Dal 2012 a oggi vogliamo ringraziare, in ordine alfabetico, le persone che ci hanno sostenuto collaborando con noi e contribuendo alla realizzazione del progetto, a quello che è stato ma anche a quello che sarebbe potuto essere.
Federico Alfani
Flaminia Camilletti
Carlotta Cenci
Luisa de Notaristefani
Eugenia de Petra
Luciano di Blasio
Marianna Ferrara
Flavia Lo Chiatto
Giulio Picardo
Matteo Pietrobelli
Anne-Sophie Sabbatucci
Marta Scotti
Carolina Venosi
Nel 2018, 50mo anniversario del Sessantotto, AlbumArte ha accolto il nostro progetto dedicato alla riscoperta dell’archivio, fino a quel momento inedito, della galleria Studio Farnese. Attraverso incontri e interventi di architetti, artisti e critici, grazie ad AlbumArte abbiamo coinvolto il pubblico nel dialogo tra arte e architettura perpetuato dalla galleria dal 1968 in poi, oltre alla realizzazione di una piccola retrospettiva con le opere di Federico Brook, Sara Campesan, Attilio Lunardi, Antonio Niero, Claude e Nicole Parent, Osvaldo Romberg, Oscar Savio, Nicholas Schoeffer.
Lo spazio, fondato nel 1969 da Maria Di Lella Alfani (1917-2006) era dinamico ed eterogeneo e si apriva a scambi intellettuali tra protagonisti di diverse discipline. Maria Di Lella Alfani visse tra Roma e Parigi, dove risiedette per quattordici anni, e durante quell’esperienza rimase affascinata dalle possibilità estetiche, dalle illusioni ottiche e dal concept avanguardistico delle opere presentate in occasione della mostra “Le Mouvement” allestita nel 1955, nella sua galleria di Parigi, dall’intelligente e innovativa Denise René (1913-2012), alla quale si deve la consacrazione dell’arte cinetica. Recependo l’interesse polivalente dell’arte cinetica ad accogliere i condizionamenti della scienza e di altre discipline, Maria Di Lella Alfani, si propose di realizzare nella sua galleria “incontri interdisciplinari tra artisti, architetti, critici, psichiatri, biologi e musicisti”, per la preparazione dei quali, intrattiene un fitto scambio epistolare e intellettuale con Denise Renè fino ad inaugurare la galleria Studio Farnese, il 7 febbraio del 1969, con una mostra su Nicholas Schoffer, artista che vinse il Gran Premio della critica alla Biennale di Venezia del 1968. La mostra ebbe grande risonanza mediatica e fu ripresa da gran parte della stampa quotidiana e televisiva dell’epoca italiana ed estera.
La concezione del fenomeno artistico inquadrato nella dimensione urbana, guiderà i passi successivi della programmazione della galleria, in particolare nelle mostre in cui sceglierà di accostare i progetti di architettura alle opere di artisti plastici contemporanei, come fu nel caso delle mostre dedicate a Paola Levi Montalcini, Paolo Portoghesi e Vittorio Gigliotti (1969),Saverio Busiri Vici e Attilio Lunardi (1970); Igino Legnaghi e Tommaso e Gilberto Valle (1970) e il coinvolgimento di Bruno Munari in un’esposizione del 1969 e la collaborazione con l’Industria Ceramica C.A.V.A.
Nel 1972 la galleria chiuderà per motivi che non sono emersi, nonostante l’attento e partecipato interesse ricevuto da architetti, artisti, istituzioni e personaggi del panorama artistico romano.
Nel clima dell’orientamento italiano di accogliere artisti e correnti internazionali, il tentativo messo in atto da Maria Di Lella Alfani, che ne applicava anche il metodo innovativo, gallerista donna, nella difficile Roma di quegli anni, rimane una testimonianza rara, fino a questo momento non ancora ricordata e approfondita L’intento è di coinvolgere il pubblico attraverso incontri e interventi di architetti, artisti e critici, volti ad approfondire la tematica del dialogo tra arte e architettura perpetuato dalla galleria agli inizi degli anni ’70. Favorendo la scoperta di una narrazione storico-artistica unica e produttiva orientata all’interdisciplinarietà delle arti, s’intende testimoniare come una donna, gallerista, affascinata dalle proposte internazionali, fosse stata in grado di garantire, nonostante la brevità dell’esperienza dello Studio Farnese, una visione sperimentale e alternativa delle avanguardie artistiche nella Roma della transavanguardia e dell’arte concettuale.
AlbumArte, attento ai fermenti artistici e intellettuali e al coraggio delle donne, è orgoglioso di accogiere questa proposta dei giovani curatori Vittoria de Pietra e Federico Alfani, di Studio Pivot che comprenderà per due giorni una mostra retrospettiva con le opere di Federico Brook, Sara Campesan, Attilio Lunardi,Antonio Niero, Claude e Nicole Parent, Osvaldo Romberg, Oscar Savio e Nicholas Schoeffer.
Inoltre attraverso incontri e interventi di architetti, artisti e critici, Studio Pivot e AlbumArte coinvolgeranno il pubblico nel dialogo tra arte e architettura perpetuato dalla galleria in quegli anni.
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AGENDA
Mercoledì 23 e Giovedì 24 Maggio 2018
- Talk h 16.00 – 18.30
Una serie di interventi di approfondimento di esperti, invitati a celebrare il 50esimo anniversario del concepimento della galleria
- Apertura Mostra h 18.30 – 21.30
Mercoledì 23 maggio dalle ore 18.30 opening della mostra
La galleria Studio Farnese: il segno dell’arte cinetica e il rapporto tra arte, architettura e industria nella Roma del ‘68
Artisti esposti: Federico Brook, Sara Campesan, Attilio Lunardi, Antonio Niero, Claude e Nicole Parent, Osvaldo Romberg, Oscar Savio, Nicholas Schoeffer.
CALENDARIO INTERVENTI
Mercoledì 23 maggio, a raccontare la trama inedita della vita di Studio Farnese interverranno gli architetti Emanuela Valle (Studio Valle 3.0) e Jacopo Costanzo (Warhouse of Architecture and Research), per proporre una contestualizzazione storica dell’attività dello Studio Farnese e approfondire il contatto tra architettura, design e l’industria avvenuto in occasione del progetto CAVA.
Giovedì 24 maggio, grazie alla presenza di Carolina Brook (curatrice e storica dell’arte, Rosa Jijón (segretario culturale IILA | Organizzazione internazionale italo-latino americana), e Iacopo Ceni (Istituto della Enciclopedia Italiana Treccani), ci si focalizzerà sull’approccio artistico della galleria, eviscerando in particolare il rapporto tra arte e architettura in America Latina, e si discuterà infine su quale sia stata l’eredità lasciata dalle sperimentazioni di quegli anni e come sia stata raccolta dalla contemporaneità.
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SCHEDA INFORMATIVA E INFO STAMPA
Mostra: La galleria Studio Farnese: il segno dell’arte cinetica e il rapporto tra arte, architettura e industria nella Roma del ‘68
Opere di: Federico Brook, Sara Campesan, Attilio Lunardi, Antonio Niero, Claude Parent, Nicole Parent, Osvaldo Romberg, Oscar Savio, Nicolas Schoeffer
Curatori: Federico Alfani, Vittoria de Petra
Sede: AlbumArte, Via Flaminia 122, Roma
Inaugurazione: 23 maggio ore 16.00
Apertura al pubblico: fino al 24 maggio 2018 – ingresso gratuito
Orari: talk dalle ore 16.00 alle ore 18.30, apertura mostra dalle 18.30 alle 21.30
Patrocinio: IILA | Organizzazione internazionale italo-latino americana
A partire dal 2015, al motto di move your venue to a new experience, abbiamo realizzato cicli espositivi coordinando e dando vita a progetti curatoriali di arte contemporanea all’interno di spazi non convenzionali. Partendo dallo studio delle esigenze del cliente, la sua identità visiva, il suo target e il suo budget, abbiamo garantito il valore aggiunto di un contenuto tailor made in grado di far diventare un luogo della quotidianità il teatro di un’esperienza unica.
Nel 2017 Beatrice Cerocchi ha dato vita a una serie limitata in collaborazione con Studio Pivot: un Herbarium composto da 6 piante: Ficus Indica, Eucalyptus Polyanthemos, Ficus Robusta, Musa Paradisiaca, Ctenanthe e Agave.
L’Herbarium è stato protagonista di un approfondimento ospitato poi ne La Stanza, uno spazio a Monti dove abbiamo potuto mostrare il lavoro di artisti selezionati che, a turno, hanno usato la stanza come studio pop-up, coinvolgendo il pubblico e il territorio.
2016 Intervista: l’arte, la città e le nuove generazioni
Quando nel 2012 abbiamo fondato Studio Pivot ancora studiavamo. Inizialmente avremmo voluto creare un magazine dedicato all'arte e al design emergenti, dando spazio ad artisti e realtà in procinto di affermarsi. Il progetto si appoggiava sulle nostre competenze storico-artistiche, organizzative e relazionali. Un’intervista del 2016 su The Italians Think Tank, riassume la nostra esperienza e lo spirito con cui abbiamo vissuto gli anni di Studio Pivot.
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La storia di questo mese ci riporta finalmente in Italia. Conosciamo Beatrice Roccetti Campagnoli e Vittoria de Petra, co-direttrici di Studio Pivot fondato nel 2013 insieme a Elisa Gavotti Basilj e Carolina Zavanella. Studio Pivot nasce con lo scopo di promuovere e sostenere l’arte e la cultura emergenti in Italia. Da quel momento fino ad oggi si può dire che ci sia riuscito: con 16 progetti ed esposizioni, 4 fiere internazionali, la collaborazione con più di 30 artisti giovani e ancora tanti lavori in cantiere.
Da sempre Studio Pivot si pone infatti come obiettivo la diffusione dell’arte emergente utilizzando spazi non convenzionali, delle non-gallerie o semplicemente luoghi nati con un obiettivo diverso da quello espositivo. La finalità ultima è quella di rivoluzionare il mondo dell’arte rendendolo accessibile anche a chi non fa parte del circuito culturale/artistico ed ovviare quindi a quella tendenziale esclusività che il panorama artistico si è costruito in questi anni.
Conosciamo allora queste ragazze che hanno deciso di sviluppare in Italia il loro progetto.
Studio Pivot lavora in tutto il mondo, dall’Europa alla Cina, ma le sue basi e le sue radici sono in Italia, perché questa scelta?
La culla di Studio Pivot è Roma, dove abbiamo articolato le idee e i progetti iniziali. Tuttavia i primi passi li abbiamo mossi all’estero, in occasione della prima edizione della START Art Fair alla Saatchi Gallery di Londra. La fiera, una delle prime ad approfondire a livello internazionale il discorso sulle novità emergenti, ha selezionato la nostra proposta artistica. La nostra prima partecipazione internazionale è stata sostenuta da Fondazione Roma, BNL Gruppo BNP Paribas e Gala Energia. L’organizzazione, gli sponsor e gli artisti hanno creduto in noi. Questa fiducia ci ha consentito di prendere parte ad un’esperienza fondamentale che ci ha insegnato moltissimo: confrontarsi con una struttura e un’organizzazione di alto livello e qualità riconosciuta a livello internazionale. Poi sono venute le esperienze della Contemporary Istanbul, dell’Asia Contemporary Art Show (collaterale di Art Basel Hong Kong) e della seconda partecipazione a START.
Avete lavorato a Londra, Istanbul e ad Hong Kong, cosa vi portate dietro da quelle esperienze?
Di certo la preparazione a sfide importanti. Iniziare a lavorare con enti internazionali, viaggiare, predisporre esposizioni non “giocando in casa”, confrontarsi con lingue, culture e mercati diversi (come quello cinese n.d.r.), ci ha allenate ad un tipo di lavoro necessariamente puntuale. Queste esperienze sono state accompagnate dall’entusiasmo dell’esordiente ma anche dalla consapevolezza di percorrere una strada che non si affronta senza avere piedi ben saldi a terra, la mente predisposta a un’evoluzione di contenuti, iniziative e qualità. Londra, Istanbul e Hong Kong sono state delle mete sempre più lontane da Roma ma che, invece di allontanarci, ci hanno avvicinate al nostro Paese, che ha accolto sempre partenze e ritorni con molta curiosità.
Quali sono le maggiori differenze che avete notato tra l’estero e l’Italia sul profilo professionale?
Minore difficoltà nel relazionarsi a strutture istituzionali, una predisposizione positiva ed entusiasta nei confronti dei giovani che iniziano a lavorare nel settore, una definizione e un godimento più ampi dell’arte, maggiore unità e propensione a un ricambio generazionale e, infine, meno formalità e più sostanza.
La galleria è un format superato? Oppure si tratta di semplici modelli diversi? Quale e dove sarà il futuro dell’arte?
La galleria è un modello strutturale che funzionerà per sempre e soprattutto ci auguriamo sia così. Tuttavia abbiamo deciso di uscire da uno schema consolidato, affascinate dalle opportunità stesse offerte dalla città e dai suoi abitanti. Una varietà irresistibile. In questo modo possiamo coinvolgere artisti più giovani e non, misurandoci tutti con spazi stimolanti e committenze private, sollecitando sempre il pubblico ad apprezzare qualcosa di diverso in ambiti nuovi. Non possiamo essere noi a immaginare dove e quale sarà il futuro dell’arte, perché ci siamo appena affacciate in questo meraviglioso settore. Al momento stiamo osservando l’orizzonte per studiare la nostra direzione, con la speranza che la meta sia la stessa!
Dove vi vedete tra dieci anni? e soprattutto, ci sarà ancora l’Italia nel vostro futuro?
Non sappiamo dove saremo ma la certezza è che il nostro impegno sarà rivolto alla diffusione dell’arte e della cultura. Al momento siamo qui, in una Roma “marziana” che sembrava assopita, intorpidita e culturalmente statica. Di recente ha ripreso a fiorire di contenuti artistici a tutto tondo tra arte, street art, musica, letteratura, cinema e startup. Siamo contente e ce lo diciamo spesso, soprattutto perché, evidentemente, non siamo le uniche giovani ad essere convinte dell’importanza di cogliere le opportunità dove gli altri non le vedono, trasformando il rischio in qualcosa di nuovo. È bello che molti coetanei si stiano muovendo come noi, sfidando la crisi per rigenerare il Paese. Infine speriamo di continuare a crescere insieme agli artisti con i quali stiamo iniziando a collaborare ma senza abbandonare la ricerca e la scoperta dei più giovani, garantendo spazio al talento e rafforzando un network propositivo e forte di giovani gallerie e professionisti del settore. Suona come un’utopia, una realtà lontana ma che faremo di tutto per realizzarla.
Beh che dire, nel nostro bel Paese si parla sempre più spesso di quanto are e cultura debbano riappropriarsi di quel ruolo protagonista che dovrebbe spettargli, sempre più di frequente assistiamo a dibattiti – anche politici – dedicati all’economia della cultura, a quanto l’arte potrebbe far bene non solo all’anima ma anche alle tasche e allo sviluppo di giovani talenti e imprenditori italiani. Simao quindi lieti di aver incontrato quattro ragazze che nell’arte hanno creduto e investito fino ad aver fatto dell’arte un vero e proprio lavoro apprezzato anche all’estero. Un ritorno in patria dopo le prime esperienze “fuori casa” e tanta, tanta voglia di fare e speranza per una Roma assopita che sembra avere una voglia matta di svegliarsi. E se a risvegliare Roma e il Paese possono essere i giovani talenti, l’arte e la cultura, noi di The Italians non possiamo che dircene fieri!
E voi, avete anche voi cantiere un progetto artistico e culturale che vorreste sviluppare? Raccontateci la vostra esperienza e… non perdete d’occhio il nostro policy lab, il team Economia della Cultura sta per partire!
#ARTINTOWN è stato un progetto speciale a cura di Studio Pivot, lanciato nel 2015 con l’intento di creare una narrazione in cui protagoniste attive fossero le immagini. Attraverso la scelta di tematiche o di eventi culturali (vernissage/esposizioni) sono state selezionate e riproposte le immagini più interessanti che, consapevolmente o meno, esprimevano o ispiravano un contenuto artistico.
Secondo le statistiche ogni giorno vengono condivise su Instagram oltre 80milioni di fotografie, delle quali le più popolari contenenti volti di persone e/o selfie. #ARTINTOWN è stato un blog, un hashtag e una piattaforma di riferimento per la condivisione di immagini in ambito artistico in ogni città. Non tutte i post nascono con intenti artistici ma tutti fanno parte della grande storia raccontata dagli utenti dei social. Ogni contenuto offre un’interpretazione personale della realtà. Ogni immagine, a sua volta, può esserne soggetta. Sui social network siamo tutti critici d’arte, attuiamo lo stesso procedimento che si attiva di fronte a un’opera sconosciuta.
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