que nos completa. Luz sin superficie no es luz. Superficie sin luz es opacidad, es mutismo, anonimato de la carne y supertichería de una geometría esférica. Las esferas de Manning se hinchan, como una estrella, como una burbuja, como una luz que emana una bombilla.

El avance de una obra y sus trayectorias implican la ficcionalización y mitificación. O como dice Nicolás “Cuando nos miramos al espejo, observamos una ficción”. Por tanto, también para el autor acceder a sus tramas implica una clausura de la superficie. El espacio se cierra y solo los colores definen los fragmentos que se superponen, contrarian y encandilan la investigación. Si en “Mitos” el imaginario de Manning avanzaba sobre cada fragmento presente en el recuerdo y tal recuerdo era nublado por la representación, en “Pixel” el fragmento vuelto trama se presta para la reproductibilidad pues se ha descubierto un camino anterior: el de la luz. Pronto, siendo la trama un producto y/o mera recursividad, el arte geométrico Manning puede dialogar con la Historia del Arte, ya sea como con el constructivismo ruso, Yayoi Kusama (Japón, 1929) o con la misma obra de Arthur Segal (Rumania, 1875) que también utilizó módulos cuadrados y colores primarios, haciendo de sus recursos la posibilidad de rememorar rostros, paisajes y universos que se expanden como la luz.

Luz escupida desde las entrañas de este muro que se expande hasta el infinito a una velocidad indecible, quizá enorme, enlazando dimensiones, enlazando campos eléctricos. Luz que indica, no obstante, que no necesitará de la materia para mantenerse viva. Busca la materia, a pesar que solo necesita espacio para expandirse. Este es el camino solitario para los recuerdos que se evocan en el espacio sin importar las superficies, sin importar formas. Lo que estalla en estos colores rebota y anuncian una trayectoria nueva llamada Konica: la fuerza centrífuga de los colores. Una reformulación de la memoria desde un pulso inacabado pero contínuo que acusa a la trama anterior. “Kodak tiene los colores de Alemania… incluso podrían ser una svástica” sentencia Nicolás Manning, pues en el corazón del horror y la violencia del mundo se encriptan en nuestros recuerdos infantiles. En los momentos Kodak nuestro cuerpo no fue más que soporte iconográfico, material muerto. Un tropel de cuerpos que ya no viven. Que ya no somos. 

[andreaocampo]

Testigo (Instalación)

El brillo de la espera

Noviembre 2015 en Galería Tactile, Santiago de Chile

Nicolás Manning es testigo. Testigo de algo que está por ocurrir o que tal vez ya ocurrió, pero que, sin embargo, atisba a incorporarse. Entre la confusión y la luz, el pop y el new age, la avanzada y el sopor vintage, el carácter de su obra reside en equidistar no solo de cierta sobriedad estética, sino que también de lo que comprendemos como espera, al poner en tensión el status del tiempo y su representación.

¿Es que acaso vuelve aquello que ya se ha ido? ¿Cómo regresaría si es que acaso regresase? O bien ¿cómo acceder a aquello que ha emprendido vuelo, sin emprender vuelo uno mismo? Pensar ese tiempo implica una pérdida fulminante, un agujero, un hoyo negro que opera como una fuerza capaz de centrifugar las imágenes hasta volverlas caleidoscopio. Eso fugado pone al límite nuestro pensamiento y, al mismo tiempo, nuestras percepciones. Por lo que, queriéndolo y no, Nicolás imprime sobre nuestro cuerpo, ropa y ojos, la sospecha de algo que al arribar se desintegra o bien, aparece evaporándose.

Así el pop de Manning se vuelve un pop paranormal. Responde a aquello residual que cuenta con un tiempo paralelo, fugándose del status quo y de la incontinencia discursiva del sentido común. Su obra interroga sobre cómo la cultura pop es destinada a sus remanentes, exhibiéndonos el resto resistente al consumo en el instante en que éste se torna memoria. Memoria infantil, memoria technicolor y/o memoria animada que urde la narrativa e identidad de un sujeto confiado en ser vestigio de sí, pero también reminiscencia de otro. De pronto, la abstracción de las formas, el brillo de sus colores y el vigor sólido de sus trazos componen un modo de rebeldía voyeur, donde el atestiguar aquello que escapa y se pierde en la espera (de sí), acude a nuestro encuentro como un extraño fulgor.

Andrea Ocampo Cea

[andreaocampo]

“Mitos” de Nicolás Manning

Agosto 2016, Galería ANIMAL.

Los años no han pasado en vano. Desde el mural “El eterno brillo de los diamantes” (Galería Concreta, 2009) hasta el día de hoy, la investigación y narrativa de Nicolás Manning ha corroído y desfondado sus cimientos. Ya sin afán mimético, vuelve sobre su trayectoria al poner en suspenso asuntos fundamentales como el color y la técnica. Desde un universo donde vibran los colores Kodak, vemos que se suspenden las líneas, se distiende la recta geométrica y se ingresa a cierta descomposición geométrica a technicolor. Asistimos a un repliegue narrativo, visual y biográfico.

Narrativo pues, desde el momento en que se retoman hitos visuales, que son también temporalidades y velocidades de la luz, se constituye cierta ensoñación de los colores sólidos sobre el muro. Lo que pareciese ser algo, parece –al mismo tiempo- no serlo. Cuando los colores están en la niebla, es la técnica la que alumbra. Y, en ese punto, el giro narrativo se torna visual. Contamos con un nuevo eje: un doblez de la mano y de la geometría atienden el espacio donde la técnica pregunta sobre el estatuto de la técnica y por tanto, de la obra.

“Kodak” (Sin título, Matucana 100, 2010) vuelve hoy a presentarse, sin embargo, vuelve trastocado, revuelto, alterado. Mas ¿Cómo volver al prisma, al recuerdo, al corazón, sin empantanarse en las apariencias? ¿Cómo dar un paso más allá de uno mismo sin perderse, sin olvidarse de sí? Lo que de algún modo también equivale a preguntar ¿Cómo ser fiel a los recursos del arte y, sin embargo, ponerlos en tensión?

Manning resuelve por los vasos comunicantes y epocales en su pintura, en el legítimo intento de encontrar a un artista original, al que ya no está, al que se perdió, al que se quedó al otro lado del limbo, al otro lado de una cordillera. Ahí está el giro, el nudo de “Mitos”. Ahora sabemos que estamos al otro lado de la representación de sí, acusando algo que perdemos al recordar. Perdemos la noción del tiempo, perdemos la certeza de los hechos y nos queda un discurso, una ficción. Entre los recuerdos y los nombres, nos desconocemos. Prolifera entonces, una mitología plástica que reúne y trama aquello que desconocemos y que, no obstante, resulta tan familiar.

“Mitos” expone el programa de investigación pictórica de Nicolás Manning, el avance, derivaciones y secretos índices narrativos de su obra. Programa contagiado por la iconografía pop, crisis de poderes y galaxias personales que, en el frenesí del color, nos muestran cuán inabarcable y fértil son las matemáticas de los colores primarios. Pero toda hazaña conlleva un riesgo. En este caso, el riesgo es el desfondamiento del discurso visual. Pues, una vez que lo visual autosatisface las deudas con su propia historia, es el plano narrativo y biográfico el que avanza con colores como palabras. Al desfondarse lo uno, prolifera lo otro. Al borrar y sobreponer un color sobre otro, Nicolás habla de sí.

Este mural fue borrado tres veces. Y su borradura es parte del ejercicio. Porque ¿Cuál es el primer mural? ¿Cuántos murales secretos hay bajo este mural? ¿Cuántas historias hay bajo la que hoy se cuenta? ¿Cuál es el original, cual es la copia? ¿No es acaso este mural el eco de otro anterior? Este mural se desoculta como una divinidad que afloja sus ropajes para encarnar cualidades o formas humanas, familiares y/o reconocibles. Una divinidad que como línea acelerada se estrella en un espacio blanco, presto y resistente a cargar con una representación.

Como en la Caverna de Platón, cuando el hombre descubre su conocimiento fundado en sombras; o cuando Narciso se enamora de sí mismo mediante y por su reflejo; o como el ser andrógino de Aristófanes se halla escindido de sí e inicia la búsqueda de algo que pudiese ser la satisfacción y clausura del deseo. En esta triada de mitos se busca aquello que se carece, la mirada se hunde en el anhelo y en la fricción del pop. Se busca con vértigo y ansiedad pop: la luz ciega los recuerdos, los testimonios de vida se pierden en la ficción y nacen los mitos. ¿Acaso toda biografía es ficción? ¿Acaso los colores de esa pared son sólo una fantasía de color?

En ese sentido “Mitos” es el ejercicio de ficcionalización / mitificación de una obra; es avance y retroceso, a un mismo tiempo. Es una reflexión que utiliza la fuerza centrífuga de los colores y el choque entre cierta geometría orgánica y otra recta, para definir los fragmentos que se contrarían, se superponen y encandilan la investigación. “Mitos” avanza en un imaginario donde cada fragmento presente encubre un recuerdo y cada recuerdo va siendo nublado por la representación. Así, una mitología personal se despliega y atraviesa el espacio, propaga su coloración, aborda un relato repentino que emerge en la dificultad de su cita y traducción. Emerge y nos pregunta si acaso lo que estamos viendo nos recuerda algo. Otra cosa. De esas cosas que hacíamos cuando éramos chicos.

Andrea Ocampo Cea Escritora y dj. @andreiii

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el eterno brillo de los diamantes. pinturas de gran formato de nico manning.