l'œil & l'index

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Ma dose

Ce grand et beau livre de 458 pages retrace tout le travail de ce photographe classé dans le mouvement surréaliste. Il travaille en noir et blanc. Ses sujet sont des objets. Ses prises de vues sont techniques comme en laboratoire. Ses résultats nous font entrer dans une autre dimension. Il nous montre son monde parallèle à travers ses images. Ce sont des photographies où il se pose des questions. Ce sont des images où il nous pose des questions. Il instaure un dialogue avec nous. J'ai souvent envie d'arracher les pages et de les encadrer pour les accrocher partout sur les murs.

Voici une sélection d'une thématique d'objets, les livres. Il a l'air de beaucoup les aimer. Voilà comment il les voit, ce qu'ils lui inspirent et comment il les interprète dans une mise en scène précise pour nous faire réfléchir, mais sous quel angle ?

Angle de réflexion de Chema Madoz, 2014

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Le bestiaire

Un photographe parmi tant d'autres mais qui s'est fait remarquer par son humour et la production de son premier livre comme un concept artistique dans le fond comme dans la forme avec une lecture à plusieurs degrés. Pour quel sujet ? Les photographes. Qui sont-ils ? Quels genres ? Il se moque de tous les style avec l'immunité de l'humour. On se reconnaît dans un ou plusieurs d'entre eux, ces portraits photomatoniques accompagnées de 4 paragraphes chacun, logique. Je pense qu'il est un peu de chacun des profils dont il se moque. C'est caricatural jusqu'à la panne et l'autobiographie.

La première fois que j'ai vu son travail, qu'il s'est fait repéré, c'est sur un obscur reportage sur une mine en Afrique ou ailleurs. Je m'étais dit « encore un photographe occidental qui va à l'autre bout du monde pour faire des images qui auraient pu être faites par un local, ça n'a pas de sens. » Je suis confronté à la même chose dans mon travail. Je peux travailler avec pleins de photographes à travers le monde mais seules les images de nos photographes parisiens qui se déplacent sur place semblent avoir de la valeur. Il n'y a pas de portrait sous cet angle dans son livre. Et on pourrait en rajouter d'autres quand on le voit faire de la publicité de décoration d'intérieur en famille.

En fait il a tout compris. Et il en vit. Dans tous les sens du terme.

« How to be a photographer in four lessons » by T. VDD, 2013

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De photographe à photographe

Cindy était informaticienne. Puis un jour, elle ne le fut plus. Changement de vie. Direction le Nord, sa Nature, sa Lumière, il n'y avait plus qu'Elle et son appareil photo, perdus au loin dans un temps qui ne comptait plus. De ses voyages physiques et métaphysiques, elle nous a ramené ces images. Un jour je suis tombé sur l'une d'entre-elles, sans doute un nuage, puis une autre tellement graphique et une encore, mystérieuse, fantomatique. Tout ce que je recherchais était là. Je l'ai donc contacté et on a discuté de nos images de nuages. Elle m'a expliqué qu'il y avait toujours la présence de l'eau dans ses photographies. Son livre, ses images, sa démarche, son âme, son travail, ses textes, tout est beau. Mais ça ne s'arrête pas là. On peut l'accompagner sur le terrain et se laisser guider dans son monde comme une initiation et un partage, de photographe à photographe.

Le vent des rêves de Cindy Jeannon, 2016

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Les fantômes

Paolo Verzone est un photojournaliste italien qui a reçu de nombreux prix, dont les photos sont dans des collections, qui travaille sur des séries en prenant le temps, en travaillant à la chambre. C'est un portraitiste. Mais les cadrages sont larges, les personnages sont souvent perdus dans leur décor avec une lumière toujours très travaillée dans un jeu de saturation des couleurs. Il ne les dirige pas pour la pose, pourtant ils en ont l'air. Aussi faussement que les mannequins en plastique dans les magasins. C'est troublant. Dans sa série sur les jeunes officiers militaires en école à travers l’Europe, il a fait de même. De ceux que je connais et que je pratique depuis plusieurs décennies, je ne les reconnais pas. Ni eux, ni leur environnement. Il y a comme un décalage. On dirait une autre dimension, un univers parallèle. Où une jeunesse s'approprie des siècles de tradition, sans sourire, visage fermé, sans expression dans des attitudes incongrues. Ils sont tous inquiétants. Elles sont toutes inquiétantes. Leurs environnements également.

Couverture du livre « Cadets » de Paolo Verzone, 2014

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C’est le jeu

Le nom vient d'une photographe, Cosette Harcourt qui a créé ce studio en 1934. Le style vient de Raymond Voinquel, un autre photographe habitué des éclairages de cinéma. Studio Harcourt leur a survécu mais en 1990, c'est la faillite. Jack Lang sauve le patrimoine de 5 millions de négatifs dont 1500 personnalités. En 1993, un de ses anciens photographes relance le studio mais en 2007 c'est à nouveau la liquidation judiciaire. Racheté par un homme d'affaire passionné de photographie, le studio persiste et prospère. En 2014, Dominique Besnehard sort ce livre, 80 portraits mythiques pour les 80 ans du studio.

Un des premiers clients célèbres du Studio Harcourt à Paris était Salvador Dali, en 1936. Lorsque j'ai eu l'occasion d'avoir mon studio en 2012, un de mes premiers clients notable fut un artiste également, un peintre de l'air, chevalier des arts et lettres, un sculpteur avant tout mais dessinateur aussi, graphiste et j'en passe. Il avait peint un portrait de Dali qu'il avait accroché dans son bureau. J'ai donc tout de suite pensé à lui pour inaugurer le Studio Dewoitine.

En 2019, à Beaugrenelle à Paris dans le quartier Javel, je tombe sur un photomaton : le portrait Harcourt automatique pour tous à 10 euros. Il y a eu 150 photographes qui ont travaillé au studio Harcourt depuis 1934. Maintenant, plus besoin d'eux ?

Le studio Dewoitine existe peut-être encore, mais sans moi. Je l’ai créé, je l’ai quitté, c’est la vie. Un autre photographe en profite. C’est le jeu.

Harcourt Paris, « le mythe » par Dominique Besnehard , 2014 Studio Dewoitine - Cmab, 2014 « Photomatharcourt » par Chris Morg,  2019

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YAB

Après avoir eu une vie d'acteur et d'aventurier, il photographie Diane Fossey avec ses gorilles dans la brume en 1984 et sur le Paris-Dakar il laisse sa place à Balavoine dans l'hélicoptère de la mort en 1986. C'est à 48 ans en 1999 que Yann, héritier du joaillier qui fabrique les médailles militaires, se distingue mondialement avec le livre « la Terre vue du ciel ». Tel un artiste qui a trouvé son concept, il le déclinera à toutes les sauces au milieu d'une multitudes de business plan teintés d'écologie dans une success story planétaire. Yann s'est fait un prénom. Et le titre de peintre officiel de la marine. Et le mérite, et la légion, et l'agricole, les arts et lettres, toute la panoplie pour finir membre de l'académie des beaux-arts (il n'y a que 2 places pour les photographes) et ambassadeur d'un programme environnemental des nations unies.

En 2006, 2 étudiants d'HEC le contactent pour lancer un nouveau concept business plan artistique haut de gamme pour tous, c'est YellowKorner. Une boutique qui vend des photos d'art à prix accessible, numérotées et limitées afin que chacun puisse orner ses murs d’œuvres d'art, photographiques. Yann accepte et la photo en question est disponible en grand format pour une plaque. Sauf que, le coup du nombre limite n'est pas respecté. Mais personne ne porte plainte. Longue vie à Yann, merci pour tout ce que tu nous laisses en qualité et en quantité.

Couverture du livre « la Terre vue du ciel » de Yann Arthus-Bertrand, 1999

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L'amère noyade

400 pages A3 à gros grammage, il en impose. Tel est le lourd livre d'un peintre de la marine nommé en 1991 avant sa consécration par une exposition au musée de la marine en 1992, de ce livre imprimé en 2002 avant d'être chevalier de l'ordre du mérite maritime et de la légion d'honneur en 2004.

Les paysages s'étalent sur les deux pages, coupés par la pliure centrale. Le livre n'est pas assez grand pour y faire entrer la mer. Les images souvent minimalistes et sombres se succèdent sans titre et sans commentaire. Il y a à la fin une galerie explicative de chacune d'entre elles avec juste quelques mots. Plusieurs centaines de milliers d'exemplaires de ce livre ont été imprimés. On m'en a offert un.

Mais les négatifs n'existent plus. Ils ont tous brûlé en septembre 2010 comme l'intégralité de l'œuvre de l'auteur, entre 2 et 3 cent milles clichés partis en fumée dans le mystérieux incendie de son atelier. 30 années de travail effacés dans une entreprise désormais en faillite. Au même moment, sa nièce porte plainte ce qui le conduira quelques années plus tard en prison pour 3 ans ferme.

couverture du livre « La mer » de Philippe Plisson, 2002

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L'âge de la culpabilité

83 ans. Coupable. Peine de mort. Par asphyxie. On l'a retrouvé avec un sac en plastique sur la tête, dans son petit appartement de 40 m² au premier étage sur le boulevard Montparnasse. Le photographe le plus connu en France dans les années 90 et 2000, 50 ans de carrière en traversant les années 70 dans la gloire, il avait créé un style et l'a amené trop loin dans des temps qui ont changé comme son or en plomb. Presque 2 millions de livres vendus, bien moins que le reste en calendriers, posters et cartes postales. En détenir est pratiquement devenu interdit.

Quand j'ai commencé la photo dans les années 90, il n'était pas rare qu'un client à faire en portrait me dise : « applique-toi, fais une belle photo, comme Hamilton ». Je ne connaissais que les posters vaporeux accrochés derrière les portes, comme pour les cacher et puis j'ai découvert son nouveau livre en 1996 à la FNAC au rayon photo. L'art a sans doute ses limites, surtout 20 ans après lorsqu'il a décidé de mettre fin à ses jours sous la menace de plusieurs plaintes de ses jeunes modèles. C'était « l'âge de l'innocence ». Dédicacé : «  (…) pour toutes mes petites qui en ce miroir demeureront éternellement jeunes. » signé D.H.

couverture du livre « l'âge de l'innocence » de David Hamilton, 1995

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90

Pendant les vacances de février, je l'ai enfin trouvé à la librairie Grangier de Dijon : le Photo Poche de Gilbert Garcin. J'ai découvert ce photographe sur le trône en lisant le magazine Fisheye. C'est sur ce même trône que ce matin en révisant son Wikipédia sur mon smartphone, en prévision de ce billet tumblr, que j'ai découvert qu'il n'avait pas survécu au confinement. Le 17 avril, il est mort. Dans son sommeil soit-disant. A 90 ans. Cette 90ème et dernière image de son Photo Poche était prémonitoire. C'est à 60 ans, à la retraite, qu'il s'est mis à la photo dans un club d'un petit village. De ficelle en aiguille en passant par un stage de découpage à Arles, il a trouvé son style. Du conceptuel artisanal, fait à la main avec l'intelligence et l'expérience de toute une vie de bilans. Comme quoi tout est possible, pour tout le monde, tout le temps, jusqu'à la fin. Sa vie, son travail et ses montages sont un témoignage, un message à retenir dans des images qu'on est pas près d'oublier.

« Le charme de l'au-delà » n°437 – 2012 - Photo Poche  n°157, image n°90 - © Gilbert Garcin

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Halogénure d’argent

V.M.

Bisou

Planter un arbre

90

L’âge de la culpabilité

L’amère noyade

YAB

C’est le jeu

Les fantômes

De photographe à photographe

Le bestiaire

Ma dose

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Planter un arbre

L'Homme comme cinquième élément protégé par l'eau pour affronter le feu sur une terre stérile et irrespirable à la fin d'une guerre du pétrole déclenchée sur des doutes et qui en a provoqué une autre à cause d'autres mensonges pour finir par la perdre des décennies plus tard en laissant un pays encore plus aride, sec, brûlé et mort mais éteint. Une histoire qui résonne sur celle du photographe qui vivait dans un paradis arboré. Son père était tellement fier d'avoir pu payer des études supérieures à tous ses enfants. Mais pour cela il a dû couper tous les arbres de son paradis pour les vendre. Au final, le photographe a démissionné du travail où son diplôme l'avait amené et il est revenu chez lui pour tout réparer. Il a fondé une ONG qui a trouvé des financements pour élever et replanter des millions d'arbres. Toute la vie et l’œuvre du photographe sont magnifiquement résumées dans un superbe documentaire « Le Sel de la Terre » (The Salt of the Earth) qui a reçu le prix spécial « Un Certain Regard » au festival de Cannes 2014.

"Kuwait: A Desert on Fire" - © Sebastião Salgado

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Bisou

Sorti d'une grande école pour faire de la photographie publicitaire dans un style très provocateur, il a décliné le concept des couleurs unies de sa marque, à sa façon. Tout à fait dans l'esprit des années 90. J'avais adoré à l'époque. Je n'étais pas encore photographe et j'adorais les photos publicitaires, tout le contraire d'aujourd'hui. Les temps ont changé. Un mois ou deux avant le confinement, il s'est fait viré par la marque en question pour des propos sortis de leur contexte qui ont été mal pris sur l'écroulement du pont de Gênes. Il avait fait mille fois pire à l'époque et il a reçu des prix pour ça. Là, pour moins d'une broutille : ciao ! Le pont appartient à la même société que sa marque. Ou c'est les propriétaires de la marque qui sont actionnaires de la société qui exploite le pont ? Bref, il fallait bien un prétexte. Pas de retraite dorée ou de toutes les couleurs, unies.

La campagne "Priest and nun" de Benetton pour l'automne-hiver 1991, par Oliviero Toscani.

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Comme le Covid Les plantes, les animaux l'Homme se sont succédés Tous les fléaux une couche ils en ont ajouté Le roi des virus en couronne est apparu Pas de vaccin ni traitement loin d'être vaincu Seule solution arrêter de vivre tous ensemble Plus personne ne doit bouger et plus rien ne tremble Monde devenu laboratoire de niveau 2 Plus personne ne se touche dans la colère des dieux Pour 5 lettres et 2 chiffres pour inonder le monde De solide à liquide une chaleur pour qu'il fonde Le cacao Poulain de Leonetto Cappiello, 1911 Imprimerie Vercasson © BNF

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Se retourner Retour au classique grec en reflet pour la voir La femme encore toute nue tourne le dos à l'histoire Deux anneaux aux oreilles et autour du miroir La boîte à bijoux vide à remettre au tiroir Même si les sculpture étaient moins enveloppées Ces modestes peintures sont au moins coloriées C'est le néo-classique tout au moins sublimé Comme un retour aux sources pour le moins inspiré Femme à sa toilette de Christoffer Wilhelm Eckersberg, 1841

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V.M. 

Sa leçon de vie : rester une ombre, de son existence et de celle des autres. Elle a inventé la photographie de rue et le selfie plus d'un demi-siècle avant ses pairs, dans le plus strict anonymat même dans la mort, sans avoir vu elle-même la plupart de son œuvre. Elle est le symbole et l'incarnation de plein d'autres et pas seulement les photographes, elle est l'artiste qui ne se définit pas par la reconnaissance, elle a prouvé que l'on pouvait être sans le regard de l'autre, sans même son propre regard. Le monde regorge de V.M. qui ne demandent pas à être découvert et qui simplement sont, ont été ou seront, surtout aujourd'hui où tout le monde est.  

À la manière de V.M.

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Tempus fugit   

Le temps s'arrête. Le chronométreur officiel d'événements sportifs qui n'ont plus lieu, tennis (Roland Garros) , hippisme (Prix de Diane) etc. Une fonction qui a commencé avec les premiers jeux olympiques du monde moderne à Athènes en 1896. La plus ancienne marque encore en activité pour mesurer un temps qui n'est plus. Leurs ambassadeurs Andre Agassi et Kate Winslet confinés dans des activités interdites. Longines, 1832-2020.

11ème édition, 1927 de Leonetto Cappiello - © BNF 3ème édition, 1929 de Jean d'Ylen - © BNF  imprimerie Vercasson

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Morning   

L'ambiance métaphysique des tableaux d'Edward Hopper résonne sur toute l'humanité moderne depuis plus d'un mois, notre monde devenu autre où la relation humaine est comme effacée avec des personnages esseulés et mélancoliques dans des villes et ses rues désertes. Sur les centaines de tableaux de Hopper, j'ai juste choisi ceux dont le mot « morning » apparaît dans le titre, pour la lumière de ces beaux jours qui chaque matin éclaire notre confinement.   

Early Sunday morning, 1930  Morning in the city, 1944 Cape Cod morning, 1950 Morning sun, 1952 South Carolina morning, 1955