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Al mismo tiempo, las nuevas formas adquieren una agilidad, elegancia y claridad anteriormente desconocidas; las melodías, aunque largas, son simétricas y sencillas; las armonías, simples. Las disonancias surgidas de vez en cuando, se resuelven pronto y sin crear problemas auditivos. Nace así el estilo clásico (rococó o galante, según denominación de algunos), que cubre los últimos decenios anteriores al profundo y brusco cambio que representa la Revolución Francesa. El nuevo estilo domina en toda Europa: lo adoptan los hijos de Bach, radicados en numerosos países; Stamitz y su escuela, en Mannheim; Luigi Boccherini (1743-1805), en Italia y España; Cosscc, en Francla. Y en Austria nacieron Dus dos máximos maestros: Haydn y Mozart.

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https://techmusik.com/musica/la-primera-generacion-romantica/

El Romanticismo irrumpe en la vida y las artes de todos los países. Los poetas forman la van-guardia, a la que siguen bien pronto los músicos y los pintores. Entre los compositores se destaca como primera generación romántica la que nace entre 1797 y 1813. Sus figuras cumbres son: Schubert, Berlioz, Mendelssohn Bartholdy, Schumann, Chopin, Liszt y, en el terreno de la música dramática, Wagner y Verdi. 

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Con Willaert llegaron a Italia la polifonía y el contrapunto, provocando allí la fundación de varias escuelas. La más importante fue probablemente la de Venecia, que tuvo su centro en la catedral de San Marcos. Este templo recibió un segundo órgano; también su coro fue desdoblado, y así los juegos contrapuntísticos hallaron un amplio campo de acción. La grandiosidad de la música llegó a su punto culminante. Como organistas o maestros de capilla actuaron en San Marcos muchos de los más grandes músicos de la época. Conviene destacar aquí el papel importantísimo que tuvo a comienzos del siglo XVI la invención de la imprenta musical. Fue el veneciano Ottaviano dei Petrucci (1466-1539) quien aplicó la idea de Gutenberg a la impresión de notas musicales. Esto multiplicó el público con que pudieron contar las obras, y las posibilidades de su ejecución lejos del lugar en que se encontraba su autor.

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https://techmusik.com/musica/la-musica-griega/

En sus orígenes, la música griega fue monódica, es decir, confiada a una sola voz sin acompañamiento. Cada dialecto impuso sus formas al ritmo musical. El metro poético y la cantidad de sílabas divididas en largas y breves rigieron el ritmo de los cantos, que tuvo una especie de medida que se marcaba con dos movimientos: thesis y arsis, que corresponden a las medidas modernas en dos tiempos. Los pies más usados fueron: el espondeo, que se formaba con dos sílabas largas; el dáctilo, con una larga y dos breves; el anapesto, con dos breves y una larga, y el anfíbraco, constituido por una sílaba breve, una larga y otra breve que equivale a las medidas actuales en dos tiempos con una síncopa. Las medidas de tres tiempos fueron asimiladas al pie moloso, de tres sílabas largas. Las pausas en poesía, que equivalen a los silencios en música, fueron dos: una larga, prótesis, y una breve, lemma.

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La gran figura de la opera | TechMusik

Pronto surgió una gran figura de la ópera: Claudio Monteverdi (1567-1643), a quien puede considerarse como primer clásico del género, un gen

Pronto surgió una gran figura de la ópera: Claudio Monteverdi (1567-1643), a quien puede considerarse como primer clásico del género, un genio dramático y un maestro de la orquesta. Creó una serie de obras notables, desde Orfeo (1607) y Ariadna (1608) hasta La coronación de Popea (1642). Con todo, la ópera aún difería mucho de su forma actual. Tenía muy poca acción y abundaba en largos parlamentos que la convirtieron más bien en cuadro estático. Sólo pudo ser comprendida y gozada por una élite espiritual. Sin embargo, contaba con suficientes elementos teatrales para convertirse en espectáculo grato a las masas. La ópera pasó por distintas y sucesivas etapas, extendiéndose a Roma y a Venecia, hasta que en esta última ciudad se alcanzó el gran acercamiento entre el pueblo y el nuevo género, con la habilitación, en 1637, del primer teatro lírico del mundo.

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Apenas afirmado su triunfo en Italia, la ópera inició la conquista del mundo. Todos los países europeos la adoptaron, y, en siglos posteriores, también los de América. La única cuestión que se suscitó en torno de ella, fue si se aceptaría el arte lírico italiano sin introducir cambios en el mismo, o si se llegaría a crear un arte lírico nacional. 

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Es el más reciente y popularizado de los conjuntos musicales Muy difundido, especialmente entre los Jóvenes, que lo han adoptado casi exclusivamente para su bailes y diversiones. Está formado por instrumentos capaces de deslizarse de un tono al siguiente. Predominan la de percusión. Rara vez se incluyen el piano y lo demás instrumentos de cuerda, y cuando los incorpora es en sus recursos rítmicos y nunca en los melódicos. Las cuerdas son reemplazadas por la familia de los saxofones, trompetas y clarinetes; la batería es casi siempre su mayor recurso. De los instrumentos de viento se exige (lo que era desconocido en la música sinfónica) el empleo del glissando, de arrastrar un sonido de una nota a otra; de los de percusión, la mayor variedad de ritmos conocida hasta ahora por la música.

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No se posen datos concretos acerca del desenvolvimiento del arte musical en su etapa primitiva, anterior a la civilización griega. Es probable que el origen de la música se remonte a épocas muy lejanas, y que el propio habitando las cavernas ya la conociera en su forma más simple. Pero, siendo muy posterior la Invención de los sistemas do notación musical, no han quedado de esos períodos ni documentos ni datos terminantes que permitan formarse una idea cabal de cómo cran los cantos y las melodías de aquel entonces. Sólo se dispone de ligeras referencias tomadas do las leyendas legadas por la tradición; de vagos indicios encontrados en esculturas y bajos relieves, y de algunos restos de instrumentos hallados por los arqueólogos. No es extraño, por lo tanto, que, con tan escasos elementos de juicio, y a pesar de los esfuerzos por reconstruir estos primeros pasos de la música, su pasado más lejano siga envuelto en el misterio. Datos más fehacientes al respecto se tienen de la antigua Grecia, pues de ella se conservan algunos fragmentos de composiciones en los que so explica una teoría musical basada en la acústica. Sin duda, los griegos habían heredado sus aficiones musicales de sirio y egipcios, y éstos del pueblo hebreo. Posteriormente, los músicos de Grecia legaron sus conocimientos y experiencias a los romanos, quienes a su vez los transmitieron al mundo medieval.

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Después del Cisma de Oriente, el papa San Gregorio Magno (535? -604) reformó a fines del siglo VI el canto litúrgico ambrosiano dándole un carácter más severo, sin ornamentaciones inútiles, con lo que estableció el canto llano, expresión de un arte más sencillo y menos sensual, cuyo nombre deriva del latín cantus planus o canto igual, porque su música tiene sonidos de la misma o casi idéntica duración. A los cuatro modos auténticos del canto ambrosiano agregó los del rito gregoriano, que se llamaron modos plagales o plegales. Durante mucho tiempo el canto gregoriano se ejecutó sin acompañamiento instrumental; las voces cantaban al unísono o con diferencia de una octava, San Gregorio compuso nuevos cánticos e indicó el lugar que les corresponde en los oficios. Estableció, asimismo, una escuela de canto en Roma y creó el Centón antifónico o Antifonario, colección de cánticos litúrgicos. Esta reforma, conocida con el nombre de gregoriana, fue aceptada casi inmediatamente por toda la cristiandad. En 1903, el papa Pío X, por la encíclica Motu proprio, reconoció el canto gregoriano como único autorizado en la Iglesia Católica. Así, el auténtico canto católico sigue siendo como en los primeros siglos: a una sola voz, con la única variante admitida del cambio entre solista y coro; sin acompañamiento instrumental, ejecutado por hombres y niños varones, y con sus propias leyes rítmicas.

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El subjetivismo, que durante el período clásico tuvo que subordinarse a las formas y normas de un estilo rococó, fue liberado gracias a la Revolución francesa. La clase nacida de tal conmoción, la burguesía, busca en las artes nuevas expresiones, nuevos ideales. El músico que más fielmente interpreta el gran cambio es Beethoven (1770-1827), en cuya vida puede seguirse claramente esta evolución. Se inicia en el estilo clásico; su decisivo encuentro con Haydn, en Bonn, y la honda admiración por las obras de Mozart fallecido poco antes de la llegada de Beethoven a Viena, su segunda patria no hace más que confirmarlo. Pero a medida que avanzan los años y con los años las ideas de la Revolución, Beethoven rompe con las normas existentes y busca la adecuada expresión musical de aquellas ideas. Se convierte, pues, en el puente entre el clasicismo y el Romanticismo, estilo este último que abarcará la casi totalidad del siglo XIX. La obra de Beethoven no es de las más amplias numéricamente; pero cada una de sus composiciones lleva un rasgo muy personal, una expresión subjetiva y de nobles sentimientos.

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La voz humana puede actuar como solista o como integrante de un conjunto vocal que, según la combinación y número de cantantes que lo integran, recibe distintos nombres. La idea del conjunto es antiquísima, y ello se explica si se tiene en cuenta la riqueza de sonoridades que se logran con las diferentes combinaciones. Los conjuntos pueden ser de voces o de instrumentos; algunas veces se combinan ambos elementos, obteniéndose conjuntos mixtos. Cuando se habla de conjunto instrumental se sobreentiende que quedan excluidas las voces humanas; en cambio, cuando se habla de conjunto coral o vocal, se puede contar con la colaboración de instrumentos o prescindir de ellos. En este último caso se dice que el coro es a cappella.

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Antes las orquestas sinfónicas fueron mucho más reducidas. En el período clásico, en tiempos de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Franz Joseph Haydn (1732-1809) y Ludwig van Beethoven (1770-1827), rara vez excedían de treinta ejecutantes; los instrumentos de cuerda eran menos numerosos, y los de viento aún incompletos, incorporándose varios de ellos sólo a fines del siglo XVII y la primera mitad del XIX. Algunas etapas fundamentales en la evolución de la orquesta sinfónica están representadas por los siguientes nombres: Monteverdi, Gluck, Beethoven, Hector Berlioz (18031869), Franz Liszt (1811-1866), Richard Wagner. (18131883) e Igor Stravinski. La distribución en el escenario ha provocado controversias y discusiones, porque cada director tiene su particullar punto de vista. En el gráfico se presenta una de las distribuciones más frecuentes.

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Personas dedicadas a la música | TechMusik

CLEMENTE, Joaquín Músico. Nacido en Aldea Grande (Lisboa), el 22 de octubre de 1901. Inició sus estudios musicales con su padre, director de

Músico. Nacido en Aldea Grande (Lisboa), el 22 de octubre de 1901. Inició sus estudios musicales con su padre, director de la banda de música de su pueblo natal, que completó luego con Joaquín P. López y Laurentino Serra e Moura, y finalmente en el Conservatorio Nacional de Música de Lisboa, donde recibió lecciones de composición del maestro Rocha Pires. Muy pronto reveló sus aptitudes para la dirección de conjuntos instrumentales: en 1916 actuó accidentalmente al frente de la Sociedad Filarmónica Estorilense, siendo confirmado en el cargo de director hasta 1925; en esa fecha organizó la Gran Banda Sinfónica del Cuerpo de Bomberos Municipales de Lisboa, organismo que alcanzó pronto notable prestigio. Posteriormente se radicó en nuestro país, ocupando por concurso el cargo de director del Conservatorio Municipal y Banda Municipal de la ciudad de San Francisco (Córdoba). En enero de 1932, también por concurso, ganó el puesto de director de la Banda Sinfónica Municipal de Buenos Aires, que abandonó al año siguiente. En esa época la Orquesta Filarmónica de Río de Janeiro le formuló una invitación para dirigir varios conciertos en el Brasil, que realizó con buen éxito. De regreso a Buenos Aires y llevado por su inclinación, fundó dos nuevas orquestas, la Sinfónica Femenina y la Sinfónica de Buenos Aires, aunque también actuó con otros organismos análogos. Finalmente, en 1941 fue designado para ocupar la vacante dejada por el fallecimiento del maestro Alberico Spátola director de la Banda Sinfónica de la Policía, donde desarrolló una larga y meritoria labor, siendo su actuación recibida con elogio por la crítica local. Su estilo de dirección, vehemente y dinámico, prestaba singular realce a sus ejecuciones, que se distinguían también por su ajuste y equilibrio. Compositor distinguido, era autor de algunas celebradas páginas, pertenecientes a diversos géneros y de carácter folklórico y universal. Entre otras, figuraba la marcha y canción oficial de la Policía, de adecuados acentos y hábil instrumentación. Murió en Buenos Aires, el día 2 de setiembre del año 1950.

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Músico, compositor, y director. Nació en Avellaneda (Prov. de Bs. As.), el 15 de diciembre de 1892. En Buenos Aires recibió enseñanza de violoncello por José García Jacot en el Instituto Musical de Santa Cecilia y por Humberto Ferrari. Efectuó los de armonía con Constantino Gaito y de composición con Eduardo Fornarini. Se orientó hacia el violoncello, instrumento del que llegó a ser cultor destacado como recitalista. En 1913 y 1914, formó parte de la orquesta del Teatro Colón. Como intérprete integró con León Fontava, Juan José Castro, Aníbal Canut y Constantino Gaito la Sociedad Argentina de Música de Cámara, En 1916 y 1917 figuró en el trío y cuarteto de la Asociación Wagneriana de Buenos Aires. 

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Músico. Nació en Santa María de Neda, La Coruña (España), el 26 de noviembre de 1864. Trasladado luego a la Argentina, amplió sus conocimientos, e integró como instrumentista numerosas orquestas, destacándose como un consumado maestro. Adquirió extraordinario éxito en la difícil técnica de la construcción de arcos para instrumentos de cuerda. Estudió con empeño este arte singular y alcanzó la admiración de los más famosos concertistas como Pablo Casals, Fritz Kreisler y Jascha Heifetz, que sentían por él una directa simpatía. En 1894 fue uno de los fundadores de la Sociedad Musical de Mutua Protección (hoy Asociación del Profesorado Orquestal), una de las más antiguas entidades del país, en los órdenes gremial, mutual y artístico. Se le atribuye haber sido violoncelista de las orquestas de los teatros Colón y Ópera. Falleció en Buenos Aires, el 1 de febrero de 1942. Sus hijos Luis Arnaldo, José María, Juan José y Washington, se destacaron en el panorama musical argentino.

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Músico, compositor y director. Nació en Pigüé (Prov. de Bs. As.), el 31 de mayo de 1896. A los cinco años se trasladó con su familia a Bahía Blanca donde transcurrió su infancia y adolescencia. Su primer contacto con la música fue temprano e informal. Comenzó a ensayarse en el piano a imitación de su hermana Dolores, que tomaba lecciones, y pronto la sustituyó en los ejercicios, con gran contento de ella, que no tenía vocación musical, y de la madre de ambos, que oía sonar constantemente el piano en la sala. 

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Era hijo de Juan José Castro y Luisa Podestá. En su adolescencia fue alumno en Buenos Aires de Manuel Posadas, en violín, de Constantino Gaito y Eduardo Fornarini, que lo preparó en armonía, contrapunto y composición. En 1916 ganó el “Gran Premio Europa” otorgado por el gobierno argentino. Partió con destino a París en 1920 a perfeccionarse por sus propios medios, ya que la beca obtenida no pudo concretarse. Durante cinco años estudió con Vincent D’Indy, en la Schola Cantorum, y con el pianista Edonard Risler. En 1921 actuó con éste último con gran éxito y al año siguiente estrenó en París su Sonata para violín y piano. En 1924 realizó una gira de conciertos por España con el violinista Manuel Quiroga.