Cynthia Arvide

Escribo de arte y cultura

[cynthiaarvide]

En octubre 2017 se publicó mi libro Muros Somos, un volumen que habla sobre 20 de los más talentosos artistas urbanos de México, de sus historias de vida y su obra. Fue un trabajo de varios años que se logró finalmente gracias a una exitosa campaña de fondeo en Kickstarter. 

Sigue las redes FB/murossomos e Instagram: @murossomos. 

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Entrevista Said Dokins, embajador de caligraffiti

Said Dokins creció en la Ciudad de México pero desde hace un tiempo viaja por todo el mundo haciendo intervenciones de caligraffiti (caligrafía y graffiti) de alto impacto. Con cada proyecto, Said busca dejar una reflexión sobre el momento que vivimos. Me contó a detalle sobre su trayectoria y su proceso creativo, en una entrevista a propósito de su cuenta de Instagram para este post.

¿Qué vino primero en tu caso: la caligrafía o la pintura callejera? ¿A qué edad, y cómo iniciaste en ambos?

Yo creo que en mi caso hubo una correspondencia directa entre el grafiti, la caligrafía y el espacio público, es decir, el grafiti tiene en su hacer mismo, el gesto caligráfico, a su vez la caligrafía, así como el grafiti son un acto en sí mismo, un acto performático, la diferencia está en que el grafiti se hace en lugares que no están destinados para ello y en la tradición caligráfica hay un a preparación previa y cuidadosa. Así que si lo vemos de este modo lo primero que me motivó a hacer lo que hago fue la ciudad, crecí dentro de una megalópolis, en la Ciudad de México, con casi 9 millones de habitantes, soy parte de una generación marcada por la efervescencia de la globalización, la celebración una supuesta libertad comunicativa con la llegada del internet,  MTV, las caricaturas japonesas, el consumismo dirigido hacia los jóvenes… También por una supuesta libertad en el uso del espacio público, pero también de un fuerte control social.

Comencé haciendo grafiti a finales de los años noventa, justo como un modo de expresión libre, fuera de las instituciones y creo que intervenir el espacio público es justo una manera de participar en la contienda, desde una trinchera poderosa: la calle, es donde todos están participando de una u otra forma, lo que haces en la calle es para todos y es de todos, se convierte de dominio público, te ve la comunidad que pasa por ahí diariamente, te juzgan y posiblemente participen también, borrándote o colocando luminarias para ver mejor tu obra, pintando o alternando a tu lado, platicando sobre lo que haces, es decir, toda obra realizada en espacio público se enfrenta a eso a lo público.

¿Cuales son tus estilos e influencias? ¿Hubo alguien que te haya motivado hacia este camino?

Hay una larga historia en medio de la inspiración de mi trabajo, pero sin duda mi circulo familiar ha sido una influencia importante, sobre todo mi hermano y mi padre. Pero creo que lo que más me motivó a hacer lo que hago es justo redefinir todo el tiempo la práctica con la que empecé, el grafiti.

Para mí, el grafiti también es escritura y escribir es una acción pero también es un camino y con el tiempo, la escritura va cambiando, va evolucionando y se va definiendo según nuestras necesidades. En el mundo del grafiti, estos cambios se traducen en estilo.

En mi camino como escritor de grafiti me encontré con la caligrafía. Me parece que ese encuentro ha sido muy importante, porque de alguna manera a través de la caligrafía nos definimos, comunicamos cómo nos vemos pero también cómo queremos que nos vean. A través de la caligrafía podemos proyectar fuerza, rapidez, seguridad, elegancia, suavidad, pero también nervios, traumas, deseos.  Con la caligrafía podemos develar las partes más profundas de nuestro ser y también ocultarlas.

El estilo que yo desarrollo parte de la influencia del grafiti de Nueva York, del grafiti Cholo y me he interesado mucho por la caligrafía medieval, por su potencia, por su fuerte nivel de pregnancia, es un estilo que impone. Los méxico-americanos utilizaron la caligrafía medieval, el estilo Old English, como símbolo de prestigio porque se asocia con lo oficial, con los documentos importantes y tiene una connotación de verdad. En México gran parte de la generación que comenzó a hacer grafiti en los años noventa teníamos una influencia muy grande del grafiti cholo.

En este sentido creo que una de las influencias más importantes de mi trabajo es la de Chaz Bojórquez, uno de los grandes maestros del Cholo Graffiti Writing, cuando él fue a México por el año 2007 tomé un pequeño taller con él y hemos estado en contacto desde ese tiempo, lo considero un gran amigo y mentor.

Por otro lado he tomado cursos de caligrafía tradicional con maestros mexicanos como Antonio Anzures y Gabriel Martínez Meave y extranjeros como Denis Brown.

Me interesa la caligrafía japonesa por la importancia ritual que tiene el acto de escribir en sí mismo, la energía que refleja, por su expresividad plástica. Al estudiar la caligrafía japonesa encuentras la importancia espiritual que posee el escribir. He estudiado caligrafía japonesa en la escuela Shu Ken en México con el maestro Masahiko Hiyama (仁彦檜山) y Nobuko Taniguchi (信子谷口).

Estoy trabajando actualmente en desarrollar un estilo personal, me interesó voltear la mirada hacia atrás y conocer un poco de la genealogía de nuestro alfabeto, de nuestros signos y empecé a trabajar con la escritura pre-fonética, con las relaciones entre jeroglíficos antiguos egipcios, la escritura fenicia, semítica griega, definí mi estilo como ‘Alfabeto primitivo’, en donde tomo referencias de jeroglíficos antiguos y los intento trasladar a una especie de caligrafía contemporánea que combina estas nociones de la caligrafía medieval, de la pictografía oriental, pero también las relaciones que he encontrado con el simbolismo de nuestra cultura prehispánica.

Cuéntame más sobre tu proceso y ¿qué aspectos de realizar caligrafía en espacios públicos son los que más disfrutas?

Generalmente trabajo con ideas, conceptos, me tardo mucho a veces en comenzar, porque trato de imaginar todo, el proceso, cómo comenzar, qué hacer primero y qué hacer después, el resultado que tendría si hago esto o lo otro, es una especie de diálogo interior kafkiano todo el tiempo, o cómo escribir una receta para una poción que no sabes en qué terminará exactamente. Trato también de dejar una parte a la deriva, es decir, que dependa más de la experiencia en el momento que del boceto de cualquier preparación previa.

Trabajar en espacio público te permite diferentes niveles de operar, desde un texto instituyente que se impone en la vía pública, donde el diálogo es anónimo, como el caso del grafiti, hasta una construcción de trabajo a partir de la comunidad de la localidad. Mi obra transita en entre estos diferentes niveles y creo que depende mucho de la intención, del contexto, de las personas que conozco en la localidad, del tiempo en el que puedo estar y desarrollar el proyecto; es decir, a veces es necesario imponer un mensaje directo, crítico ante alguna situación específica que puede ser local o global, otras veces la relación con la localidad puede permitir otro tipo de intervenciones, más participativas, a veces la obra es resultado de un diálogo con la comunidad.

En ese sentido creo que el arte en espacio público genera comunidad. Un día dos desconocidos que viven en el mismo barrio y nunca se habían dirigido la palabra, se encuentran frente a un mural y comienzan a discutir, tal vez a uno le guste y a otro no, pero en ese momento están generando comunidad, a través de la convivencia, de la discusión. Eso pasa cuando uno está pintando en la calle, se acercan desconocidos, preguntan, platican entre ellos, a veces te ayudan, te ofrecen lo que tienen. Para mí es una experiencia increíble.

¿Te interesa que tus obras tengan un mensaje social o de crítica?  ¿Qué tipo de literatura o documentos son el material más frecuente de donde te inspiras para las piezas?

Pienso que el grafiti, el arte en espacio público o el street art son prácticas que tienen una dimensión política intrínseca al apropiarse y resignificar el espacio público. En ese sentido mi obra creo que juega en esa dimensión. He trabajado en numerosas ocasiones en asuntos de justicia social, generalmente el trabajo que realizo en este tema tiene mucho que ver con la inscripción y con la memoria de diversas luchas sociales.

La preocupación central de mi trabajo tiene que ver con la nociones de ‘Texto e inscripción’ como modos de interpretación de la existencia en un sentido amplio y como resultado de discursos culturales diversos. Creo que todo lo que acontece en nuestra vida desde lo personal, político y social son parte de un texto en diversos niveles; es decir, cada una de las experiencias que tenemos marcan en nosotros una huella, cada acontecimiento que nos sucede es una impronta en nuestro universo simbólico, y es a través de cada una de esas experiencias, de esas huellas que vamos acumulando a lo largo de la vida, que se genera una especie de textura, texto al que podemos dar lectura a través del recuerdo o activarlo mediante la memoria.

Trabajo con citas, ideas de pensadores que me parecen importantes. Uno de mis favoritos es Walter Benjamin, por su peculiar modo de interpretación de la ciudad, de lo público, y de la historia. Yo sé que mi trabajo a veces es críptico y muchas veces no se entiende, pero creo que  se genera una impresión visual que a veces no es necesario comprender el texto para establecer una conexión.

El trabajo que realizas de pintura con luz (light painting) es sorprendente, cuéntame sobre lo que te llevó a experimentar con esta técnica, qué retos implica, y en qué tipo de proyectos lo has empleado.

Trabajo con diferentes soportes, me interesa mucho la instalación, el video, la fotografía.

Parece ser que en mi trabajo predomina la intervención mural; sin embargo, cada intervención lleva consigo diversos procesos que se traducen en notas, bitácoras, textos, objetos, a veces en entrevistas, videos que no son visibles al público, a veces son mostrados aisladamente en espacios museográficos para mostrar el proceso de mi trabajo.

Actualmente me interesa mucho la idea de la escritura como acto, el grafiti como huella, pero también como experiencia misma que crea sentido en el momento de la acción, me pregunto cómo registrar esa experiencia, ese acto efímero del grafiti. Encontré en la fotografía de larga exposición una forma de registro lumínico que nos puede dar ese registro, he trabajado con animación también y actualmente trabajo con un amigo fotógrafo, Leonardo Luna, en este proyecto llamado “Heliografías de la memoria”, que por una parte intenta definir lo que para mí es el acto puro del grafiti, y al mismo tiempo, permite la apropiación del espacio desde otra óptica. Capturamos lo invisible, actuar en el aire, sobre todo, en lugares importantes: sitios históricos, plazas públicas, monumentos o baluartes, en donde la plaza se convierte en espacio de resignificación. Mediante estas caligrafías de luz he logrado separar simbólicamente el grafiti del muro y dejarlo retenido en el espacio.

Esta experiencia ha ido más allá al trabajar con tecnologías de Realidad Virtual, como la residencia artística que tuve la oportunidad de hacer en el Instituto Cultural de Google en Francia, para hacer un test de Tilt Brush aplicación en la que básicamente puedes pintar en el aire, es la primera vez se ha visto una caligrafía tridimensional y transitable en un entorno VR.

¿Hay algún proyecto en especial que te haya marcado? ¿O alguna pieza de la que te sientas particularmente satisfecho?

“Apariciones” se conforma de 580 placas de acrílico con la inscripción de los desaparecidos políticos en México de 1972 a mediados de los años 80,  según registro del Comité Eureka e H.I.J.O.S, en caligrafía con tinta de seguridad (con luz normal se ve transparente pero se activa con luz negra), tiene un dimmer automático que enciende y apaga y un audio sonorizado por Victor Zaragoza y el ensamble tropo donde aparece una entrevista con un guerrillero que logró sobrevivir a la desaparición.

Esta pieza intenta ser un memorial, un objeto que active la memoria de los luchadores sociales, un homenaje. Pero también busca crear una reflexión sobre la visibilidad y ocultamiento como operaciones que establecen conexión con la memoria, es decir, por un lado, el Estado intenta desaparecer, física y simbólicamente, cualquier tipo de acción o imaginario que exceda la norma establecida y por otro lado, desde la insurgencia aparece esta constante recuperación de la memoria para mantener el sentido del movimiento, su agenda política y exigir justicia de todos los desaparecidos y asesinados.

Con esta pieza gané el premio a la creación contemporánea en Cadiz el año pasado. https://vimeo.com/112885989

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Entrevista con Gabriela Muñoz “Chula, the clown”

Esta payasa es uno de los personajes más fascinantes de Instagram (@Chulatheclown). Esto es lo que me contó cuando escribí sobre ella aquí.  

Cuéntame de cómo descubriste que lo tuyo era ser clown y ¿qué es un clown para ti?

Pues en realidad yo pensaba ser actriz de drama, pero descubrí el teatro físico, el trabajo con máscaras y finalmente eso me llevó a hacer clown en la escuela. Gente viajaba de todo el mundo para estudiar en esa escuela clown, yo no tenía nada de expectativa; es más, ¡me imaginaba como trapecista! Sin embargo, el último año de escuela nos hacían escoger una disciplina para especializarnos, y cuando yo dije trapecio, mis maestros rieron y me dijeron que fuera mejor con los payasos, esto inmediatamente me hizo todo el sentido y no he dejado de hacerlo y de explorar desde aquel día.

Yo pienso que el clown es más allá que una arquetipo, una técnica o un estado de apertura y presencia, aunque sí, ¡todo esto también! Pero, para mí, la profundidad de lo que toca y conecta tiene que ver con la sensibilidad de un poeta, la visión de un filósofo. Es una mezcla perfecta para hablar de lo que nos incomoda de una manera que genere un reflejo meramente humano, el valiente es quien lo muestra pero la recepción es de todas las personas a las que toca. Por ahí me decían que hay que aventarse al abismo sin alas con la esperanza de construirlas en el camino y es así como a mi me gusta experimentar con el arte.

¿Es tu pasión contar historias?

¡Sí! Siempre he tenido curiosidad por entender mejor de donde venimos, cómo empezamos y a dónde vamos o queremos ir... La noción del que cuenta cuentos siempre me ha inspirado y me ha hecho ver las posibilidades infinitas de reinventarme como persona y como artista.

Historias tenemos todos y las que yo cuento son las mías...

En tus shows no hablas y con una expresión de rostro expresas muchas cosas sin decir ni una palabra; con lo que haces ¿buscas resaltar las emociones del ser humano?

Todo lo que hago tiene que ver con evocar emociones y recordarnos que se vale sentir. Mi exploración va más allá de la interpretación que yo pueda tener de mis experiencias y emociones, por eso lo hago en silencio, para que sea más verdadero, la historia de todos, algo más universal.

Parece que en todo lo que haces, desde una puesta en escena hasta las fotos que subes a Instagram, hay una estética y un feeling, ¿buscas que todos los elementos visuales transmitan algo, desde el vestuario, el escenario hasta una mirada?

Bueno yo creo que para mis shows sí que hay una idea pensada y normalmente tiene que ver con contraponer o contradecir los elementos visuales, siempre con la intención de sublimar la fealdad, por así decirlo. Para las fotos, la verdad es que siempre es un juego y me gusta ver que no necesito de nada para contar una historia, a veces llevo un sólo elemento que se convierte en muchas cosas.

Tu galería de Instagram nos lleva por un viaje, no solo el viaje literal al darnos un vistazo a los lugares del mundo donde llevas tu espectáculo, sino que cada imagen es como un pequeño cuento (y producción) en sí, que te puede transportar a distintos mundos. Cuéntame de esto, ¿qué te impulsa a crear estas imágenes, con quién las realizas, qué quieres transmitir y qué posibilidades te brinda el compartirlas?

Yo soy alguien muy visual. Así empecé a crear mi primer espectáculo, primero me imaginé la situación, después la retraté y finalmente la puse en movimiento. Muchas de las fotos que tomo son ideas que a veces desarrollo con mayor profundidad y a veces sólo son imágenes. Ahí muestro mi proceso creativo. No es únicamente tener una galería linda sino que en realidad es el viaje que yo llevo dentro para crear.

Cuéntame de dónde estás ahora y lo que haces. ¿Estás de tour internacional llevando uno de tus espectáculos? ¿Hasta cuándo estarás viajando?

Estoy en la India. Llevo ya cuatro meses fuera de México en un gira hermosa. Empecé en una residencia artística en Finlandia, en donde cree mi próximo espectáculo, luego a Nueva Zelanda, Francia, Londres y después de India regreso a Finlandia un mes más. Mi base sigue estando en México.

Platícame de tu participación en el proyecto de Clowns without borders y otros que hayas hecho con una misión altruista.

En 2010 empecé un proyecto llamado Clown Me In con mi amiga Sabine Choucair de Líbano. Estuvimos dos meses en México dando talleres en comunidades y después yo me fui 4 meses a Medio Oriente a trabajar con refugiados palestinos en Líbano, Siria y Jordania. Después de algunos años contactamos con Payasos sin fronteras EUA y ahora soy voluntaria activa en misiones. Lo hago una vez al año y es el momento más hermoso para mí, lleno de vida, de conflicto, de emociones y de agradecer el contacto humano de esta manera.

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Descubriendo talentos de Instagram: Entrevista con Gabrielle Vázquez

Comparto la entrevista con Gabrielle Vázquez, una talentosa fotógrafa y diseñadora mexicana que se distingue en Instagram por tener una voz propia por lo que su cuenta (@gabrielle.vazquez) se recomienda en el canal @InstagramES. Sus imágenes, en tonalidades frías, nos atrapan por su melancolía y misterio. Conócela:

¿Cómo entraste al mundo de la fotografía?

Desde que era muy pequeña siempre había visto a mi abuelito con su cámara. Él se encargaba de documentar esos momentos importantes en la familia. Claro que en mi casa también había una cámara, pero eran de esas "modernas" de plástico, la de mi abuelito era diferente, él tenía una Kodak Retinette IA y la cuidaba muchísimo, siempre me pareció muy bonita y elegante. Cuando murió, decidí quedarme con ella y la uso constantemente para varias de mis imágenes. Podría decir que verlo con ella influenció en mí de una manera que no me di cuenta hasta mucho después.

Decidí meterme a estudiar Diseño Gráfico y en el plan de estudios venía la asignatura de fotografía, lo cual me entusiasmaba porque por fin iba a tener mi cámara con lente intercambiable y toda la cosa. Y así fue que en el 2010 tuve mi cámara y con ella empecé a adentrarme más y más en la fotografía. Comencé a meterme a concursos, a ir a exposiciones, a conferencias, a cursos, hice mi servicio con un fotógrafo que me enseñó técnicas de manipulación digital y a darle mejor tratamiento a mis imágenes y ahí también aprendí de la historia de la fotografía. Cuando salí de la universidad trabajé un tiempo como retocadora fotográfica y cuando estuve desempleada tenía mucho tiempo libre y comencé a experimentar conmigo haciéndome autorretratos con el tipo de fotografía que más me gusta, que es la fotografía construida. Comencé a subir mi trabajo a las redes sociales y a conocer gente que le apasionaba lo mismo que a mí. Ellos me inspiran y es agradable saber que a la gente le gusta tu trabajo. Ha sido una experiencia enriquecedora en muchos sentidos.

Cuando alguien mira tu cuenta, es como si entraras a un cuento o una película. Tus fotografías nos envuelven en un ambiente misterioso, quizá melancólico, en tonos nocturnos, cuéntanos, ¿de dónde viene la inspiración para crear estas fotografías y por qué te atraen ese tipo de atmósferas?

Creo que todo viene desde pequeña, porque aproximadamente desde los 4 años comencé a ver películas de terror, y en ese tipo de películas las atmósferas siempre son frías y oscuras. Admito que odio el clima caluroso, me pone de malas, por eso prefiero los días nublados y lluviosos, esas tonalidades y ambiente me hacen sentir tranquila y cómoda. Me agrada esa atmósfera melancólica, encuentro en ella algo bello y en cierto modo poético.

También tengo que mencionar que tuve mi temporada de Tim Burton y continuamente me llenaba visualmente con su trabajo. Creo que de ahí se podrían encontrar los orígenes del por qué esas tonalidades y atmósferas frías y oscuras.

En cuanto a la inspiración, esa viene de todos lados: de películas, de la música, de pláticas, de libros, de ilustradores, de fotógrafos, etc. Me llama mucho el drama y la melancolía, las películas  e historias de asesinos en serie y las tramas que se desarrollan en bosques y en lugares fríos. Puedo estar escuchando una canción triste y comenzar a imaginar una historia o puedo leer una frase en una película e imaginarme un retrato.

¿Por qué casi todo en tonos, morados, azules, con una luz muy sutil?

Siempre busco crear atmósferas tétricas, melancólicas y frías. Como mencioné anteriormente, esos colores me dan tranquilidad, transmiten esas emociones y sentimientos que quiero mostrar en mis fotografías, ya sea: miedo, dolor, tristeza o calma. Me gusta que mis imágenes sean oscuras y transmitan cierto misterio.

¿Te interesa el tema de la muerte?

Sí, es algo que me llama mucho la atención, creo que es porque es un tema desconocido y en cierto modo prohibido. Me gustan las diferentes formas de representarla a través del arte, así como también me considero fan de el Día de muertos y Halloween. La muerte por más que la pensemos como algo natural, en realidad nunca estamos preparados para ella.

En algunas imágenes se superpone el personaje con escenas de naturaleza (doble exposición), ¿te interesa mostrar la naturaleza (o relación con ella) de una forma diferente?

Siempre me ha gustado incluir a la naturaleza en mis imágenes. Cuando creo estas dobles exposiciones, quiero transmitir la fragilidad del ser humano cuando se mezcla con la naturaleza de una forma que para mí resulta como un pequeño poema. Juntas generan cierta delicadeza y fuerza a la vez. Es como ver la realidad bajo dos puntos de vista y mostrar la insoportable levedad del ser.

En varias fotos hay toda una producción; es decir, hay una cierta escenografía, maquillaje, edición... se nota una cierta teatralidad, cuéntame más de ese proceso y ¿qué tipo de efectos o resultados buscas?

Para crear una serie fotográfica, empiezo escribiendo la idea, haciendo bocetos y pruebas con la cámara. En ciertas ocaciones necesito ayuda y la recibo de mi familia, mis amigos y mi novio; ya sea buscando vestuario, maquillando, prestándome sus casas, posando para las fotos, acompañándome, etc.

También hago mucho uso de la edición fotográfica para poder lograr ciertas tonalidades y resaltar ciertos aspectos de la imagen, como puede ser: los ojos, las heridas, las texturas, ciertos colores, la oscuridad, etc.

Dependiendo de la idea, casi siempre busco crear imágenes que tengan cierto aire cinematográfico. Me gusta producir atmósferas misteriosas y melancólicas. Con mis fotografías quiero que el espectador sienta que cualquier dolor y sensación le es conocida sin necesidad de haberla vivido, ya que pueden comprenderla, porque creo que nada humano debe parecernos ajeno.

Platícame de qué trata tu serie #FenecimientoDecesosMentalmentePlaneados

Fue un proyecto que realicé en mi diplomado de fotografía donde teníamos que generar una serie fotográfica con el tema que deseáramos. Fue un proceso largo y estresante, lo único que sabía era que quería mostrar el dolor humano a través de mis imágenes. Al principio tenía muchas ideas diferentes hasta que en una plática surgió que siempre había imaginado que iba a morir joven en un accidente automovilístico y comencé a darme cuenta que esta fantasía de muerte era muy recurrente con varios de mis amigos, lo que me llevó a querer representar esto a través de fotografías.

Comencé entrevistando a mis amigos más cercanos para saber si habían tenido ideas acerca de cómo iban a morir y me sorprendió que ninguna de sus formas de fallecer se repetían y además no eran muertes tan comunes. Otro aspecto que noté fue que la mayoría se imaginaba su deceso en la etapa de sus veinte, y decidí seleccionar solo a los que fantaseaban con morir jóvenes y presentar las fotografías con un formato cinematográfico (formato widescreen y subtítulos), ya que al final las fantasías son como películas que nos creamos en la cabeza.

Es una serie que cuenta con nueve retratos y nueve fotografías de los escenarios, donde cada personaje cree morir, en una atmósfera de simbolismo, crudeza, realidad y subjetivismo con desenlaces distintos. El objetivo no es mostrar fotografías de muertos que caigan en el amarillismo, sino tener un impacto en las personas para concientizar y despertar el tema en ellos que se ha vuelto un tabú, ya que a lo largo de la vida tratamos de reprimir fantasías de lo moralmente incorrecto.

Has publicado algunos autorretratos, ¿qué aspectos buscas contar de ti misma a través de estos?

Mis autorretratos son diferentes chicas ubicadas en diferentes épocas y con una vida muy distinta, algunas están solas, otras viven en relaciones llenas de violencia, otras son depresivas, otras están atrapadas en la oscuridad, unas tienen cuello de jirafa para evitar la esclavitud, etc. Me gusta crear personajes alternos a mí para mostrar cosas que en cierto modo me asustan y asustan a los demás, que lamentablemente muchas de esas historias son realidades para algunas personas. Creo que ninguno cuenta aspectos de mi vida, porque son experiencias que no he vivido. Lo que podría decir de algunos es que muestran que soy una persona sensible y tranquila y eso ciertamente lo soy.

¿Qué otras historias y temas quisieras explorar y compartir a través de tu cuenta?

Desde hace tiempo he pensado en crear series fotográficas más largas a partir de varias de mis películas, series, discos y cuentos favoritos. Fotografías que hablen del tema de la muerte. Ir a lugares abandonados y extraños y seguir retratando a personas nuevas creando personajes alternos a ellos. Quiero seguir explorando el tema del lado roto de las personas, la melancolía, los miedos, la fantasía, los sueños y todo aquello que nos hace humanos, así como también experimentar con imágenes más producidas: un maquillaje, un escenario y vestuario más elaborado para contar más historias de una forma que aún no he experimentado.

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Entrevista: Evelyn Alarcón

Me encantó conocer el proceso creativo de la ilustradora y ceramista mexicana Evelyn Alarcón.

(Esta entrevista sirvió para la creación de este post en InstagramES).

¿Eres ilustradora y diseñadora de tiempo completo? Así es y soy afortunada en poder hacerlo, divido mi tiempo en mi proyecto cerámico, la ilustración y aunque cada vez menos al diseño me gusta tomar algunos proyectos que sean interesantes.

¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración para tus ilustraciones y tu trabajo en cerámica? Para inspirarme todo influye es como un proceso de destilación en el que la música, el silencio, la naturaleza, la moda, las cosas y sucesos más simples e intranscendentes así como los grandes momentos y las obras maestras influyen. Una frase, una fotografía, una conversación; mi estado de animo y hasta lo que como es ingrediente en lo que me inspira. Todo suma o resta dependiendo de la calidad de la información. Trato de ser cuidadosa en lo que le dedico tiempo, eso me ha funcionado hasta ahora.

Las ilustraciones que destacas en tu cuenta suelen tener de figura principal niñas y mujeres, lo femenino está muy presente. Cuéntanos más sobre esto. En mi caso creo que tiene que ver con ser mujer, así de simple. Es muy natural dibujar en femenino, me parece fascinante las muchas facetas y personalidades que tenemos las mujeres. Además tengo muchas amigas y heroínas que son mis musas. Una fuente de inspiración inagotable.

¿Qué tanto de tu propia vida y experiencias ese reflejan en tus creaciones? Todo, cuando me doy a la tarea de crear no puede no ser personal. Si es una pieza de cerámica hasta el electromagnétismo del cuerpo influye en el material y el resultado. En un dibujo empiezo queriendo dibujar de forma consciente una idea  y termino por sorprenderme con un dibujo que expresa lo que de forma sincera estoy sintiendo o quiero contar. En ambos casos no puedo no ser transparente.

¿Qué te atrae de la simplicidad del blanco y negro? Estuve algún tiempo experimentando y buscando una paleta de color, porque en algún lugar leí que todo artista la tiene como parte de su estilo. No encontré hasta ahora alguna que me diera la satisfacción del blanco y el negro. Tal vez se deba a que la cerámica me ha puesto en una perspectiva distinta del color y la forma, porque me ha exigido observar de forma más profunda.

Hoy me encuentro muy feliz y cómoda en esta etapa monocromática, (lo que sea que dure) me ha permitido centrar mi atención en los pequeños símbolos y mensajes secretos de cada pieza reduciendo al mínimo la posibilidad de distraer del mensaje a quien la observa.

Tus composiciones con objetos cotidianos y naturales como en la serie #thepoetryofmaterialthings revelan más sobre tu sentido de observación, ¿crees que la belleza está o debería estar en todo lo que nos rodea? La belleza sin duda esta ahí, es tal vez el reto de estos tiempos encontrarla, como parte de un ritual que nos alimenta. #cuentosminimos y #thepoetryofmaterialthings han sido mi reto personal de encontrar la belleza de lo simple y lo efímero. Observar con atención lo pequeño y descubrir el mensaje o la correspondencia de las cosas.

¿Cómo descubriste la realización de cerámica y qué te ha gustado y enseñado esta técnica a nivel creativo? Siempre supe que quería hacer cerámica, aunque inicie hace relativamente poco se ha convertido en la columna vertebral de mi vida y estoy logrando integrarla con mi faceta de ilustradora. Es fascinante como algo tan artístico puede ser tan científico, técnico y mágico a la vez. Me ha enseñado de psicología, alquimia, metafísica, astrología, antropología, dibujo, albañilería, química, yoga, arquitectura, y hasta cocina. Me cambió la vida y la forma en la que observo y disfruto los objetos; no solo los que están hechos de cerámica si no lo que está hecho de forma artesanal y lo que implica el proceso de tener un objeto de uso cotidiano en las manos. Me exige conectar la mente, el cuerpo y corazón para crear y si no lo hago me lo cobra. Es de esas cosas que no te puedes tomar a la ligera, eso me tiene enamorada.

¿Siempre trabajas por temáticas o series (por ejemplo, la colección de Piscinas en cerámica)? Me ha gustado mucho hacer estas pequeñas colecciones, nunca se cuantas piezas serán parte de cada serie, pero trabajar así me ha dado disciplina y estructura, me exige una meta y sobre todo abordar las muchas posibilidades que ofrece cada tema hace mas rica la experiencia cerámica. También me permite contar una historia y eso me hace conectar con las personas. Los tiempos de consumo están cambiando a las personas nos importa la historia del objeto, quien lo hizo y el mensaje que tiene.  Eso enriquece tanto al que lo hace como al que lo compra.

Actualmente estoy haciendo una colección de piezas inspiradas en el “Té Matcha” no de una una forma tradicional ni ritual, si no desde mi perspectiva de ilustradora y fan del disfrute del Té.

¿El compartir tu trabajo y lo que te inspira a través de imágenes en Instagram ha cambiado de alguna forma o enriquecido tu proceso creativo? ¿De qué manera usas Instagram? Absolutamente, tanto que es la única red social que tengo. Compartir mi trabajo en Instagram me ha acercado a personas talentosas que me inspiran, no necesariamente ilustradores o ceramistas si no personas extraordinarias con las que a través de sus ojos y fotos puedo observar el mundo desde un enfoque distinto para seguir nutriendo mi propio proceso. Que otros conecten con mi trabajo me impulsa a seguir creando porque se genera empatía y eso es maravilloso.

Todo lo que vemos es alimento, ese alimento influye en como somos y creamos. El decidir que mirar es un derecho y un privilegio que hay que utilizar en nuestro beneficio.

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10 cosas que me encantan de Nueva York

1 Siempre hay música en todos lados, y buena. Desde un pianista en pleno parque, bandas de jazz, grupos de folk, cantantes de soul, rockeros, música china tradicional hasta nuevas mezclas de géneros.

2 Cómo brilla el piso y sale vapor de las coladeras.

3 En un solo día se pueden escuchar más de 10 idiomas diferentes en la calle.

4 De pronto, en medio de enormes rascacielos, puedes encontrar un jardín escondido, o al menos un espacio abierto con sillas y mesas donde puedes comer, leer o tomar un respiro.

5 La variedad de oferta de comida, de un carrito halal a un restaurante de lujo; de lo más típico a lo más extravagante, pasando por cientos de gastronomías.

6 Casi todo Manhattan es a prueba de gente como yo que no tienen sentido de orientación. Basta con mirar la esquina para saber en qué coordenada de la ciudad estás.

7 Que siempre hay al menos una exposición de un graaan artista, y al mismo tiempo hay infinidad de lugares donde conocer nuevas propuestas de arte. El arte está en todos lados, todo el tiempo.

8 Siempre hay eventos interesantes y gratuitos sucediendo en espacios públicos, sea un bazar, una feria de comida, conciertos, etc.

9 Cómo la gente goza de sus parques. Entrar a uno, recostarse en el pasto y unirse a una vibra colectiva de happiness.

10 Llegar de pronto al final de una calle y recordar que estás en una isla. Ver el mar.

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Entrevista con Martha Cooper

Hace poco tuve la fortuna de conversar con Martha Cooper, la fotógrafa que ha captado el movimiento de graffiti y arte urbano desde hace varias décadas, con el pretexto de una exposición que montó en el Foro Sol. Aquí mi entrevista con ella (versión extendida) y la que se publicó en Time Out.

¿Es la primera vez que vienes a México? ¿Qué ha llamado tu atención desde que llegaste?

He venido a México para otros trabajos de fotografía pero esta es la primera vez que vengo para algo relacionado con graffiti y arte urbano. Y claro, de pasada he visto mucho graffiti. Me han señalado algunos escritores. También vi un mural de Sego y Saner en el Museo de Culturas Populares. México tiene toda una tradición de señales pintadas a mano, tiene sentido que haya arte urbano aquí si incluso muchos de los anuncios están escritos a mano.

Cuando tú iniciaste en el tema de arte urbano, todo era clandestino…

Mi interés inicial por esto es que era muy undergound, ilegal; los jóvenes estaban dispuestos a arriesgar mucho, incluso su libertad y sus vidas. Tan solo conseguir la pintura podría meterlos en problemas y llevarlos a la cárcel. Ahora que todo sucede de manera abierta, es algo diferente. No es tan emocionante para fotografiar pero me invitan a muchos festivales. Conocí a [los artistas urbanos mexicanos] Saner Sego y a Neuzz en Miami, en Wynwood Walls. Es interesante ir a todos estos lugares, observar e interactuar con los artistas.

Precisamente tus fotos permiten conocer más de todo lo que hay detrás de las pintas en los muros…

Para mí, lo más importante es el proceso. No voy por ahí buscando muros terminados para fotografiar. Me gusta ver cuando los están pintando, quiero ver cómo lo hacen. Algunos procesos son geniales.

Claro, hay técnicas sorprendentes, por ejemplo lo que hace Vhils…

¡Sí! Vhils me invitó a Lisboa el año pasado. Hay todo un circuito de arte urbano donde se mueven estos artistas.

Antes ibas a tomarles fotos a los trenes del metro en Nueva York. Ahora los sigues alrededor del mundo…

Sí, aunque yo no creo que mis fotos sean más interesantes que las de nadie más. Hay fantásticos fotógrafos de arte urbano. Yo simplemente me la paso bien… Creo que a los artistas les gusta les gusta saber más sobre los ‘old days’, esa época. Con frecuencia doy pláticas y expongo las viejas fotos, que es lo que haré aquí en México. Ha sido maravilloso, ¿quién hubiera pensado hace 30 años que estaríamos platicando de esto?

¿No te imaginabas que sería así?

Era lo último que pensaba. Yo creía que estaba documentando algo que desaparecería, y algo que era específico de Nueva York. Jamás se me hubiera ocurrido que algo así viajaría. ¿A países como Suecia? No creía que tuvieran nada en común. Pero bueno, este tipo de festivales son eventos planeados, donde hay mucho control. Quizá no es tan emocionante.

Algo que sí que ha cambiado es la tecnología, el equipo con el que se documenta.

Sí, la gente suele preguntarme cómo ha cambiado el graffiti, yo creo que más bien deben preguntarme cómo ha cambiado la fotografía. Para mí, el cambio a digital fue difícil. Todas esas fotos son de 35 mm. No podías ver si habías tomado una buena foto, era cuestión de adivinar.

Pero quizá eso te obligaba a ser mejor, ¿no?

Creo que te forzaba a aprender el oficio mejor. Por otro lado, ahora no puedo dejar de revisar lo que estoy tomando. ¡Me encanta lo digital! No regresaría a usar rollos de película. Para mí que los que la siguen usando son como un culto. Yo no creo que sea tan bueno, al menos no es tan versátil como la fotografía digital. Además, me doy cuenta de inmediato si estoy haciendo algo mal. Ajustar el flash o el balance de color, por ejemplo.

Claro, y en este tipo de fotos que lo tienes que hacer bien al momento…

Exacto, no puedes regresar por la toma luego. No hay marcha atrás. Yo cometí muchos errores en aquella época, me salían algunas sobreexpuestas o subexpuestas o disparaba y el rollo no estaba pasando por la cámara, todos los errores los hice. Así que lo digital me ayuda a hacer menos errores. Además de lo costoso que era. Cada toma había que pensar: cuesta 50 centavos cada foto, ¿necesito tomar más?

Y ahora… ¿usas Instagram (marthacoopergram)?

¡Me encanta! Me divierto tanto, solo uso mi celular para esas fotos, me gusta que sea instantáneo y la interacción con la gente.

Al momento compartes imágenes con gente al otro lado del mundo.

La parte de compartir me costó trabajo. Porque a nosotros nos enseñaron lo contrario: No dejes que salgan tus fotos porque son tus bienes valiosos y los tienes que controlar. Sobre todo la cuestión de derechos. Pues solo tienen valor en la medida en que puedas dar derechos exclusivos. Como fotógrafa freelance, no tengo un plan de retiro. Así que esto es mi plan de retiro, afortunadamente tengo un archivo que vale algo.

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Los nuevos muralistas mexicanos

Estoy convencida de que el movimiento artístico de mi generación es el arte urbano (street art, post-graffiti). Me encanta descubrir escenas, personajes y trazos de color en donde antes solo había bardas y paredes grises.

En algunas ciudades del mundo, esta tendencia es tan popular que ya es parte de los atractivos turísticos, y se explota a través de tours, campañas publicitarias y publicaciones. En Buenos Aires por ejemplo conocí un proyecto súper padre: Buenos Aires Street Art, el cual va documentando las nuevas piezas de arte urbano en la ciudad, además de mostrarlo en recorridos a pie cada semana.

En la Ciudad de México, la escena está cobrando más atención que nunca desde el año pasado con el primer festival internacional All City Canvas pero todavía es un lienzo en blanco para los artistas urbanos tanto locales como de otros países. Lo que más me interesa es conocer a los artistas mexicanos que están realmente proponiendo un estilo, un discurso nuevo. Muchos de ellos son famosos al otro lado del mundo y acá pocos los conocen.

Mi proyecto actual es reunir información de la escena local de arte urbano y entrevistar a los street artists mexicanos. Aquí compartiré lo que reúna. Comienzo con este reportaje que escribí para la revista Domingo, se llama los nuevos muralistas mexicanos.

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Capital Mural

El proyecto Capital Mural es una iniciativa de Cultura y Colectiva, cuya misión es embellecer la ciudad con intervenciones de talentosos artistas urbanos. Inspirados en el movimiento del muralismo mexicano del siglo XX, los creadores de Cultura Colectiva se propusieron retomar el sentido social del arte, al recuperar espacios públicos desatendidos y plasmar en ellos un nuevo sentido de colectividad.

“Queremos reestablecer a México como uno de los focos de atención a nivel mundial del muralismo, pero entendido ahora desde el ámbito del arte urbano”, dice Ricardo Beard, Director de Innovación de Cultura Colectiva. Para colocar a la capital en el mapa de arte urbano, convocaron a artistas urbanos mexicanos, quienes desafortunadamente suelen tener más reconocimiento afuera que adentro del país.

Por medio de Fondeadora (fondeadora.mx/projects/capital-mural), se convocó al público a aportar dinero y así reunir la suma necesaria para la primera intervención, a cargo del artista Curiot. Se podía participar a partir de $250 pesos (y contemplaba incentivos como acceso exclusivo al coctel de inauguración o una litografía). En 45 días se consiguió un poco más del total deseado de 28 mil.

El mural se había planeado originalmente para el mes de abril pero hubieron algunos problemas técnicos por lo que se tuvo que posponer hasta la semana del 3 al 9 de junio. Curiot (facebook.com/El.Curiot) es originario de Michoacán y en sus temas es frecuente la relación del humano con la naturaleza. Una de sus criaturas llenas de color dará vida a un muro en la esquina de Frontera 64 y Durango, en la Roma.

Se puede seguir el proceso en las redes sociales de Cultura Colectiva: facebook.com/culturacolectiva y twitter: @culturacolectiv

Sobre el proyecto:

http://culturacolectiva.com/ayudanos-a-fonde

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Futura en México

Lenny ‘Futura’ Mcgurr. Su nombre aparece en casi todos los libros o artículos sobre historia del grafiti. En los años 80 se posicionó como uno de los artistas más innovadores, compartiendo muros en la Galería Fun con Keith Haring y Jean-Michel Basquiat. Es considerado un pionero en llevar el arte del grafiti a la abstracción y lo llegaron a comparar con Kandinsky.

Empezó a hacer grafiti en el metro de su natal Nueva York en los 70 y para los 80 estaba pintando el telón de fondo en vivo en la gira de The Clash. Se auto-nombró Futura 2000 cuando tenía 15 años y le parecía cool pero a partir del año 2000, lo acortó a Futura. En una entrevista para revista Interview dijo que “no creía que viviría después de ese año”.

Lo cierto es que Futura es un personaje clave que llevó el grafiti a un nivel apreciado en los circuitos del arte, y por lo tanto lo catapultó a ser apreciado por un público mucho más amplio.

También ha incursionado en la producción de juguetes de colección, sneakers y productos para marcas como Levi’s y Nike. Recientemente diseñó una botella edición limitada para la marca de cognac Hennessy. Con el apoyo de la marca y la iniciativa de All City Canvas (el primer festival de arte urbano en México), visitó la Ciudad de México para crear un mural.

Platiqué con Víctor Hugo Celaya, director de ARTO y uno de los fundadores del festival, sobre este proyecto. Aquí la entrevista en Time Out México.

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Mujeres que abrazaron el Islam

Paso por esa calle de la colonia Roma muy seguido. Cuando vi el anuncio "Asociación Mexicana de Mujeres Islámicas" atrapó mi atención. ¿Qué sería este lugar? ¿Cuántas mujeres islámicas hay en la ciudad? Desde hace un tiempo me llenaba de curiosidad la comunidad musulmana en México, quería saber cómo se conformó, quiénes son, cuántos hay y cómo adaptan su religión en este país. Lo que descubrí me sorprendió: cada vez hay más mexicanos, -y sobre todo, mujeres- que deciden convertirse al Islam. Conocí y escuché sus historias, que son complejas, alejadas de los estereotipos, y a la vez lógicas en nuestro tiempo. Aquí está el reportaje que resultó de esas preguntas iniciales, publicado en la revista Domingo.

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Después de Tessa

Tessa Ia es la actriz protagonista de Después de Lucía, un drama premiado en Cannes que habla más de la violencia escolar, que sobre el luto, como sugiere el título. Entrevisté a Tessa en su recámara y me contó cómo fue el proceso de ponerse en los zapatos de una víctima de bullying. Pero también hablamos de sus ambiciones, de su carrera (debutó en The Burning Plain, junto a Charlize Theron) y de Napoleón, su erizo mascota. Lean todo aquí en la revista Domingo, de El Universal.

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Museo del Chocolate

Una antigua casa en la colonia Juárez es sede del Museo Mundo Chocolate (MuCho). Un lugar que reúne historia, datos y objetos en torno al cacao y el chocolate. La directora del museo, Ana García Lascurain, me contó un poco de cómo surgió el proyecto:

¿Cómo surgió la idea del museo?

Soy super aficionada al chocolate y arquitecta de profesión. Tuve la fortuna de restaurar esta casa y salió la conexión del amor al arte y amor al chocolate. Se juntaron aquí. En esta casa majestuosa de 1909.

¿Tu intención era mostrar qué aspectos del chocolate?

Nos costó mucho trabajo al equipo entender qué queremos aterrizar aquí. Es un tema trascendente, hay una larga historia del cacao y el chocolate, que involucra todos los aspectos de la humanidad, distintas civilizaciones y culturas. Lo que queríamos lograr con esta primera muestra es probar qué le pasó al chocolate y un mucho mostrar el orgullo del origen del chocolate mexicano, desde el contexto de los Aztecas y Mayas.

¿Sientes que ahora hay un boom por el chocolate?

El chocolate siempre ha sido muy apreciado pero en los últimos años, la última década, se ha retomado una cultura muy refinada del chocolate y del cacao. Me pareció raro que no hubiera un espacio físico donde pudiera desarrollarse esa cultura en México.

Aquí, además de ser museo, se nota que hay una interés por traer otras disciplinas a la discusión del chocolate, desde el arte, la gastronomía...

Trabajamos siempre con el objeto de generar espacios visuales y físicos con el chocolate.

Lo que queríamos generar era que pasas de una sala de mucha información y luego pasar a otros estímulos, como con el olfato y la instalación del cuarto de chocolate. Esto lo abordamos con toda modestia, no hay compañías grandes de por medio, lo hemos ido construyendo pieza por pieza, con ayuda de muchos historiadores, antropólogos, artistas. Ha sido muy afortunado el proyecto, es orgánico y se va sumando la gente. A partir de esto se han hecho iniciativas por fuera con el tema del chocolate. Sí está prendiendo, fuera del museo.

Además del museo, tienen una Academia del chocolate...

La Academia es muy importante. En el sentido amplio de la palabra academia, porque no nada más es una escuela de gastronomía, en México ya hay muchas escuelas muy brillantes. Lo que queremos es, sí enseñarle al público general, que se acerquen sin tener que haber ido a una escuela especializada, un público casual de fin de semana que quiera aprender a hacer chocolate a un precio accesible. Y por otro lado, la investigación, nos interesa mucho que todas las plataformas se sumen.

¿Por qué crees, si en México tenemos el origen del cacao, por qué no se volvió un país asociado al chocolate, productor al nivel de por ejemplo Suiza?

Siempre me inquieta cuando dicen: ¿Por qué es tan malo el chocolate en México y tan bueno en Suiza? El factor importantísimo es que los europeos son los que construyeron las máquinas y tuvieron la revolución industrial. Las máquinas para hacer el chocolate como lo conocemos ahora, en tablillas, con leche... Son inventos de suizos.

Los mexicanos la tomábamos como bebida. No había aquí tanta tablilla, eso es más reciente. Digo, no es que sea mejor o peor sino, es una piedra más en el camino del chocolate. Sigue evolucionando.

Por lo pronto, en MUCHO, puedes dejarte seducir por la historia del cacao y el chocolate, por su aroma y su potencial para ser inspiración de obras de arte.

Museo Mundo Chocolate

Milán 45, Juárez, Lun-vie. 11am-5pm. Adultos $65; Niños, estudiantes y tercera edad $40

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Una radio que cambió el barrio

Todos los miércoles a la 1 de la tarde algo cambia en la Plaza de la Aguilita, en el barrio de la Merced. A esa hora se 'transmite' a través de dos bocinas el programa de radio comunitaria Radio Aguilita, un proyecto dirigido por Joaquín Aguilar de Casa Talavera (el centro cultural de la UACM). Hace unos años cruzar esta plaza era un martirio, en medio de indigentes, basura, malos olores y riesgo de ser víctima de un asalto. A partir de la radio, los vecinos empezaron a recuperar la plaza, a limpiarla y a organizarse para dar solución a sus problemas. Aquí la historia de una radio que debería replicarse por todos los barrios en todas las ciudades... (Reportaje publicado en SinEmbargo.mx)

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Business is a dance... Dance is a business!

Las luces seguían encendidas y las dos máquinas que habían creado las marañas de hilo de cobre seguían inundando la sala con un ruido que taladraba. Algunos espectadores se levantaban de sus asientos y otros se miraban, inciertos de que la función había concluido. "¿Ya terminó? No... ¿o sí?", era el murmuro colectivo. La compañía Neuer Tanz nos dejó perplejos.

Esa era su intención. No quería que nos sentáramos cómodos en nuestros asientos, no quería que adivináramos cada acto. No se molestó en dar explicaciones, ni en contarnos una historia mítica y lineal. Pero sí quería, y logró, hacernos vivir una experiencia. Nada más nos advirtió: "They are making Art, and that is a problem. Business is a Dance. Dance is an Art. Art is a problem... Dance is a Business". Bailarines que cantan y declaman, luces que bailan, árboles que giran entre las butacas y 'espectadores' que se levantan y colocan sus brazos en Cinquième position. Hombres y mujeres trajeados y en zapatillas con armas en sus manos; armas que cobran vida, hombres que agonizan. Carga, apunta y dispara. Movimientos clásicos de ballet confrontados a la violencia nos hacen sentir desconcertados pero jamás aburridos. En esta función no había espectadores durmiendo. Lo confirmaba uno de los bailarines: "No somos aburridos porque estamos de moda. Porque estamos de moda sabemos que no es bueno para tu moral ver danza mala o arte malo. Tú no defines al arte. El arte te define a ti". (You do not define Art. Art defines you)

No hubo gran final. No hubo reverencias ni muchos aplausos. No hubo cambio de luces. Pero los que salimos de ahí, salimos convencidos de haber vivido algo diferente. Una danza de revelación.

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Arte urbano en la Ciudad de México

Hace un tiempo me preguntaba por qué en el D.F. no había una escena de arte urbano muy activa, mientras que en otras ciudades del continente se propagaban imágenes del trabajo de Os Gemeos, Blu, Ever...

En cambio aquí parecía que no salíamos mucho del graffiti tradicional, o escasos ejemplos de murales patrocinados por marcas como Adidas o Comex, en zonas puntuales de la ciudad. Cuando estaba investigando esto me enteré que se preparaba un festival de arte urbano, All City Canvas, organizado por tres jóvenes que seguramente tenían la misma inquietud.

Roberto Shimizu, Víctor Celaya y Gonzalo Álvarez, todos directores de organizaciones culturales con propuestas nuevas, se dieron a la tarea de invitar a artistas considerados superestrellas del street art en el mundo, y darles nueve muros en sitios emblemáticos de la capital como lienzo para su talento.

De inmediato me puse a investigar más, contacté a los organizadores y a varios artistas, para hacer un reportaje que intentara responder a mis preguntas iniciales. El proceso fue uno de los más interesantes que he vivido y el resultado fue este reportaje que se publicó en SinEmbargo.mx Y aquí la entrevista completa a Dhear One, uno de los artistas con quien platiqué.

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Lorraine Pinto y el cinetismo

El Museo de Arte Moderno inauguró una exposición que revisa la producción en México de arte cinético, en los 60 y 70. Entre las obras, se encuentran tres piezas de la artista Lorraine Pinto, que desde que se instaló en México en 1953 ha explorado constantemente la idea de luz, movimiento y color, en sus pinturas y esculturas. Lorraine me conoce desde muy pequeña, y recuerdo que una vez, cuando era apenas adolescente, vine de 'vacaciones' a la ciudad, le llamé y organizamos una salida al museo de antropología para ver una exposición sobre China, después me invitó a su casa y estudio, dándose el tiempo de conversar con una chamaca sobre arte con todas sus letras sin reparar en mi edad. Tengo el recuerdo de pasillos en su casa que me había parecido el lugar más sorprendente y bizarro que había pisado. Un maniquí o escultura esperaba en una jardinera en el pasillo de entrada...

Ahora me dio gusto verla como parte de una exposición que revisa el movimiento del cinetismo en México, y le pedí que me hablara de sus piezas y la exposición.

El público se detiene varios minutos ante la pieza Quinta Dimensión. Podría describirla como dos modelos de ciudades semi encapsuladas en burbujas de acrílico que integran efectos de luz y sonido. Nos recuerdan un sueño del futuro que nunca llegó. O quizá sí, como dice Lorraine.

“Cuando la hice, pensaba en la ciudad de aquel entonces como ésta, donde todos los cubos se amontonan; y la ciudad del futuro, la pensaba más alta, más libre y más transparente. Ahora que la vuelvo a ver, pienso: ya no es el futuro, ¡esto se parece a Santa Fe! Aunque sigue existiendo también la ciudad de la acumulación”.

Daniel Garza es el curador de la exposición, la cual busca presentar una selección de la producción de arte cinético realizado en México a finales de los sesenta y principios de los 70. Hace una revisión histórica del arte que intentó redefinir la relación entre la obra de arte y el espectador a partir de investigaciones sobre el movimiento y transformación potencial, así como el uso de materiales no tradicionales en el arte y la integración de sistemas lumínicos y sonoros. Además de Lorraine Pinto, se exhiben piezas de Feliciano Béjar, Ernesto Mallard, Mathias Goeritz, Hersúa y Francisco Moyao, entre otros.

“Este adorable joven, Daniel Garza, me buscó hace como un año y me preguntó cómo fue que pasé de hacer una pieza en bronce muy clásica que ganó mención honorífica de la crítica Margarita Nelken y, un año después, a exponer Quinta Dimensión, que ganó el premio Elías Sourasky. No le pude contestar, no tengo idea de porqué entré en una forma tan diferente de hacer arte pero, te puedo decir que en esa época, a finales de los sesenta, había un rumbo; y aunque todos los artistas hacíamos cosas diferentes, compartíamos una dirección”.

La museografía de la exposición nos lleva primero por los antecedentes del arte cinético en México, con los maestros Germán Cueto, Mathias Goeritz y Alfaro Siqueiros. Luego nos recuerda el contexto de cambio social de 1968, que se reflejó en la producción artística. El desarrollo del arte óptico y cinético se impuso en Los Juegos Olímpicos, cuyo logotipo tiene una clara influencia óptica. En el programa cultural de la Olimpiada se incluyeron exposiciones de artistas como Victor Vassarely y Julio Le Parc. Las esculturas de la Ruta de la Amistad fueron concebidas para observarse desde un vehículo en movimiento.

“Germán Cueto fue mi maestro, aunque él no hizo propiamente arte cinético pero sí empezó algo más moderno. Yo formé el Laboratorio Experimental de arte cinético con el ingeniero electrónico Leonardo Viskin y el físico Roberto Domínguez. Lo hice para integrar tecnología y arte, cuando realizaba esta pieza (Quinta Dimensión), porque ya tenía los domos y sentía que necesitaban luz y sonido. Entonces, reuní al grupo. Todos regresaban a mi casa después de dar clases, cenábamos y se quedaban hasta la madrugada trabajando en distintas piezas que presentamos en varias exposiciones. Esta participó en la Exposición Solar en Bellas Artes que, junto con las de Eduardo Mallard, recibieron los primeros premios de la Olimpiada Cultural del 68”.

La exhibición después nos propone obras del grupo Arte Otro, un grupo de estudiantes de arte que apostaban por piezas que necesitaban la participación activa del espectador, como en la pieza Ambiente II de Hersúa, donde el público podría manipular los hilos elásticos y así cambiar constantemente la instalación.

“Este tipo de arte fue muy bien recibido por la gente joven, porque podía participar con las piezas. Están hechas para que se vean desde distintas perspectivas y tengan esa ilusión de movimiento. Para mi pieza del domo y péndulo, Roberto Domínguez me ayudó mucho porque hacer una figura cóncava lleva mucha planeación matemática, no es fácil, pero el resultado fue exitoso: las figuras que ves reflejadas al revés se repiten y, con las condiciones de luz adecuadas, se pueden ver efectos maravillosos. Puedes ver el infinito. Cuando se expuso por primera vez, decía: ‘por favor tocar’. Con las cajas de neón también quería explorar diferentes los efectos visuales al caminar. Van cambiando y son ilusiones ópticas diferentes”.

Neón, acrílico, plástico... Materiales que no se encontraban en tiendas de óleos y pinceles. El arte cinético se sitúa en un contexto histórico de modernización, con la estética de la era espacial haciendo eco y la tecnología como elemento central de muchas manifestaciones culturales. “Con su uso de nuevos materiales y componentes tecnológicos, es común que el arte cinético se asocie con una estética de apariencia futurista”, dice Garza.

Regresamos a la Quinta Dimensión, ubicada en el centro de la exposición. Las luces cambiantes y la música tienen un efecto singular que atrae al espectador y lo envuelve en una experiencia sensorial que, de alguna forma, logra que nadie no se quede estático frente a ella, sino que camine alrededor, siga en movimiento.