apples & truffles

one apple a day...keeps the doctor away...one truffle a day...keeps the pigs away...by Ricardo Saló

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one apple a day...

The Stepkids - Wanderers (EP)

Não vale a pena disfarçar ou atirar a culpa para os 'aliens' do costume. A maçã era de tal modo apetecível que o bicho (suprema autoridade na matéria) chegou lá primeiro e nem o caroço deixou. Resumindo: coisas estranhas se passam na Califórnia. E que um grupo se junte para gravar o electro-soul-funk que o Prince mais ousado teria feito depois de assistir a um filme de 'sci-fi' dos 'fifties' é, por certo, uma delas. Que tudo tenha ocorrido sem qualquer intuito de tornar público o desenlace da sessão é outra. E que o disco de três faixas tenha acabado por ser editado, porque um dj o tocou por engano e, de imediato, se viu acossado por uma impaciente multidão, é a última. Apesar de algo sugestivo, o cartão de visita oriundo de registos anteriores -já interessantes, se bem que talvez ainda localizáveis na nossa galáxia- não será, por isso, mais que uma pálida amostra daquilo de que esta gente é, actualmente, capaz. R.S.

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one truffle a day...

Gabor Szabo & Bobby Womack - High Contrast

Dois mestres da guitarra. Não da tendência "vejam do que sou capaz" mas da difícil arte de partilhar pelos demais o prazer de tocar. Um, como uma plêiade de talentos do cinema ao futebol, não gostou dos novos ares da Hungria (1956) e instalou-se na Califórnia. O outro, com seu irmão Cecil, e sob o nome de The Valentinos, tinha escrito e gravado o primeiro êxito dos Rolling Stones, "It's All Over Now". O primeiro insinuou-se nos meandros do jazz e havia de deixar fortes marcas no cruzamento deste com o emergente psicadelismo. O segundo apenas quis saber do cruzamento de voz, alma e guitarra, sempre segundo as suas próprias regras, e em tempo de 'linhas de montagem'. Um dia, tomando consciência de que o idioma de cada um à guitarra apenas diferia no sotaque, entraram em diálogo. De vez em quando, a memória desse dia de 1971 volta a ganhar vida. Porque foi ela a sua matéria-prima. E a riqueza do desenlace pesou, sempre, mais que a sua filiação. R.S.

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Quantic - Magnetica

Não havendo nada de, genuinamente, novo a dizer sobre um projecto que parece ter descoberto a sua estabilidade estética, vale a pena referir como um passado repartido entre a especulação breakbeat e o soul-jazz começa a incorporar-se nesta fase da carreira de Will Holland marcada pela sua fixação nas Antilhas. Quer isto dizer que se poderá estar a caminhar para um estádio superior desse processo de amadurecimento da figura do autor: não só pela recuperação da voz (outrora marcante) de Alice Russell como por uma abertura aos ventos, directamente, oriundos de África, menos explícito em registos anteriores. Com a verve criativa que se lhe conhece, ainda alguma surpresa poderá vir destes lados. R.S.

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Minoru Muraoka - Bamboo

Depois disto, é bom que qualquer pessoa pense muito bem, antes de dizer que ouviu um disco que o surpreendeu. Ainda que em 'theremin' e 'jews harp' pudesse soar mais estranho, ninguém deverá ficar desiludido quando ouvir "Take Five" em flauta de bambu e harpa. Sobretudo porque essa é, apenas, a porta de entrada para o mundo deste virtuoso japonês, ocupado que estava em trazer até si a música 'radio-friendly' de 1970. Qualquer coisa que, na altura, o melómano-no-seu-perfeito-juízo teria ignorado pelo que os originais já lhe davam que fazer -o mesmo que tropeçar na música do "White Album", por Ramsey Lewis, numa adaptação que só hoje adquire sentido. Outro tanto sucede com esta simbiose perfeita de instrumentos da tradição nipónica e célebres 'peças de artilharia' ocidentais (órgão Hammond, sintetizadores e percussão), de cujas manobras sobressaem formas inovadoras de expressão e, sobretudo, um sentido do groove de tal modo apurado que chega a sugerir um disco de hip-hop-jazz nascido antes daqueles que lhe deram expressão. Inventivo e brilhante. R.S.

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Lone - Reality Testing

Matt Cutler, produtor inglês, não será o mais ilustre exemplo em matéria de criatividade. Mas o presumível facto de ter dispendido dois terços da vida no interior de discotecas terá desenvolvido neste habitante de Manchester uma destreza digna de registo na frente narrativa. Quer dizer: não sendo a matéria de base 'the stuff dreams are made of'', já o seu conceito de 'mise-en-scène' dá aso a uma narrativa, por vezes, acidentada e a um ou outro desenlace, deveras, inesperado. Um caso a seguir de perto (tanto mais que Portugal foi o país escolhido para um sumptuoso clip que tem circulado pelo FB). R.S.

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The Human League - Dare

Por vezes, uma boa dose de atrevimento é necessária para seguir pelo caminho mais simples. Foi assim que, depois da rápida conquista do estatuto de grupo de culto da vanguarda 'cold-wave' ("Reproduction" e "Travelogue"), o simples desmembramento da formação original do grupo de Sheffield representou o alento decisivo para que Philip Oakey dele fizesse o veículo de uma incursão, despudoradamente, mainstream. Atrevimento redobrado, se pensarmos que a 'linha da frente' do pós-punk vivia o momento mais frenético e criativo da sua existência. Tudo ao contrário e fora com ele, portanto? Nem pensar nisso. Com um conceptualismo pop de inexcedível rigor e um conteúdo a transbordar de pérolas ("Open Your Heart", "Seconds", "Love Action", "The Things That Dreams Are Made Of" e, até, a versão do tema de "Get Carter"), Oakey e companhia andaram tão perto do disco pop perfeito como Zombies, Kinks, Animals, Beatles e Stones nos anos 60. Que, hoje, volte a fazer sentido, dirá mais das suas virtudes que das limitações do presente. R.S.

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Mr. Scruff - Friendly Bacteria

Mudar, em si, não constitui uma virtude. Mas pode ser um acto de coragem. Sobretudo quando uma extensa carreira gera uma legião de seguidores para os quais paixão e expectativa já são conceitos de difícil separação. Tom Waits não deve ter tido tempos fáceis quando se aventurou pelos terrenos bravios de "Swordfishtrombones" e deixou mais de metade da sua 'corte' petrificada. Andy Carthy não foi tão longe; mas reconheça-se que pôr mãos à obra como se se tivesse esquecido do lugar onde viu o sampler pela última vez não é façanha de pouca monta. Ainda que o peso da electrónica-pura-e-dura possa não ser o cartão de visita ideal para a maioria, a verdade é que desse aparente abuso emana o elemento de unidade estética daquele que será o seu mais feliz registo soul-funk-jazz desde o lendário "Keep It Unreal". Não falta quem o situe entre o George Clinton pós-Parliament e os Kraftwerk 'vintage', com um 'cheirino' do Miles 'eléctrico' de permeio. Mais importante, o repertório parece uns furos acima da média. E, se assim for, a mudança valeu a pena; pela forma como a remoção do vício da linguagem terá contribuído para a sua regeneração. R.S.

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The Stereo MC's - Connected

Para quem não esteja certo do que é um marco, a resposta não podia ser mais eloquente. Na verdade, trata-se de um marco tão... marcante que os próprios autores do feito permaneceram durante uma década em silêncio. Procederam de forma sensata: o que quer que dissessem, ou fizessem, seria, sempre, uma desilusão. Porque este trio branco dos arredores de Londres (que já começara bem, com dois álbuns aos quais ficou a dever um instantâneo lugar no mapa) definiu um novo paradigma para a canção pop em território hip-hop. Para tanto, e colocando-se um passo à frente dos Massive Attack, reinventou o prazer (e, mesmo, o primado) da melodia em situação de sintonia perfeita com uma abordagem lúdica do registo 'rap', enquanto tudo o mais investia no poderio sonoro do (então) ainda emergente 'groove' -tão forte como insinuante na sua ligeireza de movimentos. Obs.: não sendo certo que se esteja na presença de uma reedição em larga escala, será desnecessário lembrar que não se trata da primeira... Logo, que ninguém atire a 'toalha ao tapete'. R.S.

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Meridian Brothers - Salvadora Robot

Depois de "Desesperanza", de 2012, cedo chega a manifestação deste ano. E, com ela, a confirmação da atitude iconoclasta da música do esquadrão de Bogotá. Quer dizer que volta a não se tratar de 'modernizar' a tradição local mas de exprimir uma visão singular da contemporaneidade étnica/tecnológica, com natural epicentro na sua identidade cultural. Talvez resida nesta e noutras manifestações de liberdade criativa a mais auspiciosa porta de saída da redoma de uma World Music que se coloca demasiado ao sabor dos ventos da conjuntura, só porque a Aldeia se diz Global. Longe de constituir um 'must' estético, até porque algo deficitário no capítulo da invenção, este novo álbum poderá aquirir relevo pela afirmação categórica dessa diferente perspectiva. R.S.

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Vários - Wigan Casino 40th Anniversary Album

"Nature always finds a way" -dizia Jeff Goldblum, em "Jurassic Park". E, com a música, tem sido a mesma coisa: não há, a natureza humana inventa. Caso recorrente ao longo da história é o da saturação que se apodera dos utentes dos salões de dança quando da hegemonia de uma corrente musical. Para estes, sobretudo os amantes da surpresa, não pode haver coisa pior que saber que a faixa do costume vai tocar a seguir à outra faixa do costume à hora do costume. É nestas alturas que os mais dotados de espírito de iniciativa passam à acção e se lançam na experiência. Há 40 anos, num velho e convencional 'ballroom' do Norte de Inglaterra (The Empress), um punhado de bravos reuniu os discos que ninguém queria tocar, porque não 'encaixavam' nos modelos em 'alta' no mercado, e começou a organizar sessões dançantes com esse património de 'série B', o qual retinha a essência da música de dança descomprometida. A coisa não só pegou -ao ponto de ficar conhecida como Northern Soul- como alastrou a todo o País e, logo, ao Planeta -sobretudo quando o Wigan Casino surgiu, na imprensa, com cotação superior ao Studio 54, de Nova Iorque. A febre continua e -pela primeira vez- não falta matéria para que se compreenda de que forma a música de dança -sem ligar a modas- recuperou uma pureza original que se julgava perdida. R.S.

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José James - While You Were Sleeping

Tão-pouco teria procurado dissimular a sua ‘verdade interior’ se lhe tivesse chamado “No More Mr. Nice Guy”. Porque talvez James tenha sacrificado alguma da clássica “smoothness” em nome de um registo no limiar do escatológico. Prova de coragem e não de cedência à vontade alheia. Sem sacrifício comprometedor de uma unidade estética que sempre colocou na linha da frente da sua ‘persona’ musical, o autor do magistral “No Beginning No End” expande, ainda um pouco mais, o campo da sua acção e junta, agora, o rock ‘ao barulho’ -como se soul, jazz, hip-hop e tecno subliminar não representassem, já, uma carga de trabalhos para quem tem na definição da personalidade artística a grande prioridade. De Hendrix a Nirvana, com escala em Neil Young, James dir-se-ia em manobra de aproximação a Ben Harper. Contudo, o controle da produção sonora e da expressão final, onde o toque aveludado continua a fazer a diferença, garantem unidade a um disco que, noutras mãos, não chegaria a tê-la visto. R.S.

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Ivan Lins - Somos Todos Iguais Nesta Noite

Antes da entrada na sua fase dogmática, a chamada MPB foi um aliciante movimento estético pós-tropicalista. Lamentavelmente, a sua plena difusão em Portugal coincidiu, por inteiro, com o período da ’agonia anunciada’. Mas nunca é tarde para descobrir o que permaneceu na semi-obscuridade. Sobretudo agora que a música tem em cada melómano um potencial ‘digger’. A fase de ouro da MPB -1972/77, com alguma margem de erro- caracterizava-se por uma empolgante interactividade voz-instrumentos no quadro de uma abertura estilística marcada pela expansão aos mundos do jazz, de África e da América Latina (o conceito de ‘americanidade’, celebrado por Milton). Novos ‘pontos de apoio’ para uma linguagem que já se banhava na pop herdada do tropicalismo sem nunca esquecer o património nacional. Milton Nascimento, Taiguara, Arthur Verocai, Egberto Gismonti (discografia brasileira), Gal Costa, Caetano Veloso, Lô Borges, Luiz Gonzaga Jr., Hermeto Pascoal, João Bosco e Ivan Lins são alguns dos nomes aos quais se ficou a dever, pelo menos, um disco magistral. Embora haja 4 ou 5 álbuns notáveis para recuperar do autor de “Madalena” (por meio da qual Elis Regina deu a conhecê-lo ao Brasil), este álbum agora reeditado talvez correponda ao momento em que as virtudes do movimento convergiram, em pleno, para a sua música. R.S.

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Gil Scott-Heron - Nothing New

Por razões bem conhecidas, o título não podia ser mais desgraçadamente verdadeiro. E, por se tratar de quem se trata(va), a música, dificilmente, podia ser mais interessante. Como se sabe, Gil não faleceu de súbito como Hendrix. E, por isso, ao contrário deste, não tinha 3 álbuns prontos para editar no mesmo ano. Na realidade, nada de novo tinha em fase de produção. Daí que esse ‘nada de novo’ do título se refira, em concreto, a um conjunto de informais sessões ‘unplugged’, ao longo das quais o Homem de “Winter In America” terá procurado manter alguma actividade para retardar -desta vez- o seu próprio Inverno. No essencial, a divagação por um cancioneiro de ouro maciço, numa sequência de gravações para voz e piano remontando ao período 2005-2009. As quais foram mantidas na sua forma original, porquanto não tinham como destino um mercado que, agora, delas se serve para manter viva uma (já) impossível presença física. R.S.

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Hank Mobley - Soul Station

O jazz, sem corantes nem conservantes, no seu melhor. Moderno, clássico e urgente de um só golpe. Sem segredos para desvendar, nem linguagem cifrada para descodificar. Apenas, ‘straight jazz’: filho dos blues, neto do swing, irmão do hardbop e primo direito da soul. Mas sobretudo ‘godfather’ de toda a música que alimenta a suprema ambição de converter em sinónimos riqueza interior e simplicidade de expressão. Tudo parece fácil no sopro fluente de um grande saxofonista eternamente por descobrir e que -não querendo saber de ousadias, se tal pusesse em causa a música como fonte de bem-estar- não ficou um milímetro atrás de John Coltrane, Ornette Coleman e Roland Kirk na fluência de um discurso inventivo como poucos. O qual recebe de Wynton Kelly (piano), Paul Chambers (contrabaixo) e Art Blakey (bateria) o suplemento que ainda o separava da perfeição. Além de a sua obra máxima, outra peça-chave que regressa ao mercado. R.S.

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Fatima - Yellow Memories

Será pouco provável que algum disco, em 2014, venha a exibir superior grau de desenvoltura estética que aquele que assinala a ‘estreia oficial’ desta notável intérprete de… ‘meta-soul’. Porque só o ouvinte desprevenido ou distraído se julgará (e, mesmo assim, por um fugaz instante) na presença de um episódio de (in)disciplina face aos cânones soul-funk-hip-hop-jazz. Na verdade, há, aqui, um -quase involuntário- conceptualismo estético que resulta da plena assimilação de todas as linguagens populares (centrado no, mas não-restrito ao, universo afro-americano), que serve, apenas, de base à sua acção. Já esta escapa a qualquer catalogação, pela impossibilidade absoluta de se afirmar onde terminam as marcas de um idioma e começam as de outro, de tal forma se apresenta apurado o processo de integração dos múltiplos estímulos da contemporaneidade numa nova entidade autónoma. O resto -ou seja, todo o álbum- é mais-valia. Talvez a forma mais evoluida de música soul dos últimos 20 anos tenha acabado de sair do estúdio californiano onde este sueca negra, residente em Londres, foi levada pela sua (nalguns aspectos, forçada) irrequietude existencial. E, porque as suas ‘intentions are good’, não será ela, por certo, a lançar este aviso à navegação, por onde passa a expressão da sua impensável grandeza: ‘Jill Scott, Erykah Badu e Esperanza Spalding, time to work harder!’ R.S.

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Grant Green - Idle Moments

A História do jazz regista virtuosos da guitarra tão eméritos como Charlie Christian, Wes Montgomery, John McLaughlin, Charlie Hunter e Derek Bailey. E, no entanto, talvez ninguém se revele à altura -no seu incomparável misto de desenvoltura técnica, escrita criativa, sentido do ‘groove’ e capacidade de comunicação (e contágio)- de Grant Green. Não se deve, por isso, a um acaso que a mesma crítica ortodoxa que fez de conta que o ‘soul-jazz’ não existia sempre tenha tido uma palavra de grande apreço para tão extraordinário músico. Que soube, como ninguém, combinar os traços distintivos do jazz moderno com a vocação original desta linguagem: fonte de emoções fortes de resposta imediata do ouvinte. Grant Green -quando se fala da guitarra no jazz- é ‘the real thing’. E este álbum de 1964, (com Joe Henderson, Bobby Hutcherson e outros), agora reeditado, é a sua ‘finest hour’: a arte de dar expressão tranquila a espíritos em maré de desinquietação. R.S.

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Joana Machado - Blame It On My Youth

Sim, ‘we definitely can!’. Joana Machado não está para além do Bem e do Mal; mas está, por certo, para além do jazz. Sem qualquer desprimor para os demais briosos activistas nacionais, não será exagero considerar que a cantora vinda da Madeira encontra-se para o jazz global como Maria João Pires para Chopin. Não se trata, apenas, de uma questão de destreza técnica na frente interpretativa mas, sobretudo, de uma inefável mais-valia que só é inteligível pela apreensão do categórico primado de um riquíssimo mundo interior sobre a matéria-prima que lhe é fornecida pelo mundo material. Noutro quadrante, pense-se na Joni Mitchell de “Hejira” -disco que não mergulha em nenhum idioma em particular mas, tão-somente, arranca das profundezas a ’forma da alma’ da sua autora. Do melhor que já se fez por cá e daquilo de que o jazz -a nível internacional- necessita para sobreviver como forma de expressão plenamente integrada no mundo contemporâneo. Sintoma inequívoco disso reside nos elogios -ainda que fruto de uma feliz relação profissional- que lhe são dirigidos por gente tão ilustre como Buster Williams, Gary Bartz, Steve Coleman e, até,… Herberto Helder. R.S.