Análisis de canción: Somewhere Only We Know – Keane
Bueeeeno, vengo a revivir este blog que desde julio del año pasado no actualizaba. Pasaron tantas cosas en el medio y a la vez siento que fue ayer cuando me senté a escribir el análisis de "folklore".
Hoy les propongo algo diferente, voy a analizar una canción en vez de un álbum, que quizás parezca muy personal pero para mí es importante ponerlos en contexto y ubicarlos en tiempo y espacio para que comprendan la profundidad de la letra y lo que ésta significa, al menos, desde mi punto de vista.
En este último tiempo, hace ya varios meses, me está tocando atravesar situaciones difíciles que me han puesto, de una u otra forma, entre la vida y la muerte. Me he cuestionado mucho el sentido de vivir, recaí en el pasado y en las cosas que no puedo reparar y por último me enfrasqué en intentar detener el futuro. En esos momentos, donde "esquivas a tu corazón y destrozas tu cabeza", mi refugio más grande fue la música. Entre todo el amplio catálogo, esta canción en particular resonó intensamente en varios momentos críticos, y me acompañó en otros.
"Somewhere Only We Know", «En algún lugar que solo nosotros conocemos», es el primer sencillo del álbum debut de la banda Keane, titulado "Hopes and Fears" y publicado en 2004. El vocalista reveló que la canción en sí trata de "poder sacar fuerzas de un lugar o experiencia que compartiste con alguien. Cree que es una idea con la que mucha gente se puede identificar".
Por otro lado, podemos encontrar la explicación del baterista de la banda, Richard Hughes, en el sitio de Chris Flynn:
Cito: "Nos han preguntado que si «Somewhere Only We Know» es acerca de un lugar específico, y Tim ha estado diciendo que para él, o para nosotros individualmente, puede ser acerca de un espacio geográfico o un sentimiento; puede significar algo individualmente para cada persona, y la pueden interpretar como una memoria suya... Es tal vez acerca de un tema más que de un mensaje específico... Los sentimientos pueden ser universales, sin ser totalmente específicos para nosotros, o un lugar, o un tiempo..."
Ahora, más allá del contexto previo que les puedo ofrecer de la canción, les voy a contar cómo la interpreto yo. Para entenderme mejor, les propongo que vean este video que tiene la letra traducida al español y saquen sus propias conclusiones.
Una vez que hayan escuchado la canción, paso a decirles lo que significa para mí:
Esta canción me la dedico a mí persona. La narración la interpreto como si se estuviese hablando con uno mismo. Por momentos recordando el pasado, como cuando habla del sendero que recorre y solía conocer y amar, y por otros momentos pensando en el futuro, como cuando dice que necesita un lugar donde empezar. El núcleo de la canción, y lo que para mí le da más sentido, es el reencuentro. Es aprender a conocerse y encontrarse con uno mismo.
"Oh, simple thing, where have you gone?" es una de las líneas con las que más me identifico. ¿En qué momento la vida empezó a ser tan difícil de enfrentar? no hay un punto específico, una fecha y horario exactos. Pero de repente, creces y te das cuenta que las cosas no son fáciles, cuando ya parece demasiado tarde.
"So tell me when you're gonna let me in
I'm getting tired and I need somewhere to begin"
Así que dime cuándo vas a dejarme entrar, me estoy cansando y necesito un lugar en donde empezar. De nuevo, me encuentro hablándole a Bianca, y preguntándole: ¿cuándo vas a abrirte ante vos misma y dejarte entrar? ¿Cuándo nos vamos a reconciliar, mente y corazón, para poder empezar de nuevo?
Y por último,
"This could be the end of everything
So why don't we go
Somewhere only we know?"
Este podría ser el final de todo, así que, ¿por qué no vamos a un lugar que solo nosotros conocemos?. Esta frase es tan ambigua, porque mi lado racional me dice que no hay nadie que me conozca más que yo misma, pero en mi corazón siento que no tengo ni idea de quién soy, o quién era. Cambié, porque pasaron cosas que me rompieron y me armaron de nuevo para siempre. Me siento como una pieza de cerámica que se rompió, y de a poco se fueron pegando de nuevo los pedazos, para formar una figura similar pero no idéntica. Con detalles y agujeros por todas partes que faltan rellenar, con bordes irregulares que precisan moldearse y con una fragilidad que la hace extremadamente vulnerable al más mínimo roce. No obstante, sigue siendo una figura, que existe y esta ahí. Y, aunque parezca poco, para mí es un montón.
Al escuchar esta canción hay una mezcla de sentimientos que van desde la nostalgia por el pasado ("Is this the place we used to love?") e incertidumbre y miedo por el futuro ("I need somewhere to begin"). Que son, básicamente, las emociones que siento en este momento de mi vida. "Somewhere Only We Know" me dió algo muy poderoso, además del sentimiento de identificación, que es la sensación de comprensión. Es una de las pocas canciones que, desde el inicio hasta el final, me llegan hasta lo más profundo y logro verme reflejada en lo que dicen. Y por eso hoy se las comparto, para que la escuchen y puedan darle la interpretación que ustedes quieran o necesiten.
Concluyo este pequeño análisis para decirles que, si hay algo en lo que creo firmemente, es en que la música salva vidas. Al menos en mi caso, resulta una conexión muy fuerte entre lo que represento y lo que los artistas expresan. Es un refugio de infinitas posibilidades que desarma tus más intrínsecos pensamientos y los convierte en algo más. Me despido, y les recomiendo como siempre que escuchen música, y que sobre todo la disfruten y la analicen. Hay tanto provecho que se le puede sacar a una simple canción, y yo tuve la suerte de encontrarme con esta.
(Antes de comenzar, quiero aclarar que ni la franquicia de Star Wars, ni sus personajes me pertenecen, el apellido "Lannister" tampoco es de mi propiedad, esta historia no tiene relación con la serie de HBO "Juego de tronos", les recomiendo ver las series y películas de Star War para entender mejor esta historia. Pueden ver resúmenes en YouTube o algún sitio de Internet. Agradezco de antemano mucho a las personas que estén dispuestas a ayudarme en esta historia, sin más que decir. Empecemos)
Muchos lo conocen por el nombre de Darth Vladd, una de las personas más temerarias, respetadas, y por supuesto, crueles de la galaxia. Su nombre real es Lucio Lannister, tal es su osadía, que es capaz de insultar a Darth Vader sin demasiado esfuerzo, acto, que mataría a cualquiera. El peor enemigo de Lannister es su pasado, su hermana mayor fue raptada y violada centenares de veces, pero, gracias a eso, es la mejor Cazarecompensas de la Galaxia. Aunque dicha hermandad, es desconocida por ambos. Quien hizo sufrir tanto a Lucio, y lo convirtió en el monstruo que es, fue su maestro Xar Brohell, ahora, los hermanos Lannister vivirán muchas aventuras junto a la Legión de Lucio, su droide HK-50 y algunos personajes inolvidables. Junto a un Dios de la Guerra y la Oscuridad en forma humanoide, Lucio hará que su maestro pague por todo lo que le hizo.
Él es un chico casi sin escrúpulos, su audacia solo puede ser comparable a su brutalidad en los combates, convirtiéndolos en verdaderas carnicerías en donde lo más importante es demostrar el poderío Sith, pero eso no es lo verdaderamente importante, podrá ser un monstruo, pero al igual que todo humano, tiene un corazón, y puede ser ablandado. La verdadera y única "Mano" del Emperador, el Agente definitivo, superando con creces al Sith Darth Vader, la segunda figura más respetada dentro del Imperio. Lannister, se pasa eso por el arco del triunfo, no tiene miedo de insultarlo en público, privado, donde sea, no siente respeto por casi nadie. Temido por muchos, amado por otros, Lucio Lannister se ha convertido en una persona de temer, faltarle al respeto verdaderamente sería pedir a gritos que te maten, Lucio posee un carácter fuerte y hostil al principio, aprendió a no confiar en nadie, no le tiene miedo a nada, excepto a una cosa, su Maestro Xar Brohell, la razón de por qué Lucio es como es. Por más agresivo que lo consideren, lo cierto es que Lucio sí suele sonreír, y con regularidad, ahora, hay que diferenciar entre una sonrisa sincera de felicidad, o una sonrisa de victoria. Lucio es bastante despreocupado con respecto a casi todo, suele tomar decisiones usando más la lógica que el corazón, es indeseable por muchos, agradable para pocos.
La apariencia de Lucio consiste en su cabello rojo, no es demasiado largo, llega hasta su nuca y un poco más, obviamente despeinado. Sus ojos son de un bello color lila/violeta/morado como quieras decirle, pero si Lucio utiliza su ira interior, el iris del ojo cambiará a amarillo con unas venas rojas, los característicos "Ojos Sith". Que le dan un toque muy terrorífico, posee varias cicatrices en todo su cuerpo, podemos destacar la de su ojo derecho, que es pequeña, una en la zona de su corazón, de unos 16 centímetros que va de izquierda a derecha. Una en su pierna de 2 c y una en su hombro derecho de 3 cm. Posee 2 tatuajes, en su espalda posee una águila roja enorme devorando a una ave azul más pequeña, una referencia a su bondad e ira. El otro está en su muñeca derecha, el cual es una L en el idioma Básico Galáctico. Por último y detalle no menor, posee una prótesis robótica en su brazo izquierdo, aunque a simple vista parece humana, está hecho de un metal desconocido por los humanos, capaz de resistir el plasma de un sable láser, o un láser común. Lucio posee ropas casi en su totalidad negras, siendo estas una chaqueta de cuero con pequeñas decoraciones en blanco y rojo, sin mencionar que también poseía pinchos metálicos como decoración en la manga izquierda, la chaqueta cubría una camisa negra que parecía ser de licra, en sus manos, llevaba puestos unos guantes de cuero de tipo motociclista que igualmente tenía pinchos decorativos en los nudillos. Pasando a la cintura y piernas, vestía un pantalón negro que parecía rasgado en las zonas de los muslos y las piernas, siendo este sostenido y en cierta forma decorado con algunos cinturones y hebillas metálicas. Y finalizando con su calzado, llevaba puesto unas botas negras estilo militar que a simple vista, parecían realmente duras.
(Pueden tomar de referente a su apariencia, a los actores "Alex Hogh" Ivar en Vikingos, o "Xavier Samuel" Riley Biers en Crepúsculo: Eclipse)
Su arsenal de poderes es bastante extenso, comenzando por un clásico, sable laser/sable de luz con un color rojo carmesí. Una arma elegante, para tiempos civilizados. Es similar a una espada tradicional, salvo por el hecho de que su hoja es un haz de energía (plasma, rojo en este caso) Hay una infinidad de colores, y por si fuera poco, posee guardada una daga/puñal/cuchillo mediano con la hoja color verde, nunca se sabe si lo necesita, dicha arma esta tan afilada como su mente.
1.1 Atraer con la Fuerza
Atraer con la Fuerza es una de las habilidades comunes telequinéticas y consiste en generar un campo que atraiga un objeto determinado, mientras más pesado sea el objeto, más concentración requeriría por parte del usuario. Esto es telequinesis básica.
1.2 Empujar con la Fuerza
Empujar con la Fuerza puede ser anulado por un campo igual y de sentido inverso, es la aplicación de Empujar más común y consiste en crear una onda repulsiva que lanza a una persona u objeto con un vector determinado, este vector, generalmente, apunta siguiendo la posición del brazo con el que se lanza.
1.3 Asfixiar con la fuerza
Estrangular con la Fuerza era un poder tremendamente conocido además de peligroso, y la habilidad característica de Lord Darth Vader. Se debe distinguir el Estrangulamiento de la Fuerza de sus múltiples habilidades derivadas, pues no todas son iguales. Sin embargo todas se basan en una habilidad principal, la Telequinesis, mediante la cual se puede oprimir con la Fuerza el cuello de un rival (concretamente la tráquea) impidiéndole respirar y matándole lentamente. Esta habilidad era tremendamente útil para interrogatorios, pero tardaba más en causar la muerte y no levantaba al objetivo del suelo, además de ser muy fácil de defender para un usuario de la Fuerza, bastándole con una Barrera intuitiva para impedir ser ahorcado.
Y esta era la verdadera habilidad que Darth Vader dominaba con tanta perfección. Estrujar con la Fuerza era una versión más poderosa del Estrangulamiento, requiriendo un enorme poder en la Fuerza para ejecutarla y siendo la ideal para usar contra Jedis, ya que es mucho más difícil de defender. Este poder hacía más daño, mataba más rápido y además elevaba por los aires al afectado, dejándolo suspendido gracias a la Fuerza. Podía inmovilizar al oponente con suma facilidad, y si pasaba cierto periodo de tiempo siendo estrangulado por este poder daba la opción de romperle el cuello sin problema.
1.4 Rayo de la fuerza.
Es uno de los poderes más conocidos del Lado Oscuro, y también uno de los más letales. Los Rayos de la Fuerza son una encarnación pura de la ira del usuario, que salen de la punta de los dedos y atacan directamente al cuerpo del enemigo, envolviéndolo por la enérgica descarga y provocando un dolor atroz. Los rayos entonces atraviesan la piel y sus efectos llegan a los órganos internos, quemando al rival por dentro y calcificando su esqueleto, dejando solo un montón de carne carbonizada, aunque para esto se necesita mucha potencia.
1.5 Extracción de vida
Mediante la extracción de la vida un Sith canaliza la energía vital ajena hacia uno mismo permitiendo así vivir más tiempo o incrementar las posibilidades de sobrevivir a ataques
1.6 Poder del Odio
Un poder que concentra el odio propio cebándolo con indignación, asco o miedo hasta ser muy poderoso, en ese momento; se liberará en ondas de energía que podrán hacer enloquecer a uno o varios enemigos
1.7 Miedo
El infligir Miedo. Consiste en una manipulación que aumenta el miedo en un enemigo hasta el punto de el horror, aplicar este poder de forma continuada llevará al enemigo a la locura
1.8 Tormenta eléctrica
La tormenta de Fuerza de carácter eléctrico es considerado el poder que demuestra que un usuario ha alcanzado un conocimiento muy avanzado del rayo Sith, pues, la tormenta crea, al alzar las manos, una onda de electrones que, al chocar contra un enemigo producen un rayo, pudiendo así atacar a varios enemigos a la vez.
1.9 Aniquilar con la Fuerza
Y al fin llegamos a la forma definitiva del Estrangulamiento. El Aniquilamiento con la Fuerza, o Aniquilar con la Fuerza, era una de las habilidades más letales conocidas por los usuarios de la misma, ya sean Jedis o Sith. Lo que hacía, como incida su nombre, es literalmente aniquilar el cuerpo del enemigo desde dentro, desintegrando rápidamente todo lo orgánico hasta dejar un cascarón vacío o, si se sigue usando, no dejar nada. Era una de las formas más terribles de morir mediante la Fuerza, aunque también de las más rápidas. Se sabe que Mace Windu usó este poder en el General Grievous, aniquilando sus pulmones y dejándolo con esa constante tos que le acompañaría por el resto de su vida.
(Dato Curioso: Por lo general eran necesarias dos cosas para usar el Estrangulamiento y sus variantes. La primera era extender la mano hacia el oponente (haciendo un gesto de pinza si la intención es estrangularlo), y la segunda era tenerlo dentro del campo visual. Sin embargo, usuarios muy experimentados podían prescindir de estas "condiciones", tal y como demuestra Darth Vader con un oficial (sin hacer el gesto) o el Conde Dooku en The Clone Wars (sin campo visual.
Normalmente era necesario estar a unos metros para usar estas habilidades, pero cuanto más poderoso se era (o más habilidoso en este poder) a más distancia podía hacerse, hecho que demuestra Darth Vader ahorcando a un oficial desde una nave distinta a la de él o Darth Sidious estrangulando al Conde Dooku estando a años luz de éste (quien estaba en otro planeta). Un impulso de ira puede potenciar las habilidades de Estrangulamiento temporalmente, pudiendo superar defensas que normalmente no podría. Ejemplo de esto es el momento en el que Assaj Ventress se llenó de ira, siendo capaz de ahorcar a Anakin y a Obi-Wan a la vez. Cabe destacar que el Estrangulamiento junto a todas sus variantes son ilegales en el rol actual, esto debido a lo supuestamente difícil que es escapar de este poder y a lo letal que puede ser.)
(De momento, estos son los datos del personaje, esto es como una introducción al protagonista. Tendrá poderes y extras en el futuro, pero de momento, esto es lo que tenemos. Comencemos con la historia. "Lannister: La Historia Nunca Contada")
Muchos lo conocen por el nombre de Darth Vladd, una de las personas más temerarias, respetadas, y por supuesto, crueles de la galaxia. Su nombre real es Lucio Lannister, tal es su osadía, que es capaz de insultar a Darth Vader sin demasiado esfuerzo, acto, que mataría a cualquiera. El peor enemigo de Lannister es su pasado, su hermana mayor fue raptada y violada centenares de veces, pero, gracias a eso, es la mejor Cazarecompensas de la Galaxia. Aunque dicha hermandad, es desconocida por ambos. Quien hizo sufrir tanto a Lucio, y lo convirtió en el monstruo que es, fue su maestro Xar Brohell, ahora, los hermanos Lannister vivirán muchas aventuras junto a la Legión de Lucio, su droide HK-50 y algunos personajes inolvidables. Junto a un Dios de la Guerra y la Oscuridad en forma humanoide, Lucio hará que su maestro pague por todo lo que le hizo.
Pequeñas anécdotas sobre las instituciones (1974) – Sui Generis
Tracklist:
Instituciones
Tango en Segunda
El Show de los Muertos
Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras
Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal
El Tuerto y los Ciegos
Música de Fondo para Cualquier Fiesta Animada
Tema de Natalio
Para Quien Canto Yo Entonces
Bonus Tracks:
Juan Represión
Botas Locas
Como hace poco fue 24 de marzo, el Día de la Memoria por la Verdad y la Justicia, decidí retomar esta entrada que tenía medio abandonada, pero me parece muy muy importante. Hay muchas formas de rememorar y tener presente nuestro pasado como país, y una de ellas es a través de la música; es por eso que elegí este álbum en particular, que sonó muy fuerte allá por el 74 y tiene que seguir retumbando en nuestras mentes hoy en día.
Hoy voy a hablar del tercer álbum de Sui Generis, uno de los más conocidos y sin dudas el más emblemático de esta bandaza de rock nacional: Pequeñas anécdotas sobre las instituciones. Es un álbum que suena muy muy bien, pero su punto más fuerte son las letras: cada canción tiene material para hacer un análisis detalladísimo de lo que estaba pasando en ese momento en Argentina, vivido en carne propia por los integrantes de la banda, y con el paso de los años se convirtió en una de las obras más aclamadas relacionadas a la Dictadura Militar.
Pero primero un repaso por el grupo en sí para los que no conocen o nunca escucharon (no sé qué estás haciendo con tu vida entonces), de más está decir que se los recomiendo a todo el mundo.
La banda:
Sui Generis (“único en su tipo” en latín, bautizados por García quien dijo que había visto la palabra en un libro de geografía, y entendió su significado mucho después) fue un dúo de rock de Argentina formado por Nito Mestre y Charly García en 1969. Digo dúo porque esa formación (Charly-Nito) es la esencial a lo largo de su carrera, pero cabe destacar que fueron contando con varios músicos de apoyo durante las grabaciones y recitales. Empezaron como una bandita de adolescentes, surgida de la fusión de dos agrupaciones (To Walk Spanish y The Century Indignation) mientras cursaban la secundaria en el Instituto Social Militar Doctor Dámaso Centeno (dato gracioso: tanto Nito como Charly se llaman Carlos Alberto).
Como sus principales influencias podemos rescatar a Simon & Garfunkel, aunque si nos remontamos a los inicios tenían un sonido inspirado en Vanilla Fudge y Procol Harum. Otro dato de color: compusieron una ópera rock de nombre “Theo, el hijo de la luna” basada en The Who, que luego podemos ver plasmada en algunas canciones de La Máquina de Hacer Pájaros y en “Eiti Leda” de Serú Girán.
Ni bien arrancaron se presentaron varias dificultades, desde cambios en la formación a inconvenientes en el desarrollo del proyecto. No voy a mencionar los varios integrantes que fueron y vinieron en el grupo, pero resumido así nomás quedaron Nito y Charly solos. El resto de los miembros se bajaron justo antes de uno de sus primeros shows y los dejaron re en banda. OBVIO estaba todo mal, citando a Nito “pensamos que era el final de un sueño”, se querían matar. Pero, por algún golpe del destino (traducción: se habían gastado la guita en cerveza y no podían devolver el cachet), los dos flacos se mandaron a tocar igual, uno con la flauta y el otro con una guitarrita criolla, y al público le encantó.
Para no hacerla más larga, llegaron en el momento justo para tener éxito. En esa época recién se había separado Almendra, Los Gatos y Manal, por lo que los exmiembros estaban tratando de formar otros grupos; así que en pleno auge lograron pegarla y firmar un contrato para empezar a tocar en el Teatro ABC.
El álbum:
El 16 de diciembre de 1974 se publica Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, que shockeó con un cambiazo de sonido en comparación a los trabajos previos de la banda. Dieron un vuelco hacia el rock más eléctrico y cambiaron de onda totalmente, idea de Charly, que viajó a Estados Unidos para comprar los instrumentos que se usaron en la producción: un piano eléctrico Fender Rhodes, órganos Hammond y sintetizadores ARP String Ensemble y Moog.
La idea general del álbum es una crítica a las distintas instituciones, entre ellas la justicia, el matrimonio y el ejército. Pero antes de hablar de eso, hay que ubicarnos un toque en el contexto histórico en el que se grabó el álbum y la situación del país en ese entonces.
Argentina. 1 de julio del 74, fallece el presidente Perón y asume su esposa Isabel, anteriormente vicepresidenta. Se ven enfrentadas la izquierda y la derecha peronistas, la violencia política es cada vez más creciente, estallan más de cuatrocientas bombas en septiembre y como si esto no fuera poco aparece la Triple A, que amenaza con la muerte a distintos intelectuales y artistas del país, de los cuales muchos huyen de Argentina. Por otro lado, empieza la operación clandestina de la agrupación Montoneros y comienza una guerrilla en la que se ve involucrada el ERP, instalado en ese entonces en la selva tucumana. Si bien el golpe de estado se dio recién en marzo de 1976, el clima represivo y el constante enfrentamiento comenzaron mucho antes, y junto con ellos la censura.
Charly cuenta que el álbum originalmente iba a llamarse “Instituciones” a secas, pero no pudieron permitirse sacarlo así porque era demasiado. En un intento de suavizar el nombre, lo cambiaron a “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones”, modificando también otras de las ideas principales que querían implementar. La idea de Charly era hacer varios temas, uno dedicado a la policía, otro al ejército, otro a las familias… si el álbum ya fue considerado fuerte en ese entonces con todos los arreglitos que le metieron, dejarlo como estaba hubiese sido inimaginable. De cualquier forma, una de las cosas que más admiro de Charly a nivel compositor es la capacidad que tiene de hacer pelota a los corruptos (entre otros) mediante una pieza musical tan metafórica que pasa desapercibido. Por poner un ejemplo, una de las canciones más conocidas en contra de la dictadura es Canción de Alicia en el País (del álbum Bicicleta de Serú Girán, un proyecto posterior) que relata perfectamente lo que se vivía por aquellos años, pero adaptándolo a una forma más “light” cosa de no morfarse tremenda censura, y comparando a los militares con personajes fantasiosos (rey de espadas, brujos, etc.).
Ahora que más o menos tenemos una idea general de la banda y del contexto histórico del país, paso al análisis individual de cada tema:
Instituciones
ARRANCAMOS FUERTE. Si bien yo no lo elegiría como el tema más representativo esencialmente del álbum, es un muy buen comienzo y funciona perfecto como introducción a lo que es el disco en sí. Acá se nota mucho el avance musical de Sui Generis, tanto en sonido como en letras. Anteriormente hice énfasis en lo novedoso de los sonidos de este álbum, pero otra cosa que destaco también es la evolución de las letras, que son mucho más maduras en comparación de las anteriores compuestas por Charly.
Instituciones representa la opresión ejercida por parte de, justamente, las instituciones, hacia la juventud. Estas referencias se pueden ver reflejadas en varios versos, por ejemplo:
“Oye, hijo, las cosas están de este modo
Una radio en mi cuarto me lo dice todo
¡No preguntes más!
Tenés sábados, hembras y televisores
Tenés días para andar aún sin los pantalones
¡No preguntes más!”
Si bien las acusaciones hacia el sistema se hacen presentes una vez que analizamos el tema, no deja de ser bastante limitado en cuanto a contenido; podrían haber dicho muchísimo más. De hecho, lo hicieron. Instituciones es uno de los temas que tuvieron que censurar para poder publicar el álbum, aunque por suerte hoy podemos encontrar la letra original para leerla, aunque no haya sido grabada en el estudio. Acá se las dejo:
“Pero es que ya me harté de esta libertad
y no quiero más padres
que acaricien mi espalda.
Soy un hombre que quiere andar
sin permiso para ir a llorar.”
Tango en Segunda
Este tema salió como reemplazo de uno de los más censurados del álbum, “Juan Represión”, del que voy a hablar después. No tiene tantos tintes de crítica como el anterior, en mi opinión su punto fuerte es el sonido, con una parte instrumental bastante larga que está buenísima. Es esencialmente Charly experimentando con elementos del rock progresivo y abusando un toque de los sonidos del mini moog, cosa que básicamente quedó bien porque lo hizo él (sí, es como la quinta vez que le doy crédito a Charly solo por ser Charly, pero yo les advertí que le tengo la más profunda devoción, además estoy siendo bastaaante objetiva porque posta es re buen compositor y artista).
La única patadita que tiene este tema es una burla hacia el mánager de la banda, Jorge Álvarez, al que medio le tenían bronca por todo el tema de hacerles censurar el disco:
“A mí no me gusta tu cara
Y no me gusta tu olor
Hay tres o cuatro mamarrachos
Con los que yo estoy mejor”
Después, si queremos ser un poco más específicos, hay secciones que se pueden interpretar como una crítica hacia la gente y cómo se manejaban en ese entonces, considerando la situación. Versos como “Alguna gente que conozco vive metida en un baúl” podría hacer referencia a la negación de ciertas personas ante el clima nacional que había en ese entonces. Esta es mi forma de verlo, pero como no es tan evidente como otras letras del álbum se los dejo a su libre interpretación.
El Show de los Muertos
Charly García escribió este tema A LOS VEINTITRÉS AÑOS. Es increíble. Y te hace reflexionar, ¿cómo es que un pibe de 23 años escribe la frase “cuántas veces tendré que morir para ser siempre yo”? ¿en qué contexto?
En el 74, un año y medio antes del golpe de Estado, un joven Charly García escribió sobre algo que iba a condicionar a la Argentina en un futuro cercano, y que además iba a dejar una huella imborrable para siempre: el horror, la sangre y la muerte (más específicamente los muertos). Este es uno de los grandes temas de Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, que de cierta manera profetiza todo lo que estaba por venir respecto a las desapariciones forzadas.
No solo hace una crítica amarga hacia la política, sino que va entresacando y metiendo reflexiones personales, como por ejemplo:
“Yo crecí con sonrisas de casa
Cielos claros y verde el jardín
Y qué estoy haciendo
Acá en esta calle con hambre”
Aunque en seguida redirecciona el enfoque hacia algo mucho más político, como vemos en el siguiente verso:
“Y no es el que duerme tranquilo
Y el que me asesina sin saber”.
Además de tener una letra sumamente metafórica y cargada de ironía, El Show de los Muertos tiene un estilo muy propio de algunos temas de Pink Floyd, efecto dado gracias al saxo sintetizado. Destaco también que en este tema los instrumentos van a la par de las voces, elemento muy característico del progresismo.
Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras
Justo después del fin de El Show de los Muertos se escuchan en estéreo, yendo y viniendo de un canal al otro, unos tijeretazos: empieza la gran fábula, increíblemente metafórica, que tiene como protagonista al Señor Tijeras. Esto es buenísimo, porque no es simplemente un personaje ficticio inventado para la canción, está basado en una persona real: Miguel Paulino Tato, un periodista y crítico de cine que se encargaba de dirigir el Ente de Calificación Cinematográfica, el organismo dedicado a censurar y prohibir todo contenido “no apto” para el consumo en aquel entonces. Tan célebre fue este tipo que en 1995 le hicieron una película llamada “El Censor”.
La lírica de este tema es impresionante, y está narrada como si fuese un cuento: una pequeña descripción del personaje, el desarrollo de la historia y finalmente el desenlace. El punto culmine de la canción se da cuando el Señor Tijeras, luego de volver a su casa y saludar a su esposa, se encierra en su sala “a cuidar la moral” (una forma de decir que se ponía a censurar todo contenido considerado inmoral presente en las películas). Les dejo la estrofa que sigue a continuación:
“Y el hombre la acuesta sobre la alfombra
La toca y la besa, pero no la nombra
Se contiene, suda y después
Con sus tijeras plateadas
Recorta su cuerpo
Le corta su cuero
Deforma su cara
Y así mutilada la lleva cargada
Hasta la pantalla
Justo a la mañana”
La mujer de la que se está hablando representaría una película, en cuyo caso la mutilación es una metáfora a la censura. La parte en la que detallan que el censor se contiene antes de hacer su trabajo refleja un conflicto de sentimientos por parte del mismo, entre los que se destacan el nerviosismo la ansiedad y la excitación. Podemos interpretarlo como que, al final, el Señor Tijeras además de recortar las películas de cierto modo se censura y se reprime a sí mismo.
Finalmente, los últimos versos de la canción son “Te veré en 20 años en televisión, cortada y aburrida, a todo color”, refiriéndose al futuro de las películas censuradas, pero más específicamente a una en particular: “Último tango en París” de Bernardo Bertolucci, que fue censurada luego de durar una semana en cartelera por supuesto contenido pornográfico. Y tal como dijo Charly, sucedió. La transmitieron en 1994 por cable, recortadísima y aburrida, justamente porque a causa de la censura perdió toda su esencia.
Por último, pero no menos importante, cabe mencionar que esta fue otra de las canciones que tuvieron que modificar debido a la censura. Les dejo la última estrofa que es bastante heavy:
“Yo detesto a la gente que tiene el poder
de indicar lo que es bueno y lo malo también.
Sólo el pueblo, mi amigo, es capaz de entender.
Los censores de ideas temblarán de horror con el hombre libre
a la luz del sol.”
Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal
Simplemente AMO este tema. Uno de mis favoritos, es súper divertido y me encanta el ritmo, además de que rompe un toque con el estilo medio tétrico y oscuro del álbum, siendo bastante animado y alegre (pero no por eso carente de calidad lírica y críticas a las instituciones). Tiene un sonido muy progresivo también, y ésta canción en particular me hace acordar mucho al estilo de lo que después sería La Máquina de Hacer Pájaros.
Yendo más para el lado de la letra, Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal le pega muy fuerte a una de las instituciones más sagradas: el matrimonio. Además de hacer varias manifestaciones de rebeldía, este tema tiene una entonación excesivamente irónica, que es lo que le da la gracia en primer lugar. Por un lado, te tira frases re lindas y representativas de lo que es estar casado, por ejemplo:
“Si viene bien que sigamos juntos
Haremos todo a pesar del mundo
Y no habrá penas para ninguno
Y no seremos dos sino uno”
Y por el ooootro te mete un PALAZO a los medios de comunicación (en realidad a uno en particular) en la estrofa que dice:
“Tendremos un gato en el jardín
Tendremos un hijo si quiere venir
Muchos desayunos y ningún Clarín”
La verdad es que esta canción tiene un significado medio ambiguo, y se puede interpretar de muchas formas. Investigando un poco, leí que mucha gente le da el significado de que en realidad es Charly cantándole a una prostituta, lo cual tiene mucho sentido si nos detenemos a escuchar frases como “falsificadora de querer” y “Vendrá la luna por la mañana / Y tal vez todo termine en nada /Y que te importa si fuiste mía / Y que te importa la policía”. En cualquier caso esto no está del todo claro, aunque ahora que lo veo de esa forma me parece una interpretación bastante acertada.
Una incógnita de la letra de este tema que me persiguió desde el primer momento en que lo escuché es esa parte que dice “Estoy en busca de lo naranja y verde”. ¿QUÉ ES LO NARANJA Y VERDE? Durante años creí que seguro el significado era re obvio, pero como yo soy boluda y nací mucho después capaz era sobre alguna referencia a la época que se me escapaba, PERO NO. Estuve haciendo un toque de research a ver si encontraba en algún lado de qué carajo estaba hablando Charly (admito que me encuentro googleando eso más veces de las que me gustaría admitir) y no hallé casi nada. Me hizo sentir un poco menos mal, porque no es que YO no entendí, nadie entendió.
Sin embargo, hay gente que dice que lo naranja y verde se refiere a la plata, porque los billetes de esa época eran de esos dos colores. En cuyo caso seguramente hace referencia a los matrimonios arreglados y/o interesados. Como tiene bastaaante sentido yo me conformé con esa explicación, pero si me llego a cruzar a Charly le pregunto.
El Tuerto y los Ciegos
No sé qué es lo que me gusta más de este tema: el estilo folk, la letra o el violín (cortesía de Pinchevsky). Mentira, sí sé: es la letra. Es la hora de criticar otra institución más, en este caso la religión y la Iglesia, y junto con ellas la presión que ejercen sobre la sociedad, sobre todo centrada en los fanáticos religiosos.
Esta canción habla de un personaje de la mitología griega llamada Casandra, hija de los reyes de Troya, Hécuba y Príamo, que poseía el don de la profecía. ¿Cómo lo obtuvo? Era sacerdotisa de Apolo, y a cambio de una noche con él pactó la adivinación como recompensa. Pero, cuando accedió a ella, rechazó el amor de dios (cosa que encaja justito) y por ello fue maldecida: iba a poder ver el futuro, pero nadie jamás iba a creer en sus profecías. De hecho, dado el momento, ella predijo la guerra de Troya, pero nadie le creyó. El título de la canción se debe al dicho popular “en tierra de ciegos el tuerto es rey”.
¿La mejor parte de la canción? La frase “la mediocridad para algunos es normal, la locura es poder ver más allá”. Una de mis favoritas de Charly.
Música de Fondo para Cualquier Fiesta Animada
SE VIENEEEEEE el (probablemente) mejor tema del álbum, y uno de los más profundos en cuanto a la letra. Ya pasamos por críticas al matrimonio, a la censura, a la religión… ahora le toca a una de las instituciones que más corrompida se vio durante la previa de la dictadura, y que resulta también una de las más importantes: la justicia (¿o debería decir, injusticia?). Este tema está tan lleno de referencias que lo voy a ir haciendo estrofa por estrofa:
“Había una vez, resultado de un juez
Que era amante de los jueves
Un gran señor que sufría el deshonor
De sus sirvientas infieles”
La canción ya arranca indicando que el objeto de crítica es un juez, instrumentador de justicia. Las sirvientas infieles son el pueblo, que están obligadas a servirlo aunque no lo deseen, por eso el deshonor.
“Y una mujer neurótica sirviendo el té
En las habitaciones de algún juez
Disponible el primer jueves del mes”
Toma de punto a las esposas/mujeres de los jueces, resignándolas a ser las que les sirven el té y nada más, disponiendo del juez solo una vez por mes. Se menciona de vuelta el día jueves, igual que en la primera estrofa, indicando que él disfruta de ese momento en el que le sirven.
“Había una vez, una casa con tres
Personas en una mesa
Uno en inglés, otro hablaba en francés
Y el otro hablaba en caliente
Cada uno mantenía su conversación
Que giraba en tres temas en cuestión
Amor libre, propiedad y represión”
Una de mis partes favoritas de la canción, que hace referencia a los tres poderes: el legislativo, el ejecutivo y el judicial. Como los tres hablan distintos idiomas (el inglés el que seguía todo lo que dictase el norte, el francés el que está en desacuerdo con eso y el caliente el que actúa por impulso sin pensar) no se entienden entre ellos. Metáfora perfecta para resumir toda la situación política del momento, y que tristemente resulta atemporal en muchos otros casos. Es increíble como este álbum envejeció tan tan bien, porque hay letras que fácilmente las podés aplicar hoy en día.
“Había una vez, un país al revés
Y todo era diferente
Todo el dolor, el oro y el sol
Pertenecían a la gente
En esa casa dividieron el pastel
Y no dejaron nada sin comer
La bandeja se la llevó la sirvienta”
Clásica metáfora de los bienes como un pastel, el cual dividen y comen sin dejar absolutamente nada. Cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia: se roban todo, y la bandeja se la lleva la sirvienta, nuevamente representando al pueblo.
Este tema es tremendo. La ambientación es buenísima, muy acorde al clima que se vivía por aquellos años. Por supuesto, entra en el listado de los temas modificados por la censura, así que les adjunto la parte que tuvo que ser recortada:
“Había una vez
en la casa de un juez
una fiesta impresionante:
vino y caviar, y mujeres sin bailar
y marihuana en los cuartos
y un presidente hablando
sobre un pueblo en paz
y la manera de tranquilizar
a las bocas que pedían libertad
Había una vez
una casa con tres personas en una mesa:
un leñador con su hijo menor
y su mujer blanca y gruesa.
Sus vidas eran miserables bajo el sol
y el que levantó el brazo con dolor
está muerto, alguien dijo, por error.
Y en la fiesta
la noche pasa amablemente
y hasta el juez se acuesta
con el presidente,
bailan y ríen.
Había una vez
un país al revés
y todo era diferente.
Todo el dolor el oro y el sol
pertenecían a la gente.
Yo miraba de lejos ésta dividir
en mi plato no hay nada para mí.
¿Qué justicia
habrá entonces
para el pueblo?”
¿Se imaginan si llegaban a sacar esto? “hubiese sido tremendo”, mismas palabras de Charly García. Aunque esta canción es una de las más editadas, la idea sigue prevaleciendo y por suerte lograron dejar plasmada la esencia del tema, que se sigue entendiendo muy bien pese a los recortes.
Tema de Natalio
Así como Tango en Segunda tuvo que reemplazar a Juan Represión en el álbum, “Tema de Natalio” surgió como un reemplazo de Botas Locas, completamente instrumental. Tenemos a Pinchevsky en el violín nuevamente, en un tema fuertemente influenciado por la banda YES (particularmente el comienzo de la canción And You And I, del álbum Close To The Edge), un referente habitual para las bandas de esa época. Muchos dicen que es el punto débil del álbum, POR FAVOR NO OPINEN. NADIE QUIERE ESCUCHAR LO EQUIVOCADÍSIMOS QUE ESTÁN.
A ver, por un lado, capaz lo dicen porque al ser instrumental y no tener letra no te llega tanto como los otros temas, pero es una obra maestra de principio a fin. Es la cerrada de boca personal por parte de Sui Generis hacia aquellos que decían que eran “dos tipitos con una guitarra y una flautita”. Lamentablemente la gente no estaba lista para semejante música y por eso el álbum en general no fue tan bien recibido en cuanto al sonido respecta, pero bueno: otra prueba de que Charly siempre fue un adelantado.
Obviamente es un garrón que hayan censurado Botas Locas, pero la verdad es que si eso no hubiese pasado este tema probablemente jamás viera la luz, así que aaalgo bueno salió. Agradezco que lo hayan incluido en el álbum porque la verdad es excelente. Nada más que agregar.
Para Quien Canto Yo Entonces
Este es el último tema del álbum así tal cual se sacó en diciembre de 1974, porque los otros dos temas que siguen directamente fueron eliminados del álbum (Botas Locas y Juan Represión).
Citando al, entre otras cosas, conductor de radio Carlos Polimeni, Para Quien Canto Yo Entonces es “una canción autocrítica sobre la misión del artista”. Esto lo escuché en un recorte de radio que encontré por ahí, que habla del álbum Pequeñas anécdotas sobre las instituciones y hace especial hincapié en el tema del que les hablé antes, Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal. Les dejo el link por si alguien quiere escucharlo:
Carlos Polimeni nos cuenta la historia de una de las canciones de un album cumbre de la historia del rock nacional y de la cultura en genera
Y digo que es una autocrítica porque en este tema Charly se pregunta, justamente, ¿para quién canta él? Si los humildes nunca lo entienden, si los hermanos se cansan de oír las palabras que oyeron siempre, si los que saben no necesitan que él les enseñe… ¿a quiénes, entonces?
El mismo Charly te lo responde: “yo canto para esa gente porque también soy uno de ellos” “ellos escriben las cosas y yo les pongo melodía y verso, si cuando gritan vienen los otros y entonces callan”. Nunca tan claro. Él no solo representa las ideas del pueblo y le hace frente a la represión, sino que él ES el pueblo. Ese sentido de deber, pero también de pertenencia, es algo que predomina durante todo el álbum, y que se hace más evidente en este tema en particular. Y precisamente el animarse a decir lo que en ese entonces nadie quería (o nadie se atrevía) es lo que convierte a Sui Generis en una de las bandas con letras más políticas del país, con versos que todavía siguen sonando fuerte 47 años después.
Definitivamente un gran cierre para la versión original de Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, que obviamente también se ganó su lugar en el podio de las canciones censuradas. La letra original fue publicada años más tarde:
“Y yo canto para usted,
señor del reloj del oro.
Sé que a usted nada lo hará cambiar
pero quiero que se entere
que su hijo no lo quiere.”
Bonus Tracks:
Juan Represión
Dando un giro al enfoque de las letras, este tema obviamente está relacionado a la opresión y a la censura, pero visto desde otra perspectiva: la del represor. Juan vendría a ser un militar, policía o personalidad opresora del momento que se ve engañado y/o manipulado y por ello actúa en nombre de la justicia pensando que lo que hace es correcto, cuando en realidad no lo es; “se disfrazó de bueno con un disfraz de villano, y los malos de la historia son los héroes cotidianos…” Al final de la canción, relatada en forma de historia, Juan termina en un asilo de ancianos siendo consciente de que nadie lo ama, viviendo “como pidiendo perdón” y esperando el momento de su muerte. En esta canción la represión es planteada como el instrumento para desahogar las propias penas del personaje, que al final se da cuenta (tarde) de que se estuvo reprimiendo también a sí mismo todo el tiempo. En mi opinión, una de las letras más fuertes del álbum, que podemos afirmar casi con seguridad que está inspirada en López Rega.
Botas Locas
El último tema a analizar y otro de los más heavys, un palazo directo al ejército, del que por cierto García formó parte antes de sacar el álbum Vida (Canción para Mi Muerte, por ejemplo, fue escrita mientras estaba internado en el hospital del cuartel). La historia de esta canción no es muy diferente a lo que vivió su autor: se habla de un joven que es obligado a prestar servicio militar a su país pese a diferir en la política actual del mismo, y que luego de ver como es el mundo dentro del ejército decide abandonarlo. Hay frases muy fuertes, siendo la más destacada “si ellos son la patria yo soy extranjero”. El tema expone muchas de las cosas que pasaban en ese entonces, como la represalias que sufrían los soldados al mostrar su libertad de expresión, el adoctrinamiento al que estaban forzados, etc. Se critica mucho también al nacionalismo y a los principios nacionalistas, porque no olvidemos que en aquellas épocas muchas cosas las justificaban con el “amor a la patria” (casi como hoy en día. Nah, ¿vos decís?)
Como en esta entrada di pocos datos anecdóticos, acá va uno bastante importante, y trata de la vez en la que marcharon TODOS presos por tocar este tema en Montevideo, año 1995. Allá en Uruguay la dictadura había empezado en 1973, y en régimen fue bastante similar a la argentina. Aunque este tema había sido borrado del álbum la banda decidió dejarlo en el setlist, y el garrón que se comieron fue que obviamente el concierto estaba vigiladísimo por las fuerzas de orden. Tocar este tema en vivo vendría a ser el equivalente a un cartel con luces de neón que diga “fuck the police”, y cuando escucharon la letra y se dieron cuenta del agitamiento que había en el público los detuvieron en seguida.
Uno de los integrantes de la formación, Rinaldo Rafanelli, contó que “Fueron presos hasta los equipos. Después nos hicieron declarar a todos por separado. El primero en ir fue Charly, que, cuando volvió, nos hizo señas de que dijéramos que no sabíamos las letras”. Ahora, ustedes se estarán preguntando, ¿qué carajo les dijo Charly para zafar? Se los contaría, pero la verdad es que es mucho mejor que lo escuchen del mismísimo García que lo contó en una entrevista y además le metió efectos de sonido:
Amo como lo cuenta cagándose de risa. Y amo como el cerebro gigante de Charly le salvó el cuero a toda la banda, únicamente porque el tipo es un genio y tiene la capacidad de inventarse una letra alternativa y escribirla, todo mientras los milicos lo amenazaban. No deja de ser un momento de mierda, pero que bueno que quedó como anécdota y hoy lo podemos escuchar.
Conclusión:
Después de 5027 palabras hablando del álbum (porque sí, soy re larguera) llega el final. No queda mucho por decir que no haya dicho ya, excepto el papel que cumple esta obra en mi top personal. Sin dudas pienso que es el mejor de Sui Generis (aunque mi favorito es irremediablemente Vida, de 1972) y uno de los mejores trabajos que hizo Charly García en general. Pese a todo lo que digan, yo creo que es un álbum que, para bien o para mal, envejeció bastante bien. Muchas cosas de las letras viejas de Argentina son aplicables ahora, y en este discazo hay varios ejemplos. Me parece muy importante tener este tipo de música presente, no solo por su calidad y su valor artísticos sino también por su cuota de verdad y de cuestionamiento a las instituciones. No se puede cambiar el pasado, pero se puede hacer memoria todos los días. No olvidemos ni perdonemos.
Me encantó. Está buenísimo, largo, extenso, contando anécdotas buenas y malas. Sinceramente Bianca, te pasaste, creo que es incluso mejor que el primer análisis. Me encantó. 100/10
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) – The Beatles
Tracklist:
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
With A Little Help From My Friends
Lucy In The Sky With Diamonds
Getting Better
Fixing A Hole
She’s Leaving Home
Being For The Benefit Of Mr. Kite!
Within You Without You
When I’m Sixty Four
Lovely Rita
Good Morning Good Morning
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)
A Day In The Life
Como primera entrada de este intento de blog, voy a hablar de uno de mis álbumes favoritos y, además, uno de los más aclamados de la música: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles. A menudo se lo menciona como el mejor álbum de la banda, cosa que no disputo si bien mi favorito de ellos es por lejos Rubber Soul. Si sos un nerd de la música como yo, esto probablemente te resulte entretenido porque está lleno de facts random de la creación del álbum, curiosidades sobre cómo fue producido, etc. Además, es larguísimo, así que acomódate bien y andá preparándote para una lluvia de información que recopilé lo mejor que pude mientras tomaba mate en mi cama a las tres de la madrugada.
Respecto a cómo fue hecho, el cuarteto de Liverpool tardó 129 días en grabarlo. Cansados de las giras y de la histeria colectiva generada por la beatlemania, decidieron que necesitaban un tiempo para liberarse de sí mismos y, siguiendo la idea de McCartney, se encerraron cuatro meses en Abbey Road con el objetivo de experimentar en el estudio. Fue entonces cuando se les ocurrió crear un alias, una banda ficticia para ponerse en otro papel a la hora de hacer música y así tener más libertad creativa. Un alter-ego de los Beatles, concepto con el que ya no se sentían identificados y de hecho hasta se habían hartado.
La idea general del álbum es una banda que da un recital, por eso está cargadísimo de arreglos con music hall, influencias sinfónicas, etc). Se lo recalca como uno de los primeros discos conceptuales por el hecho de que todas las canciones se suceden de manera continua sin interrupciones y de forma global, idea propuesta por Paul McCartney (sí, otra vez él. ¿Alguien lo puede parar a Paul? Lo hizo él solo prácticamente) para superar Pet Sounds de The Beach Boys, que había salido unos meses antes y del cual tomaron mucha inspiración. El nombre surge gracias a que, en uno de los viajes de la banda, Mal Evans (roadie, asistente y amigo de los Beatles) le pidió la sal y la pimienta a Paul, y éste en vez de entender “salt and pepper” lo malinterpretó como “Sargeant Pepper”. El resto del título, “Lonely Hearts Club Band” es una forma de burlarse satíricamente de los grupos estadounidenses con nombres largos.
Al trabajar bajo un alias, los Beatles se permitieron mucha más experimentación, tanto musicalmente como en ventas. Sobrepasando cualquier limitación, jugaron mucho con nuevos sonidos tales como orquestaciones, instrumentos hindúes, música oriental, grabaciones tocadas al revés y rock psicodélico. Estas innovaciones sin dudas transformaron al rock en objeto de culto, porque nadie había escuchado nada similar antes. Además, si nos remontamos al contexto histórico en el que fue lanzado, este álbum fue editado poco antes del conocido verano del amor en San Francisco, convirtiéndose en el emblema del movimiento hippie.
Comercialmente hablando, fue el primer LP en incluir las letras de las canciones impresas, funda doble, una bolsa interior decorada y a su vez el primer álbum de rock en ganar un Premio Grammy.
Una de las cosas más emblemáticas de esta joya de los Beatles es la portada (de hecho, es más un retrato cultural de la época que funciona como una descripción perfecta de aquellos años), diseñada por Peter Blake y su esposa en aquel momento Jann Haworth.
En la imagen del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band aparecen 57 personalidades elegidas por los miembros de la banda para la portada. Entre los más destacados se encuentran Fred Astaire, William Burroughs (elegidos por McCartney), Karl Marx, Oscar Wilde (admirados por Lennon) y algún gurú indio escogido por Harrison, quien en aquella época estaba altamente conectado con la cultura oriental y la meditación. También resaltan otras figuras importantísimas de la historia tales como Lewis Carroll, Edgar Allan Poe, Marlon Brando y Albert Einstein, entre otros que luego fueron descartados (como Hitler y Jesús).
Análisis de canciones:
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
Como apertura del álbum tenemos este temazo que introduce a la banda alias que crearon los Beatles, mayormente interpretada por McCartney y con una gran performance vocal de su parte. En síntesis, la canción presenta a al grupo ficticio y la letra relata uno de sus conciertos, en donde le hablan a la audiencia diciéndoles que esperan que disfruten el show.
With a Little Help From My Friends
Pasamos al segundo tema del álbum, interpretado por Billy Shears (alter-ego de Ringo Starr dentro del álbum), quien según dicen grabó el tema mientras sus compañeros de banda estaban parados a su alrededor, dándole mucho sentido al título del tema “con una pequeña ayuda de mis amigos”. Además, fue una de las últimas canciones compuestas por Paul McCartney y John Lennon juntos.
En el verso uno, Starr empieza disculpándose por cantar fuera de tono, siendo su punto fuerte la batería, no el canto. De hecho, la línea “Would you stand up and walk out on me?” era originalmente “Would you throw tomatoes at me?” pero Ringo se opuso por miedo a que el público realmente le arrojara tomates mientras interpretaba el tema en vivo. Nada, eso, POBRECITO. En esta casa amamos y respetamos a Ringo Starr.
Una de las cosas que más me llamó la atención fue esta pequeña referencia a Shakespeare en una parte de la canción: al principio, cuando Ringo canta “lend me your ears and i’ll sing you a song” se está refiriendo a la obra “Julio Cesar”, puntualmente a la frase “Friends, Romans, Countrymen, lend me you ears” (RE NERD el dato, pero me pareció buenísimo, grosos los Beatles referenciando a William)
PERO BUENO, pasando a lo importante, es decir, el significado de la canción en sí, el pensamiento popular indica que trata esencialmente sobre drogas. No es casualidad que el estribillo contenga “i get high with a little help from my friends” siendo que la palabra “high” se utiliza como sinónimo de drogado, y los “pequeños amigos” vendrían a ser justamente los estupefacientes. Es simple, pero la referencia está ahí, ponele que camuflada. O al menos eso es lo que pensaba el entonces vicepresidente de los Estados Unidos, un empedernido anti rock. La banda nunca entró en detalles acerca del “get high”, pero es claro que el álbum está repleto de pequeñas referencias a las drogas que pegaban muy bien con la época.
Lucy in the Sky With Diamonds
UFF, POLÉMICA. Un clásico de The Beatles por donde la mires, Lucy in the Sky With Diamonds es una de las canciones en la que más referencias a las drogas se pueden encontrar. Irónicamente, no trata de eso. Pese a su controversial título en el cual vemos formadas las siglas de la droga LSD, las vibras psicodélicas de la canción, los detalles que describían la sensación de estar alucinando y la subcultura del “Verano del Amor” reinante en ese entonces, la letra realmente habla de uno de los dibujos que hizo el hijo de John, Julian.
Un día, Julian volvió de la escuela y le mostró la imagen que había dibujado de su amiga Lucy, que volaba sobre un fondo de estrellas brillantes. Lo tituló “Lucy en el cielo con diamantes”. Si bien Lennon generalmente fue abierto acerca de las referencias a las drogas en las canciones de los Beatles, siempre tuvo énfasis en recalcar que esta en particular no hablaba sobre eso.
Foto del dibujo:
Sin embargo, hay muchos detalles que dicen lo contrario. Uno de mis favoritos es este guiño a Bob Dylan, quien unos años antes interpretó su canción “Mr. Tambourine Man” una canción que presuntamente habla del LSD y que contiene el verso “beneath the diamond sky” (bajo el cielo de diamantes), muy parecido a Lucy in the Sky With Diamonds”.
No sé, la realidad es que es todo un mito de la música. Por ahí leí que Paul McCartney confirmó en una entrevista de los 90s que la canción mayormente trata del LSD, otros que dicen que Lennon se inspiró en Alicia en el País de las Maravillas, y muchas cosas más. Obviamente queda en manos de la libre interpretación de cada uno, pero si me preguntan hay demasiadas insinuaciones que indican tremendo viaje de ácido (dale, chica con ojos de caleidoscopio, si ahí no está hablando de los reminiscentes del LSD yo no sé).
DATO: Una estrella enana blanca llamada BPM 37093, más conocida como Lucy, obtuvo su nombre en honor a esta canción. Está formada por carbono cristalizado/diamante, y se sitúa en la constelación Centauro, a 54 años luz.
Getting Better
Esta canción es re optimista, la amo. Fue compuesta mayormente por McCartney, con algunos coros y adiciones por parte de Lennon. La idea de la canción vino de la frase favorita del baterista suplente de la banda, Jimmie Nicol, quien reemplazó a Ringo durante 8 días en la gira mundial de 1964. En “Many Years from Now”, la biografía oficial de Paul, podemos leer que tenía la intención de hacer un tema con tono y letra optimista, tanto para animarse a él mismo como para animar a quienes la escucharan.
Eso es lo que podemos sacar en el primer vistazo a la canción. Después te vas dando cuenta de que aborda un tema más oscuro, el abuso doméstico. En una de las últimas entrevistas importantes que dio Lennon antes de su muerte, habló de como el 3er verso de la canción hablaba sobre como él solía ser. “I used to be cruel to my woman, I beat her and kept her apart from the things that she loved” (solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba y la mantenía alejada de las cosas que amaba) hace referencia al pasado violento de John. Expresó su arrepentimiento en dicha entrevista: “Solía ser cruel con mi mujer, y físicamente, con cualquier mujer. No podía expresarme y golpeé. Luché contra hombres y golpeé a mujeres. Es por eso que siempre hablo de la paz. Son las personas más violentas las que van por el amor y la paz. Todo es al revés. Pero creo sinceramente en el amor y la paz. Soy un hombre violento que ha aprendido a no ser violento y se arrepiente de su violencia. Tendré que ser mucho mayor antes de poder enfrentar en público cómo trataba a las mujeres cuando era joven ”.
Fixing a Hole
Una de las canciones más pop del álbum, trata de como muchos de los fans se instalaban fuera de la casa de Paul todo el tiempo, y de la forma en la que él lidiaba con esa situación: “See the people standing there/ They worry me, and never win/ And wonder why they don’t get in my door.” (veo a la gente parada ahí / me preocupan y nunca ganan / y me pregunto por qué no vienen a mi puerta). Lo raro del tema para McCartney es que la gente que se paraba afuera de su casa jamás se presentaba como un amigo ni intentaba entablar conversación, sino que llevaban una actitud más que nada acosadora para hacerse notar. Realmente los Beatles amaban hablar con los fans que se mostraban amigables con ellos, pero este no era el caso.
Paul contó que una vez hubo alguien que sí se animó a tocar la puerta. ¿Quién? Un tipo que era igual a Jesús. Llegó de lo más tranquilo, llamó a la puerta y claramente McCartney le contestó (siempre lo hacía a menos que fuesen aburridos). El chabón se presentó literalmente como Jesucristo y Paul lo invitó a pasar.
Según explicó, fue algo así: “Este tipo dijo: “Soy Jesucristo”. Yo dije, “Oop”, un poco sorprendido. Le dije: ‘Bueno, será mejor que entres entonces’. Pensé: 'Bueno, probablemente no lo sea. Pero si lo es, no voy a ser yo quien lo rechace “. Así que le di una taza de té y simplemente charlamos y le pregunté: "¿Por qué crees que eres Jesús?” Hubo muchas víctimas en ese entonces. Solíamos tener muchas personas que tal vez eran inseguras o atravesaban crisis emocionales o lo que sea. Entonces dije: 'Tengo que ir a una sesión, pero si prometes estar muy callado y sentarte en un rincón, puedes venir’. Así lo hizo, vino a la sesión y se sentó muy silenciosamente y nunca lo vi después de eso. Le presenté a los chicos. Dijeron: '¿Quién es este?’ Yo dije: 'Él es Jesucristo’. Nos reímos un poco por eso “. En fin, amo este relato. Te amo Paul McCartney, sos un copado.
Ooooooooobviamente hay una segunda interpretación del tema, que ooooooooobviamente tiene que ver con la droga. Y sí, son los Beatles. Hay muchos que dicen que la canción habla de la marihuana, y que Paul la fumaba para inspirarse. Qué se yo, es medio rebuscado. Además, nada supera a la anécdota de Jesús.
She’s Leaving Home
Bueno. Es momento de hablar de la enorme, magnífica, excelente, fantástica y ME PONGO DE PIE, She’s Leaving Home. Sin dudas mi tema favorito del álbum y el segundo mejor de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band después de A Day in the Life. ¿Escucharon bien el arpa del principio? Así te reciben en el cielo. (DATO: el arpa la tocó Sheila Bromberg, la primera mujer artista en aparecer en un disco de los Beatles).
Este tema fue otra de las ideas de McCartney, que en este álbum las viene clavando todas. Está basada en hechos reales, específicamente en una historia que Paul leyó en el diario del 27 de febrero de 1967 sobre una adolescente de 17 años llamada Melanie Coe que se escapó con su novio mayor.
Foto del artículo:
Si prestamos atención a la letra, hay varios factores que nos indican que el dejar su hogar le causa tristeza:
“Leaving the note that she hoped would say more” (Dejó una nota, deseando que ésta dijera más)
“clutching her handkerchief” (agarrando su pañuelo) lo cual da a entender que estaba llorando mientras se iba, sintiéndose culpable.
Pero también habla de la liberación que ella sintió al irse: “Stepping outside, she is free” (saliendo, ella es libre) señalando que ella veía a la casa de sus padres como un lugar que la aprisionaba.
El resto de la letra habla también de la reacción de sus padres, que están destrozados por la partida de su hija y a la vez confundidos con el porqué de la situación, ya que ellos le dieron todo lo que ella pudo pedir excepto lo que realmente quería: aventura, experiencias desafiantes, etc.
Cuando los padres de Melanie la encontraron dos semanas después de su escape, ella se justificó diciendo que ellos nunca le habían dicho que la amaban.
Investigué un poco para ver si se había enterado que los Beatles le hicieron una canción y, efectivamente, lo hizo algunos años después. Volvió a casa con sus padres hasta los 18 años, cuando se casó y dejó su hogar permanentemente.
Fun fact: Conoció a Paul McCartney en 1963, algunos años antes de la noticia en el programa ITV’s Ready Steady Go!
Being for the Benefit of Mr. Kite!
Compuesta por John Lennon, quien tomó inspiración en un afiche de circo del siglo XIX, adquirido por él mismo en una tienda de antigüedades el 31 de enero de 1967 mientras grababa el video promo de “Strawberry Fields Forever” en Sevenoaks, Kent. Lennon explicó que prácticamente toda la canción venía del póster, a excepción del caballo (en la canción se dice que se llama Henry, cuando el afiche lo identifica como Zanthus). “Mr Kite”, mencionado en la canción, vendría a ser el circense William Kite, que trabajó para el dueño del circo (Pablo Franque) entre 1843 y 1845.
Foto del póster:
Por supuesto que el tema se ve ligado al concepto más recurrente que surge al hablar de los Beatles: las drogas. El verso en el que habla del caballo Henry está visto por algunas personas como una referencia a la heroína, y ahí fue cuando Lennon salió a aclarar que toda la canción estaba basada en el póster menos el caballo. Dejando esto de lado, me parece uno de los temas más falopa de la banda: ¿para qué se gastan en buscar referencias a drogas en otras canciones o dichos de los integrantes del grupo cuando existe ESTA CANCIÓN? ¿su existencia no es el comprobante más verídico de que definitivamente consumían algo? ¿podría algún ser humano componer esta canción estando LIMPIO DE DROGAS? Yo no creo.
Within You Without You
Llega el único tema del álbum escrito por George Harrison, uno que apenas lo escuchas te das cuenta que fue idea de él: tiene muchísima influencia musical del estilo indio, muy diferente a cualquier cosa que hayan hecho los Beatles antes. Harrison la compuso después de haber estado seis semanas meditando en India con Ravi Shankar, su mentor, en 1966. Muchas de sus ideas acerca de la filosofía hindú y las enseñanzas de los Vedas se ven incorporadas en la canción.
Por ejemplo, frases como: “Never glimpse the truth, then it’s far too late when they pass away” (nunca vislumbran la verdad, entonces es demasiado tarde cuando mueren” hace referencia a aquellas personas que se esconden detrás de la ilusión de las cosas materiales y efímeras, como el dinero o la belleza, y por ello nunca son capaces de entender el verdadero significado de la vida.
Hablando de las influencias musicales hindúes, dentro del tema podemos encontrar una gran variedad de instrumentos: la tambura (instrumento de cuerda pulsada utilizado para mantener sonidos zumbantes constantes), el sitar (instrumento de cuerda pulsada parecido a la guitarra, el laúd o el banjo pero con el mástil más grande, con sonido metalizado y glissandos) y el dilruba, bastante parecido al sitar. Todo esto acompañado de swarmandal (cítara india), violines y chelos. Para la percusión, se utilizó una tabla, instrumento indio utilizado como acompañamiento rítmico.
When I’m Sixty-Four
Paul McCartney escribió este temazo A LOS QUINCE AÑOS. Increíble. Sin embargo, no vio la luz hasta que salió Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, para ese entonces tenía 25 (inicialmente ese no era el título de la canción, pero fue adaptado porque justo el año que salió el padre de Paul tenía 64). La canción trata de un hombre joven que imagina cómo va a ser la vida cuando envejezca junto a la mujer que ama, preguntándose si ella lo seguirá amando y cuidando “cuando pierda su cabello”.
Irónicamente, Paul se divorció de su segunda esposa, Heather, a los 64 años de edad. Todo mal.
Este tema aparece acreditado a Lennon-McCartney, pero cuando le preguntaron a John sobre eso él le dio todo el crédito a Paul, argumentando que a él jamás se le ocurriría escribir una canción así.
Lovely Rita
McCarteny escribió esta canción sobre una oficial de estacionamiento que lo multó afuera de Abbey Road Studios Two, donde se grabó la mayor parte del álbum. Lo gracioso es que realmente la mujer se llamaba Meta Davies, pero Paul decidió llamarla Rita en la canción porque para él “se veía como una”.
Dibujo que hizo Paul en el proceso de escribir la canción:
Hasta ahí viene lo normal. Peeeero, acá entra un tema que vine evitando hasta ahora: la teoría de la muerte de Paul. Resumido así nomás, existe una gran creencia popular que dice que Paul McCartney falleció y fue reemplazado por un doble. Este tema vendría a tratar sobre el momento en el que McCartney se distrajo mientras manejaba, se accidentó y murió. Re loco. Se puede leer más en detalle toda esta conspiración, pero no le voy a dar mucha bola porque no creo que sea verdad y esto ya está quedando larguísimo.
Good Morning Good Morning
Este es el tema número 4 de las b-sides de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Habla sobre la insatisfacción y el aburrimiento de ser una persona normal que lleva una vida normal, que curiosamente funciona como presagio de los tiempos de Lennon como “amo de casa” en los 70s. Está inspirado en un anuncio de Corn Flakes de 1965 que mostraba un gallo cantando, muy parecido al que se escucha al comienzo de la canción. Está buenísima para usar como alarma, lo digo por experiencia propia.
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)
En esta canción, la banda de los corazones solitarios del Sargento Pimienta se despide del público, cerrando el ciclo de su recital (concepto en el que basaron el álbum) y abriéndole paso al punto culmine del álbum, A Day in the Life. De acuerdo con “The Beatles Bible”, la idea central de la canción vino del road manager de la banda, Neil Aspinall. Se le ocurrió que, ya que habían hecho un tema inicial de bienvenida, deberían cerrar de la misma forma, incluyendo una repetición de despedida para finalizar el álbum.
A Day in the Life
Si hay una sensación que me encantaría experimentar por primera vez de nuevo, es aquella que sentí cuando descubrí este tema. Es lo más parecido a sentir que tu alma flota; no sé cómo describirlo exactamente, pero es increíble. Y a pesar de que nunca voy a vivirlo como algo nuevo, cada vez que vuelvo a escuchar esta canción tengo un dejo del sentimiento que me abrumó, tal como abrazar a un amigo que conoces desde hace años, o como reencontrarte con tu juguete favorito de cuando eras chico. Es una sensación que te renueva por dentro, pero al mismo tiempo se siente tan familiar como volver a la casa en donde creciste.
Sin duda alguna es el mejor del álbum, y un perfecto final para el mismo.
Lennon escribió las secciones del inicio y del final de la canción mientras que McCartney contribuyó con el puente y, además, para el clímax, contrataron una orquesta de 40 músicos.
La verdad es que este tema por sí mismo ya se merece un solo post para explicarlo a fondo. Hay múltiples maneras de interpretarlo, se tomó inspiración de varias cosas para escribirlo (Lennon se inspiró en las noticias y Paul en la juventud), por supuesto que tiene una forma de relacionarlo con las drogas, etc. Indagando un poco más en la inspiración de John, se basó mucho en el accidente de de Tara Browne, heredera de la fortuna de la familia Guinness, quien falleció en un accidente automovilístico a los 21 años.
Artículo del accidente:
A menudo se la reconoce como la mejor canción de The Beatles y una de las piezas individuales más importantes en la historia del rock. Se encuentra en el puesto 28 de las 500 más grandes canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.
Conclusión:
Que grandes que son los Beatles. Yo creo que, si algún día nos visita vida extraterrestre y hay que mostrarles algo de nuestra cultura relacionado con el arte, hay que ponerle este álbum. Tomá, esto es lo mejor que tenemos.
¿Es realmente Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band el mejor álbum de la historia? Para mí (y para muchos más) sí. Pero me es difícil ser objetiva cuando The Beatles es mi banda favorita (aunque igualmente también califica perfectamente para ser la mejor del mundo). Durante mucho tiempo este álbum estuvo en el puesto N°1 en el Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, siendo desplazado hacia el #25 a finales del 2020. Independientemente de los rankings, creo que es una obra de arte que todo el mundo debería escuchar por lo menos una vez en la vida. Es una genialidad, tanto musical como culturalmente.
Creo que eso es todo lo que tengo para decir en este primer análisis (que poquito, 4000 palabras). Quiero dedicarle esta entrada del blog a mis abuelos Moni y Julio, fanáticos de los Beatles igual que yo y que me bancaron a full con este proyecto. Los amo y espero que lo disfruten.
Hola. Honestamente no sé muy bien cómo empezar esto, así que voy a sintetizarlo de la forma más directa que pueda. The Bianca Experience (sí, el nombre viene de la banda “The Jimi Hendrix Experience”) es un pequeño proyecto que se me ocurrió hace ya algunos meses pero que esperé hasta ahora, 2021, para concretar. Mi idea inicial era escuchar y analizar todos los álbumes correspondientes al Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, pero recientemente esa lista fue actualizada y me hizo cambiar de idea.
Acá voy a subir análisis más o menos objetivos de ciertos álbumes: algunos favoritos, otros que tengo pendientes para escuchar y el resto que me vayan recomendando amigos y/o conocidos. Voy a hablar del contexto histórico en el que se publicó cada álbum, con descripciones de la banda o artista al que pertenecen, el significado de las letras y quizás algún que otro tecnicismo musical (pese a que no soy experta en el tema).
Cabe aclarar que esto lo hago meramente porque me encanta escuchar música e investigar sobre la misma, y voy a usar este blog como una especie de libreta personal para ir anotando la cantidad de música que escucho en el año.
Hola. Honestamente no sé muy bien cómo empezar esto, así que voy a sintetizarlo de la forma más directa que pueda. The Bianca Experience (sí, el nombre viene de la banda “The Jimi Hendrix Experience”) es un pequeño proyecto que se me ocurrió hace ya algunos meses pero que esperé hasta ahora, 2021, para concretar. Mi idea inicial era escuchar y analizar todos los álbumes correspondientes al Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, pero recientemente esa lista fue actualizada y me hizo cambiar de idea.
Acá voy a subir análisis más o menos objetivos de ciertos álbumes: algunos favoritos, otros que tengo pendientes para escuchar y el resto que me vayan recomendando amigos y/o conocidos. Voy a hablar del contexto histórico en el que se publicó cada álbum, con descripciones de la banda o artista al que pertenecen, el significado de las letras y quizás algún que otro tecnicismo musical (pese a que no soy experta en el tema).
Cabe aclarar que esto lo hago meramente porque me encanta escuchar música e investigar sobre la misma, y voy a usar este blog como una especie de libreta personal para ir anotando la cantidad de música que escucho en el año.
Hola. Honestamente no sé muy bien cómo empezar esto, así que voy a sintetizarlo de la forma más directa que pueda. The Bianca Experience (sí, el nombre viene de la banda “The Jimi Hendrix Experience”) es un pequeño proyecto que se me ocurrió hace ya algunos meses pero que esperé hasta ahora, 2021, para concretar. Mi idea inicial era escuchar y analizar todos los álbumes correspondientes al Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, pero recientemente esa lista fue actualizada y me hizo cambiar de idea.
Acá voy a subir análisis más o menos objetivos de ciertos álbumes: algunos favoritos, otros que tengo pendientes para escuchar y el resto que me vayan recomendando amigos y/o conocidos. Voy a hablar del contexto histórico en el que se publicó cada álbum, con descripciones de la banda o artista al que pertenecen, el significado de las letras y quizás algún que otro tecnicismo musical (pese a que no soy experta en el tema).
Cabe aclarar que esto lo hago meramente porque me encanta escuchar música e investigar sobre la misma, y voy a usar este blog como una especie de libreta personal para ir anotando la cantidad de música que escucho en el año.
