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Guilherme Arantes | Nas Zonas Crepusculares

Revalorizado pela nova geração, o compositor comenta os “bastidores literários” de alguns de seus clássicos e revela sua predileção por autores que transgridem o pensamento racional por Omar Godoy

Depois de carregar por muito tempo a pecha de “pop romântico”, Guilherme Arantes agora vê sua trajetória ser revalorizada por uma nova geração de críticos e ouvintes. Um processo que começou na década passada, com a onda de reedições de discos importantes da música popular brasileira, e culminou no lançamento do elogiado Condição humana (2013), seu primeiro trabalho de inéditas em seis anos. Marcado pela retomada de sua sonoridade “clássica” — desenvolvida na virada da década de 1970 para 1980 —, o álbum independente também mostrou o artista afiado em um terreno nem sempre reconhecido de sua obra: o do texto.

Suas letras são simples, diretas e, acima de tudo, sinceras. Poucos compositores têm coragem de expor sentimentos dessa forma, sem o menor pingo de cinismo. Mas o que muita gente não sabe é que alguns dos maiores sucessos de Arantes, hoje com 63 aos, sofreram algum tipo de influência da literatura. A começar pelo quase-hino “Amanhã”, gravada no LP Ronda noturna, de 1977. “Esse negócio de 'Amanhã será um lindo dia / Da mais louca alegria que se possa imaginar' é puro Maiakovski”, revela o músico.

Sim, o russo Vladimir Maiakovski (1893 — 1940), considerado um dos maiores poetas do século XX, é uma espécie de padrinho da canção, escrita quando Guilherme Arantes ainda cursava Arquitetura na Universidade de São Paulo (USP). “Eu estava lendo, e adorando, uma coletânea crítica de traduções do Boris Schnaiderman [pioneiro em verter o russo para o português] quando tive a inspiração para a música. O termo que eu uso para falar do Maiakovski é 'fulguração poética'. Uma forma nobre de poesia, repleta de arroubos exclamativos”, diz.

Outro case literário de sua discografia é “Xixi nas estrelas”, parceria dele com o poeta curitibano Paulo Leminski. Produzida de encomenda para o especial de tevê Pirlimpimpim 2 (1984), da Rede Globo, a música acabou transcendendo o universo infantil. “Era para ser uma canção sobre São Jorge na Lua, mas fala de algo inimaginável até então: a poluição, real e moral, do espaço sideral. Só Leminski mesmo!”, diverte-se o cantor, que dois anos antes emplacou “Lindo balão azul” na primeira edição do programa, dedicado à obra de Monteiro Lobato.

“A ideia de uma continuação do especial de 1982 tinha embutida uma armadilha de diluição comercial. Então chamei o Leminski para a gente fazer um exercício de criação poética, que fosse uma obra de arte e desse prazer criativo, com total liberdade para os delírios leminskianos”, lembra. Em um vídeo disponível no YouTube, o poeta aparece em uma reportagem de telejornal, assistindo ao clipe da faixa pela primeira vez e revelando que a colaboração com o cantor se desenvolveu por telefone, durante cerca de 20 dias. “Aquilo ali é a verdadeira vida. Aqui fora é o vídeo”, diz para o repórter, apontando a televisão.

A vitalidade poética e filosófica de Jorge Mautner, de quem Guilherme Arantes foi músico de apoio no início da carreira, também marcou sua formação como letrista. Especialmente o livro Narciso em tarde cinza (1965), última parte da chamada Trilogia do Kaos — composta ainda por Deus da chuva e da morte (1962) e Kaos (1963). “Mautner sempre foi muito presente, enigmático e extremamente imaginativo”, diz o cantor, que ainda presta contas aos “quatro grandes” (Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque e Milton Nascimento) e ao “maldito” Taiguara. “Meu maior ídolo na juventude foi o Taiguara. Um ídolo completo, em poesia, música e vida.”

A verdade é que o cantor já chegou no mundo artístico com um repertório sólido. Filho de uma bibliotecária que também atuava como tradutora, Arantes cresceu com incentivo total à leitura. “Lia muito Monteiro Lobato. Não só os infantis, mas também a literatura adulta dele. Li tudo do Machado de Assis. Julio Verne sempre foi um dos meus preferidos”, lembra. Mas os primeiros autores que realmente mexeram com o autor de “Deixa chover” foram Franz Kafka e Herman Hesse. “Aí já foram livros que eu mesmo comprei. A metamorfose e O processo, do Kafka, e Sidarta e Demian, do Hesse, foram obras que resolveram um universo particular, obscuro.”

Segundo o músico, seus escritores preferidos “mexem com visões transgressoras do mundo racional”. E exemplifica citando nomes como Aldoux Huxley, Jorge Luis Borges, Anthony Burgess, Louis Pauwels e Jacques Belgier. Mesmo depois de ler títulos de não-ficção, como fez recentemente com Deus é um delírio [best-seller internacional do biólogo e ateu militante Richard Dwakins], ele retorna aos autores de sua “base”. “A retórica da razão do Dawkins é avassaladora, mas não conseguiu extirpar de mim 'um algo mais'. É aí que entra o tal do universo mágico, onde a arte e a minha linhagem literária predominam. As zonas crepusculares é que me interessam”, afirma.

Com 40 anos de carreira solo recém-completados, Guilherme Arantes lança até o final deste ano uma caixa de CDs com todos os seus álbuns e um documentário em vídeo sobre sua trajetória. Uma biografia em livro, no entanto, está descartada. Tampouco uma autobiografia. “O foco principal são as músicas, as letras, não a vida pessoal. Isso eu deixo para os biógrafos fazerem a festa”, afirma, referindo-se a possíveis autores “não-autorizados”.

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Alexandre Nero | Formação Na Marra

“Educado pela televisão”, o ator e músico conta como desenvolveu, tardiamente, seu gosto pelos livros por Omar Godoy

Em quase quatro anos de “Perfil do Leitor”, Alexandre Nero é o primeiro entrevistado que afirma ter lido Paulo Coelho. “Também é a primeira vez que eu tenho coragem de contar isso pra alguém”, brinca o ator e músico de 45 anos, que leu O diário de um mago na adolescência. “Até então, eu só lia as coisas obrigatórias da escola, e achava tudo meio chato. Com esse livro foi diferente, eu tinha vontade de voltar para casa e terminar de ler”, explica. 

“Educado pela televisão”, como ele mesmo diz, Nero não cresceu num ambiente culturalmente inspirador. “Na minha casa, a leitura não era vista como uma coisa prazerosa. Na verdade, não se consumia nada muito sofisticado em termos de cinema, teatro, literatura”, lembra. A linguagem acessível de Coelho, portanto, serviu como elemento facilitador — além da temática “libertária”.

“O que me atraía no Paulo Coelho não era a magia, o mistério. Era aquele discurso utópico que sempre atrai o jovem, com frases feitas, otimistas. Tanto que, logo em seguida, me interessei pela obra do Roberto Freire”, conta, referindo-se ao escritor e psiquiatra, autor do best-seller Sem tesão não há solução e criador da somaterapia (técnica de fundo anarquista e baseada na teoria reichiana).

Curitibano criado em São Paulo, Alexandre Nero voltou à capital paranaense aos 17 anos, depois de largar a faculdade de Administração. Virou “músico da noite” para pagar as contas e acabou fazendo amizade também com gente de teatro. “Foi então que se abriu um universo novo para mim. Mas aí eu precisei buscar uma formação cultural ‘na marra’, na ‘unha’. Morava quase do lado da Biblioteca Pública do Paraná e ia lá praticamente todos os dias. Foi minha sala de aula”, afirma. 

Dessa fase, em que já fazia curso de ator, ele lembra de emprestar todos os livros de Luis Fernando Verissimo. “O Verissimo é outro cara que me atraiu pela facilidade do texto. Mas também pelo bom humor, uma das características que eu gosto em literatura. A outra é a sujeira, me interesso por quem mostra um lado mais sacana, sombrio da vida”, diz Nero, que credita ao teatro boa parte de seu repertório literário. “Através das pesquisas para fazer peças, entrei em contato com a obra de vários autores, como Julio Cortázar, Millôr Fernandes, Dalton Trevisan.”  

Outra fonte de referências foi a convivência com os integrantes do Fato, grupo curitibano de MPB conhecido por resgatar e incorporar elementos regionais paranaenses. “Os caras são eruditos, quase todos atuam como professores na universidade. As conversas entre eles rolam num nível altíssimo, e eu ficava tentando guardar todos os nomes citados para pesquisar depois. Foi assim com Nietzsche, Freud, Jung, etc. E com os escritores locais, que são mais importantes, na minha vida, que Drummond e Machado”, revela o artista, que fez parte do Fato entre 1997 e 2007. 

Seu “cânone” de curitibanos inclui Paulo Leminski (“Já tive fixação por ele, adoro os jogos de palavras”), Manoel Carlos Karam (“Me identifico com a maluquice”), Dalton Trevisan (“Pela sujeira”) e Cristovão Tezza (“Tem muita sensibilidade”). Mas ele também cita Ricardo Corona, Luiz Felipe Leprevost, Alexandre França e Marcelo Sandmann, entre vários outros. “A grande maioria dos livros da minha coleção é de autores da cidade ou nacionais. A única exceção é o Woody Allen, compro tudo dele que sai no Brasil”, conta. Já gravando sua próxima novela (A Regra do Jogo, com estreia marcada para agosto), o ator se ressente de não poder ler mais. “São quase quatro anos sem férias, emendando um trabalho no outro e gravando todos os dias, o dia inteiro. Mas ainda consigo ler algumas coisas na base da porrada. No momento, estou interessado em livros de quadrinistas. Tem quatro separados aqui na minha estante: André Dahmer, Bruno Maron, Ricardo Coimbra e Arnaldo Branco.”

A carreira musical também está em pausa por causa das novelas sucessivas. Tanto que seu próximo projeto na área está previstos apenas para 2016: um disco só com músicas para crianças — “Agora tenho um álibi para isso”, brinca Nero, que será pai em breve. Há, ainda, a possibilidade de Nero lançar seu primeiro livro de poesia, que reuniria letras de música, anotações pessoais e textos publicados na internet. “Ainda não saiu por falta de tempo, porque medo de ser julgado eu não tenho mais. Graças ao Leminksi, entendi que poeta é quem se considera poeta. Por que você pode dizer que é ator, que é músico, mas não pode dizer que é poeta? O Leminski é genial porque nos deu essa libertação, ajudou a tirar a poesia desse pedestal inatingível”, afirma.

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Aly Muritiba | Profanar não é problema

Revelação do cinema nacional, o diretor acompanha a produção literária contemporânea e prepara adaptações para livros de Daniel Galera, Lourenço Mutarelli e Raphael Montes por Omar Godoy

A história do cinema no Brasil passa, obrigatoriamente, pelos livros. De Vidas secas (1963) a Cidade de Deus (2002), de Dona Flor e seus dois maridos (1976) a Carandiru (2003), boa parte dos filmes nacionais mais populares de todos os tempos é baseada em obras literárias. Essa tradição inclusive já foi assunto de uma reportagem do Cândido (edição 14, publicada em setembro de 2012) em que realizadores, críticos e pesquisadores discutiram a importância da literatura para o audiovisual brasileiro e destacaram as melhores adaptações já produzidas. Revelação recente do cinema nacional, o baiano Aly Muritiba, de 37 anos, está prestes a engrossar a lista dos diretores que recorreram aos livros para se inspirar. Depois de chamar a atenção com filmes como o curta-metragem A fábrica (pré-indicado ao Oscar de 2013) e o longa Para minha amada morta (premiado nos festivais de Montreal e Brasília), ele atualmente trabalha em nada menos do que três adaptações literárias: Barba ensopada de sangue (Daniel Galera), Jesus Kid (Lourenço Mutarelli) e O vilarejo (Raphael Montes) — neste último apenas como roteirista. “Essa tradição de adaptar livros é muita antiga e precede a invenção do roteiro como conhecemos hoje. Muitos autores de peças e romances escreveram os primeiros filmes da História. É um fenômeno que advém do fato de que o cinema 'tradicional', aquele narrativo, que conta uma história, nasceu nos rastros da literatura, arte que precede o cinema em milênios”, afirma o cidadão de Mairi, no sertão baiano, mas radicado em Curitiba desde 2005. Com cerca de 15 mil habitantes, a cidade sequer tinha cinema quando Muritiba saiu de lá, aos 17 anos. A única forma de “viajar no tempo e no espaço”, como ele diz, era lendo os poucos livros a que tinha acesso. “Não havia algo que se assemelhasse a uma biblioteca na minha casa. Sou filho de proletários não muito letrados, então a prioridade era o trabalho”, conta. Sua avó, no entanto, tinha alguns clássicos brasileiros mal conservados e uma enciclopédia Barsa — o suficiente para fazer o garoto decolar. “Eu era encantado com as gravuras de dinossauros nos volumes da enciclopédia, por isso comecei a lê-los.” O diretor cita O Guarani (José de Alencar) e Macunaíma (Mário de Andrade) como obras marcantes em sua primeira fase como leitor. Mas o primeiro livro que realmente o emocionou foi Vidas secas, de Graciliano Ramos. “Me fez chorar, me fez querer ter uma cadela para chamar de Baleia, me fez sentir orgulho de ser sertanejo... E me fez ter pena do papagaio da minha avó”, brinca, fazendo referência a uma passagem, digamos, gastronômica, do romance publicado em 1938. Na adolescência, enquanto tocava em uma banda de rock e devorava todos os lançamentos de Paulo Coelho, descobriu um livro crucial para sua trajetória: O queijo e os vermes — O cotidiano de um moleiro perseguido pela Inquisição. Escrita em 1976 pelo historiador italiano Carlo Ginzburg, a obra mostra a perseguição sofrida por um camponês considerado herege pela Igreja Católica no século XVI. É considerada um dos pilares da escola conhecida como “micro-história”, baseada na análise de elementos do passado a partir de uma escala mais reduzida (como, por exemplo, relatos de personagens anônimos). “Esse livro mudou a minha vida, no sentido de me empurrar depois para o estudo de humanas. Tornei-me historiador por causa dele”, revela Muritiba, formado na Universidade de São Paulo (USP) e admirador dos estudos do britânico Eric Hobsbawn (autor da quadrilogia formada por A era das revoluções, A era do capital, A era dos impérios e A era do extremos). “Para mim, esses livros são essenciais para entender a história contemporânea do Ocidente. Até hoje volto a eles”, conta o cineasta, que, além de professor, já foi atendente de farmácia, bilheteiro do metrô de São Paulo, bombeiro e agente penitenciário. Atualmente, Muritiba acompanha a chamada “literatura brasileira contemporânea”, especialmente a produzida por autores jovens. Seus prediletos são Joca Reiners Terron (“Ele encontra beleza e poesia no cotidiano) e os já citados Raphael Montes (“A literatura dele tem crueldade e concisão”) e Daniel Galera (“Pela qualidade dos diálogos e profundidade dos personagens). Voltamos, então, ao assunto das adaptações para o cinema. “É uma tarefa árida, pois é preciso entender os limites e potências de cada mídia. Ao mesmo tempo, é desafiador tentar encontrar o meu ponto de vista, minha autoria, a partir de algo já posto. Parto do princípio de que o autor do livro é o outro, o do roteiro sou eu. Portanto, profanar não deve ser um problema”, diz o cineasta, que cita Abril despeçado (de Walter Salles, inspirado no romance homônimo de Ismail Kadaré) como sua adaptação nacional preferida. Sobre a versão de Barba ensopada de sangue, um dos romances mais comentados dos últimos anos, Aly Muritiba só adianta que o filme já tem orçamento garantido e começa a sair do papel no primeiro semestre de 2017 (o lançamento está previsto apenas para 2018). Enquanto isso, ele segue para o Uruguai, onde fica até final deste ano envolvido com a série O hipnotizador, produção da HBO com episódios assinados por diretores latino-americanos. Coincidência ou não, o projeto também é uma adaptação — mas, desta vez, de uma história em quadrinhos.

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Carlos Lopes | Metal Conceitual

O líder da lendária banda Dorsal Atlântica revela o repertório literário por trás de suas “óperas thrash” por Omar Godoy

Para a comunidade do rock, ele sempre será o “Vândalo”. O Carlos “Vândalo” Lopes da Dorsal Atlântica, lendária formação carioca que é sinônimo de pioneirismo — em vários sentidos. Fundada em 1981, foi uma das primeiras bandas nacionais a se assumir como heavy metal (e a lançar um “álbum cheio” do gênero). Também abriu as portas do mercado internacional para outros grupos pesados do país, inclusive o Sepultura. E o mais importante: gravou discos conceituais que passam longe da temática fantástica ou demoníaca comum ao estilo. Em registros como Searching for the light (1989), Musical guide from stellium (1992) e Imperium (2014), a Dorsal — como o trio é chamado pelos fãs — usa a urgência metálica a favor de narrativas sobre o Brasil. Fatos históricos, corrupção na política, Carnaval, injustiças sociais e violência urbana são alguns dos assuntos abordados nas chamadas “óperas thrash” do grupo. “Desenvolvi esse conceito para criar uma linguagem de rock pesado que retomasse a linha evolutiva de óperasrock como Tommy e Quadrophenia, do The Who. Mas tudo dentro da realidade brasileira”, explica o artista de 53 anos, que também tocou nos projetos Usina Le Blond e Mustang. Além de músico, Carlos Lopes é produtor, jornalista, escritor, quadrinista e estudioso das áreas de História, filosofia e parapsicologia. Isso explica a complexidade do repertório da banda, que acaba de lançar um DVD duplo, com direito a um documentário incluso, para comemorar os 35 anos de atividade. “Sofribullying no colégio e me dividi entre me achar o ‘estranho’ ou ‘melhor do que os colegas que praticavambullying’. Esse entendimento me levou a outras escolhas, como cinema de arte, política, quadrinhos e rock and roll. Isso foi me afastando da maioria dos colegas”, diz. A literatura também fez parte desse pacote de escolhas. Lopes conta que os pais não tinham o hábito da leitura, mas nunca deixavam de comprar um livro, se ele pedisse. “Li toda a série do Sítio do Pica-pau Amarelo, do Monteiro Lobato, comprada de um vendedor daqueles que batiam na porta de casa. Também lembro de pedir para um tio, e ganhar, três volumes da enciclopédia Tesouro da juventude, em que conheci o Barão de Münchhausen [personagem do escritor Rudolf Erich Raspe cujas aventuras exageradas foram baseadas em relatos de um militar e nobre alemão].” Ainda na infância, envolveu-se, como quase toda criança dos anos 1970, com os livros da coleção Vagalume, da editora Ática. Especialmente O escaravelho do Diabo, de Lúcia Machado de Almeida, eMenino de asas, de Homero Homem — de quem foi vizinho de prédio. “Ele, por acaso, morava no andar embaixo do meu. Uma vez, candidatou-se a um cargo político em uma eleição e colocava as caixas de som na janela, tocando o jingle da campanha bem alto. Não era mole, não...”, diverte- se o artista, que ainda cita a série em fascículos Grandes personagens da nossa História como parte fundamental de sua formação. Um pouco mais velho, passou a se interessar por Machado de Assis. Lopes conta que odiava o autor deMemórias póstumas de Brás Cubas na época do colégio, quando era obrigado a ler seus livros. Só compreendeu sua grandeza anos depois, e hoje o considera seu escritor favorito. Herman Hesse, do clássico o Lobo da estepe, é outro nome marcante em suas leituras. “Li na extinta revista de música Bizz que o Renato Russo, meu contemporâneo, também havia começado com o Hesse. Mas passou a ter um certo desprezo por ele depois de ter lido uma ‘literatura melhor’. Acho isso bobagem, uma coisa não exclui a outra”, afirma. No início dos anos 1980, já na faculdade de Jornalismo, o músico mergulhou em obras “de esquerda”, como As veias abertas da América Latina (Eduardo Galeano) e Para ler o Pato Donald: Comunicação de massa e colonialismo (Ariel Dorfman e Armand Mattelart). Segundo ele, foram “os livros certos para a época certa” — no caso, o final do regime militar do Brasil, que coincidiu com a criação da Dorsal Atlântica. Não à toa, Lopes é um dos primeiros entrevistados do conhecido documentário canadenseGlobal Metal (2008), sobre a popularização da música pesada em países periféricos. Seu depoimento trata justamente da relação entre a ditadura e o surgimento do heavy metal no país. “Vi o Brasil ser modernizado com TV em cores, rádio FM, iogurte, frango desossado, leite longa vida... No entanto, nada mudou para melhor. Até já tentei desistir do formato de ‘ópera thrash’. Mas não dá, porque o país não progride desde a Guerra do Paraguai”, provoca. O próximo disco da banda, ele avisa, vai traçar paralelos entre o fim do período imperial, em 1889, e o impeachment da presidente Dilma Rousseff (processo que o artista classifica como “golpe de estado”). Enquanto compõe para o décimo álbum de estúdio da Dorsal, Carlos Lopes prepara o lançamento de um livro de quadrinhos com a história banda. Mas a graphic novel, produzida com recursos de uma campanha de financiamento coletivo pela internet, não será sua primeira incursão no mercado editorial. Além de trabalhar como subeditor da revista Rock Press no fim dos anos 1990, ele publicou os livros Guerrilha!(biografia oficial do grupo), Mágica vida mágica (relato de suas experiências com fenômenos parapsicológicos) e O Segredo J (ficção produzida a partir de um estudo sobre política e teorias conspiratórias). Sua “gaveta” ainda tem três romances inéditos, além de contos que costuma inscrever em concursos literários. Ou seja: não inclua Lopes no rol dos músicos brasileiros que se aventuraram pelas letras nos últimos anos (Dado Villa-Lobos, Marina Lima, Humberto Gessinger, Lobão, etc.). Para ele, a tendência pode ser apenas uma estratégia de marketing para lucrar em cima de quem já está em evidência na mídia. “Não sei se é genuíno. No meio musical há muita superficialidade, e isso explica o pouco aprofundamento das biografias nacionais. A obra é o reflexo do artista. Artista vazio, obra vazia.” Se for para ler autores contemporâneos, ele prefere Maria Valéria Rezende, Luiz Ruffato, Thomas Pynchon, David Foster Wallace, Michael Cunninghan e Chico Buarque — o único músico da lista, porém acima de qualquer suspeita. “Um livro do Chico Buarque é uma coisa, um da Maitê Proença é outra”, faz questão de frisar.

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Nelson Hoineff |De Nelson para Nelson

O criador do Documento Especial e diretor dos filmes sobre Chacrinha, Paulo Francis e Cauby Peixoto fala de seus escritores preferidos, com destaque para o xará autor de A vida como ela é por Omar Godoy

Não é exagero dizer que Nelson Hoineff está entre os principais pensadores da comunicação e da cultura do Brasil na atualidade. Jornalista, documentarista, crítico de cinema, professor universitário e autor de vários livros sobre audiovisual e novas tecnologias, esse carioca nascido em 1948 acompanhou, registrou e analisou as muitas transformações que o país atravessou nas últimas cinco décadas. Sua marca registrada é uma abordagem sempre crítica e bem-humorada do país, como atestam seus trabalhos mais conhecidos do grande público — o programa de “televisão-verdade” Documento Especial (produzido nos anos 1990 e reprisado até hoje no Canal Brasil) e os filmes Caro Francis, Alô, alô, Terezinha! e Cauby Peixoto: Começaria tudo outra vez. Como era de se imaginar, foi o cinema que o capturou para o universo da arte e da comunicação. “Quanto eu tinha 14 anos, meus pais me levaram para a estreia de Fellini 8 ½. É a lembrança mais espetacular que eu tenho. Entrei no cinema um menino e saí outro. O filme mudou minha vida completamente, definiu quase tudo do meu futuro”, revela. Mas a literatura representa outra parte fundamental de seu repertório, também devido à influência da família. “Minha mãe e meu pai eram médicos. Ela psiquiatra e ele, pediatra. Não me lembro de bibliotecas muito amplas em casa, porém ambos me incentivaram desde cedo a ler e fui tomando gosto pelos livros aos poucos.” O pontapé inicial foi com Monteiro Lobato. Lia um título, passava para outro e relia os anteriores. Logo pulou para o gênero policial: Agatha Christie e, principalmente, Arthur Conan Doyle. “Li tudo do Sherlock Holmes dezenas de vezes e ainda sou muito influenciado por aqueles livros”, diz. Em seguida, já na adolescência, veio a descoberta de Shakespeare. Primeiro Hamlet e depois Macbeth, Romeu e Julieta, Otelo. “Todas essas obras mexeram comigo profundamente, e tenho certeza de que isso acontecia na base da sofisticação, da profundidade dos diálogos. Lia Shakespeare como um padre lê a Bíblia, e isso ainda acontece.” O encontro com Kafka, igualmente importante, aconteceu nessa mesma época. “Perdi as contas de quantas vezes li O processo. Acho que foi ali que comecei a entender como a literatura era capaz de expressar a nossa realidade”, conta. Fernando Pessoa e Maiakóvski (segundo ele, leituras quase compulsórias para os jovens de sua geração) também o influenciaram nos anos de formação. O jornalista, no entanto, acredita que foi “muito moldado” por Dostoiévski, Harold Pinter e, sobretudo, Nelson Rodrigues. “Mas é curioso que eu tenha conhecido Isacc Bashevis Singer [vencedor do Nobel de Literatura em 1978] só aos 29 anos. Gostaria que tivesse sido antes, porque ele acabou sendo importantíssimo para a minha compreensão dos paradoxos éticos do judaísmo”, completa. Outra descoberta tardia foi o chamado jornalismo literário. Hoineff já exercia a profissão quando entrou em contato com textos dos norte-americanos Truman Capote, Tom Wolfe e Norman Mailer. “Me impressionou muito a maneira pela qual eu identificava convergência de visões com autores desse naipe”, diz o jornalista, que hoje destaca a produção dos contemporâneos brasileiros Fernando Morais, Sérgio Augusto, Ivan Sant’Anna e Ruy Castro — com quem ele atualmente trabalha numa adaptação para o cinema de A noite do meu bem, mais recente livro do biógrafo, sobre a história do samba-canção. Hoineff ainda planeja um outro longa-metragem, inspirado na obra de seu mestre maior. “Estou desenvolvendo, ainda de forma embrionária, um novo projeto sobre as frases e ideias de Nelson Rodrigues. Vai se chamar ‘A revolução dos idiotas’”, adianta. Vale lembrar que um dos momentos mais lembrados de sua carreira é justamente uma edição do Documento Especial inteiramente baseada na tese rodrigueana de que “O grande acontecimento do século foi a ascensão espantosa e fulminante do idiota”. Também intitulado “A revolução dos idiotas”, o episódio, exibido em 1992, contou com depoimentos e reflexões de pesos pesados da intelectualidade e da arte do país, como Herbert de Souza, Antonio Houaiss, José Celso Martinez Corrêa, Plínio Marcos e Darcy Ribeiro. “Vou me aprofundar nesse conceito de que antigamente os idiotas se recolhiam à própria insignificância, mas, quando perceberam que estavam em superioridade numérica, passaram a ocupar todos os espaços importantes do Brasil e fazer com que os ‘melhores’ fossem obrigados a pensar como eles”, explica.

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Allan Sieber | Ataque “sincericida”

Conhecido pelo humor sarcástico, inclusive sobre si mesmo, o quadrinista se diz influenciado por escritores fortemente autobiográficos por Omar Godoy 

Faz sentido que a “praia literária” de Allan Sieber seja a dos autores que não têm medo de escancarar a própria vida, a ponto de chocar pela extrema sinceridade de seus relatos. Afinal, boa parte do sarcasmo presente em seus quadrinhos é direcionada para ele mesmo. Traumas de infância, neuroses, problemas de relacionamento e, mais recentemente, os desafios da paternidade são o motor de uma produção marcada pela autoironia, o humor negro e a crítica de costumes. “Acho que a literatura que mais influencia o meu trabalho é a de tom confessional. De Crumb a Bukowski, passando por Philip Roth e J.M. Coetzee”, afirma o artista gaúcho de 43 anos, radicado no Rio de Janeiro desde 1999. Nos quadrinhos, sua grande referência é o norte-americano Robert Crumb, ícone do underground. “Ele é supremo para mim. Aquela abordagem autobiográfica e o nível ‘sincericida’ em que ele chega sempre me marcaram muito.” Ainda no campo das HQs, Sieber cita duas obras clássicas e de cunho histórico que tiveram impacto direto em seu imaginário. Maus, do sueco Art Spiegelman, recria os sacrifícios enfrentados pelo pai do autor, um judeus polonês, para sobreviver ao Holocausto. E Gen — Pés descalços, do japonês Keiji Nakazawa, mostra como o quadrinista (então com 7 anos de idade) e sua família encararam as consequências do bombardeio atômico na cidade de Hiroshima. “Também leio muito o Daniel Clowes [mais conhecido no Brasil pela graphic novel Wilson], provavelmente o sujeito que melhor domina a narrativa em quadrinhos. É alta literatura”, recomenda. Entre os escritores propriamente ditos, Charles Bukowski é o nome mais forte de sua formação. “Leio e releio desde a adolescência. Ele estabelece uma cumplicidade única com quem se fodeu minimamente na vida. Por conta dele, passei a gostar de John Fante também”, conta o quadrinista, que também acompanha, desde sempre, o conterrâneo Luis Fernando Verissimo (cuja produção inclui, além do texto, tiras e cartuns). Reinaldo Moraes, Ricardo Lísias, Clarah Averbuck, Fausto Wolff e Philip Roth são algumas de suas leituras preferidas dos últimos anos. Sobretudo Roth, de quem Sieber procura ler tudo, especialmente os títulos mais recentes (como Homem Comum, Fantasma sai de cena, A humilhação). “São livros de velho, bem deprimentes, em que a morte e a decadência estão sempre presentes”, explica. Sobre a poesia, o artista reconhece que o gênero simplesmente “não bateu” para ele. Admira Mario Quintana, mas acredita que sua obra resvala na fronteira da prosa. Por outro lado, gosta dos microcontos de Dalton Trevisan, que considera quase poéticos. No fim das contas, considera- se “tosco” para entender o texto lírico. “Talvez eu tenha conhecido poetas muito ruins que me fizeram construir um muro antipoesia na minha vida”, diz Sieber, que se interessou pelos livros graças ao incentivo dos professores. “O hábito da leitura nunca esteve muito presente na minha casa. Meu pai gostava de quadrinhos, tinha muitas revistas Spirit, Fantasma, Gibi, essas coisas. Se ele leu três livros a vida inteira, foi muito”, ri. A profissão do “Seu Jouralbo”, no entanto, influiu diretamente na carreira do filho. Desenhista de publicidade, vivia cercado de material de desenho e histórias em  de quadrinhos “Além disso, eu sempre fui muito na minha, então ler era uma atividade prazerosa para mim”, lembra. Ainda sobre Jouralbo Sieber: em 2010, aos 80 anos, ele publicou, em parceria com o filho, seu primeiro livro de quadrinhos, Ninguém me convidou (reeditado em 2015). Ainda neste mês, a dupla lança outro título, O mundo segundo Jouralbo, em que mais de 40 quadrinistas de todo o Brasil desenham histórias escritas pelo veterano. “São quase 300 páginas, estou trabalhando nesse projeto desde 2012”, revela Allan, autor de mais de 15 livros do gênero. Apesar do currículo extenso, ele não se empolga com o mercado editorial de quadrinhos para adultos. “A [editora] Conrad puxou um bonde no final dos anos 90, e começou a ter uma sessão de quadrinhos bem fornida nas livrarias. Mas, em geral, o brasileiro ainda acha que o quadrinho é coisa para criança, retardado, ou as duas coisas. Não vende, simplesmente”, afirma o artista, que tem vontade de escrever ficção. “Sou muito autocrítico, mas é uma ideia que me persegue, principalmente por ser sem desenho. Já pensou que maravilha? Desenhar às vezes cansa.”

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Ciro Pessoa | Em dia com a rebeldia

Compositor de clássicos do rock nacional como “Sonífera Ilha” e “Homem Primata”, o músico e jornalista fala de seu envolvimento com poesia, política e budismo por Omar Godoy

Aos 58 anos, Ciro Pessoa finalmente vai lançar seu primeiro livro. Relatos da existência caótica, que sai até o fim deste mês pela editora portuguesa Chiado, reúne cinco dos 11 volumes de poesia escritos — e nunca publicados — pelo músico e jornalista ao longo das últimas três décadas. Sempre lembrado na cena roqueira como líder da banda pós-punk Cabine C, Pessoa também fez parte da primeira formação dos Titãs (é coautor de hits como “Sonífera ilha”, “Toda cor” e “Homem primata”) e até hoje desenvolve projetos musicais independentes. Mas, ultimamente, vem chamando a atenção por seu posicionamento, digamos, contundente contra o governo federal.

Ao lado de contemporâneos como Lobão e Roger Moreira (Ultraje a Rigor), Ciro Pessoa vem praticando uma militância permanente de oposição na internet. E não se importa de ser chamado de “reaça” por causa disso. “Sim, sou um radical. Pode me chamar do que quiser. Odeio comunistas e esquerdopatas em geral”, afirma o artista. Segundo ele, essa indignação começou em 2010, quando lançou o disco solo Em dia com a rebeldia e não conseguiu divulgá-lo por não fazer parte de uma determinada “panela” de artistas alinhados com a situação. Felizmente, o assunto central desta entrevista é bem mais agradável: a poesia, gênero que fisgou Pessoa ainda criança, graças ao rock and roll. Mais especificamente, por meio dos álbuns Yellow Submarine(Beatles) e Os Mutantes (do grupo paulista homônimo), ambos lançados no final dos anos 1960. “Lembro da minha mãe traduzindo o refrão da música ‘Yellow Submarine’ e do meu espanto e alegria ao saber que a ficção, a imaginação, o não real, também pertenciam à vida”, conta. A partir daí, outros roqueiros com pegada literária passaram a fazer sua cabeça, como Lou Reed, David Bowie, Jim Morrison e Jimi Hendrix (“Sim, Hendrix foi um grande poeta também”, diz). Seus poetas preferidos são os portugueses Fernando Pessoa, Mario de Sá Carneiro e Camilo Pessanha, os franceses Charles Baudelaire e Arthur Rimbaud e o norte-americano Walt Whitman. As correspondências de Antonin Artaud, também francês, foram igualmente decisivas para sua formação. “Eu cursava duas faculdades, Jornalismo e Direito, quando li uma coletânea de cartas escritas por ele. Aquilo pirou a minha cabeça e fez com que eu largasse os dois cursos e viajasse pela França, onde fiquei por dois anos”, lembra. Envolvido com o budismo desde os anos 1990, o artista também se interessa pela poesia filosófica oriental. “Quem se envolve com o budismo dificilmente se livra dele. Ele está absolutamente presente no meu dia a dia, no meu comportamento e nas minhas convicções”, explica. E cita alguns autores tibetanos, como Chögyam Trungpa, Drupka Kunley e Jetsün Milarepa. “Meu livro, aliás, está permeado de pensamentos budistas do começo ao fim”, avisa. No campo da prosa, Pessoa confessa uma influência marcante da literatura norte-americana pré e pós-beat — Charles Bukowski, Henry Miller, John Fante, Jack Kerouac. Ainda cita o francês Louis-Ferdinand Céline e os argentinos Julio Cortázar, Jorge Luis Borges e Adolfo Bioy Casares. Entre os brasileiros, apenas três conseguiram cativá- -lo: Campos de Carvalho (“O melhor de todos”), Oswald de Andrade (“Gosto de algumas obras, como Serafim Ponte Grande e João Miramar) e “o Guimarães Rosa de Grande sertão: veredas”. Quando o assunto é a produção poética dos rock nacional oitentista, seu berço artístico, Pessoa concorda com a opinião geral de que os textos tinham mais força naquela época. Para ele, o embasamento intelectual de figuras como Renato Russo ou de alguns integrantes dos Titãs fez toda a diferença. “Muitos compositores desse período tinham um vínculo muito forte com a poesia e a literatura”, diz, para depois alfinetar a geração atual. “Não estou vendo absolutamente nada acontecendo hoje. Acabou. Está tudo uma merda.” Ainda assim, Ciro Pessoa não desiste de fazer música. No momento, o artista e sua banda de apoio (batizada de Nu Descendo a Escada) ensaiam um set com poemas musicados, extraídos de Relatos da existência caótica. A ideia é estrear no evento de lançamento e depois excursionar por outras cidades brasileiras. Enquanto isso, ele segue colaborando como freelancer para veículos da imprensa e já prepara um segundo livro, dessa vez de ficção. “É sobre uma grande história de amor, e terá uma narrativa com pinceladas de surrealismo”, adianta, por hora.

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Ivan Cardoso | Kakfa é botafoguense

O cineasta, criador do gênero “terrir”, conta como os livros contribuíram para a formação de seu imaginário fantástico e contracultural  por Omar Godoy

“Se você quer ter um filho artista, tenha um filho único. Porque a realidade mais próxima de uma criança sem irmãos é a ficção, a fantasia”, afirma o cineasta e fotógrafo carioca Ivan Cardoso, conhecido por filmes como O segredo da múmia (1982), As sete vampiras (1986) e O escorpião escarlate (1990). Aos 62 anos, o criador do gênero “terrir” (misto de terror com comédia) fala por experiência própria. “Como fui filho único até os 13 anos, tive uma infância dourada, meus pais me criaram como um príncipe. Só que eles esqueceram de me contar que eu não era príncipe, que aquele castelo não era meu e que não existia um tesouro escondido que me deixariam de herança”, brinca.

Seja como for, esses primeiros 13 anos foram suficientes para a criação de um imaginário rico, alimentado por vários tipos de leitura — a começar pelos quadrinhos. Aos 6 anos, Cardoso já era fã dos personagens da Disney quando teve de passar uma semana de molho em casa por causa de uma doença. Foi quando conheceu uma série de heróis norte- -americanos que ainda hoje ecoam em sua obra: Mandrake, Zorro, Tarzan, Roy Rogers, Flash Gordon, Batman, Super- -Homem. “Tinha um faxineiro no meu prédio, o Seu Altair. Ele viu que eu não podia sair para brincar e me emprestou a sua coleção de revistas. Foi uma descoberta, porque aquele universo era totalmente desconhecido para mim.”

Mas foi um livro, e não um gibi, o verdadeiro marco inicial de sua formação. Uma biografia de Van Gogh, meio perdida na coleção da mãe do cineasta, serviu como ponto de partida de sua futura carreira. “Não tenho mais esse livro, não lembro do nome e nem do autor. Só sei que aquilo foi uma revelação para mim. Fiquei impressionado com a parte em que o Van Gogh chega a Paris e conhece todos aqueles outros gênios da pintura, como Gauguin, Toulouse- -Lautrec, Seurat. Eu tinha 11, 12 anos, já pintava alguns quadros. E foi a partir da leitura dessa biografia que comecei a pensar em ser artista.”

Outras influências decisivas foram as revistas e livros de fotografia de seu pai e a biblioteca de 500 volumes herdadas do avô — o militar e político Dulcídio do Espírito do Santo Cardoso, último prefeito do Rio de Janeiro na Era Vargas. “Como todo pai, o meu também me contava histórias. Não sei se foi porque ele morou na América um tempo, mas a história que mais contava era a dos irmãos Jesse e Frank James. Gozado, não? Por causa do meu pai, meus primeiros heróis foram dois fora da lei americanos”, conta Cardoso, que sempre se definiu como “o mais americanófilo dos diretores brasileiros”.

Ou seja: seu gosto pela cultura pop e pelo lado marginal da vida surgiu muito cedo, e foi só uma questão de tempo para que se transformasse em expressão. Tanto que, ao chegar no ensino médio, Cardoso logo virou um agitador cultural da escola, participando ativamente do jornal dos alunos e organizando palestras com artistas convidados. Quando queria conhecer alguém que admirava, dava um jeito de incluir a figura nos projetos do colégio. Graças a essa “malandragem”, como ele mesmo diz, entrou em contato com grandes nomes da intelectualidade carioca, entre eles seu grande mentor, o artista plástico Hélio Oiticica.

“Eu perseguia essas pessoas, mas elas também tabelavam comigo”, afirma o cineasta, que saiu do periódico escolar para as páginas da revista Navilouca, projeto dos poetas Waly Salomão e Torquato Neto inspirado no concretismo, na Tropicália e nas novas contraculturas dos anos 1960 e 1970. A publicação teve uma única edição, mas serviu para incluir Cardoso naquela turma e apresentá- lo a um trio que também faria sua cabeça dali para frente: Décio Pignatari e os irmãos Haroldo e Augusto de Campos — os cabeças da poesia concreta.

“O pessoal da revista me mandou para São Paulo para fotografá-los. Eu já conhecia poesia, até gostava do João Cabral de Melo Neto, mas o trabalho deles me deixou pirado, siderado”, lembra. Tão siderado que até hoje suas leituras têm relação com o universo dos três. Sua lista de autores prediletos nacionais inclui, além dos concretos, Oswald de Andrade, Nelson Rodrigues, José Agrippino de Paula, Dyonélio Machado, Sousândrade e “todas as letras do Lupicínio Rodrigues”.

De resto, diz que tem horror ao cânone da literatura brasileira. “Machado, Graciliano, Clarice... Tô fora dessa. Enquanto o pessoal lia isso, eu estava mais interessado em ácido, maconha e Jimi Hendrix. Imagino que a obra do Machado seja genial. Mas, pô, ele é o patrono da Academia Brasileira de Letras! Prefiro ficar com os marginais”, explica, antes de elencar os 25 livros estrangeiros de que mais gosta. Uma seleção de clássicos que vai de Dom Quixote a O retrato de Dorian Gray, passando por Moby Dick, Frankenstein e todas as histórias de Sherlock Holmes.

Sobre o detetive britânico, Cardoso faz uma “denúncia”: é dele, e não de Jô Soares, a sacada de ambientar uma trama de Sherlock no Brasil. “Isso está gravado, falei isso para o Jô quando o programa dele ainda era no SBT. Pena que não posso processá-lo por uma ideia que não foi realizada”, lamenta, com o tom sarcástico que é uma de suas marcas registradas.

Franz Kafka também está no seu rol de obsessões. Inclusive o cineasta fotografou seu túmulo há pouco tempo, em Praga, onde apresentou o filme Bacanal do diabo (2013). Mais do que um passeio turístico, a visita rendeu, segundo ele, “um inusitado e assombroso encontro do terceiro grau”. Vestido com uma camisa do Botafogo, que costuma usar em festivais internacionais para conquistar a simpatia dos estrangeiros, Cardoso clicava a sepultura quando começou a sentir uma vibração estranha, uma presença. Era o próprio Kafka materializado em sua frente.

“Ele não parava de falar do Botafogo. É impressionante como o Kafka conhece tudo sobre a história gloriosa do clube, sua situação e até a escalação do time. Eu querendo conversar sobre literatura, sobre seus clássicos, e ele só falando sobre futebol. Só sossegou quando lhe dei a minha camisa alvinegra. Depois fiquei pensando: é óbvio que o Kafka só poderia ser botafoguense. Para qual outro time no mundo ele poderia torcer?”, diverte-se.

Delírios à parte, o fato é que Ivan Cardoso já está há dez anos afastado do circuito de exibição brasileiro (seu último longa apresentado em salas comerciais foi Um lobisomem na Amazônia, de 2005). Desde então, desistiu de filmar com recursos das leis de incentivo (“Os editais beneficiam os cineastas, não o cinema”) e se dedica a produções experimentais, apresentadas em mostras alternativas no Brasil e no exterior.

Sua subsistência, no entanto, vem do acervo com mais de 70 mil fotos de artistas e intelectuais que tirou ao longo dos anos — algumas delas, as mais clássicas, estão registradas no livro De Godard a Zé do Caixão (2002). “Com esses negativos eu produzo as minhas exposições, que me levam para o mundo inteiro. Mas nunca parei de filmar. Tenho tanta coisa guardada que, se quisesse parar hoje, teria um filme por ano para lançar até o final da minha vida”, garante, incansável, o botafoguense kafkiano.