Art et culture

Visites, voyages, expositions, musées, spectacles à Paris et ailleurs

[dalbera]

"Orage" de Fabrice Hyber (Fondation Cartier, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Orage Dans ce tableau, l'artiste a voulu comparer les dimensions et les formes de la foudre tombant sur un arbre à celles des branches du même arbre. 

 Oeuvre de Fabrice Hyber / 2022 / fusain, peinture à l'huile et pastel sur toile / Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris 

Présentation du tableau par Fabrice Hyber qrstud.io/d2a5rmn 

 ----------------- 

 Du 8 décembre 2022 au 30 avril 2023, la Fondation Cartier présente La Vallée, une grande monographie consacrée à la peinture de Fabrice Hyber. Dans ses toiles peintes « du bout des doigts », l’artiste français donne à voir le déploiement d’une pensée libre et vivante. Réunissant une soixantaine de toiles dont près de quinze œuvres produites spécifiquement pour l’exposition, Fabrice Hyber crée au sein de la Fondation Cartier pour l'art contemporain une école ouverte à toutes les hypothèses.... 

Extrait du site de l'exposition "Fabrice Hyber. La Vallée" www.fondationcartier.com/expositions/la-vallee 

Chaque toile est accompagnée d'un QR-code qui permet d'entendre une explication de Fabrice Hyber sur le sens qu'il a voulu lui donner. Par ailleurs, de nombreux médiateurs de la Fondation présentent les oeuvres aux visiteurs à des heures déterminées et répondent à la demande à leurs questions éventuelles 

Des conférences et débats autour d'idées, d'hypothèses et de questions présentes dans les toiles de Fabrice Hyber sont organisés chaque jeudi au sein de l'exposition. Elles sont accessibles en podcast : "Les Voix de la Vallée" 

 www.fondationcartier.com/voix-de-la-vallee 

 ------------

La scénographie de cette exposition a placé les tableaux de Fabrice Hyber en situation d'être des illustrations d'un cours qui serait donné à des élèves dans les salles de classe reconstituées avec chaises et tables d'écoliers. A priori, cette idée est pour le moins étonnante car les oeuvres d'Hyber n'ont rien de pédagogique. Elles sont des transcriptions visuelles de ses propres réflexions ou hypothèses sur différents sujets, mêlant textes et figures colorées qui traduisent son imaginaire poétique et ses rêveries. C'est précisement ce qu'on vient voir dans une exposition artistique. Au-delà de cette vision au premier degré de la scénographie, on peut se demander si Fabrice Hyber n'a pas fait partie des élèves qui nous ont précédés dans la salle de classe car l'artiste n'a pas vocation à être un enseignant en biologie ou en astrophysique. Bien au contraire il garde toujours une part de mystère et laisse le "regardeur" libre de choisir l'interprétation de son oeuvre plastique ce qui est une manière de faire de la philosophie. Fabrice Hyber a beaucoup à nous apprendre sur les arbres de la forêt qu'il a semée en Vendée et plus généralement sur les relations entre l'Homme et la Nature. C'est sur ce thème très important à l'époque actuelle qu'il est le plus crédible et qu'il parvient à retenir notre regard sur son oeuvre. Artiste inclassable, Fabrice Hyber a depuis longtemps montré son intérêt pour la confrontation entre l'art et la science, c'est dans ce dialogue qu'il réussit le mieux.

[dalbera]

"Les coulisses du côté cour dans le miroir côté jardin" de Walter Sickert (Petit Palais, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Sickert représente des spectateurs au premier plan qui assistent au récital d'une chanteuse en robe rouge mais curieusement il montre celle-ci dans un miroir, ce qui trouble la perception car la chanteuse n'est pas dans l'axe du regard des spectateurs. 

Oeuvre de Walter Richard Sickert (1860-1942) / vers 1888-1889 / Huile sur toile / Rouen, musée des Beaux-Arts.

Oeuvre présentée dans l'exposition "Walter Sickert. Peindre et transgresser", Petit Palais, musée des beaux-arts de la ville de Paris. L’exposition est organisée par la Tate Britain et le Petit Palais, Paris Musées.

L’exposition Walter Sickert est un hommage à Delphine Levy, (1989-2020), historienne de l'art spécialiste de Sickert et directrice de "Paris Musées" au moment de son décès prématuré. 

Très bien documentée, l'exposition révèle un artiste anglais peu connu en France, dont l'oeuvre est déroutante et qualifiée de transgressive. Une scénographie peu attractive, qui plonge les spectateurs dans la pénombre, ne facilite pourtant pas cette découverte. 

Élève du peintre Whistler, il adopte au début de sa carrière des couleurs aux tonalités ternes et "sales" à l'image du climat londonien de l'époque. Influencé par son ami Degas et par les artistes impressionnistes français, il peint d'abord de nombreuses salles de music-hall mais s'intéresse davantage au public populaire de ces lieux qu'aux artistes sur scène. Ces sujets ne lui apportent pas le succès dans une Angleterre victorienne puritaine pour laquelle les music-halls sont des lieux de débauche. Il s'essaye ensuite à l'art du portrait (certains exemples de portraits exposés peinent à séduire) puis à celui du paysage, en particulier à Venise et à Dieppe mais sa renommée s'établit avec ses peintures intimistes (le tableau L'Ennui est le plus connu) et de nus féminins, souvent des prostituées, vivant dans des quartiers déshérités. Il fait ce choix du réalisme en opposition à la peinture académique de l'époque, une attitude constante qui est au coeur de sa volonté de transgression. En ce sens, il sera un modèle pour la jeune génération des artistes anglais d'après guerre.

[dalbera]

Le Bouddha Amida (Musée Cernuschi, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : La grande salle du musée Cernuschi après la rénovation du parcours permanent des collections Dans la grande salle du musée, la rénovation de la présentation des collections a dégagé le Bouddha Amida qui était auparavant adossé à une cloison noire. La statue est toujours dans la même position face à la baie vitrée mais elle apparait maintenant au même niveau que les statues de Bouddhas et de Bodhisattvas de différents styles, périodes et zones géographiques qui sont exposés sur la mezzanine (à droite sur la photo). La salle retrouve son volume et son éclairage ce qui est une amélioration indéniable, la plupart des présentations sont chronologiques, ce qui en simplifie la compréhension. Quelques vitrines restent thématiques notamment sur la route de la soie, les céramiques ou les peintures Après plusieurs mois de travaux pour rénovation, le musée Cernuschi a ouvert le 4 mars juste avant le confinement, il a presque aussitot été fermé, le musée vient à nouveau d'être accessible au public. Seuls les dispositifs numériques, prévus pour moderniser la médiation, restent éteints pour raisons sanitaires car ils sont tous tactiles. 

 ---------

Cette grande statue de Bouddha Amida provient d’un petit temple du quartier de Meguro à Tokyo, le Banryûji . Ce temple dépendait d’un monastère, le Enzanji, de la secte Jôdo du bouddhisme amidiste.(extrait du site des amis du musée) La statue date de l'ère Tenpô (1829-1844) Elle est aujourd'hui présentée dans la salle principale du musée Cernuschi à Paris www.cernuschi.paris.fr/fr/collections/collections-japonaises La notice sur la statue d'Amida dans la base de données des collections de la ville de Paris www.parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-carnavalet/o...

[dalbera]

À la recherche des oeuvres disparues d'A. Giacometti (Institut Giacometti, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Salles de l'exposition À la recherche des oeuvres disparues d'Alberto Giacometti. 

Au fond, les sculptures perdues du début de carrière de l'artiste. À gauche, la transformation du "Mannequin" (reconstitution au premier plan) vers la "Femme qui marche" (plâtre original au deuxième plan) À droite, carnets de l'artiste avec les esquisses de l'oeuvre et des photos d'archives. 

 Résultat d’une enquête originale sur les sculptures d’Alberto Giacometti dont on a perdu la trace, l’exposition met en lumière plus de soixante-dix œuvres - sculptures de référence, dessins, croquis inédits et photographies d’archives des années 1920-1935... Site officiel de l'exposition "À la recherche des oeuvres disparues d'Alberto Giacometti", Institut Giacometti, Paris www.fondation-giacometti.fr/fr/evenement/104/a-la-recherc... 

 L'Institut Giacometti est l'un des premiers établissements culturels à ouvrir à Paris après le confinement du à la crise sanitaire. L'exposition en cours : À la recherche des oeuvres disparues d'Alberto Giacometti, ouverte juste avant le confinement a été prolongée pour permettre au public de la visiter mais dans des conditions très contraignantes : port du masque, inscription en ligne avec date et heure mais surtout temps de visite limité à 20 minutes. Cette limitation de la durée de parcours dans les espaces de l'Institut est la contrainte la plus pénible à supporter car, même si l'espace d'exposition est réduit, la richesse des contenus (carnets de l'artiste, photos d'archives, oeuvres reconstituées, documentation détaillée..) nécessite de passer beaucoup plus de temps pour profiter du travail de recherche accompli par les commissaires. C'est un premier petit pas dans "le monde culturel parisien d'après". On sort de l'Institut Giacometti un peu frustré mais quand même satisfait d'avoir pu reprendre "la vie culturelle d'avant".

[dalbera]

Un nouveau parcours gratuit sur la plateforme Guidigo pour découvrir les principales sculptures de Paul Landowski à Paris et visiter le nouveau musée Paul Landowski à Boulogne-Billancourt. Une réalisation des Amis du musée Paul Landowski.

[dalbera]

Exposition Sheila Hicks. Lignes de vie (Centre Pompidou, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : La sentinelle de safran (détail)  / Oeuvre de Sheila Hicks 

Sheila Hicks a édifié une oeuvre qui se meut librement entre art, design et décoration, entre héritage moderniste et traditions non-occidentales.... Extrait de la présentation de l'exposition Sheila Hicks. Lignes de vie. 

Née à Hastings aux USA en 1934, Sheila Hicks vit en France depuis 1964. C'est une artiste reconnue internationalement depuis le début des années 1960. 

Elle figurait en 1972 parmi les artistes sélectionnés pour participer à la célèbre exposition "Douze ans d'art contemporain en France" qui s'est tenue au Grand Palais à Paris avec François Mathey, commissaire général assisté de plusieurs jeunes historiens et critiques d'art comme François Barré, Jean Clair, Serge Lemoine, Alfred Pacquement...qui ont fait par la suite les brillantes carrières qu'on leur connait. 

C'est Claude Lévi-Strauss qui avait signé l'élogieux texte de présentation de Sheila Hicks dans le catalogue. Il y soulignait les capacités de l'artiste à assimiler les traditions artistiques textiles des civilisations d'Amérique du sud, notamment celles du Pérou, en les mariant à celles de la Perse ou de l'Inde pour créer des formes personnelles originales, souvent organiques, en prise avec les aspirations du temps présent. 

Jusqu'à aujourd'hui, Sheila Hicks a poursuivi sa création de sculptures (molles), à la polychromie raffinée, intégrant toutes sortes de matériaux textiles : laine, cordes de lin, fils, fibres synthétiques, etc. tissés, tressés, dont l'exposition montre de magnifiques exemples dans la galerie du niveau 1, ouverte sur la ville grâce à ses baies vitrées. 

Site de l'exposition Sheila Hicks. Lignes de vie au centre Pompidou à Paris www.centrepompidou.fr/cpv/resource/coERRxE/r9ERAob 

Oeuvre de Sheila Hicks à la Biennale de Venise 2017 (photo dalbera) www.flickr.com/photos/dalbera/35752519012/in/album-721576...

[dalbera]

Mutations-Créations / Imprimer le monde (Centre G. Pompidou, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Une des salles de l'exposition "Imprimer le monde" Centre Georges Pompidou, Paris 

 L'exposition présente des travaux techniquement très avancés de designers, d'artistes, d'architectes, de chercheurs qui expérimentent l'impression 3D pour créer des objets, des maisons, des meubles, et même des environnements acoustiques innovants. 

Comme à son habitude, le centre Georges Pompidou privilégie un regard esthétique sur les objets réalisés et survole brièvement le volet explicatif des technologies complexes qui sont mises en oeuvre par ces praticiens. Certes le Centre Pompidou n'est pas la Cité des sciences et de l'industrie et n'a pas vocation à la pédagogie. Mais on ne peut sous-estimer le désir des visiteurs de comprendre les grandes lignes du fonctionnement des dispositifs qui permettent de tels progrès.

On sort de l'exposition impressionné par le niveau atteint par les techniques d'impression 3D et par la créativité qu'elles favorisent mais sans avoir perçu comment les chercheurs en sont arrivés à ce stade. Seule une chronologie de la réalisation d'objets en 3D, affichée sur un des murs de l'exposition, permet d'avoir une idée de l'évolution des techniques. C'est peu ! 

Il faut acheter le catalogue pour en savoir plus mais celui-ci (mal imprimé) coûte quand même 24 €, une somme qui s'ajoute au billet d'entrée de 14€ au tarif plein, l'audioguide de l'exposition est lui gratuit mais il n'apporte pas grand chose. La culture a un coût de plus en plus élevé, dans notre pays les institutions nationales s'éloignent de plus en plus du service public ! 

Site du centre Pompidou sur l'exposition www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-...

[dalbera]

La visite de La Valette à Malte sur Guidigo par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Adresse de l'audioguide sur La Valette, carrefour des cultures méditerranéennes par l'auteur sur la plateforme Guidigo. www.guidigo.com/Tour/Malte/La%20Valette/Malte-carrefour-d...

[dalbera]

Le musée de Nanjing (Chine) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Le musée de Nanjing (Nankin) date de 1933, il a été construit dans le style traditionnel des palais sous la dynastie Liao (architecte Liang Sicheng) 

Ce Musée est situé à Nanjing / Nankin, dans la province de Jiangsu, Chine. Nanjing a été la capitale de dix dynasties de l'histoire chinoise, c'est une ville célèbre pour sa richesse culturelle, sa longue histoire et la beauté de ses paysages. 

Avec une surface totale de 70,000 m2, c'est l'un des plus grands musées du pays avec 400.000 objets de la période paléolithique à aujourd'hui. Il a été étendu dans les années 1990, puis a subi d'importants aménagements qui ont été ouverts au public en 2013. 

C'est un lieu de culture avec un très riche musée sur l'histoire de la Chine et de la région du Jiangsu mais également un centre de loisirs avec de nombreuses salles en sous-sol, une galerie numérique, des reconstitutions historiques (années 30) et des boutiques (artisanat d'art chinois, restaurants..).

 Site du musée de Nanjing

www.njmuseum.com/en/html/default.html

[dalbera]

La Vitra Schaudepot (Campus Vitra, Weil am Rhein, Allemagne) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : 

  La Vitra Schaudepot a été conçue par les célèbres architectes bâlois Herzog & de Meuron, le bâtiment a été inauguré en juin 2016, il est situé sur le campus Vitra à proximité de la caserne de pompiers de Zaha Hadid. 

Le bâtiment est le lieu de conservation des mobiliers (chaises, luminaires, meubles divers,..), des archives de Vitra et des fonds de designers célèbres (Charles et Ray Eames, Verner Panton, Alexander Girard..) déposés au Vitra Design Museum. 

Le premier bâtiment construit pour le musée est situé à l'entrée du campus Vitra, il a été dessiné par Frank O. Gehry mais cet édifice ne présente que des expositions temporaires. 

Le Vitra Schaudepot présente dans une grande salle d'exposition 430 pièces majeures de la collection du musée, de 1800 à nos jours, il dispose d'espaces explicatifs et pédagogiques sur les matériaux utilisés par les designers et sur les méthodes de fabrication. 

Les réserves du Vitra Design Museum sont visibles au sous-sol à travers des baies vitrées. Le Vitra design Museum possède une des plus importantes collections du monde en matière de design moderne et contemporain. 

La collection du Vitra Design Museum est en ligne sous forme d'une base de données très détaillée et d'un haut niveau d'information, avec un accès par designer, fabricant, type d'objet, attribut, matériau, sujet. Le catalogue numérique propose une présentation des mobiliers exposés les plus célèbres et une sélection pour les enfants. 

collection.design-museum.de/ 

Lors de la visite, on peut télécharger le catalogue sur son portable grâce à un accès WiFi gratuit et l'utiliser pour obtenir des informations complémentaires à celles fournies par les cartels. 

La muséographie est très simple avec une présentation des mobiliers par ordre chronologique sur des plateformes superposées. Seul problème, les objets placés au 3ème niveau sont peu visibles. 

Le bâtiment comprend aussi une boutique et une cafétéria dont l'aménagement est particulièrement soigné et les plats originaux. 

www.vitra.com/fr-be/campus/architecture/architecture-vitr...

[dalbera]

Masque Inuit de l’exposition “Jacques Chirac ou le dialogue des cultures” (Musée du quai Branly - Jacques Chirac, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra

Via Flickr : Masque Inuit / Groenland 1930-1934 / Bois, os, peau / Objet conservé au Musée du quai Branly - Jacques Chirac 

Masque présenté dans l'exposition "Jacques Chirac ou le dialogue des Cultures" Musée du quai Branly - Jacques Chirac Paris www.quaibranly.fr/fr/informations-pratiques/aller-plus-lo... 

--------------------------------------- 

Les habitués du musée du quai Branly ou du musée Guimet ne découvrent pas la personnalité culturelle de Jacques Chirac en visitant cette exposition organisée pour les 10 ans du musée du quai Branly. Ils savent qu'il a soutenu la rénovation du musée Guimet en 2001 car il était très attiré dès sa jeunesse par les arts asiatiques et qu'il est à l'origine de l'ouverture en 2006 du musée du quai Branly sur les conseils de son ami Jacques Kerchache et grâce à l'implication de Stéphane Martin, ce grand commis de l'État qui en est toujours le président. 

Lorsque Jacques Chirac était au pouvoir, les médias ont peu évoqué ces aspects de sa personnalité, préférant souvent le présenter comme un bon vivant attaché aux terroirs, aux plats traditionnels et au monde paysan. 

L'exposition rappelle le parcours familial, éducatif et politique de Jacques Chirac ainsi que son contexte historique, elle souligne un intérêt non simulé de l'ancien président pour la diversité culturelle, rempart contre les nationalismes source de guerres, et les décisions qu'il a prises en faveur du dialogue des cultures tout au long de sa carrière.

Une cinquantaine de stations jalonnent le parcours de l'exposition qui débute par les zoos humains organisés au jardin d'acclimatation, à la fin du XIXè siècle. montrant ainsi le chemin parcouru jusqu'à aujourd'hui et le changement de regard occidental sur les autres cultures. 

La colonisation y est longuement traitée dont l'exposition coloniale de 1931. La création des institutions qui ont concouru à la connaissance et à la promotion de la diversité culturelle en France est évoquée : le musée de l'homme, le musée national des arts et traditions populaires, le musée Guimet, le musée des arts africains et océaniens, ancien musée des colonies, le centre Georges Pompidou, le pavillon des Sessions au musée du Louvre, le musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée, le musée du quai Branly. 

Parmi les expositions temporaires majeures dans ce domaine, figurent dans l'exposition "les magiciens de la terre", de Jean-Hubert Martin en 1989 ou l'exposition sur "l'art des indiens Taïnos" organisée au Petit Palais en 1994 à la demande de Jacques Chirac. 

Les apports intellectuels des grands ethnologues : Jean Malaurie, Claude Levi-Strauss ou d'écrivains comme Aimé Césaire...sont mis en valeur pour avoir permis une plus grande compréhension des autres cultures par les occidentaux. 

L'exposition est riche de faits et d'évènements, elle est agrémentée d'objets et d'oeuvres de grande valeur prêtés par les musées nationaux mais aussi par des collectionneurs privés dont François Pinault. 

Le principal défaut de l'exposition est sa scénographie qui manque de clarté en raison du choix du commissaire d'adopter un parcours thématique plutôt que chronologique. Il en résulte des allers-retours dans le temps qui sont perturbants pour le visiteur mais l'exposition mérite néanmoins le déplacement car on retrouve avec plaisir de nombreux évènements culturels et politiques que les plus anciens visiteurs ont vécu et pour lesquels ils se sont parfois mobilisés.

[dalbera]

Daniel Buren à la Fondation Vuitton (Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Les voiles rouges et leurs reflets lors du soleil couchant 

Daniel Buren "L'observatoire de la lumière". Travail in situ 2016 

À l'étrange impression de fantaisie, un peu carnavalesque, que l'on a en voyant de loin le bâtiment de Frank Gehry transformé et mis en couleur par Daniel Buren, succède un émerveillement sur les terrasses où les couleurs jaillissantes modifient la perception que l'on a de cette architecture complexe. 

A l'intérieur, le vaisseau s'anime, on a l'impression de mieux le comprendre car les couleurs apposées par Daniel Buren facilitent l'identification et la séparation visuelle des voilures. Les rouges, oranges, jaunes, bleus et verts rayonnent et se mélangent sur les parois blanches de la structure surtout lorsqu'il y a quelques rayons de soleil. On en oublie les poutres d'acier et de bois qui s'enchevêtrent pour ne plus voir que les effets de lumière qui vous environnent. 

Dans les salles d'exposition d'où l'on peut apercevoir la voilure extérieure, l'impression est la même, les couleurs atténuent l'austérité du bâtiment et lui donnent vie. 

Dans cette installation qui rappelle son travail de Monumenta, Daniel Buren montre son talent de plasticien et s'impose dans ces espaces abstraits conçus par Frank Gehry en y apportant la pulsion vitale qui leur manquait tant la couleur a d'impact sur nos sensations. 

Site de l'installation "L'observatoire de la lumière". www.fondationlouisvuitton.fr/content/flvinternet/fr/expos...

[dalbera]

L'exposition "Carambolages" (Grand Palais, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Deux objets de l'exposition en situation de carambolage plutôt cocasse 

A gauche, "Gorille enlevant une femme" Oeuvre d'Emmanuel Fremiet (1824-1910) 1887-1888 Bronze, socle en marbre Collection particulière C'est cette sculpture, dont le musée des beaux-arts de Nantes conserve un exemplaire à l'échelle 1, qui a inspiré le film King Kong de 1933. www.flickr.com/photos/dalbera/15019994452/in/album-721576... 

A droite, "Linga" Phnom Bakheng, Cambodge Xè siècle Pierre Musée national des arts asiatiques - Guimet, Paris ensemble de linga au musée national du Cambodge

www.flickr.com/photos/dalbera/2355281536/in/album-7215760... 

Le linga est une idole phallique représentant symboliquement le dieu Shiva. Les Linga khmers comportent une base cubique qui équivaut à Brahmâ (le créateur), une section médiane octogonale qui est Vishnu (le préservateur) et une partie supérieure de section circulaire symbolisant Rudra, un aspect de Shiva (le destructeur). 

Commissaire de l'exposition Carambolages : Jean-Hubert Martin 

Site de l'exposition Carambolages au Grand Palais à Paris www.grandpalais.fr/fr/evenement/carambolages 

 ----------------

L'exposition "Carambolages" a été conçue par un des historiens d'art et conservateurs français les plus créatifs : Jean-Hubert Martin auquel on doit la célèbre exposition "les Magiciens de la Terre" en 1989 qui a transformé notre perception autocentrée de la création artistique en l'ouvrant définitivement au monde. 

Auteur prolifique, J.-H. Martin a cette fois imaginé, au Grand Palais, un jeu visuel en confrontant des oeuvres de toutes les époques et les civilisations, sans souci d'explication ou de contextualisation. 

Le regard du visiteur et sa sensibilité sont censés suffire à créer l'étonnement et le plaisir esthétique. Dans chaque vitrine, peintures, sculptures, dessins, objets...se répondent et dialoguent entre eux, les cartels ont disparu pour ne pas détourner le regard des visiteurs et les laisser rêver. Les confrontations font souvent sourire ou mettent face à face des objets étranges et fascinants, rarement sortis des réserves ou des collections particulières. 

Pour autant, la disparition des cartels n'est pas totale, dans chaque section de l'exposition, on peut les retrouver sur un petit écran, situé à l'écart. On peut également les télécharger sur son téléphone à l'entrée de l'exposition car le WiFi est gratuit. 

Un tel parti-pris est à l'évidence déroutant pour un public peu averti et impose une médiation (humaine) pour aider les visiteurs à découvrir les cultures du monde et à percevoir les universaux de l'humanité. A cet égard, la RMN-Grand Palais propose de nombreuses visites, conférences, ouvrages, catalogues, produits numériques autour de cette exposition. Les amateurs d'art et habitués des grands musées apprécieront certainement une exposition faite pour eux mais que d'autres accuseront de favoriser un élitisme bien parisien.

[dalbera]

Araki Nobuyoshi au musée Guimet (MNAAG, Paris) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr :

L'exposition Araki Nobuyoshi 

L'exposition des photographies d'Araki, le maître japonais du bondage, ne passe pas inaperçue dans un musée comme le Musée National des Arts Asiatiques - Guimet où la photographie contemporaine n'est pas la première préoccupation même si des artistes vivants sont régulièrement invités à exposer dans certaines salles ou dans la rotonde. 

L'exposition est une rétrospective de l'oeuvre de ce photographe provocateur, célèbre pour ses photos de bondage. Elle s'efforce d'expliquer les origines culturelles de cette pratique sadomasochiste inspirée par les tortures pratiquées dans le Japon ancestral. Araki en a fait un art apprécié dans son pays bien au-delà des sex-shops, écrivent les commissaires de l'exposition. Les photos de nus féminins y sont en nombre, ligotés, suspendus, allongés, repeints, calligraphiés... dans des environnements de studio, des intérieurs ou des extérieurs. Mais les commissaires tiennent à préciser que les visages des modèles savamment ligotés, dans des positions qui ne cachent rien de leur anatomie, n'expriment aucune souffrance ni sentiment (ce qui semble vrai), que les japonais n'ont pas la même relation à la nudité qu'en Occident, que ceci explique cela, bref que c'est de l'art et rien d'autre. Les féministes apprécieront la subtilité. 

Araki est aussi présenté sous un autre jour, celui d'un mari fidèle, aimant passionnément son épouse Yoko qu'il a photographiée chaque jour au cours de sa maladie et jusqu'à sa mort. On n'a pas de raison d'en douter, ses photographies illustrent son amour pour sa compagne même si on peut s'interroger sur leur intérêt artistique. 

L'exposition se termine par une installation inédite Tokyo-Tombeau réalisée par l'artiste pour l'occasion, en forme de testament iconographique, on y retrouve ses obsessions érotiques mais aussi ses thèmes privilégiés. Ce contraste éclaire l'oeuvre de cet artiste qui mêle intimement érotisme, désir, provocation et pulsion de mort, c'est ce qui l'a fait reconnaître. 

L'affiche de l'exposition, qui évite la censure, est plutôt réussie sur le plan graphique, elle évoque les obsessions de l'artiste vis à vis des femmes. 

Malgré toutes ces précautions, on peut néanmoins s'interroger sur les intentions cachées d'une telle exposition qui ne sont peut-être pas étrangères au souci d'augmenter la fréquentation du musée Guimet (MNAAG), d'autres grands musées nationaux parisiens appliquent des recettes comparables en faisant appel au sado-masochisme ou à la prostitution "transcendés" par l'art, c'est un moyen comme un autre de faire des recettes en période de restrictions budgétaires publiques. 

Exposition rétrospective de l'oeuvre du photographe japonais Araki au musée national des arts asiatiques - Guimet www.guimet.fr/fr/expositions/expositions-a-venir/araki

[dalbera]

(via https://www.youtube.com/watch?v=lt0FVX9qyvM)

Céret, cité catalane, son patrimoine naturel et culturel avec le musée d'art moderne et le MuSIC, musée des instruments et des cultures du monde.

[dalbera]

Double Je. Artisans d'art et artistes (Palais de Tokyo) par Jean-Pierre Dalbéra Via Flickr : Double Je. Artisans d'art et artistes 

Exposition Chapitre 4 Labyrinthe (détail), La salle symbolise le subconscient de l'artisan d'art

Oeuvres de : - Anthill art, fourmillière moulée en aluminium, 2014 - Eudes Menichetti, Corde, 2013 - Janaina Mello Landini, Ciclotrama, 2016 - Mathias Kiss, Golden Snake, 2016 

Exposition réalisée avec le soutien de la fondation Bettencourt Schueller Commissaire : Jean de Loisy, Commissaire associée : Bethsabée Attali, Scénographe : Pascale Consigny Palais de Tokyo www.palaisdetokyo.com/fr/exposition/double-je 

------------ 

Les expositions des travaux d’artisans d’art ne sont souvent qu’une succession de vitrines et d’objets dont les scénographes peinent souvent à faire percevoir la continuité et les liens. On y admire la virtuosité et la créativité des artisans d’art pour transformer et assembler les matériaux les plus divers et souvent inattendus sans pour autant parvenir à en saisir la genèse. 

La nouvelle exposition du Palais de Tokyo «intitulée « Double Je. Artisans d’art et Artistes » propose une toute autre approche. Le commissaire Jean de Loisy, également directeur du Palais de Tokyo, et la scénographe Pascale Consigny ont fait appel à un écrivain Franck Thilliez qui a imaginé une nouvelle servant de fil directeur à l’exposition. Un artisan d’art Ganel Todanais, qui s’est livré à la police, vient de tuer son rival Natan de Galois « dont certaines oeuvres paraissaient inspirées des siennes ». Mais l’enquête policière piétine car le corps est introuvable. 

Le visiteur apprend le drame en entrant dans l’exposition qui est présentée comme le domicile et l’atelier de la victime. Les lieux viennent d’être étudiés par la police scientifique. Au fil du parcours, le visiteur découvre un appartement, l’atelier de Natan, son garage, un labyrinthe (celui de son subconscient), mais aussi l’atelier de l’assassin, puis un espace cinéma où il comprend alors que l’un et l’autre ne font qu’un. Natan et Ganel ne sont que les deux faces d’un même artisan d’art, Natan est sa partie publique et communicante, Ganel est sa partie créatrice, secrète, intime et imprévisible. 

Les pièces traversées par le visiteur lors de sa déambulation sont remarquablement scénographiées, elles montrent des réalisations de nombreux artistes et artisans de toutes les spécialités et reconstituent leurs ateliers de manière très réaliste. On prend un grand plaisir à voir cette exposition d’artisanat d’art et de créations contemporaines dont l’équipe rassemblée par le commissaire Jean de Loisy a su renouveler le genre. Le Palais de Tokyo a pu monter cette exposition « Double Je » grâce au soutien de la fondation Bettencourt Schueller qui depuis 15 ans valorise les métiers d’art français et favorise leur rayonnement.

[dalbera]

En raison de leur position stratégique en Méditerranée, les îles maltaises possèdent, depuis l'Antiquité, un patrimoine culturel cosmopolite, mais les Maltais donnent aujourd'hui l'impression de n’attacher de l’importance qu’à la dernière période d’influence, c'est à dire à celle de l'occupation anglaise.

A partir de 1090, en chassant les Arabes, les Normands apportent à Malte les éléments fondateurs de la culture latine et de la foi chrétienne. L'influence française commence elle en 1530 quand le Grand Maître français Philippe Villiers de l’Isle Adam y implante l’Ordre des Chevaliers de St Jean de Jérusalem. Durant la période de domination des Chevaliers – jusqu’en 1798 −, douze Grands Maîtres sont français sur un total de vingt-huit. Ils fondent des villes et construisent de nombreux bâtiments publics. Ils lèguent aussi aux Maltais une tradition administrative, un fort penchant pour le commerce, et le rêve de bâtir une Nation. De 1798 à 1800, la brève période républicaine française leur apporte notamment le premier journal de Malte et un projet d'instruction publique élémentaire.

Mais après Bonaparte, Malte devient une colonie britannique. Les Anglais lui laissent un patrimoine social, politique, économique plus étendu et durable mais ils tentent de freiner la poussée vers l’indépendance qui n'aboutit qu'en 1964.

La déambulation dans la ville de la Valette à Malte, que propose l'audioguide réalisé par l'auteur sur la plateforme izi Travel, attire l'attention sur 18 éléments parmi les plus significatifs de son patrimoine culturel et architectural. Il souligne le cosmopolitisme ambiant et rappelle les apports de la France qui sont souvent passés sous silence dans les guides touristiques.

Adresse de l’audioguide sur La Valette sur la plateforme izi Travel

https://izi.travel/fr/b2ad-la-valette-un-carrefour-des-cultures-d-europe-et-de-mediterranee/fr