Uma Página Achada

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# Semana : Raised by Wolves e outras coisas (Maligno, Psycho Goreman e Oats Studios)

Na última semana, finalmente consegui fugir um pouco do meu estado atual de não querer assistir coisas. E, bem, eu vi coisas. Tem essa série de ficção científica chamada Raised By Wolves - você pode encontrá-la pela internet (para os iniciados *piscada*, *piscada*) ou no serviço de streaming da HBO. Até os três últimos episódios da temporada, eu não estava tão certo se voltaria para uma segunda. A história é até boa, com conceitos e assuntos que agradam. O problema é que ela demora para colocar os seus personagens em situações que interessem - e é uma trama que, ao menos nesse primeiro ano, se sustenta nisso. A despeito do que acontece nos momentos finais da temporada, o seriado também faz pouco uso de dois recursos que lhe fariam bem: explorar flashbacks (seria uma maneira de trazer mais dinamicidade à trama) e o mistério do mundo alienígena onde as coisas acontecem. É sobretudo na possibilidade de termos mais desse segundo item que me anima para uma continuação. Felizmente, a julgar pelos eventos finais, é possível que a história também trabalhe melhor com os seus personagens desde o início do segundo ano - especialmente com as crianças, razoavelmente merdeiras. Em todo caso, ainda persiste uma moral que me preocupa: esse conflito ateus x crentes é meio raso, com representações bobas: ateus tatuados que fazem rinha de criança, alto clérigo estuprador. Espero que ponham mais complexidade às facções.

Rapidamente, eu também assisti a Maligno (respeito tudo o que ele faz, especialmente a partir do último ato, mas não gosto). Se você viu o trailer e não sabe nada sobre o filme, vai por mim, você precisa saber desses highlights, sem contexto: perseguição policial, luta na prisão e artes marciais. A graça é tentar aplicar esses elementos ao trailer do filme. É. Por outro lado, Psycho Goreman é uma chutação de balde que precisa ser apreciada, divertidíssimo. Para finalizar, acaba que estrear na Netflix uma coletânea de curtas, pegada Sci-Fi, do autor de Distrito 9, Neil Blomkamp. De cinco a 30 minutos de duração, Oats Studios é composto por histórias que acontecem nem do começo nem do fim. Recortes de eventos que começaram muito antes e que provavelmente terminarão muito depois do que nos é mostrado. Os três ou quatro últimos contos, se não fossem em CG, talvez fossem mais interessantes. O ponto alto está em EP 01: Rakka (estética incrível), EP 02: Base (o melhor), EP 03: Cozinhando com Bill (as atuações são incríveis) e EP 05: Zigoto (meu tipo de sci-fi com monstros).

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Shattered Memories e Her Story: duas experiências em comum

Eu tive a oportunidade de experimentar Her Story há algumas semanas. Competentíssimo, uma abordagem que me prendeu, fácil, por algumas horas - até que eu juntasse pontas o bastante para me fazer satisfeito. Curioso notar que algumas decisões narrativas, a maneira como o jogo - em estrutura - absorve a sua história, me fez lembrar de outro jogo do Sam Barlow que eu gosto muito. E não trouxe só nostalgia: Her Story tornou Shattered Memories (e falar Silent Hill nos dias de hoje me dói) um jogo melhor, mais conciso.

Embora façam anos desde a minha última experiência sob o controle de Harry Mason, naquela versão de Silent Hill tomada por certa liberdade poética, os comentários-chave que quero fazer se mantêm frescos. Shattered Memories sempre foi sobre narrativa, assim como Her Story. O ato de jogar, ali, nada mais do que uma maneira de conduzir a história. A exploração, reduzida e linear. Os puzzles resumidos a interações simples com objetos do cenário. Os itens, pequenos fragmentos narrativos descolados do seu plano de fundo, espalhados como mementos. A ausência de combates, decisão corajosa à época, faz parte desse conjunto menos interessado na dinâmica de jogo em detrimento da narrativa. A ideia não é a de exaltar as escolhas de design de Shattered Memories (tampouco torná-las inéditas), mas sim de - em retrospecto - dar luz a opções que eram lidas apenas como afronta por parte considerável do público a que se destinava. Olhando hoje, a despeito de quais impressões se tenha do trabalho de Barlow, Shattered Memories talvez seja o produto mais autoral da série.

O papel narrativa de Shattered Memories não se dá apenas na subtração de outros elementos. A interação do jogador por meio de escolhas (embora essa ideia não se mostre em seu pleno potencial), é um fator que mesmo alterando pouco os rumos do roteiro, ajuda a criar o jogo de experiência que ele se propõe a ser.  O aspecto vídeo (FMV em Her Story) encontra-se como um rascunho em Shattered Memories: os menus (inicial e de pausa) e algumas outras cenas ao longo do jogo. O smartphone que Harry utiliza, e a maneira como se brinca com as opções que ele nos dá (fazer ligações, tirar fotos, receber mensagens), tem um efeito similar ao usado no desktop policial de Her Story. Há uma falsa sensação de liberdade quando podemos pesquisar por qualquer número que digitarmos em um celular ou por diferentes termos que não encontrarão resultados em um computador. Em ambos os jogos, recursos que instigam a curiosidade e tornam esses objetos mais críveis, ainda que imediatamente limitados por restrições orçamentárias, tecnológicas e de propósito. É claro que nessas correlações cabe o respeito aos escopos desses objetos em cada um desses jogos. O desktop é o meio pelo qual Her Story acontece, diferentemente do celular de Harry que é mais um componente mecânico - e por vezes narrativo - dentro de um jogo em que se anda, corre, movimenta câmera etc.

Eventualmente, algumas ideias se tornam mais completas e passíveis de certas observações com o tempo. Eu aposto que parte dos meus argumentos são solidificados de algum modo por Telling Lies, título mais recente do autor. Mas, como ainda não o joguei, não me pareceu fazer sentido trazê-lo para cá. Depois de jogar Her Story, é possível ver certa completude em Shattered Memories, isolado dentro de si mesmo quando parte de uma franquia maior. As opções narrativas e de mecânica, agora em retrospecto, podem ser enxergadas de maneira mais clara. Nunca pensei que as escolhas ali fossem por acidente, mas com certeza é interessante observá-las em suas intenções. Nota: esse texto foi originalmente escrito em abril de 2020.

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Florence: uma história sobre a vida

É difícil explicar como Florence é uma experiência maravilhosa e sem igual. É lindo, em conceito, história, música e mecânica. É sobre relacionamento, vida, nos remete às escolhas que fizemos ou faremos. Sobre aquelas que não gostaríamos de fazer. A todo tempo, durante a minha experiência, eu quis mudar o rumo das coisas, eu quis parar de girar o ponteiro do relógio, fazendo o tempo parar. Eu quis manter pressionada a tela para que Florence não se movesse, não esquecesse. Eu me preocupei, antes disso, sobre do que eu deveria abrir mão, olhando para a estante da sala e para a prateleira da cozinha. Eu precisava de mais espaço. Espaço para acolher, compartilhar, completar. A música, fabulosa, ajudou a proporcionar uma experiência sem igual.

Florence, do estúdio australiano Mountains, está disponível desde o mês passado para Nintendo Switch também. É curto, bonito e único. É videogame te fazendo pensar na vida.

Mountain Games: https://href.li/?http://mountains.studio/

Nota: esse texto foi escrito e publicado em outro lugar no dia 28/03/2020.

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Dear Esther: Landmark Edition – Quando eu estive em outro lugar...

“Querida Esther” ... Está um caos por aqui, estamos trancados, isolados. O mundo exterior através da janela do quarto, repetido. Eu queria escapar, estar fora, mas não aqui fora. E então, por algumas horas, eu consegui fugir, estar em outro lugar. Sozinho senão por alguns fantasmas, tímidos. Na orla da praia, eu quase pude sentir a brisa enquanto ouvia o farfalhar de plantas e o barulho de ondas se quebrando contra pedras. O som como experiência, como imersão. “Queria Esther” ... Correu tudo tão rápido, foi breve, mas eu me recordo de quase ter me afogado em uma caverna, em suas águas e quietude. Eu estava sozinho senão pelos mesmos fantasmas, esquivos. Talvez um deles tenha sido o seu – eram silhuetas sempre ao longe, escuras, difíceis de decifrar. Havia desenhos pelas paredes, rabiscos de tinta em todo o lugar. E velas ora ou outra. Eu vi continuidade nas quedas, nos abismos que me devoraram ao longo do caminho, apáticos à minha existência.  

“Querida Esther”, eu estive sozinho nesse lugar. Por alguns minutos, quase senti a brisa enquanto ouvia o farfalhar e o barulho de ondas se quebrando contra pedras. Eu estive sozinho senão pelos fantasmas de que mencionei, criaturas indecifráveis e solitárias que talvez me observassem, sempre à distância. “Querida Esther” ...

Dear Esther: Landmark Edition (The Chinese Room) foi originalmente lançado em 2012 e relançado para PS4 em 2016. É um jogo focado na experiência de explorar, ouvir e de se fazer presente em algum outro lugar.

Nota: esse texto foi escrito e publicado em outro lugar no dia 28/03/2020. 

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Bojack Horseman: “Foi bom enquanto durou”

Uma das coisas mais recompensadoras por trás do ato de escrever, do escrever de coisas como as que tenho por aqui, é em algum momento olhar para trás, reler qualquer um dos textos, e resgatar alguma coisa. Resgatar um pedaço, uma memória, e dela remodelar todo um contexto. Eu tenho certeza de que, quando reler isso, no futuro, resgatarei os bons momentos que tive assistindo a Bojack Horseman, os seus personagens inundados de complexidade e caos. O final, excelente, talvez resuma algo que martelou forte nas últimas temporadas: é a história sobre "pessoas" que, embora sempre juntas, se fazem ausentes no momento de maior necessidade de cada uma delas. Cobrar essa presença, dado a relação que possuem, é injusto. É injusto e ela faz parte do eterno processo de destruição e construção desses indivíduos. inevitavelmente, é nessa ausência uns dos outros que eles mais parecem se encontrar, que eles fazem as próprias escolhas. Sentados sobre o telhado, céu de estrelas, já uma marca da relação Bojack e Diane, ele brinca: "não seria engraçado se essa noite fosse a última em que falássemos um com o outro?". O que se segue é um silêncio e uma troca de olhares que evoca o título deste season finale: "Foi bom enquanto durou". Eles percebem que afinal é da distância que precisam para seguir adiante. O mais forte sobre esse final é que Diane e Bojack, Mr Blues tocando soberba sobre o silêncio deles, talvez só tenham sido os primeiros a perceber.

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The Ritual - when a god comes to hunt.

The Ritual (David Bruckner; 2017) é um ótimo trabalho desde o início: a mudança de escopo lá no finalzinho, que vai sendo pincelada no decorrer do filme, é bem-vinda. Aqui temos uma daquelas histórias em que a ameaça é, toda desproporcional, superior aos protagonistas: um deus antigo invocado pelo tal ritual ao qual o título faz referência. Enorme e rápido, obriga o roteiro a apelar para  conveniências que justifiquem a sobrevivência dos personagens por mais de cinco minutos - talvez a parte mais fraca do filme, ao forçar explicações que na verdade não se explicam (a marca para aqueles em profunda dor; o monstro carente de veneração). Ainda que a criatura seja muito boa em design, Luke (o protagonista-protagonista) chama a atenção: a maneira como ele observa tudo ao redor, mais ao fundo, sempre temeroso, recriando a cena traumática que presencia logo na abertura da trama. O filme está no seu rolar de olhares, no assistir - sempre impotente - da morte de cada um dos seus amigos. O monstro caçando na floresta, o olhar que vai de um lado a outro, cigarro à boca, é quando o ritual vai acontecendo, sinais por todo o lado.

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The almight witch - a bruxa que tudo vê em Suspiria

O remake de Suspiria, uma narrativa distinta que conserva apenas algumas ideias, é excelente ao curso de suas duas horas e meia. É uma obra longa, cheia de cortes. É um contínuo foco no olhar, no observar e no piscar da bruxa, que por vezes desliza invisível pelo cenário. Suspiria, a pontualidade da sua trilha e do ótimo roteiro, aqui sempre religioso, político e místico, é capturado - cena e cenas - pelo jogo de câmeras que se torna quase um personagem ao lado de Dakota Johnson, Tilda Swinton (duas vezes) e Mia Goth, magníficas. As câmeras parecem sempre posicionadas para observar, elas espiam como uma força onipresente, os seus poderes em ressonância com os das bruxas quem trazem terror ao filme (especialmente a Markus, muito bem descartada no final). Quando a bruxa que a tudo vê é posiciona em qualquer canto, flutuada ou esgueirada, o cortar de cenas o seu piscar de olhos, que o jogo de câmeras comecem.

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The Perfection e a sua grande virada

É só uma pena que a segunda parte de The Perfection (2018; Richard Shepard), filme que encontra o seu ápice em uma grande virada, não tenha o poder que deveria. Duas garotas recentemente tornadas íntimas, uma viagem por um país a elas estranho, pouco amigável, e o ensaio de algo contagioso no horizonte. Exigente de estômago, se constrói uma história inesperada que, rápida, apela cada vez mais para certa urgência. O twist que acontece pouco depois dos seus quarenta minutos é ótimo em ideia e composição de cena. Estou sempre pronto para o nonsense em suspenses do gênero, mas a história que The Perfection opta por me contar, a partir da virada, é tão menos interessante do que poderia – e você sabe disso sempre que lembra da história sendo rebobinada, quadro a quadro, enquanto Charlotte ( Allison Williams) e o mal súbito de Lizzie (Logan Browwning) são postos em detalhes. Vale mais o conto de menos de uma hora do que a bobeira despretensiosa que ele se torna.

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The Blackcoat’s Daughter - o demônio na caldeira

Blackcoat’s daughter (ou February; Osgood Perkins, 2015 ou 2017) é lento e não deixa o que está querendo contar às claras, seja em imagem ou trama. Com personagens pouco simpáticas – e aqui não se põe crítica ao carisma – é uma história sobre possessão e um pouco mais: o conto de quando o mal se é a única companhia. A personagem de Kiernan Shipka/Emma Roberts aceita e deseja a invasão do seu corpo e alma, encontrando nela algum conforto sobre traumas passados. Uma das cenas mais legais do filme é quando Rose (Lucy Boynton) encontra a garota no porão, reverenciando a caldeira acesa, uma manifestação (não necessariamente física) do demônio. A partir desse momento, martelado quando a garota retorna no final, chamas agora apagadas, é possível ler o calor da caldeira como uma metáfora para aconchego, amparo. Para Katherine, é um mal que não se é escuridão ou vazio. Mas se é um mal, corrompe e destrói. Contraditoriamente, corrompe e destrói, mas o demônio na caldeira também preenche.

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Westworld - Sobre o gostar do monstro na ficção

Eu sempre tenho a impressão de que Westworld não é suficientemente assistida e apreciada. É uma série complexa, adulta, que cumpre bem o papel de cativar e fazer pensar. Essa segunda temporada, precisamente com William, o herói tornado monstro ou o monstro outrora em pele de herói, me fez pensar em algumas coisas legais sobre o que se é gostar de um personagem. Normalmente, e de primeiro momento, gostamos de algo, alguém, no qual podemos nos ver próximos. Gostamos por entender, por dar como justificado, por ver próximo a si e aos seus. Na ficção, em dado termo, costumamos nos balançar por aqueles que fazem, ou fariam, o que fazemos ou gostaríamos de fazer. Isso não acontece com o Homem de Preto. Ele é detestável, algoz, de um modo que não se é possível identificar ou torcer por. Ele não é o vilão redimido. Ele é - e sempre foi - um monstro. O detalhe é que em qualquer boa história, gostar também ganha outro contexto. Gosto do Homem de Pedro pela importância que ele tem na história. Ele sintetiza. Ele traduz uma das principais mensagens de Westworld: quem somos nós quando “ninguém” está olhando? Como o parque é capaz de trazer o que é de pior - e verdadeiro - naqueles que o frequentam. O personagem de Ed Harris é um recurso poderoso de narrativa - assim como o é Jimmi Simpson . É graças a isso, e aos seus dois incríveis intérpretes, que o personagem é um dos melhores e mais significativos da trama. Queremos mais de William porque ele nos diz, sempre, do que o seriado se trata.

PS: o episódio 9 da segunda temporada tem o momento mais incrível do personagem - uma das cenas do episódio 4 fica atrás por pouco.

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Aniquilação - o voltar ao não saber

Aniquilação é um filme maravilhoso. É incrível como o enredo cresce, se transformando em algo profundo e emocional. Por meio de Lena e suas companheiras, a historia de destruição como criação, como processo de transformação e, mais do que isso, como o estágio de retorno ao desconhecido. Aniquilar, como o voltar ao não saber, não é apenas físico, biológico, mutagênico. Embora uma ficção científica excelente, está no contar da história de pessoas uma das forças do filme. Por isso, gosto particularmente do que representa a cena entre Lena e Ventress, aquela sobre suicídio e autodestruição. É interessante como ela embasa e aproxima os personagens da trama. Com as suas respectivas perdas (a de Kane, o casamento, como a mais sensível  - com certeza pela proximidade com a trama), são todos engolidos pelo processo de aniquilar. O mundo tornado uma amalgama de incertezas, eles se perdem, voltam ao não saber. A partir daí, que seja até físico, conjuga-se o processo de aniquilação.

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Killmonger e um lembrete (não tão) rápido sobre um vilão

Pantera Negra (2018) merece todo o sucesso que vem fazendo. Acabada de ser lançado e, portanto, quente em discussões de crítica e público. No filme, Erik Killmonger traduz bem o propósito do vilão. Complexo, ele é fruto do meio onde se viu inserido, reflexo  de frustrações. Ele nos lembra que o vilão não é simplesmente o contraponto, a antítese do herói, mas também o seu complemento, o desafio que para ser combatido exige a prática daquilo que se aprendeu.  E mais do que isso: o vilão, como aquele que completa, obriga o herói a assimilar uma perspectiva nova sobre o que se é possível e verdadeiro. Ele força o herói a olhar o que está além, um pedaço distante da totalidade e de si mesmo. Ele torna o herói completo, forte, capaz, sábio. É como se o vilão, às vezes, martelasse os ensinamentos do mestre.

Killmonger, ou a ideia do que se é o vilão, é uma discussão tão válida e atual quanto a do negro, e da injustiça racial, abordada no filme. É a discussão da assimilação de conteúdo, do se compreender outras visões de mundo para se então criar uma nova, autentica, real, dialética. São épocas reais de intolerância e do abuso de pensamentos/argumentos calcados em uma visão una e conveniente das coisas, época do apego ao que se prefere, sem concessões. O vilão, reduzido agora à experiência oposta, exige a perspectiva do contrário e, a partir dela, a compreensão de ideias antagônicas para se chegar a uma nova, mais completa. Não se trata preguiçosamente do processo de incorporar o outro lado, em uma simples fusão de opiniões, mas sim de entender o que se é proposto na outra margem e de se criar um ângulo problematizado de um episódio.  

T'challa é forçado a criar uma visão nova, contemplando as tradições e anseios de Wakanda (a sua verdade inicial) com a necessidade de projeção do seu reino mundo a fora (uma visão pacificada do que propunha Killmonger). A ideia de revelar Wakanda e fazê-la parte do mundo exterior já havia sido proposta - em partes - por Nakia, mas foi todo o processo de aprendizado, de se tornar completo, forte, capaz e sábio, subtraído do embate, e da derrota, de Killmonger que fez com que T'challa adaptasse e finalmente tomasse a sua decisão.

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Fargo e os seus Homens de Violência

Acabo, afinal, de terminar a terceira temporada de Fargo. Quando se vê algo de que se gosta, e muito, como é o meu caso com a série, aquela vontade sempre próxima de se escrever a respeito, triturar em palavras, exaltar, infinito, em adjetivos, aparece, boba. Reina, nesses três anos, a destreza com que a série se mantém alinhada não só ao filme dos Coen, mas consigo mesma. Antológica, é um conjunto que trata de violência e de violência como poder ou fuga. Cada uma de suas tramas utiliza a morosidade de sua Minnesota, e de seus habitantes, como um plano branco, luminoso, capaz de produzir sombras imensas. É o plano de fundo, o contraponto, que destaca a violência, é a neve que exalta o sangue, quando por ela ele escorre brilhante. São Homens (nesse texto sempre em sinônimo de espécie, gente, pessoas) complexos que produzem e semeiam crueldade. É legal perceber que ferimento, tortura e morte não aparece aqui de forma inédita, escancarada, perturbada. Esses elementos se projetam em – ou na forma de – personagens reais e bem desenvolvidos, mesmo quando caricatos. São itens que sabem dar sabor, engrandecer, fazer sentir. Os Homens de violência de Fargo, as suas personalidades mesquinhas e de desacertos, dão elegância ao crime e ao furor. As pessoas boas e de lei estão lá e (como) funcionam, mas Fargo, vale lembrar, é uma história verídica, em que os eventos retratados ocorreram em algum momento em Minnesota e que, a pedido dos sobreviventes, os nomes foram alterados, mas que, em respeito aos mortos, o restante foi descrito exatamente como o acontecido. Nessas histórias, verdade seja dita, o interesse sempre recai sobre a tragédia e os seus agentes.

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The Babysitter:

Para inglês ler:

The Babysitter (2017), in addition to its more than reasonable portion of nonsense, a story of dark comedy, full of gore and exaggeration, made something else, thanks to its structure, come to my mind. Suddenly, while the movie was happening, I remembered that kind of horror games, the hide-and-seek one, renewed after titles like Amnesia, Outlast and Resident Evil 7. The helpless character, surronded by enemys, each one with its oddity, that is pursued – never simultaneously – by everywhere. In the style of Clock Tower, Hunting Ground and Rule of Roses, to finish with good examples, Cole (the film’s protagonist) runs away, hides and improvises traps to finally take care of his pursuers, one by one. The comedy is not a part of the horror genre in games, but offers a special flavor to The Babysitter.

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A Babá:

“A Babá” (The Babysitter, 2017), além de sua porção mais do que razoável de nonsense, uma história de humor negro, gore e exageros, fez com que outra coisa, graças ao seu formato, me viesse à cabeça. De repente, enquanto o filme rolava, me lembrei daquele tipo de jogo de terror, o “fuja-e-se-esconda”, de fôlego renovado depois de títulos como Amnesia, Outlast e Resident Evil 7. O personagem indefeso, rodeado de inimigos, cada qual com suas bizarrices, que é perseguido – nunca simultaneamente – por tudo o que é canto. Aos moldes de Clock Tower, Hunting Ground e Rule of Roses, para terminar com bons exemplos para os familiarizados, Cole (o protagonista do filme) foge, se esconde e improvisa armadilhas até finalmente dar cabo de seus perseguidores, um a um. A comédia não faz parte do gênero de terror nos jogos, mas da um sabor especial à “A Babá’.

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The Last Guardian:

Para inglês ler:

The announcement of the Shadow of the Colossus remake - along with a promotion on the Playstation Store - made it the perfect moment for me to finally play The Last Guardian. Once again, in addition to dealing with language and the breakable but powerful bond it creates, Fumito Ueda uses scale to impress. It is a story told under the shadow of something greater, silence and loneliness as a way to diminish, to create depth and immersion. Huge fortresses, even larger when projected over stillness and emptiness, populate what seems infinite in a universe that may be one. Fields, deserts, lakes and mountains whistle in the Forbidden Lands, and when it is not enough to make them imposing, a Colossus awakens on the path, apotheosis in all its extension. The Nest, evidence of an ancient civilization builded in a crater, is a labyrinth of structures and pillars that rise for miles. Again, the story told by size. The Boy, the Armored Knights, Trico. A set of works that is not simple only by design of subtraction, but also by transforming everything into greatness. Once the game of scales is established, simplicity becomes synonymous with smallness. Castles, fields and ruins become apathetic to boys and their goals.

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The Last Guardian:

O anúncio do remake de Shadow of the Colossus, juntamente com uma promoção na Playstation Store, fez desse o momento perfeito para que eu jogasse, finalmente, The Last Guardian.  Mais uma vez, além de tratar de linguagem e do elo quebrável, mas poderoso, que ela cria, Fumito Ueda usa escala para impressionar. É a história contada sob a sombra de algo maior, silêncio e solidão como forma de diminuir, criar profundidade e imersão. Fortalezas enormes, maiores ainda quando projetadas sobre quietude e vazio, povoam o que parece infinito em um universo que talvez seja uno.  Campos, desertos, lagos e montanhas assobiam nas Terras Proibidas e, quando não basta torná-los imponência, um Colosso desperta no caminho, apoteótico em toda a sua extensão. O Ninho, indícios de uma civilização antiga erguida em uma cratera, é um labirinto de estruturas e pilares que se erguem por quilômetros. Mais uma vez, a história contada por tamanho. O Garoto, as Armaduras, Trico. Um conjunto de obras que não é simples apenas por design de subtração, mas também por transformar tudo em grandeza. Uma vez estabelecido o jogo de escalas, a simplicidade se torna sinônimo de pequenez. Castelos, campos e ruínas se tornam apáticos a garotos e seus objetivos.