Cinema e Vídeo

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O Candidato Honesto

Em meio ao cenário político das eleições em 2014, surge o filme O candidato Honesto, do diretor Roberto Santucci. Conta a história de João Ernesto (Leandro Hassum), candidato à presidência do Brasil. Ainda que extremamente corrupto e mentiroso, se encontra à frente nas pesquisas do segundo turno, até que a mandinga de sua avó, no leito de morte, o impede de mentir. Assim, João fica impossibilitado de dizer nada que não seja verdade, custando-lhe tanto a família quanto a eleição, quando se dá mal em todas as entrevistas presidenciais e sobre sua vida pessoal.

                Com a má fama que os políticos têm atualmente no Brasil, o filme retrata a dificuldade do protagonista em tentar vencer a eleição sem mentir, o que inclui também linguagem corporal honesta, revelação de esquemas de corrupção e não omissão dos pensamentos mais constrangedores ou verdadeiros que o candidato possa ter.

                Com a ajuda de uma jornalista, a única que parece verdadeiramente acreditar nele, João consegue se estabilizar. Depois de descobrir que seu maior rival, que pregava a honestidade e sempre teve a aparência de mais correto, também estava envolvido em esquemas políticos de má natureza, o candidato e sua amiga correm para comparecer ao último debate, onde João mostra para os presentes, assim como para a imprensa, que a sociedade não lida muito bem com a honestidade total, uma vez que já esteja acostumada com inúmeras promessas falsas e planos fadados ao esquecimento.

                Embora tenha se divorciado da esposa para quem mentia, João envolve-se com a jornalista que o ajudou e passa a viver uma vida honesta.

Por: Melanie Blauth

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Drácula Untold

Drácula, o tão famoso conto do irlandês Bram Stoker de 1897 inspirou e ainda inspira vários diretores hollywoodianos como Tod Browning, Terence Fisher, Roy Ward Baker, Francis Ford Coppola, entre outros, agora é base para o filme Drácula Untold (Drácula- A história nunca contada) de Gary Shore.

Sendo um clássico filme de origem, onde busca-se tornar o vilão, Vlad empalador interpretado por Luke Evans, o mocinho da história, mas permanecendo o mais coerente com a história original, o roteiro encaixa fatos e acontecimentos com os mencionados no livro.

O conto do monstro que vive isolado em seu castelo e é um matador a sangue frio graças a sua maldição adquirida por se negar a religião, fica mais explicativa neste filme onde com a intenção de proteger a Transilvânia, Vlad ainda pequeno foi entregue pelo próprio pai juntamente com mais centenas de crianças para lutar pelos turcos, onde aprendeu a matar de forma feroz e sem questionamentos, e, anos mais tarde, quando volta a seu país aclamado pelo seu povo e temido pelo resto do mundo, o príncipe governa em paz com sua família por dez anos até uma nove exigência dos turcos.

Sem grandes exércitos para lutar pela liberdade de seu país e de sua família, com uma guerra iminente, Drácula desesperado e sem mais alternativas recorre a um poder das trevas que só pode ser adquirido por meio de um acordo com uma criatura maligna (Charles Dance) que vive por perto. Feito o pacto o príncipe terá de resistir à tentação da sede de sangue por três dias para não tornar a maldição permanentemente sua.

A pesar da sede insaciável e da sua fraqueza com a luz do sol e a prata, com os poderes adquiridos, a velocidade, sentidos aguçados e controle sobre as criaturas noturnas, Vlad passa pelo primeiro exército enviado pelos turcos sozinho, retomando este momento seu costume de empalar pessoas em combate. Após este primeiro confronto o povo parte para um monastério na região em busca de proteção e já há a dúvida em relação a humanidade do príncipe que é acobertado o tempo todo por sua esposa (Sarah Gadon).

No confronto final, contra tropas maiores e mais equipadas e com seu povo ainda receoso, Drácula parte para a batalha, utilizando de todos os recursos a seu favor para proteger sua família e derrotar o rei turco (Dominic Cooper), mas com a aproximação do final do prazo de três dias antes estabelecido, este teme perder a batalha e se enfraquecer e é libertado de seus tormentos pela sua mulher que já quase morta oferece-lhe seu sangue, tornando a maldição do vampiro permanente. Assim o príncipe cria um pequeno exército de vampiros dos sobreviventes de seu povo e vence a batalha, consagra seu filho e se condena, tentando se matar, porém ele sobrevive e atravessa os séculos longe de seu filho e seu governo e sempre em busca de sua amada.

O filme dá a deixa para a imaginação do espectador em seu final, e torna fácil encaixar o conto de Bram Stoker, que em maioria é um relato de uma vítima sobrevivente (Jonathan Harker) anos depois do vampiro ter sido amaldiçoado, a crítica em geral elogiou escolha inteligente de atores como Luke Evans e Charles Dance, este último já tento atuado como vampiro em “Anjos da Noite”, e que se encaixaram perfeitamente em seus personagens, e a trama a pesar de modificar alguns fatos do conto original e dar menos enfoque à maldição como uma tentação, não pecou em cenários, efeitos e produção em geral e com o roteiro sempre deixando espaços para a relação com o livro.

Por: Júlia Cristina

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O doador de memórias

O filme doador de memórias foi lançado em 2014, nos EUA. Dirigido por Phillip Noyce, o filme retrata a história de um mundo sem cores (literalmente); onde os sentimentos não existem e são bloqueados por uma injeção diária que desde criança as pessoas são obrigadas a tomar.

A história começa contando sobre o dia de formatura de Jonas, quando o personagem principal se forma, e tem então a surpresa de seu futuro decidido pelos chamados anciãos da sociedade.  O jovem é surpreendido pela notícia de que sua função será de doador de memórias, uma função pouco conhecida pelos cidadãos,  para a qual poucas pessoas eram escolhidas.

Jonas recebe memórias do guardião, e se encanta com todas as novidades, sua visão clareia e fica então, colorida. Empolgado, o jovem rapaz quer contar aos seus amigos todas as novidades de sua função, mas é reprimido por um juramento que veta qualquer acesso por outra pessoa que não seja um guardião.

No decorrer do filme, Jonas vai recebendo as memórias, e cada vez mais se encanta, para de tomar suas injeções diárias e começa então, a ter sentimentos. O personagem cativa , o filme encanta e prende a atenção do telespectador.

A história se trata no futuro, prevendo uma sociedade fria e manipulada, que se adaptou a uma vida planejada,  sem sentimentos, na tentativa de tratar todos seus membros de maneira  igualitária .

O filme, traz fortes emoções;  o personagem principal, tenta mostrar à Fiona, sua affair, o mundo tal qual ele, agora podia ver, mas ela não pode. Ele possui “poderes” em relação aos outros membros da sociedade.

Aos poucos, Jonas vai descobrindo não só as maravilhas do mundo fora daquela bolha em que ele está acostumado a ver, mas também descobre todas as impurezas da raça humana como guerras e toda sua devastação.

Durante o decorrer da história, o pai de Jonas leva um bebê para casa, para tentar recuperá-lo  (ele estava fraco em relação ao padrão mínimo exigido). Pra nós é difícil imaginar uma sociedade sem sentimentos, onde se pega um bebê e  leva para casa para tentar recuperá-lo, e caso não se recupere, levem para o setor de eliminação.

Porém, Jonas, que não tomava suas injeções diárias anti-sentimentos, se apegou ao bebê e então, cuidava dele com carinho e apreço. Ele sentia que Gabriel, nome dado ao pequeno, seria o novo doador de memórias.

O filme termina quando Jonas enfrenta toda a banca de anciãos para salvar Gabriel, Arrisca sua vida e de Fiona na tentativa de sair da “bolha” e fazer com que seu povo viva, ebtão, em paz; que eles tenham sentimentos e consigam ver o mundo tal qual ele é de verdade, e não apenas  em duas cores., como eles vêem.  Jonas consegue fugir, salva Gabriel, e salva também toda aquela sociedade. O filme é muito interessante e poderia ser usado na matéria de antropologia por ser facilmente identificado como uma previsão da sociedade atual.

Gabriela Mansur

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Tim Maia

O filme é um documentário sobre a  vida de Sebastião Rodrigues Maia , um cantor e compositor brasileiro que ficou conhecido pelo nome artístico de Tim Maia.

A obra começa  relatando  que em sua infancia  começou trabalhando como  entregador de marmita de casa em casa.

Quando era jovem , montou um quarteto musical chamado The Sputniks que incluia seu amigo Roberto Carlos,que recebeu uma proposta para uma apresentação solo, o que causou um desentendimento entre ambos.

Logo depois, tião, como era conhecido na época, se  ofereceu a fazer uma participação solo também para mostrar sua capacidade e seu talento, mas o produtor  se recusou a apresentar alguém com o nome de ‘’tião’’ e optaram por trocar para ‘’tim maia’’. Feito assim, se apresentou pela primeira vez  sozinho com  o novo nome na TV Tupi.

Quando a carreira já nao deslanchava mais, tim  trabalhou em construções e vendeu suas coisas com intúito de juntar dinheiro para ir para New York, mas nao foi suficiente  e acabou indo infiltrado junto com os padres da diocese do Rio de Janeiro.

Chegando ao destino, ficou abrigado na casa da Sra. Cardoso, que era uma conhecida da família, que mesmo sem conhece-lo  o recebeu mesmo assim e com o tempo foi  se adaptando a essa nova vida e por descuido se esquecia de mandar notícias á família.

Nesse novo ambiente,  começou a andar com más compahias , usar drogas ,e ajudou a roubar não só um carro, mas também roubavam outras coisas para poder por combustível, e partiram para flórida  onde acabaram sendo presos. Depois de sair da prisão, Tim Maia foi deportado de volta para o Brasil. Não muito tempo depois , tentou roubar uma casa com intenção de  conseguir dinheiro para ir para São Paulo , mas a tentativa foi falha pois acabou sendo preso de novo por 11 meses. Quando novamente foi solto, ficou em uma pensão e vivia lá através de trocados. Como dito no filme :  ‘’precisa apenas de uma chance para não precisar mais de trocados nem de chances ‘’.

Nesse tempo, vivia indo atrás de seu ex companheiro de grupo Roberto Carlos , que já havia atingido a fama  para pedir ajuda, e logo depois passou a compor músicas e uma que acabou sendo gravada por ele .

Tim Maia gravou seu primeiro sucesso ( Azul da cor do mar ) que por ventura ficou  24 semanas  em primeiro lugar nas paradas de sucesso. Com o dinheiro obtido a partir dai , pode comprar seu primeiro carro que foi um camaro dourado.

Depois de atingir a fama , Janaina , seu primeiro amor  não correspondido , passaram a ter contato e interesse um pelo outro e acabaram ficando juntos.Com isso , Tim  comprou um terreno e contruiu uma casa que ele mesmo fez o projeto, mas acabou costruindo no terreno errado.

Um tempo depois , ele , Janaina e seus amigos  foram viajar para a Europa, e lá , em um momento de raiva, agrediu Janaina  e quase foi  preso novamente , resultando na separação dos dois, mas um tempo depois  ela reaparece grávida  de Márcio Leonardo.

Conturbado com os acontecimentos de sua vida,  leu um livro que fez com  que largasse as drogas e entrou para um grupo de reabilitação. Nisso , Janaina estava grávida de seu segundo filho Carmelo , e com essa nova crença de Tim Maia  acabaram por passar dificuldades, pois ele doava tudo que podia.Cansada , Janaina vai embora novamente e deixa para que Tim cuide do filho. Não aturando mais o jeito egoista que alegava, sei amigo Fábio toma o mesmo rumo.

Sem rumo , Sebastião Rodrigues Maia  cai novamente na tentação das drogas , mais logo consegue chegar novamente nas paradas de sucesso, e no auge dela passa mal no meio do show e acaba falecendo em 15/03/1998.

   #banda  #resenha  #cinema  #biografia  #música  #timmaia #drogas

Por : Letícia Deparolis

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O Juiz

Dirigido por David Bobkin e brilhantemente estrelado por Robert Downey Jr. (Homem de Ferro) e Robert Duvall (vencedor do Oscar por A Força do Carinho), O Juiz é um excelente filme que tem na emoção sua principal característica. 

Hank Palmer (Downey Jr.) é um bem sucedido advogado que volta à cidadezinha onde cresceu quando recebe a notícia do falecimento de sua mãe. Na noite do enterro, seu pai, o juiz Joseph Palmer, é acusado de assassinato. Mesmo não tendo uma boa relação com ele, Hank decide permanecer na cidade e ajudá-lo a lidar com as acusações. A difícil relação entre pai e filho é muito bem construída no filme e se torna emocionante. Os dois homens não conseguem confiar um no outro e não se suportam, mas a urgência da situação fará com que tenham de superar todas as mágoas presentes no passado. Paralelamente a isso, Hank precisa lidar com muitos outros problemas, como o divórcio e a filha pequena, a culpa por um antigo acidente com o irmão Glen, e a presença de uma ex-namorada, que mesmo depois de tantos anos ainda o espera. Logo na primeira cena do longa, onde o advogado urina em seu colega de trabalho, já podemos perceber que estamos lidando com um personagem que muito se assemelha ao já lendário Tony Stark, certo? Errado! Com algumas poucas semelhanças ao seu mais famoso personagem, Downey Jr. nos entrega uma de suas melhores atuações. Mostrando um excelente potencial dramático, ele se firma como um ator completo, convincente em todas suas cenas. Alternando tanto entre momentos de confiança, quanto de instabilidade emocional, seu Hank é cativante e muito bem construído. Como se uma grande performance já não fosse apenas o suficiente, Duval também está absolutamente impecável em seu papel. Seja vivendo os opostos, com cenas de extrema arrogância e de debilidade total de seu personagem, o juiz consegue nos tocar de uma forma única. Dessa maneira, os dois atores conseguem entrar em uma perfeita sintonia, prendendo o público e emocionando até o último minuto.

O Juiz é um filme que, como dizem os recentes comentários, aparece forte para estar na lista de indicados ao Oscar. Não apenas como melhor filme, mas também com Robert Downey Jr. como melhor ator, e Robert Duval como melhor ator secundário. Enquanto as indicações não acontecem efetivamente, podemos ter apenas uma certeza, quem for ao cinema dificilmente conseguirá sair da sala sem derrubar ao menos uma lágrima. Nota avaliativa: 10 Por: Gabriel Anadão

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As Tartarugas Ninja

O mundo é repleto de personagens a que acabam superando as barreiras de seu tempo. Podemos sempre ver uma nova adaptação de Power Rangers, por exemplo. Outra história que se identifica muito com essa realidade é a das Tartarugas Ninja. Grande parte das crianças se torna fã de Leonardo, Raphael, Michelangelo e Donatello, uma paixão que, às vezes, as acompanha até se tornarem adultas.

O filme de 2014 possui o objetivo de trazer uma nova abordagem dessa conhecida história, utilizando todos os recursos tecnológicos da nova geração, um atrativo que não havia nos antigos filmes. O mundialmente famoso Michael Bay, diretor da franquia Transformers, assume como produtor, tendo Jonathan Liebesman na direção.

O longa é repleto de altos e baixos e acaba sendo bastante decepcionante para os fãs que esperavam uma adaptação fiel aos desenhos. São inúmeros os problemas da produção, mas podemos colocar alguns em destaque. O primeiro grande deslize é a tentativa de deixar as tartarugas adolescentes. O que vimos na tela são verdadeiros garotos que ainda mal sabem lutar artes marciais, pelo contrário, apanham mais do que bêbado em briga de rua. Donatello, um dos personagens mais respeitados é representado usando um óculos por cima das tradicionais máscaras, o que faz com que se torne um “Zé Mané” e se perca totalmente o respeito por ele. Os grandes heróis que tanto admiramos no seriado se perdem, nem mesmo Leonardo se posiciona como líder do grupo.

Por outro lado, Mestre Splinter é fielmente construído. Traz consigo toda a sabedoria, além disso sabe lutar muito bem, mas não consegue se firmar como o pai das tartarugas. Falta uma relação entre eles, o laço que os une é muito fraco, o que faz com que a narrativa perca muito em questões emocionais. Além disso, são poucas as cenas em que aparece, deixando uma sensação de que poderia ter sido muito melhor explorado. O “Clã do Pé”, a suposta organização criminosa, se mostra um bando de bandidos que não tem noção nenhuma do que estão fazendo. São absolutamente ridículos. Destruidor, o famoso e grande vilão, não tem um motivo forte que explique suas atitudes, ficamos sem entender direito qual o seu plano. 

O roteiro, como vocês já podem perceber, é extremamente fraco e parece querer abordar apenas crianças. Isso pode funcionar para vender brinquedos e outros produtos, mas não consegue cativar outros públicos. Nem mesmo a belíssima Megan Fox consegue salvar a produção. Porém, o filme vai bem nas cenas de ação, trazendo consigo a marca de seu produtor. As filmagens em câmera lenta deixam as lutas muito mais emocionantes, tal característica é marcante da franquia Transformers de Michael Bay. Por fim pode-se concluir que em uma era de grandes produções, “As Tartarugas Ninja” não emplaca e em muito decepciona. Pode até ter conseguido uma exposição para voltar ao centro das atenções, mas é necessário haver um novo planejamento para que o segundo filme dê realmente certo. O primeiro não funcionou. 

Nota avaliativa: 4 Por: Gabriel Anadão

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A Mansão Mágica

O filme “A Mansão Mágica”, de Ben Stassen, é uma animação e conta a história de um gato chamado Trovão, que após ser abandonado na rua, acaba entrando na misteriosa mansão do mágico Leonardo, onde logo conhece Nina e Zeca, uma rata e um coelho que não gostam dele de cara por receio de seu dono Leonardo acabar gostando do pequeno gatinho. Logo após ser intimidado pela dupla para sair da mansão, Trovão se esconde no local e mais tarde conhece o senhor mágico, que o acolhe como parte da família, que é formada por bonecos, sininhos, lâmpada, telefone e outros brinquedos/objetos que possuem vida.

Na manhã seguinte do acontecido, Leonardo sofre um acidente de bicicleta por culpa da rata e do coelho, que querem Trovão fora da mansão e da família a qualquer custo. O mágico vai parar no hospital e altas confusões acontecem em sua casa e uma delas, a pior de todas, é que seu sobrinho Daniel está tentando vender a mansão. Aproveitando-se da situação, o sobrinho faz o tio assinar um contrato sem saber sobre o que se trata e também pretende o levar para uma casa de repouso para aposentados. Enquanto Daniel continua a tentar vender a mansão e obter seu lucro, os brinquedos mágicos se reúnem para tentar impedir que a venda da mesma seja efetivada, colocando seus planos em ação e, de fato, conseguindo realizar alguns e impedir as visitas iniciais de pessoas interessadas no local. Porém, ainda no hospital, Leonardo descobre a estratégia de seu sobrinho e consegue sair um dia antes de sua alta, com a ajuda de duas crianças que moram no local. O mágico chega na sua mansão e vê que Leonardo desistiu de tentar vender seu lar, mas pior, ele está tentando destruir tudo, colocando a vida dos brinquedos e dos animais em risco. No entanto, Trovão arranja um jeito de provar não só para Nina e Zeca, mas como para todos, que ele merece seu lugar na família, ajudando a recuperar a Mansão. A animação é bem estruturada, possui um roteiro simples e clichê, porém encantador, sensível e divertido, além de possuir uma ótima trilha sonora. Por conta de sua linguagem, o filme claramente é destinado à crianças, mas é o tipo de filme que agrada a todos os públicos.

Por Maria Izabela.

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Annabelle

Um casal se prepara para a chegada de sua primeira filha. No processo de adaptação no bairro, o casal se encontram em uma situação bizarra: os vizinhos são atacados por dois jovens, os mesmo jovens entram na casa do casal mas são mortos pela policia. Antes de morrer  um dos jovens agarra se à Annabelle, e assim, a boneca torna se o mal. Ao decorrer do filme a boneca é jogada ao lixo no intuito de despachá-la mas misteriosamente a boneca retorna a casa do casal. Coisas estranhas começam a acontecer, como exemplo: alucinações, possíveis ataques e etc. O casal quase perdem para o demônio mas o bem vence no final. Annabelle é uma história dentro do filme “Invocação do Mal”. Invocação do Mal tem um enredo mais partido ao principio dentro de um possível mal, um espirito do mal, demônio. Annabelle virou o “foco” ao ganhar um filme próprio, como se o mal fosse ela. Achei fraco, clichê e sem açúcar o filme. Sem comparações com Invocação do Mal, no qual é um filme com um enredo melhor, uma história mais impactante e medonha. Por: Efraim Fiorito

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Mercenários 3

 Mercenários 3 é a continuação do longa (Mercenários) dirigido e estrelado por Sylvester Stallone, o mesmo conta com grande elenco, de grande atores renomados no cenário hollywoodiano, dentre eles estão Arnold Schwarzenegger, Jason Statham, Mel Gibson entre outros que marcaram época fazendo filmes de lutas, ações, guerras.

O filme em si sempre contará com um pouco a mais de violência, ainda mais quando se trata de que o ator é também o diretor (Sylvester Stallone), e nele estão presentes também os atores  Arnold Schwarzenegger, Jason Statham, Mel Gibson. Neste filme o personagem de Stallone ganha o nome de Barney, este se envolve em uma perseguição a um antigo inimigo e amigo Conrad, este estrelado pelo ator Mel Gibson. Antes amigos e formadores do grupo MERCENÁRIOS, os dois traçam perfis diferentes a partir do momento em que Barney (Stallone) se vê obrigado a matar Conrad (Mel Gibson), pois o mesmo se envolvia na comercialização ilegal de armas, o que não imagina Barney é que após supostamente ter matado Conrad, em outra missão, percebe que o seu inimigo ainda se encontrava vivo, e disposto com espírito de vingança, e desejando o reencontrar. Assim começa uma luta onde ambos terão objetivos semelhantes, um matar o outro. Com muita ação, e comédia é um filme bacana a ser visto.

Murilo Giaretta

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Se Eu Ficar

Letícia Oliveira

Adaptação do best-seller de Gayle Forman, “Se Eu Ficar” traz a história de Mia Hall, uma adolescente musicista que entra em estado de coma após um grave acidente, em que perdeu toda sua família. Estrelado por Chlöe Grace Moretz, o filme mostra a indecisão da garota em escolher sobreviver ou não, por meio de diversos flashes do passado em que a personagem reflete sobre os prós e contras de decidir ficar no mundo físico, tendo envolvido em meio a isso seu namorado, Adam (Jamie Blackley), que sofre com o risco de não ter a amada de volta.

Dirigido por R. L. Cutler, o drama permaneceu bastante fiel à obra que o originou, sem exagerados cortes no roteiro. As adaptações da história que foram feitas somente agregaram ao longa, pois adaptam certas passagens do livro para que fiquem mais dinâmicas e adequadas ao meio cinematográfico.

Um dos pontos fortes da adaptação é a maneira como retrataram Mia transcendendo seu corpo físico, já que no livro é contado que a personagem se encontra, literalmente, fora de seu corpo. Em uma atuação excelente de Chlöe Grace Moretiz, a atriz consegue passar ao espectador sua aflição em ver tudo acontecer e ser incapaz de fazer algo, tendo em vista que suas ações fora de seu corpo não possuem qualquer efeito sobre o mundo físico.

O filme também acerta em cheio nas cenas comoventes. Como era de se esperar pelo que já havia sido foi mostrado no trailer, não é difícil sentir uma lágrima caindo dos olhos em certos momentos. Contudo, não chega a ser um filme melancólico, o que torna a experiência de assisti-lo bastante agradável e não cansativa, pois trata-se de um drama bem equilibrado, que possui toques de melancolia somente nos momentos apropriados.

Outro ponto que contribui bastante para a qualidade e condução do filme é sua trilha sonora. Alternando entre música clássica – gênero pelo qual Mia é apaixonada – e rock'n roll – gênero pelo qual sua família é apaixonada –, as músicas escolhidas sempre contribuem para o valor das cenas, enriquecendo o teor de cada momento conforme o que foi escolhido para que retratasse.

Um ponto que pode ser considerado arriscado em relação ao filme é a maneira como termina; repentinamente. A adaptação optou por ser fiel ao livro nesta parte, tendo em vista que a obra original termina da mesma forma. Contudo, a versão escrita traz, logo após a conclusão da história, uma amostra do primeiro capítulo da continuação da série de livros, intitulada “Para Onde Ela Foi”, o que não acontece no filme e faz com que os espectadores tenham a sensação não muito agradável de um corte repentino e inesperado na história. Contudo, este é apenas um detalhe que não interfere gravemente no restante do longa.

Em suma, “Se Eu Ficar” um filme recomendado a todos aqueles que procuram por uma drama equilibrado e uma história tocante, que não ocasiona, necessariamente, olhos exageradamente inchados após ser assistido. Agora, só resta torcer para que seja feita a continuação, baseada no segundo livro da séria, que ainda não foi confirmada.

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Neblina e Sombras

    Neblina e Sombras (1991) é um filme de Woody Allen. Com toda sua referência estética realizada nos “padrões” do diretor e de seus colaboradores, se passa em alguma cidadela Alemã na década de 20 e conta a história de Irmy (Mia Farrow), uma engolidora de espadas que fugiu do circo após brigar com seu marido e vai parar em um bordel onde acaba deixando um universitário apaixonado. Ao sair de lá, é levada até a delegacia por estar com todo o dinheiro que o estudante ofereceu para que dormisse com ele e conhece Kleinman (interpretado pelo próprio W.A), um cidadão atrapalhado e que está sempre no lugar errado na hora errada, e que também está junto às patrulhas da cidade procurando por um assassino que põe a vida de todos a risco. Kleinman protege Irmy pela cidade enquanto ela tenta encontrar um lugar para passar a noite.

Após desencontros e mortes, o marido de Irmy consegue encontrá-la e ambos adotam o bebê de uma mulher que havia acabado de ser morta e voltam para o circo, onde estão o mágico e Kleinman, tentando, através de truques ilusionistas, prender o assassino.

O filme em si é um pouco confuso, mas se tratando de Woody Allen, cheio de surpresas durante a trama, inclusive no desfecho.

O nome “Neblina e Sombras” é autoexplicativo, já que toda a fotografia é realizada entre neblinas e sombras, retratando ao mesmo tempo o pessimismo e a esperança presentes na narrativa, que é claramente uma homenagem ao expressionismo alemão e uma adaptação da peça “Morte” do diretor americano.

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Headhunters - Caçadores de Cabeças

Baseada na obra de mesmo nome, Headhunters (Hodejegerne) é um filme norueguês de 2011 dirigido por Morten Tyldum que traz uma história um tanto quanto inesperada.

           Roger Brown (Aksel Hennie) é um caça-talentos poderoso e com habilidades precisas do mundo corporativo, contratado por empresas para procurar no mercado executivos ideais para posições de liderança, e que leva uma vida um tanto quanto diferente.

            Na trama, Roger entrevista alguns candidatos para uma vaga em Oslo, porém, através desses questionamentos ele descobre se os hábitos, horários e, principalmente, se possui obras de arte em casa para que possa, secretamente, invadir as residências para trocar as telas originais por réplicas. Ele faz isso para pagar seu estilo de vida extravagante e pela necessidade que sente de compensar sua esposa Diana (Synnøve Macody Lund), devido ao seu complexo pela baixa estatura.

            Através da inauguração da galeria de arte, sua esposa o apresenta a Class Greve (Nikolaj Coster-Waldau), antigo combatente norueguês, ex-gerente de uma grande indústria eletrônica de rastreamento e que aparentemente mostrava-se perfeito para gerir seu novo negócio. Ele assim descobre que Class tem em mãos uma valiosa pintura que o livraria eternamente de todos os problemas financeiros. Contudo no meio do roubo ele descobre algo que colocaria sua vida do avesso: sua mulher o traía com sua vítima.

            A partir desse momento tudo começa a dar errado, ele é obrigado a se tornar um fugitivo e adentrar numa busca implacável pela verdade e consequentemente, sua inocência. Após muitos apuros e cenas fortes de ação ele descobre que, ao contrário do que pensava, acabara sendo a vítima caçada da vez. Por fim Roger, utilizando de suas técnicas detalhistas e precisas que o ajudam nos roubos, resolve dar a volta por cima dando o troco em todos que fizeram dele um fora da lei e como brinde, reconquista o amor de sua mulher.

            O objetivo deste thriller policial é desvencilhar o protagonista de todas as suas superficialidades e fazê-lo, após chegar ao fundo do poço, enxergar seu verdadeiro eu, bem como o que sua esposa almejava, um filho.  O filme, através da trama pensada, abre discussão para um problema existente na região: o complexo de inferioridade dos noruegueses diante dos suecos.

            Para quem gosta de histórias parecidas com o filme Onze homens e um Segredo e suas continuações, este longa mistura o universo do roubo inteligente com cenas de ação e um desfecho surpreende, que fizeram os hollywoodianos pensarem numa adaptação para as telinhas americanas. Vale a pena conferir. 

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Sex Tape: Perdido na Nuvem

Sex Tape: Perdido na Nuvem, uma comédia dirigida por Jake Kasdan, retrata a história de um casal que está fazendo dez anos de aniversário de casamento e se deparam com uma rotina monótona resolvendo assim fazer uma fita de sexo de uma maratona de 3 horas onde eles tentam fazer todas as posições do livro “A Alegria do Sexo”, porém, toda essa tentativa de apimentar a relação resulta em uma frustração muito grande quando Jay (Jason Segel) descobre que o vídeo foi salvo na nuvem e automaticamente enviado para todos os iPads que doou aos amigos.

O casal, Jay e Annie (Cameron Diaz), quando jovens, tinham um romance forte e intenso, mas com o passar do tempo, dois filhos e o emprego exaustivo, a relação esfriou. Na data comemorativa, Annie resolve fazer uma surpresa para Jay, deixando o casal a sós na casa e colocando um figurino provocante. Eles tentam de várias maneiras esquentar o clima mas acabam perdendo o ritmo até que decidem gravar o vídeo. Após muitas posições mirabolantes, câimbras e chutes, Jay salve na nuvem de seu iPad, (ele compra muitos, e conforme o tempo passa e ficam “velhos”, doa para amigos, conhecidos e até mesmo um carteiro) consequentemente também,  em todos os outros dispositivos que foram doados. Na tarde seguinte, quando Annie descobre, o casal entra em desespero e vai à procura dos aparelhos.

Na madrugada, fizeram uma lista de amigos para quem doaram, sendo, um casal de amigos e o filho deles, o carteiro, a mãe e o patrão de Annie e o filho mais velho. Durante a busca, o casal de amigos não tinham assistido o vídeo ainda e foram ajudar a encontrar o restante. O que estava com o patrão de Annie, foi mais difícil de resgatar. Quando entram na casa, ela fica drogada de cocaína com ele e Jay é mordido pelo cão de guarda, mas no final conseguem o iPad. Por sorte, a mãe de Annie também não tinha assistido e nem o filho mais velho, porém o filho do casal de amigos, sim, e começa a chantagear Jay, querendo em troca uma quantia boa de dinheiro ou postava em um site pornográfico. Jay acaba se irritando com a criança, não dá o dinheiro e liga para os pais, mas eles não acreditam.

 O menino então envia para o site e é publicado o vídeo. O casal desesperado, invade a empresa com o carro e as crianças no colo com o objetivo de excluir o vídeo mas são surpreendidos pelo dono. Por sorte, a esposa do mesmo, gosta do blog de Annie e tudo acaba bem. No final, o menino pede perdão e devolve o pen drive com o vídeo, pois não queria perder a amizade do filho do casal e Annie fica agradecida pelo belo esposo que tem, que mesmo com as dificuldades, fez de tudo para que a reputação de sua esposa ficasse limpa.

O filme retrata uma rotina realista de vários casais contemporâneos que tentam sair desse comodismo diário e mostra que quando um casal se une para fazer algo, no final tudo pode dar certo. Uma comédia romântica que trata essa realidade de uma forma engraçada e até mesmo motivadora.

 Por: Nicole Palini

#CINEMA #RESENHA #IPAD #COMEDIAROMANTICA #SEXTAPE

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Django Livre

          Django Livre é um filme estilo faroeste dirigido por Quentin Tarantino e que coloca em pauta a questão racial. Como de costume do diretor Quentin Tarantino, o filme é recheado de cenas sangrentas com tiroteios frenéticos e cenas de violência ás vezes até exagerado, o filme conta com diálogos hilários e com muito sarcasmo, que acaba servindo para quebrar o ritmo frenético do filme, alterando entre cenas mais intensas e outras mais tranquilas.           O enredo do filme se passa no velho oeste americano e conta a história de Django, um ex-escravo, agora liberto que sonha em se reencontrar com sua esposa Broomhilda von Schaft, que acabou se separando dele quando ela foi levada por outros senhores. Django acaba encontrando-se com o caçador de recompensas Dr. King Schultz, um homem calmo e exímio atirador que vaga por todo os EUA atrás de criminosos. Os dois então desenvolvem uma grande amizade e Django passa a acompanha-lo em suas "caçadas", Schultz por sua vez acaba prometendo ajudar Django a reencontrar a sua amada, o que acaba os levando até o poderoso fazendeiro Calvin Candie na companhia de seu velho e fiel escravo Stephen, um homem intrigante e aparentemente muito inteligente. Dai em diante a história vai tomando seus rumos e prendendo cada vez mais a atenção dos telespectadores.           Enfim, apesar de serem quase três horas de filme, Django Livre ou Django Unchained no original, proporciona a quem o assiste uma história envolvente com muita ação, sangue e sarcasmo. A trilha sonora é um show a parte e consegue encaixar-se perfeitamente nas cenas, a atuação dos atores é simplesmente sensacional, o que faz jus á um enredo com nomes como Jamie Foxx, Samuel L. Jackson, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington e Christopher Waltz (que recebeu vários prêmios por sua atuação), Django Livre ainda foi indicado á cinco prêmios ao Óscar, incluindo o de melhor filme, o que o credencia como um filme obrigatório para quem gosta dos trabalhos de Tarantino ou para quem quer assistir um ótimo filme.

por Bruno Crivellari Ramos

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Na Quebrada

          Na Quebrada é um filme brasileiro dirigido por Fernando Grostein Andrade e distribuído pela Paris Filmes.           O filme baseado em histórias reais conta a história de cinco jovens que vivendo na dura realidade das periferias de São Paulo acabam conhecendo o Instituto Criar, uma ONG que tem como objetivo levar um futuro melhor para os jovens da periferia através de oficinas de cinema. A partir dai, os cinco jovens que são eles, Gerson, que luta consigo mesmo para não seguir os passos do pai, um detento que já foi um criminoso muito respeitado. Zeca, melhor amigo de Gerson e que vê no cinema uma oportunidade de vencer na vida e dar um futuro melhor para seus pais. Monica, que aprendeu a conviver com a dura realidade dos deficientes visuais. Junior, um jovem fascinado por eletrônica e Joana, uma jovem que não conheceu sua mãe e teve que viver em orfanatos pois seu pai além de alcoólatra o ameaçava constantemente. Esses jovens terão que escolher se vão agarrar a oportunidade de ser alguém na vida através dos estudos ou se vão se corromper e se entregar à criminalidade.           O filme ainda conta com uns fatos interessantes, o Instituto Criar realmente existe e foi criado pelo apresentador Luciano Hulk, que além de irmão do diretor Fernando, também ajudou na criação do filme. Outro fato é que os jovens Gerson e Monica são interpretados por Jorge Dias e Domênica Dias, filhos do rapper e líder do grupo Racionais Mc's, Mano Brown. O que faz com que o filme ganha mais repercussão, principalmente nas periferias, onde o respeito e admiração por Mano Brown é ainda maior.           Na Quebrada é um filme na qual vale a pena assistir, possui uma história interessante baseada em relatos verídicos de alunos e ex alunos do Instituto Criar, não se trata de uma super produção cinematográfica, mas consegue cumprir o que propõe, e talvez por exatamente não se tratar de uma super produção, ele consegue fugir daquelas histórias artificias criadas pela industria do entretenimento e consegue gerar reflexão aos que assistem, não só mostra a dura realidade das quebradas, mas também mostra que a educação e força de vontade consegue ser um caminho iluminado em meio a escuridão.

por Bruno Crivellari Ramos

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Resenha Crítica: Livrai-nos do Mal (Deliver Us from Evil)

O Filme Livrai-nos do mal é uma mistura de “filme de investigação” com “filme de possessão”. Se passa nas grandes cidades, mais especificamente nos bairros pobres americanos, onde os demônios atacam homens falidos vivendo uma vida quase miserável. A história tenta juntar filme policial com filme de terror, onde relaciona a figura do demônio à figura de delinquente social.

Na trama, um policial se chamado Sarchie (Eric Bana) começa a investigar vários casos de pessoas com comportamentos anormais, como mulheres que jogam seus bebês para leões em um zoológico, e ex-soldados americanos que passam a agir como animais. A premissa é original e bem-vinda, porque ao invés de explorar a ideia de pureza de jovens garotas, explora a declínio das figuras heroicas.

Casado e com uma filha pequena, Sarchie acredita ter um “radar” para casos perigosos que geralmente lhe submetem a pontos e cicatrizes. É em uma ronda, quando Sarchie recebe um chamado aparentemente simples de violência em um bairro pobre, que vai se defrontar com o início de um mistério que o envolve diretamente. 

Símbolos satânicos misturam-se a frases em latim, mas na hora do exorcismo, os demônios também se comunicam em espanhol.

A história é baseada em relatos reais, é intrigante e vai nos dando pistas enquanto Sarchie vai revelando pouco a pouco o mistério e se aproximando de um padre que foge dos padrões em filmes desse gênero, fazendo um tipo de padre galã, que bebe, fuma e faz sexo de vez em quando, seu nome é Mendoza e quem o interpreta é Édgar Ramirez, que parece ter o esclarecimento para muitos dos fenômenos que o policial presencia durante todo o filme. Com algumas cenas mais assustadoras que a média, o filme não consegue fugir de vários clichês dos dois gêneros, é claro, mas não é um filme ruim.

Livrai-nos do Mal contradiz os dois homens principais, que lutam de formas diferentes contra essas forças do mal. De um lado, o policial descrente, contrário à ideia de forças sobrenaturais, e de outro, o padre que podemos chama-lo de pós-moderno, que trata pessoas possuídas como se fossem viciadas em drogas que necessitam de reabilitação. No começo, os heróis são soldados e policiais, mas ao curso final, a verdadeira figura de autoridade é o padre, espécie de associação ideal entre fé e razão.

Nome da aluna: Fernanda Novais 

2º Período de Publicidade e Propaganda.

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Resenha crítica: Lucy

Diversos filmes do diretor francês Luc Besson são sobre mulheres. Na maioria das vezes elas são belas, há uma sensibilidade moderna e pop a respeito delas, mesmo quando uma delas é a Joana D’Arc, e são todas um pouco doidas, ou pelo menos obcecadas.

Na primeira cena de “Lucy” é mostrada uma simples célula se repartindo, e em um corte vemos Lucy – o australopiteco– aprendendo a tomar água em um rio. Quando passamos para os dias de hoje, vemos a história de outra Lucy (Scarlett Johansson), uma moça jovem que cai em um plano de tráfico de drogas, e depois um acidente com a droga CPH4 passa a utilizar mais do seu cérebro que os 10% usados por humanos normais.

Na primeira meia hora do filme, as cenas mostrando o dilema de Lucy se entremeiam com a palestra do professor Norman (Morgan Freeman). O professor diz sobre a evolução da humanidade e aquele antigo senso comum de que as pessoas utilizam apenas 10% da sua habilidade cerebral – um mito sem base científica.

No começo do filme, Luc Besson usa de letreiros que tomam toda a tela para avisar o nome dos atores e após Lucy engolir a droga, os letreiros são empregados para informar qual é a porcentagem de seu cérebro que a protagonista está controlando.

O filme possui alguns buracos, mas que não a afetam a lógica do filme. Mesmo um cérebro em sua capacidade máxima precisaria de treino e conhecimento para certas coisas que Lucy passa a fazer. Mesmo com algumas pequenas falhas, a comovedora cena de Lucy com sua mãe ao telefone ou então as alterações que ela faz no próprio corpo são muito bem produzidas e fazem sentido. Acrescentando cada vez mais capacidade ao cérebro, uma pessoa teria conhecimento de todas as células de seu corpo, logo controlaria seu metabolismo e até mudaria sua aparência.

A trama é uma ficção científica disfarçada de um filme de ação que se passa nos dias atuais. Com ângulos de câmera bem fechados em Scarlett Johansson durante as cenas mais tensas a fotografia do filme é bem eficiente. O roteiro é rápido, não deixa que a história perca o ritmo. Lucy tem uma história com uma potencialidade para ser explorada em mais de um filme.

O final do terceiro ato deixará muitas ambiguidades e é um daqueles filmes que merece uma discussão ao sair do cinema. Mesmo com alguns diálogos impostos que auxiliam na interpretação, a sequência final de imagens sem falas e algumas brincadeiras visuais não é tão óbvia para o público médio de cinema, e chega a lembrar Árvore da Vida de Terrence Malick, pela sua filosofia. A discussão que Luc Besson coloca é muito interessante e não parece que a humanidade está pronta para encarar absolutamente tudo que acontece ao seu redor.

Para concluir, Lucy funda-se em uma engano neurocientífico que transformou-se em um mito no qual se baseia a era atual da filosofia pós-humanista: o mito da subutilização do cérebro. Apesar disso tudo, o filme não deixa a desejar, é um ponto admirável da carreira de Besson, conservando a qualidade de seus filmes de ação e revelando que o diretor e roteirista consegue se manter bem com um filme arriscado que explora temas mais complexo em épocas de grandes franquias.

Nome da aluna: Fernanda Novais 

2º Período de Publicidade e Propaganda.