Perfil do Leitor

Todos os textos saíram antes no jornal de literatura Cândido

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Guilherme Arantes | Nas Zonas Crepusculares

Revalorizado pela nova geração, o compositor comenta os “bastidores literários” de alguns de seus clássicos e revela sua predileção por autores que transgridem o pensamento racional por Omar Godoy

Depois de carregar por muito tempo a pecha de “pop romântico”, Guilherme Arantes agora vê sua trajetória ser revalorizada por uma nova geração de críticos e ouvintes. Um processo que começou na década passada, com a onda de reedições de discos importantes da música popular brasileira, e culminou no lançamento do elogiado Condição humana (2013), seu primeiro trabalho de inéditas em seis anos. Marcado pela retomada de sua sonoridade “clássica” — desenvolvida na virada da década de 1970 para 1980 —, o álbum independente também mostrou o artista afiado em um terreno nem sempre reconhecido de sua obra: o do texto.

Suas letras são simples, diretas e, acima de tudo, sinceras. Poucos compositores têm coragem de expor sentimentos dessa forma, sem o menor pingo de cinismo. Mas o que muita gente não sabe é que alguns dos maiores sucessos de Arantes, hoje com 63 aos, sofreram algum tipo de influência da literatura. A começar pelo quase-hino “Amanhã”, gravada no LP Ronda noturna, de 1977. “Esse negócio de 'Amanhã será um lindo dia / Da mais louca alegria que se possa imaginar' é puro Maiakovski”, revela o músico.

Sim, o russo Vladimir Maiakovski (1893 — 1940), considerado um dos maiores poetas do século XX, é uma espécie de padrinho da canção, escrita quando Guilherme Arantes ainda cursava Arquitetura na Universidade de São Paulo (USP). “Eu estava lendo, e adorando, uma coletânea crítica de traduções do Boris Schnaiderman [pioneiro em verter o russo para o português] quando tive a inspiração para a música. O termo que eu uso para falar do Maiakovski é 'fulguração poética'. Uma forma nobre de poesia, repleta de arroubos exclamativos”, diz.

Outro case literário de sua discografia é “Xixi nas estrelas”, parceria dele com o poeta curitibano Paulo Leminski. Produzida de encomenda para o especial de tevê Pirlimpimpim 2 (1984), da Rede Globo, a música acabou transcendendo o universo infantil. “Era para ser uma canção sobre São Jorge na Lua, mas fala de algo inimaginável até então: a poluição, real e moral, do espaço sideral. Só Leminski mesmo!”, diverte-se o cantor, que dois anos antes emplacou “Lindo balão azul” na primeira edição do programa, dedicado à obra de Monteiro Lobato.

“A ideia de uma continuação do especial de 1982 tinha embutida uma armadilha de diluição comercial. Então chamei o Leminski para a gente fazer um exercício de criação poética, que fosse uma obra de arte e desse prazer criativo, com total liberdade para os delírios leminskianos”, lembra. Em um vídeo disponível no YouTube, o poeta aparece em uma reportagem de telejornal, assistindo ao clipe da faixa pela primeira vez e revelando que a colaboração com o cantor se desenvolveu por telefone, durante cerca de 20 dias. “Aquilo ali é a verdadeira vida. Aqui fora é o vídeo”, diz para o repórter, apontando a televisão.

A vitalidade poética e filosófica de Jorge Mautner, de quem Guilherme Arantes foi músico de apoio no início da carreira, também marcou sua formação como letrista. Especialmente o livro Narciso em tarde cinza (1965), última parte da chamada Trilogia do Kaos — composta ainda por Deus da chuva e da morte (1962) e Kaos (1963). “Mautner sempre foi muito presente, enigmático e extremamente imaginativo”, diz o cantor, que ainda presta contas aos “quatro grandes” (Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque e Milton Nascimento) e ao “maldito” Taiguara. “Meu maior ídolo na juventude foi o Taiguara. Um ídolo completo, em poesia, música e vida.”

A verdade é que o cantor já chegou no mundo artístico com um repertório sólido. Filho de uma bibliotecária que também atuava como tradutora, Arantes cresceu com incentivo total à leitura. “Lia muito Monteiro Lobato. Não só os infantis, mas também a literatura adulta dele. Li tudo do Machado de Assis. Julio Verne sempre foi um dos meus preferidos”, lembra. Mas os primeiros autores que realmente mexeram com o autor de “Deixa chover” foram Franz Kafka e Herman Hesse. “Aí já foram livros que eu mesmo comprei. A metamorfose e O processo, do Kafka, e Sidarta e Demian, do Hesse, foram obras que resolveram um universo particular, obscuro.”

Segundo o músico, seus escritores preferidos “mexem com visões transgressoras do mundo racional”. E exemplifica citando nomes como Aldoux Huxley, Jorge Luis Borges, Anthony Burgess, Louis Pauwels e Jacques Belgier. Mesmo depois de ler títulos de não-ficção, como fez recentemente com Deus é um delírio [best-seller internacional do biólogo e ateu militante Richard Dwakins], ele retorna aos autores de sua “base”. “A retórica da razão do Dawkins é avassaladora, mas não conseguiu extirpar de mim 'um algo mais'. É aí que entra o tal do universo mágico, onde a arte e a minha linhagem literária predominam. As zonas crepusculares é que me interessam”, afirma.

Com 40 anos de carreira solo recém-completados, Guilherme Arantes lança até o final deste ano uma caixa de CDs com todos os seus álbuns e um documentário em vídeo sobre sua trajetória. Uma biografia em livro, no entanto, está descartada. Tampouco uma autobiografia. “O foco principal são as músicas, as letras, não a vida pessoal. Isso eu deixo para os biógrafos fazerem a festa”, afirma, referindo-se a possíveis autores “não-autorizados”.

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Alexandre Nero | Formação Na Marra

“Educado pela televisão”, o ator e músico conta como desenvolveu, tardiamente, seu gosto pelos livros por Omar Godoy

Em quase quatro anos de “Perfil do Leitor”, Alexandre Nero é o primeiro entrevistado que afirma ter lido Paulo Coelho. “Também é a primeira vez que eu tenho coragem de contar isso pra alguém”, brinca o ator e músico de 45 anos, que leu O diário de um mago na adolescência. “Até então, eu só lia as coisas obrigatórias da escola, e achava tudo meio chato. Com esse livro foi diferente, eu tinha vontade de voltar para casa e terminar de ler”, explica. 

“Educado pela televisão”, como ele mesmo diz, Nero não cresceu num ambiente culturalmente inspirador. “Na minha casa, a leitura não era vista como uma coisa prazerosa. Na verdade, não se consumia nada muito sofisticado em termos de cinema, teatro, literatura”, lembra. A linguagem acessível de Coelho, portanto, serviu como elemento facilitador — além da temática “libertária”.

“O que me atraía no Paulo Coelho não era a magia, o mistério. Era aquele discurso utópico que sempre atrai o jovem, com frases feitas, otimistas. Tanto que, logo em seguida, me interessei pela obra do Roberto Freire”, conta, referindo-se ao escritor e psiquiatra, autor do best-seller Sem tesão não há solução e criador da somaterapia (técnica de fundo anarquista e baseada na teoria reichiana).

Curitibano criado em São Paulo, Alexandre Nero voltou à capital paranaense aos 17 anos, depois de largar a faculdade de Administração. Virou “músico da noite” para pagar as contas e acabou fazendo amizade também com gente de teatro. “Foi então que se abriu um universo novo para mim. Mas aí eu precisei buscar uma formação cultural ‘na marra’, na ‘unha’. Morava quase do lado da Biblioteca Pública do Paraná e ia lá praticamente todos os dias. Foi minha sala de aula”, afirma. 

Dessa fase, em que já fazia curso de ator, ele lembra de emprestar todos os livros de Luis Fernando Verissimo. “O Verissimo é outro cara que me atraiu pela facilidade do texto. Mas também pelo bom humor, uma das características que eu gosto em literatura. A outra é a sujeira, me interesso por quem mostra um lado mais sacana, sombrio da vida”, diz Nero, que credita ao teatro boa parte de seu repertório literário. “Através das pesquisas para fazer peças, entrei em contato com a obra de vários autores, como Julio Cortázar, Millôr Fernandes, Dalton Trevisan.”  

Outra fonte de referências foi a convivência com os integrantes do Fato, grupo curitibano de MPB conhecido por resgatar e incorporar elementos regionais paranaenses. “Os caras são eruditos, quase todos atuam como professores na universidade. As conversas entre eles rolam num nível altíssimo, e eu ficava tentando guardar todos os nomes citados para pesquisar depois. Foi assim com Nietzsche, Freud, Jung, etc. E com os escritores locais, que são mais importantes, na minha vida, que Drummond e Machado”, revela o artista, que fez parte do Fato entre 1997 e 2007. 

Seu “cânone” de curitibanos inclui Paulo Leminski (“Já tive fixação por ele, adoro os jogos de palavras”), Manoel Carlos Karam (“Me identifico com a maluquice”), Dalton Trevisan (“Pela sujeira”) e Cristovão Tezza (“Tem muita sensibilidade”). Mas ele também cita Ricardo Corona, Luiz Felipe Leprevost, Alexandre França e Marcelo Sandmann, entre vários outros. “A grande maioria dos livros da minha coleção é de autores da cidade ou nacionais. A única exceção é o Woody Allen, compro tudo dele que sai no Brasil”, conta. Já gravando sua próxima novela (A Regra do Jogo, com estreia marcada para agosto), o ator se ressente de não poder ler mais. “São quase quatro anos sem férias, emendando um trabalho no outro e gravando todos os dias, o dia inteiro. Mas ainda consigo ler algumas coisas na base da porrada. No momento, estou interessado em livros de quadrinistas. Tem quatro separados aqui na minha estante: André Dahmer, Bruno Maron, Ricardo Coimbra e Arnaldo Branco.”

A carreira musical também está em pausa por causa das novelas sucessivas. Tanto que seu próximo projeto na área está previstos apenas para 2016: um disco só com músicas para crianças — “Agora tenho um álibi para isso”, brinca Nero, que será pai em breve. Há, ainda, a possibilidade de Nero lançar seu primeiro livro de poesia, que reuniria letras de música, anotações pessoais e textos publicados na internet. “Ainda não saiu por falta de tempo, porque medo de ser julgado eu não tenho mais. Graças ao Leminksi, entendi que poeta é quem se considera poeta. Por que você pode dizer que é ator, que é músico, mas não pode dizer que é poeta? O Leminski é genial porque nos deu essa libertação, ajudou a tirar a poesia desse pedestal inatingível”, afirma.

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Aly Muritiba | Profanar não é problema

Revelação do cinema nacional, o diretor acompanha a produção literária contemporânea e prepara adaptações para livros de Daniel Galera, Lourenço Mutarelli e Raphael Montes por Omar Godoy

A história do cinema no Brasil passa, obrigatoriamente, pelos livros. De Vidas secas (1963) a Cidade de Deus (2002), de Dona Flor e seus dois maridos (1976) a Carandiru (2003), boa parte dos filmes nacionais mais populares de todos os tempos é baseada em obras literárias. Essa tradição inclusive já foi assunto de uma reportagem do Cândido (edição 14, publicada em setembro de 2012) em que realizadores, críticos e pesquisadores discutiram a importância da literatura para o audiovisual brasileiro e destacaram as melhores adaptações já produzidas. Revelação recente do cinema nacional, o baiano Aly Muritiba, de 37 anos, está prestes a engrossar a lista dos diretores que recorreram aos livros para se inspirar. Depois de chamar a atenção com filmes como o curta-metragem A fábrica (pré-indicado ao Oscar de 2013) e o longa Para minha amada morta (premiado nos festivais de Montreal e Brasília), ele atualmente trabalha em nada menos do que três adaptações literárias: Barba ensopada de sangue (Daniel Galera), Jesus Kid (Lourenço Mutarelli) e O vilarejo (Raphael Montes) — neste último apenas como roteirista. “Essa tradição de adaptar livros é muita antiga e precede a invenção do roteiro como conhecemos hoje. Muitos autores de peças e romances escreveram os primeiros filmes da História. É um fenômeno que advém do fato de que o cinema 'tradicional', aquele narrativo, que conta uma história, nasceu nos rastros da literatura, arte que precede o cinema em milênios”, afirma o cidadão de Mairi, no sertão baiano, mas radicado em Curitiba desde 2005. Com cerca de 15 mil habitantes, a cidade sequer tinha cinema quando Muritiba saiu de lá, aos 17 anos. A única forma de “viajar no tempo e no espaço”, como ele diz, era lendo os poucos livros a que tinha acesso. “Não havia algo que se assemelhasse a uma biblioteca na minha casa. Sou filho de proletários não muito letrados, então a prioridade era o trabalho”, conta. Sua avó, no entanto, tinha alguns clássicos brasileiros mal conservados e uma enciclopédia Barsa — o suficiente para fazer o garoto decolar. “Eu era encantado com as gravuras de dinossauros nos volumes da enciclopédia, por isso comecei a lê-los.” O diretor cita O Guarani (José de Alencar) e Macunaíma (Mário de Andrade) como obras marcantes em sua primeira fase como leitor. Mas o primeiro livro que realmente o emocionou foi Vidas secas, de Graciliano Ramos. “Me fez chorar, me fez querer ter uma cadela para chamar de Baleia, me fez sentir orgulho de ser sertanejo... E me fez ter pena do papagaio da minha avó”, brinca, fazendo referência a uma passagem, digamos, gastronômica, do romance publicado em 1938. Na adolescência, enquanto tocava em uma banda de rock e devorava todos os lançamentos de Paulo Coelho, descobriu um livro crucial para sua trajetória: O queijo e os vermes — O cotidiano de um moleiro perseguido pela Inquisição. Escrita em 1976 pelo historiador italiano Carlo Ginzburg, a obra mostra a perseguição sofrida por um camponês considerado herege pela Igreja Católica no século XVI. É considerada um dos pilares da escola conhecida como “micro-história”, baseada na análise de elementos do passado a partir de uma escala mais reduzida (como, por exemplo, relatos de personagens anônimos). “Esse livro mudou a minha vida, no sentido de me empurrar depois para o estudo de humanas. Tornei-me historiador por causa dele”, revela Muritiba, formado na Universidade de São Paulo (USP) e admirador dos estudos do britânico Eric Hobsbawn (autor da quadrilogia formada por A era das revoluções, A era do capital, A era dos impérios e A era do extremos). “Para mim, esses livros são essenciais para entender a história contemporânea do Ocidente. Até hoje volto a eles”, conta o cineasta, que, além de professor, já foi atendente de farmácia, bilheteiro do metrô de São Paulo, bombeiro e agente penitenciário. Atualmente, Muritiba acompanha a chamada “literatura brasileira contemporânea”, especialmente a produzida por autores jovens. Seus prediletos são Joca Reiners Terron (“Ele encontra beleza e poesia no cotidiano) e os já citados Raphael Montes (“A literatura dele tem crueldade e concisão”) e Daniel Galera (“Pela qualidade dos diálogos e profundidade dos personagens). Voltamos, então, ao assunto das adaptações para o cinema. “É uma tarefa árida, pois é preciso entender os limites e potências de cada mídia. Ao mesmo tempo, é desafiador tentar encontrar o meu ponto de vista, minha autoria, a partir de algo já posto. Parto do princípio de que o autor do livro é o outro, o do roteiro sou eu. Portanto, profanar não deve ser um problema”, diz o cineasta, que cita Abril despeçado (de Walter Salles, inspirado no romance homônimo de Ismail Kadaré) como sua adaptação nacional preferida. Sobre a versão de Barba ensopada de sangue, um dos romances mais comentados dos últimos anos, Aly Muritiba só adianta que o filme já tem orçamento garantido e começa a sair do papel no primeiro semestre de 2017 (o lançamento está previsto apenas para 2018). Enquanto isso, ele segue para o Uruguai, onde fica até final deste ano envolvido com a série O hipnotizador, produção da HBO com episódios assinados por diretores latino-americanos. Coincidência ou não, o projeto também é uma adaptação — mas, desta vez, de uma história em quadrinhos.

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Carlos Lopes | Metal Conceitual

O líder da lendária banda Dorsal Atlântica revela o repertório literário por trás de suas “óperas thrash” por Omar Godoy

Para a comunidade do rock, ele sempre será o “Vândalo”. O Carlos “Vândalo” Lopes da Dorsal Atlântica, lendária formação carioca que é sinônimo de pioneirismo — em vários sentidos. Fundada em 1981, foi uma das primeiras bandas nacionais a se assumir como heavy metal (e a lançar um “álbum cheio” do gênero). Também abriu as portas do mercado internacional para outros grupos pesados do país, inclusive o Sepultura. E o mais importante: gravou discos conceituais que passam longe da temática fantástica ou demoníaca comum ao estilo. Em registros como Searching for the light (1989), Musical guide from stellium (1992) e Imperium (2014), a Dorsal — como o trio é chamado pelos fãs — usa a urgência metálica a favor de narrativas sobre o Brasil. Fatos históricos, corrupção na política, Carnaval, injustiças sociais e violência urbana são alguns dos assuntos abordados nas chamadas “óperas thrash” do grupo. “Desenvolvi esse conceito para criar uma linguagem de rock pesado que retomasse a linha evolutiva de óperasrock como Tommy e Quadrophenia, do The Who. Mas tudo dentro da realidade brasileira”, explica o artista de 53 anos, que também tocou nos projetos Usina Le Blond e Mustang. Além de músico, Carlos Lopes é produtor, jornalista, escritor, quadrinista e estudioso das áreas de História, filosofia e parapsicologia. Isso explica a complexidade do repertório da banda, que acaba de lançar um DVD duplo, com direito a um documentário incluso, para comemorar os 35 anos de atividade. “Sofribullying no colégio e me dividi entre me achar o ‘estranho’ ou ‘melhor do que os colegas que praticavambullying’. Esse entendimento me levou a outras escolhas, como cinema de arte, política, quadrinhos e rock and roll. Isso foi me afastando da maioria dos colegas”, diz. A literatura também fez parte desse pacote de escolhas. Lopes conta que os pais não tinham o hábito da leitura, mas nunca deixavam de comprar um livro, se ele pedisse. “Li toda a série do Sítio do Pica-pau Amarelo, do Monteiro Lobato, comprada de um vendedor daqueles que batiam na porta de casa. Também lembro de pedir para um tio, e ganhar, três volumes da enciclopédia Tesouro da juventude, em que conheci o Barão de Münchhausen [personagem do escritor Rudolf Erich Raspe cujas aventuras exageradas foram baseadas em relatos de um militar e nobre alemão].” Ainda na infância, envolveu-se, como quase toda criança dos anos 1970, com os livros da coleção Vagalume, da editora Ática. Especialmente O escaravelho do Diabo, de Lúcia Machado de Almeida, eMenino de asas, de Homero Homem — de quem foi vizinho de prédio. “Ele, por acaso, morava no andar embaixo do meu. Uma vez, candidatou-se a um cargo político em uma eleição e colocava as caixas de som na janela, tocando o jingle da campanha bem alto. Não era mole, não...”, diverte- se o artista, que ainda cita a série em fascículos Grandes personagens da nossa História como parte fundamental de sua formação. Um pouco mais velho, passou a se interessar por Machado de Assis. Lopes conta que odiava o autor deMemórias póstumas de Brás Cubas na época do colégio, quando era obrigado a ler seus livros. Só compreendeu sua grandeza anos depois, e hoje o considera seu escritor favorito. Herman Hesse, do clássico o Lobo da estepe, é outro nome marcante em suas leituras. “Li na extinta revista de música Bizz que o Renato Russo, meu contemporâneo, também havia começado com o Hesse. Mas passou a ter um certo desprezo por ele depois de ter lido uma ‘literatura melhor’. Acho isso bobagem, uma coisa não exclui a outra”, afirma. No início dos anos 1980, já na faculdade de Jornalismo, o músico mergulhou em obras “de esquerda”, como As veias abertas da América Latina (Eduardo Galeano) e Para ler o Pato Donald: Comunicação de massa e colonialismo (Ariel Dorfman e Armand Mattelart). Segundo ele, foram “os livros certos para a época certa” — no caso, o final do regime militar do Brasil, que coincidiu com a criação da Dorsal Atlântica. Não à toa, Lopes é um dos primeiros entrevistados do conhecido documentário canadenseGlobal Metal (2008), sobre a popularização da música pesada em países periféricos. Seu depoimento trata justamente da relação entre a ditadura e o surgimento do heavy metal no país. “Vi o Brasil ser modernizado com TV em cores, rádio FM, iogurte, frango desossado, leite longa vida... No entanto, nada mudou para melhor. Até já tentei desistir do formato de ‘ópera thrash’. Mas não dá, porque o país não progride desde a Guerra do Paraguai”, provoca. O próximo disco da banda, ele avisa, vai traçar paralelos entre o fim do período imperial, em 1889, e o impeachment da presidente Dilma Rousseff (processo que o artista classifica como “golpe de estado”). Enquanto compõe para o décimo álbum de estúdio da Dorsal, Carlos Lopes prepara o lançamento de um livro de quadrinhos com a história banda. Mas a graphic novel, produzida com recursos de uma campanha de financiamento coletivo pela internet, não será sua primeira incursão no mercado editorial. Além de trabalhar como subeditor da revista Rock Press no fim dos anos 1990, ele publicou os livros Guerrilha!(biografia oficial do grupo), Mágica vida mágica (relato de suas experiências com fenômenos parapsicológicos) e O Segredo J (ficção produzida a partir de um estudo sobre política e teorias conspiratórias). Sua “gaveta” ainda tem três romances inéditos, além de contos que costuma inscrever em concursos literários. Ou seja: não inclua Lopes no rol dos músicos brasileiros que se aventuraram pelas letras nos últimos anos (Dado Villa-Lobos, Marina Lima, Humberto Gessinger, Lobão, etc.). Para ele, a tendência pode ser apenas uma estratégia de marketing para lucrar em cima de quem já está em evidência na mídia. “Não sei se é genuíno. No meio musical há muita superficialidade, e isso explica o pouco aprofundamento das biografias nacionais. A obra é o reflexo do artista. Artista vazio, obra vazia.” Se for para ler autores contemporâneos, ele prefere Maria Valéria Rezende, Luiz Ruffato, Thomas Pynchon, David Foster Wallace, Michael Cunninghan e Chico Buarque — o único músico da lista, porém acima de qualquer suspeita. “Um livro do Chico Buarque é uma coisa, um da Maitê Proença é outra”, faz questão de frisar.

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Nelson Hoineff |De Nelson para Nelson

O criador do Documento Especial e diretor dos filmes sobre Chacrinha, Paulo Francis e Cauby Peixoto fala de seus escritores preferidos, com destaque para o xará autor de A vida como ela é por Omar Godoy

Não é exagero dizer que Nelson Hoineff está entre os principais pensadores da comunicação e da cultura do Brasil na atualidade. Jornalista, documentarista, crítico de cinema, professor universitário e autor de vários livros sobre audiovisual e novas tecnologias, esse carioca nascido em 1948 acompanhou, registrou e analisou as muitas transformações que o país atravessou nas últimas cinco décadas. Sua marca registrada é uma abordagem sempre crítica e bem-humorada do país, como atestam seus trabalhos mais conhecidos do grande público — o programa de “televisão-verdade” Documento Especial (produzido nos anos 1990 e reprisado até hoje no Canal Brasil) e os filmes Caro Francis, Alô, alô, Terezinha! e Cauby Peixoto: Começaria tudo outra vez. Como era de se imaginar, foi o cinema que o capturou para o universo da arte e da comunicação. “Quanto eu tinha 14 anos, meus pais me levaram para a estreia de Fellini 8 ½. É a lembrança mais espetacular que eu tenho. Entrei no cinema um menino e saí outro. O filme mudou minha vida completamente, definiu quase tudo do meu futuro”, revela. Mas a literatura representa outra parte fundamental de seu repertório, também devido à influência da família. “Minha mãe e meu pai eram médicos. Ela psiquiatra e ele, pediatra. Não me lembro de bibliotecas muito amplas em casa, porém ambos me incentivaram desde cedo a ler e fui tomando gosto pelos livros aos poucos.” O pontapé inicial foi com Monteiro Lobato. Lia um título, passava para outro e relia os anteriores. Logo pulou para o gênero policial: Agatha Christie e, principalmente, Arthur Conan Doyle. “Li tudo do Sherlock Holmes dezenas de vezes e ainda sou muito influenciado por aqueles livros”, diz. Em seguida, já na adolescência, veio a descoberta de Shakespeare. Primeiro Hamlet e depois Macbeth, Romeu e Julieta, Otelo. “Todas essas obras mexeram comigo profundamente, e tenho certeza de que isso acontecia na base da sofisticação, da profundidade dos diálogos. Lia Shakespeare como um padre lê a Bíblia, e isso ainda acontece.” O encontro com Kafka, igualmente importante, aconteceu nessa mesma época. “Perdi as contas de quantas vezes li O processo. Acho que foi ali que comecei a entender como a literatura era capaz de expressar a nossa realidade”, conta. Fernando Pessoa e Maiakóvski (segundo ele, leituras quase compulsórias para os jovens de sua geração) também o influenciaram nos anos de formação. O jornalista, no entanto, acredita que foi “muito moldado” por Dostoiévski, Harold Pinter e, sobretudo, Nelson Rodrigues. “Mas é curioso que eu tenha conhecido Isacc Bashevis Singer [vencedor do Nobel de Literatura em 1978] só aos 29 anos. Gostaria que tivesse sido antes, porque ele acabou sendo importantíssimo para a minha compreensão dos paradoxos éticos do judaísmo”, completa. Outra descoberta tardia foi o chamado jornalismo literário. Hoineff já exercia a profissão quando entrou em contato com textos dos norte-americanos Truman Capote, Tom Wolfe e Norman Mailer. “Me impressionou muito a maneira pela qual eu identificava convergência de visões com autores desse naipe”, diz o jornalista, que hoje destaca a produção dos contemporâneos brasileiros Fernando Morais, Sérgio Augusto, Ivan Sant’Anna e Ruy Castro — com quem ele atualmente trabalha numa adaptação para o cinema de A noite do meu bem, mais recente livro do biógrafo, sobre a história do samba-canção. Hoineff ainda planeja um outro longa-metragem, inspirado na obra de seu mestre maior. “Estou desenvolvendo, ainda de forma embrionária, um novo projeto sobre as frases e ideias de Nelson Rodrigues. Vai se chamar ‘A revolução dos idiotas’”, adianta. Vale lembrar que um dos momentos mais lembrados de sua carreira é justamente uma edição do Documento Especial inteiramente baseada na tese rodrigueana de que “O grande acontecimento do século foi a ascensão espantosa e fulminante do idiota”. Também intitulado “A revolução dos idiotas”, o episódio, exibido em 1992, contou com depoimentos e reflexões de pesos pesados da intelectualidade e da arte do país, como Herbert de Souza, Antonio Houaiss, José Celso Martinez Corrêa, Plínio Marcos e Darcy Ribeiro. “Vou me aprofundar nesse conceito de que antigamente os idiotas se recolhiam à própria insignificância, mas, quando perceberam que estavam em superioridade numérica, passaram a ocupar todos os espaços importantes do Brasil e fazer com que os ‘melhores’ fossem obrigados a pensar como eles”, explica.

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Allan Sieber | Ataque “sincericida”

Conhecido pelo humor sarcástico, inclusive sobre si mesmo, o quadrinista se diz influenciado por escritores fortemente autobiográficos por Omar Godoy 

Faz sentido que a “praia literária” de Allan Sieber seja a dos autores que não têm medo de escancarar a própria vida, a ponto de chocar pela extrema sinceridade de seus relatos. Afinal, boa parte do sarcasmo presente em seus quadrinhos é direcionada para ele mesmo. Traumas de infância, neuroses, problemas de relacionamento e, mais recentemente, os desafios da paternidade são o motor de uma produção marcada pela autoironia, o humor negro e a crítica de costumes. “Acho que a literatura que mais influencia o meu trabalho é a de tom confessional. De Crumb a Bukowski, passando por Philip Roth e J.M. Coetzee”, afirma o artista gaúcho de 43 anos, radicado no Rio de Janeiro desde 1999. Nos quadrinhos, sua grande referência é o norte-americano Robert Crumb, ícone do underground. “Ele é supremo para mim. Aquela abordagem autobiográfica e o nível ‘sincericida’ em que ele chega sempre me marcaram muito.” Ainda no campo das HQs, Sieber cita duas obras clássicas e de cunho histórico que tiveram impacto direto em seu imaginário. Maus, do sueco Art Spiegelman, recria os sacrifícios enfrentados pelo pai do autor, um judeus polonês, para sobreviver ao Holocausto. E Gen — Pés descalços, do japonês Keiji Nakazawa, mostra como o quadrinista (então com 7 anos de idade) e sua família encararam as consequências do bombardeio atômico na cidade de Hiroshima. “Também leio muito o Daniel Clowes [mais conhecido no Brasil pela graphic novel Wilson], provavelmente o sujeito que melhor domina a narrativa em quadrinhos. É alta literatura”, recomenda. Entre os escritores propriamente ditos, Charles Bukowski é o nome mais forte de sua formação. “Leio e releio desde a adolescência. Ele estabelece uma cumplicidade única com quem se fodeu minimamente na vida. Por conta dele, passei a gostar de John Fante também”, conta o quadrinista, que também acompanha, desde sempre, o conterrâneo Luis Fernando Verissimo (cuja produção inclui, além do texto, tiras e cartuns). Reinaldo Moraes, Ricardo Lísias, Clarah Averbuck, Fausto Wolff e Philip Roth são algumas de suas leituras preferidas dos últimos anos. Sobretudo Roth, de quem Sieber procura ler tudo, especialmente os títulos mais recentes (como Homem Comum, Fantasma sai de cena, A humilhação). “São livros de velho, bem deprimentes, em que a morte e a decadência estão sempre presentes”, explica. Sobre a poesia, o artista reconhece que o gênero simplesmente “não bateu” para ele. Admira Mario Quintana, mas acredita que sua obra resvala na fronteira da prosa. Por outro lado, gosta dos microcontos de Dalton Trevisan, que considera quase poéticos. No fim das contas, considera- se “tosco” para entender o texto lírico. “Talvez eu tenha conhecido poetas muito ruins que me fizeram construir um muro antipoesia na minha vida”, diz Sieber, que se interessou pelos livros graças ao incentivo dos professores. “O hábito da leitura nunca esteve muito presente na minha casa. Meu pai gostava de quadrinhos, tinha muitas revistas Spirit, Fantasma, Gibi, essas coisas. Se ele leu três livros a vida inteira, foi muito”, ri. A profissão do “Seu Jouralbo”, no entanto, influiu diretamente na carreira do filho. Desenhista de publicidade, vivia cercado de material de desenho e histórias em  de quadrinhos “Além disso, eu sempre fui muito na minha, então ler era uma atividade prazerosa para mim”, lembra. Ainda sobre Jouralbo Sieber: em 2010, aos 80 anos, ele publicou, em parceria com o filho, seu primeiro livro de quadrinhos, Ninguém me convidou (reeditado em 2015). Ainda neste mês, a dupla lança outro título, O mundo segundo Jouralbo, em que mais de 40 quadrinistas de todo o Brasil desenham histórias escritas pelo veterano. “São quase 300 páginas, estou trabalhando nesse projeto desde 2012”, revela Allan, autor de mais de 15 livros do gênero. Apesar do currículo extenso, ele não se empolga com o mercado editorial de quadrinhos para adultos. “A [editora] Conrad puxou um bonde no final dos anos 90, e começou a ter uma sessão de quadrinhos bem fornida nas livrarias. Mas, em geral, o brasileiro ainda acha que o quadrinho é coisa para criança, retardado, ou as duas coisas. Não vende, simplesmente”, afirma o artista, que tem vontade de escrever ficção. “Sou muito autocrítico, mas é uma ideia que me persegue, principalmente por ser sem desenho. Já pensou que maravilha? Desenhar às vezes cansa.”

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Ciro Pessoa | Em dia com a rebeldia

Compositor de clássicos do rock nacional como “Sonífera Ilha” e “Homem Primata”, o músico e jornalista fala de seu envolvimento com poesia, política e budismo por Omar Godoy

Aos 58 anos, Ciro Pessoa finalmente vai lançar seu primeiro livro. Relatos da existência caótica, que sai até o fim deste mês pela editora portuguesa Chiado, reúne cinco dos 11 volumes de poesia escritos — e nunca publicados — pelo músico e jornalista ao longo das últimas três décadas. Sempre lembrado na cena roqueira como líder da banda pós-punk Cabine C, Pessoa também fez parte da primeira formação dos Titãs (é coautor de hits como “Sonífera ilha”, “Toda cor” e “Homem primata”) e até hoje desenvolve projetos musicais independentes. Mas, ultimamente, vem chamando a atenção por seu posicionamento, digamos, contundente contra o governo federal.

Ao lado de contemporâneos como Lobão e Roger Moreira (Ultraje a Rigor), Ciro Pessoa vem praticando uma militância permanente de oposição na internet. E não se importa de ser chamado de “reaça” por causa disso. “Sim, sou um radical. Pode me chamar do que quiser. Odeio comunistas e esquerdopatas em geral”, afirma o artista. Segundo ele, essa indignação começou em 2010, quando lançou o disco solo Em dia com a rebeldia e não conseguiu divulgá-lo por não fazer parte de uma determinada “panela” de artistas alinhados com a situação. Felizmente, o assunto central desta entrevista é bem mais agradável: a poesia, gênero que fisgou Pessoa ainda criança, graças ao rock and roll. Mais especificamente, por meio dos álbuns Yellow Submarine(Beatles) e Os Mutantes (do grupo paulista homônimo), ambos lançados no final dos anos 1960. “Lembro da minha mãe traduzindo o refrão da música ‘Yellow Submarine’ e do meu espanto e alegria ao saber que a ficção, a imaginação, o não real, também pertenciam à vida”, conta. A partir daí, outros roqueiros com pegada literária passaram a fazer sua cabeça, como Lou Reed, David Bowie, Jim Morrison e Jimi Hendrix (“Sim, Hendrix foi um grande poeta também”, diz). Seus poetas preferidos são os portugueses Fernando Pessoa, Mario de Sá Carneiro e Camilo Pessanha, os franceses Charles Baudelaire e Arthur Rimbaud e o norte-americano Walt Whitman. As correspondências de Antonin Artaud, também francês, foram igualmente decisivas para sua formação. “Eu cursava duas faculdades, Jornalismo e Direito, quando li uma coletânea de cartas escritas por ele. Aquilo pirou a minha cabeça e fez com que eu largasse os dois cursos e viajasse pela França, onde fiquei por dois anos”, lembra. Envolvido com o budismo desde os anos 1990, o artista também se interessa pela poesia filosófica oriental. “Quem se envolve com o budismo dificilmente se livra dele. Ele está absolutamente presente no meu dia a dia, no meu comportamento e nas minhas convicções”, explica. E cita alguns autores tibetanos, como Chögyam Trungpa, Drupka Kunley e Jetsün Milarepa. “Meu livro, aliás, está permeado de pensamentos budistas do começo ao fim”, avisa. No campo da prosa, Pessoa confessa uma influência marcante da literatura norte-americana pré e pós-beat — Charles Bukowski, Henry Miller, John Fante, Jack Kerouac. Ainda cita o francês Louis-Ferdinand Céline e os argentinos Julio Cortázar, Jorge Luis Borges e Adolfo Bioy Casares. Entre os brasileiros, apenas três conseguiram cativá- -lo: Campos de Carvalho (“O melhor de todos”), Oswald de Andrade (“Gosto de algumas obras, como Serafim Ponte Grande e João Miramar) e “o Guimarães Rosa de Grande sertão: veredas”. Quando o assunto é a produção poética dos rock nacional oitentista, seu berço artístico, Pessoa concorda com a opinião geral de que os textos tinham mais força naquela época. Para ele, o embasamento intelectual de figuras como Renato Russo ou de alguns integrantes dos Titãs fez toda a diferença. “Muitos compositores desse período tinham um vínculo muito forte com a poesia e a literatura”, diz, para depois alfinetar a geração atual. “Não estou vendo absolutamente nada acontecendo hoje. Acabou. Está tudo uma merda.” Ainda assim, Ciro Pessoa não desiste de fazer música. No momento, o artista e sua banda de apoio (batizada de Nu Descendo a Escada) ensaiam um set com poemas musicados, extraídos de Relatos da existência caótica. A ideia é estrear no evento de lançamento e depois excursionar por outras cidades brasileiras. Enquanto isso, ele segue colaborando como freelancer para veículos da imprensa e já prepara um segundo livro, dessa vez de ficção. “É sobre uma grande história de amor, e terá uma narrativa com pinceladas de surrealismo”, adianta, por hora.

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Ivan Cardoso | Kakfa é botafoguense

O cineasta, criador do gênero “terrir”, conta como os livros contribuíram para a formação de seu imaginário fantástico e contracultural  por Omar Godoy

“Se você quer ter um filho artista, tenha um filho único. Porque a realidade mais próxima de uma criança sem irmãos é a ficção, a fantasia”, afirma o cineasta e fotógrafo carioca Ivan Cardoso, conhecido por filmes como O segredo da múmia (1982), As sete vampiras (1986) e O escorpião escarlate (1990). Aos 62 anos, o criador do gênero “terrir” (misto de terror com comédia) fala por experiência própria. “Como fui filho único até os 13 anos, tive uma infância dourada, meus pais me criaram como um príncipe. Só que eles esqueceram de me contar que eu não era príncipe, que aquele castelo não era meu e que não existia um tesouro escondido que me deixariam de herança”, brinca.

Seja como for, esses primeiros 13 anos foram suficientes para a criação de um imaginário rico, alimentado por vários tipos de leitura — a começar pelos quadrinhos. Aos 6 anos, Cardoso já era fã dos personagens da Disney quando teve de passar uma semana de molho em casa por causa de uma doença. Foi quando conheceu uma série de heróis norte- -americanos que ainda hoje ecoam em sua obra: Mandrake, Zorro, Tarzan, Roy Rogers, Flash Gordon, Batman, Super- -Homem. “Tinha um faxineiro no meu prédio, o Seu Altair. Ele viu que eu não podia sair para brincar e me emprestou a sua coleção de revistas. Foi uma descoberta, porque aquele universo era totalmente desconhecido para mim.”

Mas foi um livro, e não um gibi, o verdadeiro marco inicial de sua formação. Uma biografia de Van Gogh, meio perdida na coleção da mãe do cineasta, serviu como ponto de partida de sua futura carreira. “Não tenho mais esse livro, não lembro do nome e nem do autor. Só sei que aquilo foi uma revelação para mim. Fiquei impressionado com a parte em que o Van Gogh chega a Paris e conhece todos aqueles outros gênios da pintura, como Gauguin, Toulouse- -Lautrec, Seurat. Eu tinha 11, 12 anos, já pintava alguns quadros. E foi a partir da leitura dessa biografia que comecei a pensar em ser artista.”

Outras influências decisivas foram as revistas e livros de fotografia de seu pai e a biblioteca de 500 volumes herdadas do avô — o militar e político Dulcídio do Espírito do Santo Cardoso, último prefeito do Rio de Janeiro na Era Vargas. “Como todo pai, o meu também me contava histórias. Não sei se foi porque ele morou na América um tempo, mas a história que mais contava era a dos irmãos Jesse e Frank James. Gozado, não? Por causa do meu pai, meus primeiros heróis foram dois fora da lei americanos”, conta Cardoso, que sempre se definiu como “o mais americanófilo dos diretores brasileiros”.

Ou seja: seu gosto pela cultura pop e pelo lado marginal da vida surgiu muito cedo, e foi só uma questão de tempo para que se transformasse em expressão. Tanto que, ao chegar no ensino médio, Cardoso logo virou um agitador cultural da escola, participando ativamente do jornal dos alunos e organizando palestras com artistas convidados. Quando queria conhecer alguém que admirava, dava um jeito de incluir a figura nos projetos do colégio. Graças a essa “malandragem”, como ele mesmo diz, entrou em contato com grandes nomes da intelectualidade carioca, entre eles seu grande mentor, o artista plástico Hélio Oiticica.

“Eu perseguia essas pessoas, mas elas também tabelavam comigo”, afirma o cineasta, que saiu do periódico escolar para as páginas da revista Navilouca, projeto dos poetas Waly Salomão e Torquato Neto inspirado no concretismo, na Tropicália e nas novas contraculturas dos anos 1960 e 1970. A publicação teve uma única edição, mas serviu para incluir Cardoso naquela turma e apresentá- lo a um trio que também faria sua cabeça dali para frente: Décio Pignatari e os irmãos Haroldo e Augusto de Campos — os cabeças da poesia concreta.

“O pessoal da revista me mandou para São Paulo para fotografá-los. Eu já conhecia poesia, até gostava do João Cabral de Melo Neto, mas o trabalho deles me deixou pirado, siderado”, lembra. Tão siderado que até hoje suas leituras têm relação com o universo dos três. Sua lista de autores prediletos nacionais inclui, além dos concretos, Oswald de Andrade, Nelson Rodrigues, José Agrippino de Paula, Dyonélio Machado, Sousândrade e “todas as letras do Lupicínio Rodrigues”.

De resto, diz que tem horror ao cânone da literatura brasileira. “Machado, Graciliano, Clarice... Tô fora dessa. Enquanto o pessoal lia isso, eu estava mais interessado em ácido, maconha e Jimi Hendrix. Imagino que a obra do Machado seja genial. Mas, pô, ele é o patrono da Academia Brasileira de Letras! Prefiro ficar com os marginais”, explica, antes de elencar os 25 livros estrangeiros de que mais gosta. Uma seleção de clássicos que vai de Dom Quixote a O retrato de Dorian Gray, passando por Moby Dick, Frankenstein e todas as histórias de Sherlock Holmes.

Sobre o detetive britânico, Cardoso faz uma “denúncia”: é dele, e não de Jô Soares, a sacada de ambientar uma trama de Sherlock no Brasil. “Isso está gravado, falei isso para o Jô quando o programa dele ainda era no SBT. Pena que não posso processá-lo por uma ideia que não foi realizada”, lamenta, com o tom sarcástico que é uma de suas marcas registradas.

Franz Kafka também está no seu rol de obsessões. Inclusive o cineasta fotografou seu túmulo há pouco tempo, em Praga, onde apresentou o filme Bacanal do diabo (2013). Mais do que um passeio turístico, a visita rendeu, segundo ele, “um inusitado e assombroso encontro do terceiro grau”. Vestido com uma camisa do Botafogo, que costuma usar em festivais internacionais para conquistar a simpatia dos estrangeiros, Cardoso clicava a sepultura quando começou a sentir uma vibração estranha, uma presença. Era o próprio Kafka materializado em sua frente.

“Ele não parava de falar do Botafogo. É impressionante como o Kafka conhece tudo sobre a história gloriosa do clube, sua situação e até a escalação do time. Eu querendo conversar sobre literatura, sobre seus clássicos, e ele só falando sobre futebol. Só sossegou quando lhe dei a minha camisa alvinegra. Depois fiquei pensando: é óbvio que o Kafka só poderia ser botafoguense. Para qual outro time no mundo ele poderia torcer?”, diverte-se.

Delírios à parte, o fato é que Ivan Cardoso já está há dez anos afastado do circuito de exibição brasileiro (seu último longa apresentado em salas comerciais foi Um lobisomem na Amazônia, de 2005). Desde então, desistiu de filmar com recursos das leis de incentivo (“Os editais beneficiam os cineastas, não o cinema”) e se dedica a produções experimentais, apresentadas em mostras alternativas no Brasil e no exterior.

Sua subsistência, no entanto, vem do acervo com mais de 70 mil fotos de artistas e intelectuais que tirou ao longo dos anos — algumas delas, as mais clássicas, estão registradas no livro De Godard a Zé do Caixão (2002). “Com esses negativos eu produzo as minhas exposições, que me levam para o mundo inteiro. Mas nunca parei de filmar. Tenho tanta coisa guardada que, se quisesse parar hoje, teria um filme por ano para lançar até o final da minha vida”, garante, incansável, o botafoguense kafkiano.

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Vilma Slomp | Por trás da imagem

Autora de retratos dos principais escritores curitibanos, a fotógrafa revela seu gosto por livros de arte, poesia e filosofia  por Omar Godoy

Vilma Slomp se orgulha de ter fotografado praticamente todos os escritores consagrados de Curitiba — nascidos ou radicados na cidade. Conhecida por seus retratos de personalidades paranaenses, ela coleciona registros de Paulo Leminski, Alice Ruiz, Wilson Bueno, Jamil Snege, Cristovão Tezza, Helena Kolody, Valêncio Xavier e até do paulista Décio Pignatari, que viveu durante um tempo por aqui. “Todos são ou foram meus amigos em algum momento”, afirma a fotógrafa de 63 anos, que já passou por todas as áreas da profissão e hoje se dedica mais a trabalhos autorais. Segundo ela, a lista possui três lacunas. Uma delas é impreenchível, pois o autor de Comendo bolacha Maria no dia de São Nunca, Manoel Carlos Karam, morreu em 2007.

Miguel Sanches Neto, que agora vive em Ponta Grossa, será retratado quando voltar de uma temporada em Portugal. Sobra um desafio: convencer Dalton Trevisan, cuja reclusão só permite, no máximo, um clique de surpresa no meio da rua. “Já tive a oportunidade de flagrá-lo na frente de casa, mas achei que seria uma falta de respeito. Tentei entrar em contato com ele duas vezes, por meio de amigos em comum, mas ainda não deu certo”, diz, com uma ponta de esperança.Leitora de todos os autores citados acima, a fotógrafa tem uma predileção pelas obras de Paulo Leminski e Alice Ruiz. 

Os dois poetas ainda eram casados quando Vilma os conheceu, no final dos anos 1970, durante uma palestra ministrada por Leminski. “Voltei para casa encantada, contando para o Orlando [Azevedo, seu marido, também fotógrafo] que aquele cara ‘vomitava sabedoria’”, lembra. Naquela época, auge do desbunde no Brasil, Orlando ainda era baterista da banda A Chave, um clássico do rock local. “A contracultura mexeu com todo mundo. Até meu pai ouvia os discos dos Beatles. Eu lia muita coisa sobre feminismo e adorava o Pasquim”, conta. Fiel ao espírito do período, Vilma construiu sua formação sozinha, buscando informações em publicações importadas. Desde então, suas principais leituras são os livros de arte, que ocupam uma sala inteira de seu estúdio / galeria, no bairro curitibano das Mercês. “Me interesso, principalmente, pelo processo criativo dos artistas, pelos bastidores das grandes obras.” A poesia também tem lugar cativo na sua mesa de cabeceira.

 Além dos preferidos e já citados Paulo Leminski e Alice Ruiz, ela tem lido Arnaldo Antunes e Waly Salomão. Outra leitura recente foi a biografia de Clarice Lispector escrita pelo norte-americano Benjamin Moser. “É um trabalho fantástico, profundo, que vai na raiz da história dela. Ainda mais se a gente levar em conta que o autor é extremamente jovem. Estou esperando o próximo livro dele, sobre a Susan Sontag”, diz. Quanto à ficção, Vilma admite que não tem consumido muito, apesar de ter sido uma boa leitora de contos e romances ao longo da vida. “Meus pais não fizeram faculdade, mas tinham uma cabeça muito aberta, viajaram o mundo inteiro. Além disso, tenho quatro irmãos mais velhos que também me influenciaram bastante. 

Lá em casa sempre teve muito livro e revista. Clássicos da literatura, enciclopédias, gibis, O Cruzeiro, Manchete”, conta a fotógrafa, que ainda guarda o primeiro volume marcante de sua trajetória. “Chama-se O jacarezinho egoísta. Ganhei aos 8 anos, quando tirei o segundo lugar num concurso de redação da escola, em Campo Mourão [no interior do Estado]”. A exemplo dos irmãos, ela completou os estudos em Curitiba, no colégio Sion, onde se exigia a leitura de um livro por semana. “Tínhamos excelentes professores, que nos incentivaram a ler Machado de Assis, José de Alencar, Eça de Queirós, Edgar Allan Poe, Charles Dickens, etc. Mais tarde, conheci Jorge Luis Borges, Júlio Cortázar, Gabriel García Márquez. O último romance que li, e adorei, foi Ana em Veneza [de João Silvério Trevisan]”, conta. A filosofia também figura entre seus interesses. Tanto que, no ano passado, Vilma se inscreveu num curso livre dedicado especialmente às tragédias gregas. De qualquer forma, a leitura para ela é mais do que um hobby ou uma forma de adquirir conhecimento. 

“Serve como um calmante para mim. Às vezes, estou cansada do trabalho no estúdio e tiro meia hora para ler alguma coisa, ali mesmo. Aliás, ler para mim é que nem dormir: posso fazer em qualquer lugar”, diverte-se. Com cinco livros de fotografia publicados, entre eles Dor (1998) e Curitiba central (2013), Vilma Slomp faz uma revelação: escreve poesia “escondida embaixo da cama” e gostaria de lançar uma reunião dessa produção. “Sou muito conversadeira, e uma forma de me expressar é escrevendo. Já fiz até uma oficina de haicai com a Alice Ruiz, nos anos 1980. Se você pegar o meu trabalho, vai ver que eu sempre tento colocar poesia nas imagens”, diz a fotógrafa, que em 2016 pretende lançar o projeto de livro e exposição Arte e poder no PR, só com retratos de políticos e artistas paranaenses — incluindo os escritores citados aqui e que sempre confiaram em seu olhar.

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Dado Villa-Lobos | Clássicos obrigatórios

Com um livro de memórias recém-lançado, o guitarrista fala de sua formação literária baseada em grandes autores da literatura brasileira e mundial por Omar Godoy

Dado Villa-Lobos acaba de engrossar a fileira dos músicos brasileiros que se enveredaram pelo mercado editorial. A exemplo de figuras como Lobão, Marina Lima, Kledir Ramil (da dupla com Kleiton), Erasmo Carlos e Humberto Gessinger, entre outros, o guitarrista também está com um livro na praça: Memórias de um legionário (editora Mauad X), escrito por ele com a colaboração do historiadores Felipe Demier e Romulo Mattos. “É um novo modelo de negócios, pois a vida do músico não está fácil”, brinca, tentando explicar essa tendência dos últimos anos.

O projeto foi uma ideia de Demier, fã da Legião Urbana e companheiro de pelada de Dado. Mas só se consolidou algum tempo depois, com a entrada de Mattos, que sugeriu uma produção a seis mãos — os historiadores cuidariam da pesquisa e organização do material, enquanto o músico se concentraria apenas em contar suas histórias. Empolgado com a leitura de Life (livro de memórias de Keith Richards, dos Rolling Stones) e confortável na condição de narrador, o “legionário” enfim topou a empreitada.

“O processo foi intenso e demorado, mas divertido. Achei bacana para mim e para os fãs. Quem sabe agora não posso partir para a ficção, talvez escrever alguns contos?”, diz. Influências, segundo ele, não faltam. Filho de uma artista plástica e de um diplomata que tocava piano clássico, Dado Villa-lobos foi estimulado a ler desde pequeno. “O ambiente em casa sempre foi cheio de livros. Das enciclopédias a Monteiro Lobato, passando por Jorge Amado, Molière, Sartre, Poe, García Márquez. Também lembro dos quadrinhos da Mafalda, Asterix, Tintim, Tio Patinhas.”

Edgar Allan Poe foi o primeiro autor que realmente o impressionou, a partir de uma coletânea de contos com tradução francesa de Charles Baudelaire (Dado viveu em Paris durante parte da infância). “Eram histórias de terror muito reais e possíveis”, lembra o guitarrista. Outro nome fundamental dessa primeira fase de leituras é Jean Baptiste-Poquelin, o Moliére. “Obras como O doente imaginário, O avarento e Escola de mulheres me fizeram procurar outras peças de teatro, como O rinoceronte, do Ionesco, e As moscas, do Sartre.”

De volta ao Brasil, o músico passou a se interessar pelo que chama de “clássicos obrigatórios”. Incentivado pela escola, leu com gosto Lima Barreto, Jorge Amado, Machado de Assis e outros autores canônicos nacionais. “Lembro de ter adorado Triste fim de Policarpo Quaresma, do Lima Barreto, que minha turma toda leu e depois discutiu em sala de aula. Nessas oportunidades, alguém invariavelmente dava uma dica interessante, como o Cem anos de solidão, do García Márquez. Assim, eu fui lendo tudo o que chegava pela escola, pelos amigos, pais, irmãos”, conta.

Esses caminhos o levaram a Dostoiévski, um de seus escritores preferidos. “Quando li O idiota, percebi que a linguagem das telenovelas estava toda ali. Fiquei impressionado e parti para Noites brancas, O jogador, Os irmãos Karamazov. Nessa mesma época, tive a fase ‘romance policial’, que adoro até hoje. Sou fã de Dashiell Hammett. Raymond Chandler, Chester Hime e, claro, Agatha Christie”, revela.

Rubem Fonseca também acaba entrando na conversa, já que Dado compôs a trilha do filme Bufo & Spallanzani (2001), baseado na obra do autor mineiro nonagenário. “Já conhecia O selvagem da ópera e Agosto. Mas foi só depois do Bufo que comecei a ler os contos, todos sensacionais. Tive a sorte de estrear na música para cinema tendo uma história do Rubem como fonte de inspiração”, afirma.

Saindo do terreno dos clássicos, o guitarrista cita autores contemporâneos como Will Self, Ian McEwan, Michel Houellebecq e Amélie Nothomb. Entre os brasileiros, acompanha a produção de Luiz Alfredo Garcia Roza, Marcelo Rubens Paiva e Fausto Fawcett, seu parceiro musical e amigo particular. “O Fausto é uma fonte inesgotável da filosofia do comportamento humano radical. Sempre discutimos a obra dele. Seu livro Favelost é ficção/premonição pura”, define.

Sobre Renato Russo, Dado se limita a contar que os dois às vezes conversavam sobre literatura e trocavam indicações. “Ele me deu de presente uma edição em francês de A montanha mágica, do Thomas Mann”, diz. Como se sabe, o título do livro batizou uma faixa da Legião Urbana presente no álbum V, lançado em 1991.

Em tempo: a entrevista foi realizada dias antes de o Supremo Tribunal Federal decidir pela liberação de biografias não autorizadas previamente. Questionado sobre o assunto, o músico se mostrou totalmente favorável à liberdade para a pesquisa e publicação desse tipo de obra. “Devo muito a autores como Ruy Castro, Paulo César de Araújo e Nelson Motta, que registram parte importante da nossa história em seus livros. Para mim, não faz sentido esse cerceamento. Que liberem, por favor!”

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Uyara Torrente | Refúgio na ficção

Criada entre poetas, a vocalista da Banda Mais Bonita da Cidade revela que gosta mesmo é de ler contos, especialmente os de J.D. Salinger e Miranda July por Omar Godoy

Os habitantes de Paranavaí, no noroeste paranaense, costumam dizer que moram na “Cidade Poesia”. O apelido surgiu na década de 1960, com a criação e consolidação de um festival anual que até hoje mexe com a cena cultural do município. Prestes a realizar sua 50ª edição, o Femup (Festival de Música e Poesia de Paranavaí) já formou pelo menos quatro gerações de cantores, músicos e escritores. Uma das “crias” desse ambiente é a paranavaiense mais famosa do Brasil nos dias de hoje: Uyara Torrente, 28 anos, vocalista da Banda Mais Bonita da Cidade (do hit “Oração”). Uyara, que já participou do Femup e foi premiada, é filha de Dorival Torrente, um dos principais agitadores culturais da cidade. Conhecido por sua atuação no Gralha Azul (conjunto musical que resgata temas e sonoridades paranaenses) e no Teatro Estudantil de Paranavaí (grupo na ativa há mais de 30 anos), ele também é lembrado pela habilidade na declamação de poemas — uma tradição local. “Meu pai consegue ficar uma hora declamando sem parar. E sabe tudo de cor. Lembro dele recitando textos longuíssimos do Patativa do Assaré”, diz a atriz e cantora, radicada em Curitiba desde o ingresso no curso de Artes Cênicas da Faculdade de Artes do Paraná (FAP). Ela conta que, além de ouvir poemas em casa, vivia rodeada de livros. A maioria, como se pode imaginar, de poesia. “Tínhamos as obras completas do Vinicius, do Drummond, do Manoel de Barros... Mas só me dei conta da quantidade de livro que a gente tinha quando fomos assaltados uma vez. Os ladrões invadiram a casa quando não estávamos e bagunçaram tudo. Quando chegamos, a primeira coisa que me chamou a atenção foi aquele monte de livro jogado no chão”, lembra. Uyara, no entanto, não é “fissurada” em poesia, como ela mesma diz. Admira os autores clássicos citados acima e contemporâneos como Fabrício Noronha, Pedro Rocha, Luiz Felipe Leprevost e Vitor Paiva (seu ex-namorado), mas gosta mesmo é de ler ficção. E, de preferência, contos. Tem dois escritores de cabeceira, ambos norte- americanos: J.D. Salinger e Miranda July. “O que me atrai no Salinger é a maneira como ele entrelaça os personagens em todos os livros. A obra dele é toda costurada, e eu fico imaginando como seria se cada personagem daquela família tivesse seu próprio livro.” A paixão por July (também cineasta, atriz e artista visual) é mais intensa. “Ela mudou a minha vida. Um livro como É claro que você sabe do que estou falando consegue despertar sensações que vão do grotesco ao sublime”, afirma. Para Uyara, o mundo anda “acelerado, doido, duro”, e as pessoas deixaram de se entregar. Nesse sentido, a obra da autora americana representa uma espécie de “resgate do afeto”. “As personagens dela estão sempre tentando se conectar com coisas concretas, estão sempre tentando encontrar um chão. Mesmo se for por caminhos estranhos, bizarros.” Não à toa, o “afeto” é um dos temas centrais do ideário da Banda Mais Bonita e de toda uma geração de artistas que está deixando sua marca na cultura de Curitiba. “Éramos só um grupo de amigos da FAP, a maioria vinda do interior, de cidades quentes, onde se anda à vontade, descalço, com pouca roupa. Só fui saber que isso era coisa de bicho grilo quando cheguei aqui na capital”, conta. “Ser maldito, rock and roll, ‘pau na mesa’ também é legal. Mas a gente não era assim, sentia falta das coisas mais ‘ensolaradas’ da vida, de um respiro. Se abraçar um amigo no Torto (bar do centro da cidade que virou ponto de encontro dessa turma) ou usar flor no cabelo é coisa de hippie, de fofo, então eu sou tudo isso com orgulho”, completa. Mas nem só de sol vive a artista, que também desenvolve um trabalho como atriz com a “sombria” Companhia Vigor Mortis — cujos filmes e espetáculos teatrais combinam humor negro, terror e referências trash. Depois de atuar no longa-metragem Nervo craniano zero, ela agora ensaia para o próximo espetáculo do grupo, Lobos nas paredes (um musical infantil, porém inspirado no universo dark do britânico Neil Gaiman, autor de Sandman e Coraline). “Viu como eu não sou só uma menina de vestido florido?”, brinca Uyara, que neste ano ainda está envolvida no lançado de um DVD ao vivo da Banda Mais Bonita e na gravação do terceiro álbum do grupo (fora a agenda de shows). Em meio a tantos compromissos, Uyara tem encontrado refúgio nos livros do japonês Haruki Murakami. Terminou Minha querida Sputnik e agora se dedica a Após o anoitecer. “Ele cria situações malucas e surreais, mas ao mesmo tempo tão poéticas que você acaba ‘comprando’ aquela ideia.” Segundo ela, a descoberta de Murakami coincidiu com um momento de reaproximação com a leitura. “Percebi que a timeline do Facebook estava tomando todo o meu tempo livre em casa. Me senti emburrecida, fiquei desesperada e decidi sair da rede por uns tempos. Só assim consegui voltar a ler com tranquilidade”, afirma.

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Ivam Cabral | Tudo é influência

Da ficção à poesia, dos clássicos aos contemporâneos, nada escapa do interesse permanente que o fundador da Cia. de Teatro Os Satyros tem pela literatura por Omar Godoy 

Ivam Cabral lembra do primeiro livro que leu sozinho, ainda criança, em Ribeirão Claro (PR): O feijão e o sonho, de Orígenes Lessa. “Sozinho” porque sua formação literária começou a partir de leituras coletivas, em casa, puxadas pela mãe. “Como não tínhamos televisão, encerrávamos nossas noites sempre com essa leituras. Eram livros comprados de vendedores que apareciam na cidade em kombis. Minha mãe adorava Machado de Assis, especialmente os contos”, explica o ator, diretor e dramaturgo de 51 anos, conhecido por seu trabalho à frente da premiada Cia. de Teatro Os Satyros (cofundada por ele na capital paulista em 1989).

Filho de um pedreiro analfabeto e de uma costureira que estudou apenas até a quarta série primária, Cabral não teve uma vida fácil com seus outros cinco irmãos. Mas, graças ao esforço da mãe, cresceu sabendo que cursaria uma faculdade e teria um destino diferente dos pais. As reuniões noturnas, portanto, eram parte decisiva desse projeto maior que a mãe tinha para a família. “Valia de tudo. Além do Machado, líamos Aluísio Azevedo, Lima Barreto, Monteiro Lobato. Até José de Alencar, que meus irmãos achavam tedioso, eu adorava. A pata da gazela, A moreninha... Aquilo era a coisa mais linda do mundo para mim”, diz, rindo. As leituras em grupo acabaram quando a televisão chegou em casa. Já adolescente, ele passou a emprestar volumes da biblioteca municipal da cidade, dividindo-se entre as sugestões da bibliotecária e as primeiras descobertas pessoais. Entre os 15 e os 18 anos, conheceu J.D. Salinger, Virginia Woolf, Clarice Lispector, Hilda Hilst, Caio Fernando Abreu e dramaturgos como Oscar Wilde, Nelson Rodrigues, Shakespeare — fundamentais para sua futura formação em teatro. “Nessa época, também descobri o prazer de ler poesia. Fernando Pessoa caiu em minha vida quase como um oráculo.” Além de desenvolver o gosto pela literatura, Ivam Cabral cresceu em contato com a música e o teatro,praticados na igreja católica que ficava a menos de 100 metros de sua casa. Acabou se mudando para a capital do Estado, onde cursou Artes Cênicas na PUC e teve de correr atrás de autores a que ainda não tinha acesso. “Beckett, Bergman, Ionesco, Lorca, Woody Allen, García Márquez... Nada disso havia chegado em Ribeirão Claro”, diverte-se. “Em Curitiba, eu descobriria outros nomes incríveis, como João Silvério Trevisan, Márcia Denser, Sérgio Sant’Anna, Ana Cristina Cesar, Ignácio de Loyola Brandão”, completa. Um parágrafo especial deve ser dedicado à poesia de Portugal, país em que viveu durante sete anos após se formar. “Parte das minhas referências vêm de lá. Fiz 30 anos morando em Lisboa, é um momento importante na formação de uma pessoa”, diz. Além de mergulhar ainda mais na obra de Fernando Pessoa, envolveu-se com a produção de nomes como Al Berto, Herberto Helder e Ondjaki. O resultado dessa imersão foi o programa de canções e poemas Os cantos de Portugal, que ele produziu e apresentou por mais de 10 anos na Rádio Educativado Paraná (hoje éParaná). Outro assunto que merece um espaço de destaque é a relação dos Satyros com a obra do Marquês de Sade — o autor mais marcante na trajetória da companhia teatral. “Descobrimos Sade logo no início da nossa carreira, em 1990. A partir dali, nossas vidas nunca mais seriam as mesmas”, afirma. Segundo ele, o francês libertino é responsável por colocar o grupo num estado permanente de questionamento e observação. “Seus argumentos, embora enfáticos e, aparentemente, definitivos, abrem arestas para as dúvidas que não temos condições de responder de pronto. Principalmente no terreno moral e filosófico. É um dos autores que mais nos perturbam, ao lado de Nietzsche e Schopenhauer”, explica. Mas os interesses literários de Cabral não se limitam aos clássicos. Ele acompanha a produção contemporânea e tem uma lista de escritores preferidos que “muda sempre”. “Acho que sou influenciado o tempo todo. A cada nova leitura, surge uma imensidão de referências e estados. Mesmo quando a obra não é tão legal assim, mesmo quando você se decepciona. Há infinitas possibilidades na literatura. Seus eleitos no momento são a nigeriana Chimamanda Ngozie Adichie, o italiano Alessandro Baricco, o moçambicano Mia Couto e o alemão Wolf Erlbruch. Entre os nacionais, cita Veronica Sitgger, Santiago Nazarian, Marcelino Freire e Ivana de Arruda Leite. “Propositalmente, elenquei quatro que não têm a ver um com o outro”, diz o artista, que até pouco tempo mantinha em seu site (www.terrasdecabral. com.br) uma seção chamada “O que estou lendo?”. “É um espaço que está sendo reformulado e volta em agosto. As pessoas entram em contato, querem falar, dividir opiniões. Já cheguei a receber mais de 2 mil visitas diárias.” Os textos para a internet também renderam um livro, Terras de Cabral — Crônicas de lá e cá (2013), sua primeira publicação fora do universo da dramaturgia. No ano seguinte, lançou um infantil, Chico só queria ser feliz, que será seguido por um novo volume de crônicas. Questionado se pensa em escrever um romance, ele revela que já tem uma ideia “rabiscada”. “Mas, para isso, terei que dar uma parada, ir para minha casinha em Parelheiros (SP), no meio do mato, e forçar a imersão.” Como se não bastassem todas as atividades com os Satyros, a publicação de livros e outros projetos paralelos, Ivam Cabral também acumula a função de diretor da SP Escola de Teatro, mantida pela Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo. Uma rotina puxada, que teve de ser interrompida no fim do ano passado, quando ele foi submetido a uma cirurgia para a retirada de um nódulo na tireoide. “Fui aos extremos, pensei na morte. Mas isso não é triste nem preocupante, pois serviu para a reflexão e me deixou um cara melhor. De qualquer forma, 2014 foi o ano mais incrível da minha vida. Nunca fui tão premiado, paparicado e distinguido. Ando ficando mal acostumado”, brinca.

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Letícia Novaes | Encontros e entregas

“Multimídia”, a vocalista da dupla Letuce conta como a literatura influenciou todas as atividades artísticas que desenvolve por Omar Godoy

Quem acompanha a cena musical independente conhece a carioca Letícia Novaes por causa da dupla Letuce, que desde 2007 circula pelos palcos do país mostrando seu rock emepebístico e romântico. Os conterrâneos, no entanto, já estão acostumados com uma artista mais versátil, que além de cantora, compositora e instrumentista é atriz, comediante, apresentadora, poeta, desenhista e, desde março, colunista do jornal O Globo. “Meu público obviamente aumentou e se diversificou depois da coluna. Outro dia recebi um e-mail de uma senhora de 72 anos, foi uma alegria”, comemora. Questionada sobre seus cronistas preferidos, ela cita dois novatos e dois consagrados: Gregorio Duvivier, Fred Coelho, João Ubaldo Ribeiro e Luis Fernando Verissimo — com ênfase no último. “Sembre babei no Verissimo. Acabava de ler os textos dele e ficava pensando: ‘Que boa sacada, de gênio!’. Comecei a amá-lo ainda na escola, e percebia que me achavam adulta por isso”, conta Letícia, que antes de conhecer a obra do gaúcho já tinha um bom repertório de literatura infantojuvenil. Estimulada a ler pela mãe, professora de francês, a artista de 33 anos lembra “com carinho” dos primeiros autores que a emocionaram: Fernanda Lopes de Almeida e Hans Christian Andersen. A primeira, psicóloga de formação, ajudou a renovar a ficção para crianças produzida no Brasil na década de 1970. São dela clássicos do gênero como A curiosidade premiada, O equilibrista, Soprinho e A fada que tinha ideias, entre outros. “Meu pai tinha O equilibrista, e eu achava engraçado que uma pessoa adulta tivesse dado esse livro para ele, também adulto. Hoje em dia entendo e adoro dar livros infantis para os meus amigos.” Andersen, que dispensa maiores descrições, também lhe foi apresentado pela mãe. “Ela sentiu que já estava na hora de eu ir além e me deu um livro com os contos dele. Foi muito impressionante para mim. A história da Pequena Sereia me devastou”, diz. Outro conto do dinamarquês, “O rouxinol”, rendeu sua primeira composição. “Acabei de ler e me senti tão inspirada que deitei e cantarolei uns versos de que me lembro até hoje.” A descoberta seguinte foi a poesia. Aos 13 anos, em 1995, ganhou de presente da mãe (sempre ela) uma Agenda da Tribo, publicação anual que traz um poema em cada página. Criado nos anos 1990, o projeto (atualmente vendido como Livro da Tribo) é responsável por apresentar o gênero a milhares de brasileiros. “Foi ali que conheci Paulo Leminski, Alice Ruiz, Ulisses Tavares, Leila Miccolis, Adélia Lopes. Era uma galera bem anarquista e diferente do meu mundo”, lembra a artista, que anos mais tarde chegou a ter um texto publicado na coletânea. “Uma adolescente não saberia como entrar numa livraria e pedir Leminski. Ainda bem que minha mãe pisciana sacou que uma agenda com poesia cairia bem para a filha esquisita”, completa. Quando se tornou um pouco mais independente, Letícia começou a frequentar livrarias sozinha e passar horas folheando. Nessa época, teve “encontros”, como ela gosta de dizer, com alguns dos grandes romancistas brasileiros e estrangeiros. “Um bom romance me transporta. Vira meu amigo. Sinto saudade, choro, me entrego”, afirma. Muitos desses escritores, poetas ou ficcionistas, hoje são influência assumida em sua trajetória artística: Clarice Lispector, Katherine Mansfield, Ana Cristina César, Rosa Montero, Sylvia Plath, Adélia Prado. Entre os contemporâneos, a atriz formada pela Casa de Artes de Laranjeiras (CAL) destaca Bruna Beber, André Dahmer (“Cartunista, mas com poemas estilhaçantes”), Natércia Pontes, Gabriel Pardal, Keli Freitas, Maria Rezende e seus amigos do fanzine Ornitorrinco (do qual é colaboradora). Coincidência ou não, a grande maioria dos nomes citados ao longo da entrevista é de mulheres. Seria uma inclinação consciente? “Acho que, por acaso astral, essas pessoas me emocionaram mais. Mas não acredito em literatura feminina propriamente dita. De qualquer forma, claro que é maravilhoso saber que cada vez mais mulheres estão sendo publicadas”, explica. Ela mesma se prepara para lançar o primeiro livro, Zaralha — Abri minha pasta (Editora Guarda-Chuva), uma reunião de “poemas, desenhos, brincadeiras em toalhas de mesa de bar, delírios imagéticos, horóscopos macabros e dislexias cometidas em exercícios da escola”. Como o projeto ficou caro, está passando por um processo de financiamento coletivo no site Catarse, especializado no sistema decrowdfunding. Ou seja: caberá ao público pagar pelo material antes da publicação. “Mas o preço do livro está ótimo, R$ 35 para receber em casa. E está ficando lindo, estou animadíssima”, afirma, sem medo de fazer o comercial.

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Caderno íntimo | Marina Lima

A cantora fala sobre poesia, romancistas preferidos, seu primeiro livro e uma possível biografia por Omar Godoy

No país das “cantoras ecléticas”, as mulheres compositoras nem sempre têm o mesmo destaque das intérpretes. Nomes como Dolores Duran, Maysa e Adriana Calcanhoto fazem parte de um pequeno grupo de autoras que realmente conseguiu atingir o grande público e deixar seu legado na história da música popular brasileira. Mas nenhuma delas foi tão longe quanto Marina Lima, que segue em atividade depois de mais de três décadas de sua estreia em disco.

Seu grande feito foi consolidar um estilo ao mesmo tempo pop e sofisticado, marcado por textos acima da média do que se ouve nas FMs. Não à toa, grande parte de sua obra é assinada em parceria com importantes letristas- poetas da MPB — Tavinho Paes, Alvin L, Arnaldo Antunes, Ronaldo Bastos, Vinícius Cantuária e, especialmente, Antonio Cicero, seu irmão dez anos mais velho. Co-autor dos maiores clássicos de Marina (“Fullgás”, “Pra Começar”, “Acontecimentos”, “À Francesa”, só para citar alguns), ele também é o responsável por incutir na artista o gosto pela poesia.

“Antes de compor comigo, o Cicero lia poemas em voz alta para mim. Poemas latinos, ingleses, Shakespeare. Foi através dele que entrei em contato com esse universo e, depois, descobri poetas brasileiros como Carlos Drummond de Andrade, João Cabral de Melo Neto, Ferreira Gullar. Eu também já gostava de poesia musicada, Caetano Veloso, Chico Buarque, Bob Dylan”, conta a cantora, que iniciou a colaboração com o irmão aos 16 anos (hoje ela tem 59). Marina passou a infância nos Estados Unidos, onde seu pai atuou como executivo no Banco Interamericano de Desenvolvimento. “Ele tinha uma vasta biblioteca, com livros de Filosofia, Direito, Economia. Sabe aqueles intelectuais nordestinos cultíssimos? Pois então, ele era um desses. Além disso, havia um grande estímulo à leitura na escola, que vendia romances para pré-adolescentes em formatopocket. Eu mergulhava nesses livros por meses”, lembra.

De volta ao Brasil, a cantora viveu uma espécie de hiato literário por alguns anos, principalmente por falta de incentivo no colégio. O interesse por livros só voltou anos depois, com a carreira artística já iniciada. “Sempre gostei de fazer muitas coisas. Ouvir música, tocar, dançar, praticar esportes. Então eu dividia meu tempo e criava espaços para a minha rotina conter tudo isso. A literatura se tornou realmente importante na minha vida depois dos 20 anos”, afirma.

Sua lista de poetas preferidos inclui, além dos nomes já citados, Fernando Pessoa, Cecília Meireles, Vinicius de Moraes, Capinam, Waly Salomão e até Chico Science. “Todos os que lidam com o universo nordestino me comovem profundamente, pois me remetem aos meus pais”, explica. A poesia, no entanto, não tem ocupado muito o seu tempo ultimamente. “O que eu mais leio hoje em dia são romances. Silvia Avallone, Alice Munro, Inês Pedrosa, Orhan Pamuk. Gosto principalmente desses.”

Em 2012, depois de tantos anos escrevendo música, Marina Lima decidiu publicar seu primeiro livro:Maneira de ser, um apanhado de textos reflexivos, cartas antigas, fotos de arquivo e matérias publicadas na imprensa sobre o seu trabalho. Segundo a cantora, a obra não é uma biografia, e sim um “caderno íntimo”, em que ela repassa a própria trajetória e apresenta sua visão de mundo.

Mas e se alguém se dispuser a escrever sua história? Ela permitiria? “Sinceramente? Podem lançar uma biografia não autorizada mesmo. Não estou preocupada com isso. Se eu não gostar, procuro a Justiça. Simples assim”, afirma, deixando implícito que não deu muita bola para a polêmica levantada em 2013 pelo grupo Procure Saber, formado por artistas que discutem questões de direitos autorais e regulamentações na área musical.

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Planeta Gerald Thomas | Gerald Thomas

Prestes a lançar o primeiro romance, o diretor mais internacional do teatro brasileiro fala de seu percurso literário e revela quais escritores influenciaram sua obra por Omar Godoy

“Eu sempre vivi através deles, com eles, por eles, mortos ou vivos. Eu habitava o ‘Planeta Kafka’, o ‘Planeta Joyce’.” É assim que Gerald Thomas define sua relação com livros e autores. Filho de pai alemão e mãe britânica, o dramaturgo e diretor teatral carioca cresceu lendo em várias línguas, o que naturalmente ampliou o alcance de sua própria obra — marcada por um retrato da ansiedade e da alienação do homem contemporâneo. Graças a esse caráter universal, seus espetáculos são apresentados mundo afora, o que o obriga a se dividir entre Estados Unidos, Inglaterra, Alemanha e, eventualmente, Brasil. Na entrevista que serviu de base para este perfil, realizada por Facebook e e-mail, o autor de clássicos do teatro de vanguarda como Eletra com Creta e The flash and crash days fala de seu percurso literário e revela quais são os escritores que ajudaram a construir o “Planeta Gerald”.

“Minha casa era normal, não tinha uma biblioteca grandiosa. Mas como era casa de europeu, tínhamos [Heinrich] Heine, [Friedrich] Schiller e [Johann] Goethe nas prateleiras”, conta o diretor, que se iniciou na literatura com obras dos Irmãos Grimm e Max und Moritz (clássico infantil do alemão Wilhelm Busch, transformado por Olavo Bilac em Juca e Chico). Mas a paixão pelos livros surgiu para valer com A metaformose, de Franz Kafka. “Tudo dele me emociona, até os contos curtos”, diz Thomas, que anos mais tarde montaria a peça Trilogia Kafka.

Enquanto seus colegas de escola só pensavam em jogar futebol, o futuro dramaturgo mergulhava nos clássicos universais. “Não consigo citar um livro, como também não consigo citar um momento ou uma música. Gosto de tudo de [James] Joyce, [Emile] Zola, [Jorge Luis] Borges, [George] Orwell, [Aldous] Huxley, [William] Shakespeare, Dante [Alighieri].” Este último, ele admite, é outra de suas maiores influências no teatro. “É o grande dramaturgo dos paradoxos”, afirma.

Mais tarde, Thomas também bebeu da fonte dos grandes autores da Filosofia (área em que se formou durante um período de estudos na Inglaterra). Os filósofos contemporâneos, no entanto, não o interessam. “Não tenho lido. Os semiólogos franceses me cansaram. É muito subterfúgio. Mas ainda tenho carinho por [Roland] Barthes, [Susan] Sontag e [Jacques] Derrida. E nenhum pelos outros. Pode parecer estranho, mas odeio [Jacques] Lacan. Gosto mesmo é de [Friedrich] Hegel e [Immanuel] Kant.”

Outra referência marcante na trajetória do diretor é a contracultura dos anos 1960. Entre seus autores prediletos estão os americanos Abbie Hoffman e Jerry Rubin, que Thomas conheceu pessoalmente na casa de Jerelle Kraus, editora de arte do The New York Times — onde trabalhou como ilustrador da página de opinião “Op-Ed” a partir do final da década de 1970. Paralelamente, ele ministrava workshops no La MaMa Experimental Theater, o icônico teatro off-Broadway pelo qual passaram figuras como o ator Al Pacino, o dramaturgo Sam Shepard, o diretor Robert Wilson e o compositor Philip Glass (seu futuro parceiro).

Foi no La MaMa que Thomas realizou suas primeiras adaptações das peças de seu maior “guru”: Samuel Beckett, o gênio irlandês do teatro do absurdo. Essa admiração virou amizade, e durante dois anos a dupla trocou correspondências até se conhecer pessoalmente, na Paris dos anos 1980. “Beckett não me indicava livros. Falávamos de montagens, dos amigos em comum, de ideias cênicas, da música de Schubert. Mas confesso que descobri Jean-François Lyotard (filósofo francês) a partir das conversas com ele”, diz.

De lá para cá, Thomas fundou a Companhia Ópera Seca, em São Paulo, consolidou sua carreira internacional e iniciou uma vitoriosa trajetória como diretor de óperas. Leitor obsessivo, daqueles que acompanham jornais e revistas de diversos países, também passou a assinar artigos para a imprensa e em seu blog (alguns deles compilados no livro Nada prova nada). “Não existe nada que eu não leria. Li e reli até o Mein kampf [livro em que Hitler apresenta suas teorias extremistas], escrito pelo sujeito que cremou a minha família”, afirma, relembrando relembrando sua origem judia.

Paul Auster e Martin Amis são seus romancistas contemporâneos preferidos (“Pela dinâmica na escrita e por não terem vergonha de assumir influências”). Mas, no momento, sua atenção está voltada para o recém-lançado 500 days: Secrets and lies in the terror wars, em que o jornalista Kurt Eichenwald (editor daVanity Fair e ex-repórter do New York Times) acusa a administração do ex-presidente americano George W. Bush de negligência com relação aos atentados terroristas de 11 de setembro de 2001. Para quem não se lembra, ou não sabe, Gerald Thomas tem um apartamento próximo ao local em que existia o World Trade Center. Praticamente assistiu à queda das torres da janela de casa e atuou como voluntário no resgate de feridos.

Atualmente, o dramaturgo prepara dois livros. O primeiro, que reúne uma coleção de seus desenhos e ilustrações, deve sair até novembro pela editora Cobogó (de Isabel Diegues, filha do cineasta Cacá Diegues). São reflexões em forma de imagem, esboços posteriormente usados no palco e antigos trabalhos para o New York Times. Deve levar o título de Coffee noodles.

O volume mais esperado, no entanto, é The lost case of a brief case, seu primeiro romance, a ser publicado no início de 2013 nos EUA. “Páginas perdidas 20 anos atrás num bairro londrino são achadas por uma ex-namorada do autor. Ela acaba despedaçada na calçada, como uma peça de Beckett, toda fragmentada. O autor vai preso, acusado de jogá-la, e conhece os detetives Zufall e Essig, da polícia de Nova York. Pouco a pouco, ele só enxerga enigma em tudo. Como, por exemplo, o fato de a Ordem dos Advogados dos EUA ser chamada de American Bar Association e tudo ser dentro de um bar, com um bando de alcoólatras. Além disso, os nomes Zuffal e Essig, se pronunciados rapidamente em alemão, soam como zuverlessig, que significa ‘de confiança’”, explica. Mais Gerald Thomas, impossível.

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Um filho da adversidade | Rogério Skylab

O músico e poeta Rogério Skylab é dono de um vasto repertório literário e filosófico, constituído em meio a um ambiente nada inspirador por Omar Godoy

Quem só conhece Rogério Skylab “por alto” não imagina o que há por trás de sua excentricidade, humor negro e gosto pelotrash. Autor de clássicos do underground como “Eu tô sempre dopado” e “Amo muito tudo isso?”, o músico, poeta e agora apresentador do Canal Brasil (onde comanda o talk show “Matador de passarinho”) é um leitor obsessivo e autodidata, dono de uma erudição rara no universo da cultura pop brasileira. Em pouco mais de uma hora de conversa com a reportagem do Cândido, ele cita de Machado de Assis a Heidegger, passando por Apolinaire, Guimarães Rosa e Rubens Figueiredo — sempre com opiniões bem particulares sobre autores e escolas literárias e filosóficas.

Nascido no Rio de Janeiro há 54 anos, Skylab faz questão de dizer que sua formação intelectual se constituiu tardiamente, sempre em meio à adversidade. “Meu pai era advogado e a minha mãe, dona de casa. Eram pessoas absolutamente simples, de classe média. Não faço parte de uma casta de professores, escritores ou tradutores”, conta.

Nesse ambiente familiar pouco inspirador, o primeiro livro que leu foi uma tradução de Monteiro Lobato paraRobin Hood, presenteada por uma tia quando ele tinha entre 9 e 10 anos. “Lia todo dia. No último dia, no último capítulo, chorei, pressentindo o fim”, lembra. Ainda assim, o contato com a literatura só foi retomado na adolescência, quando sua irmã mais velha, então recém-aprovada no vestibular para o curso de Letras, apareceu em casa com livros de Machado de Assis e João Cabral de Melo Neto (“Que eu achei chatíssimos, horríveis”).

O ponto de virada aconteceu pouco depois, quando Skylab passou no concurso para estudar no Aplicação, considerado um melhores dos colégios do Rio de Janeiro. Ali, ele se apaixonou por uma professora de português, filha do famoso gramático Celso Cunha. Para impressioná-la, e passar de ano sem maiores problemas, levou de casa um texto pronto para usar na prova final de redação, que deveria ser feita em sala de aula. “Foi nessa ocasião que eu agi de má fé pela primeira vez. Aliás, o Sartre dizia que todo escritor age de má fé, pois nunca é absolutamente sincero”, afirma.

Cola à parte, o fato é que a professora ficou tão encantada com a produção do aluno que o presentou, no Natal, com um livro de Clarice Lispector: Uma aprendizagem ou o livro dos prazeres. “Eu já gostava do Drummond e escrevia alguns poemas. Mas foi a partir da leitura da Clarice que eu mergulhei definitivamente na literatura”, revela.

Corta para a vida adulta. Matriculado no curso de Direito, Skylab ignorava a bibliografia recomendada pelos professores e se aprofundava em livros de filosofia. Até ser aprovado num concurso para o Banco do Brasil, trancar a faculdade e iniciar a carreira de bancário numa agência de Maracaju, no interior do Mato Grosso do Sul. “Era como seu estivesse servindo o Exército naquele fim de mundo com uma única rua asfaltada. O único livro que consegui comprar, pelo correio, foi sobre socratismo cristão.”

Depois de dois anos dividido entre a agência, a quadra de futebol de salão e o bar de Maracaju, o artista foi transferido para o Rio de Janeiro. Abandonou o Direito, ingressou em Letras e finalmente entrou em contato com o universo literário. Mas o autodidatismo falou mais alto. “Isso me persegue até hoje. Não consegui ficar refém dos professores e resolvi largar Letras também. Meu processo de leitura, como diz o Borges, é labiríntico. Preciso descobrir os meus próprios caminhos”, justifica.

Nessa época, Skylab iniciou um hábito que mantém até hoje: o de estudar em bibliotecas. “Vou morrer com isso. É uma coisa neurótica, autoimposta. Às vezes, passo seis horas por dia lendo numa biblioteca. Comecei na Biblioteca Nacional, migrei para a do Centro Cultural do Banco do Brasil e agora estou na da PUC”, conta.

Enquanto isso, ele já militava no underground musical carioca, fazendo shows no esquema de voz e violão. Ao completar dez anos de banco, no início da década de 1990, usou a licença prêmio para produzir seu primeiro álbum, Fora da Grei. “Enquanto meus colegas de trabalho iam para Miami fazer compras, eu me tranquei no estúdio e gravei um disco.”

Ter um emprego “comum” foi fundamental para sua carreira artística. Graças à estabilidade profissional, Skylab conseguiu produzir música sem precisar se envolver com guetos de artistas que, segundo ele, priorizam laços afetivos e misturam amizade com trabalho. Hoje, aposentado do Banco do Brasil, dedica-se em tempo integral à criação. E idolatra Machado de Assis e João Cabral de Melo Neto. “Machado virou a minha bíblia, o meu Deus. Quanto ao João Cabral, acho que é o maior poeta brasileiro de todos os tempos.”

Questionado sobre a literatura brasileira contemporânea, o músico cita Rubens Figueiredo, Milton Hatoum e Cristovão Tezza como os seus autores preferidos — exceções, de acordo com ele, num cenário tomado pela influência de escritores beat e pop. “As experiências que eu tenho com autores mais jovens não são muito boas. Principalmente a partir dos anos 1990, essa corrente que não diferencia a literatura da vida, virou uma praga no Brasil. A escrita como um sopro, como um fluxo de consciência, deve ser apenas um elemento da produção literária. Não pode ser tudo.”

Skylab só alivia a barra do paulista Marcelo Mirisola. Para ele, o autor de Joana a Contragosto e Proibidão, entre outros, passa uma falsa impressão de que se limita a narrar a própria vida — mas, na verdade, forja um universo bastante particular. “Isso é uma coisa muito sutil e discreta no trabalho dele, que deveria ser lido com mais atenção.”

Com um único livro de poesia publicado, Debaixo das rodas de um automóvel, o artista acredita que tem material suficiente para, pelo menos, outros quatro volumes. Sua produção, que também inclui contos, resenhas e ensaios, está disponível no blog godardcity.blogspot.com, frequentemente atualizado. Nada mal para quem se formou intelectualmente aos trancos e barrancos, como ele mesmo diz. “Nunca fui precoce em nada e não acredito em filhinho de músico, filhinho de escritor. Valorizo muito mais as condições adversas”, afirma.

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A arte da ironia | Anna Muylaert

A diretora de Durval Discos e É proibido fumar revela que seus filmes recebem influências do estilo literário de Machado de Assis e Nelson Rodrigues por Omar Godoy

Apesar de ter vários livros infantis publicados, a cineasta Anna Muylaert acredita que não escreve literatura. “Acho que fui para outro caminho, que é o da escrita audiovisual, em que as palavras são mero trampolim para a construção narrativa através de imagens”, diz a autora de títulos como No rabo do cometa e Gato e sapato, além de uma coleção inteira com novas histórias do Menino Maluquinho, de Ziraldo.

Seu território é mesmo o dos roteiros, que ela escreve o tempo todo. Seja para os próprios longas (Durval Discos, É proibido fumar,Chamada a cobrar), filmes de outros diretores (Xingu,Desmundo, O ano em que meus pais saíram de férias) e séries de televisão (Mundo da Lua, Castelo Rá-Tim-Bum, As Canalhas). Ainda assim, Anna identifica uma certa influência literária em seus trabalhos autorais, mais especificamente de autores como Nelson Rodrigues e Machado de Assis. “A ironia deles é o que mais me atrai, me interessa. Entendo a ironia como uma crítica que, em vez de reclamar, ri. Portanto, Machado e Nelson são referências eternas, além, é claro, de diretores que trabalham com isso, como Kubrick, Irmãos Cohen, Woody Allen, etc.”, explica. A diretora afirma que não tem vontade de transpor títulos da literatura brasileira para as telas, mas já colaborou como roteirista em adaptações realizadas por outros cineastas — como Desmundo, de Alain Fresnot, baseado no romance homônimo de Ana Miranda. “Você sempre tem que achar o pulo do gato no sentido da concisão. Filmes tendem a ser mais concisos que livros.” Filha do jornalista Roberto Muylaert, a diretora cresceu com muitos livros em casa. Enquanto o pai gostava de obras sobre episódios históricos, a mãe, Celina, lia ficção “o dia inteiro”. Como era de se esperar, Anna logo se tornou uma leitora, e das mais curiosas. “Lia os livros indicados pela escola e também explorava outros assuntos. Pesquisava Darwin, História, ciências... Eu queria saber sobre tudo!”, conta. O primeiro título que salta de sua memória afetiva é O gênio do crime, best-seller infantojuvenil de João Carlos Marinho. Mas a paixão literária inicial foi Fernando Sabino. “Acho que o primeiro livro que realmente mexeu comigo, me emocionou, foi O encontro marcado. Fiquei tocada e depois fui ler toda a obra dele”, revela a cineasta, que na adolescência também descobriu Thomas Mann (por influência da mãe) e o já citado Machado de Assis, seu preferido “da vida”. Na literatura contemporânea, Anna acompanha a trajetória dos americanos Paul Auster e Sam Shepard. Entre os brasileiros, destaca o paulista Paulo Rodrigues, de quem leu À margem da linha, romance de 2001 que narra a jornada de dois irmãos em busca do pai desaparecido. “Amei a escrita dele. O personagem narrador é muito forte, vivo”, afirma. Sua descoberta mais recente, no entanto, é o escritor e dramaturgo de origem húngara Sándor Márai (1900- 1989), conhecido pela crítica ao comunismo e habilidade em relacionar o perfil psicológico dos personagens com o ambiente socioeconômico em que as tramas de desenvolvem. “Me apaixonei por ele. Li tudo o que temos disponível e estou sempre esperando lançamentos. Embora não seja contemporâneo, para mim é novidade”, diz, sobre o autor de As brasas, Confissões de um burguês, Libertação e De verdade, entre outros. Atualmente, Anna trabalha em dois projetos de longa-metragem. Em fase de filmagem, Que hora ela volta?traz Regina Casé no papel de uma empregada doméstica que reencontra a filha deixada na infância. Ainda neste ano, ela também roda Mãe só há uma, história de um adolescente que descobre não ser exatamente quem pensava que era. “Meus filmes sempre saem de experiências pessoais, por isso não penso em adaptar um grande livro brasileiro para o cinema”, afirma.