Bajo el nombre de Players, y sus distintas acepciones en inglés (juego, deporte, afición), comisariada por Martin Parr y Cristina de Middel, y dentro de la carta blanca diseñada por esta última para PHotoESPAÑA 2018, se exhibe en el Espacio Fundación Telefónica de Madrid la exposición Players. Los fotógrafos de Magnum entran al juego.
Elliot Erwitt, centenario Torre Eiffel, 1989.
Una muestra con cerca de 200 fotografías de más de 20 fotógrafos procedentes del archivo de la agencia Magnum con el objetivo de sacar a la luz imágenes en las que el juego es el protagonista, ya sea en la acción que describe la imagen como en la propia actitud lúdica del fotógrafo, y en la que vemos trabajos alejados de lo que nos tiene acostumbrados la prestigiosa agencia fotográfica.
Bruce Davidson, Elliot Erwitt, Cristina García Rodero, Guy Le Querrec, Martin Parr, Paolo Pellegrin, Matt Stuart Alex Webb, son algunos de los fotógrafos de las imágenes de la exposición.
Cristina de Middel, comisaria de la exposición durante la rueda de prensa de presentación.
Martin Parr durante la visita a la exposición.
Presentación en el Espacio Fundación Telefónica
En su vigésimo aniversario, el festival ha concedido a De Middel carta blanca para comisariar cinco exposiciones entre las cuales se encuentra esta y que se podrá visitar hasta septiembre.
Catarsis fue la palabra que más repitió el director escénico y artista plástico Jan Fabre en la presentación, en los teatros del Canal de Madrid, Monte Olympus, obra multidisciplinar de 24 horas ininterrumpidas de representación.
Inspirada principalmente en la mitología griega y recrea las fiestas de las Grandes Dionisisas, el mayor festival dramático de la Antigüedad, en honor al dios Dionisio, donde se convocaba a tres poetas trágicos y, durante una jornada, del amanecer al atardecer, cada uno debía representar cuatro obras: tres tragedias y, para concluir un drama satírico.
El proceso de creación y el resultado final supuso muchas dudas para los productores, pero no para Fabre.
Un proceso que hoy en día es muy difícil, sobre todo por la presión del tiempo y los presupuestos que se manejan ahora.
Cuarenta personas trabajando durante 12 meses desde las once de la mañana hasta las tres o cuatro de la mañana y con la gran duda de si el público iba a aguantar hasta el final de la obra.
Monte Olympus se ha representado en 17 ciudades distintas desde su estreno, entre las que se incluyen Berlín, París, Sevilla, Belgrado, etc.
Durante la representación la gente habla, duerme, aplaude, grita y se queda hasta el final ovacionando a los bailarines y actores.
Una experiencia a la vez personal y colectiva con la que Fabre y su compañía Troubleyn cumplen 30 años.
El evento teatral del año sin duda, como lo calificó la directora de los Teatros del Canal, Natalia Álvarez Simó.
“La desnudez va sobre la intimidad. Una especie de viaje. El viaje de una pareja, de como se relaciona. Es un viaje, de alguna manera, hacía la muerte. Una muerte que en realidad no significa morir sino que significa un cambio. Significa tomar decisiones y cambiarse el traje.”
“La obra se plantea preguntas. Sobre todo qué sostiene las cosas. Un viaje que comienza en negro y acaba en blanco, acaba en algo etéreo, acaba en humo, literalmente.”
“Se adentra en la relación, no en la conducta, si no en lo que mueve la conducta.”
“El síntoma no nos interesa. El síntoma es la herramienta que usamos para transmitir, pero lo que estamos intentando es abrir el universo y verlo desde un punto de vista más sistémico.”
“La obra no pretende la literalidad. Se apoya en un discurso filosófico y crea imágenes que hacen referencia a la simbología del ser humano”
El cuerpo como instrumento de expresión – Juan Yuste
Tomando su propio cuerpo como instrumento de expresión e inspirándose en su propia vida, en su entorno y en quienes le rodean, Juan Yuste se vale del teatro experimental, la performance, la poesía y la fotografía para contarnos lo que vive, siente y piensa y mostrarnos su universo personal.
Técnicas manuales y digitales para mostrar la belleza – Robert Tirado
Valiéndose de la ilustración, el diseño gráfico, el arte gráfico y el vídeo, el ilustrador Robert Tirado crea imágenes donde la belleza y lo estético cobran relevancia.
Con clientes en el campo de la moda, la música y el campo editorial y de la publicidad, sus trabajos han sido publicados en importantes medios impresos y expuestos en Berlín, Londres, California y Buenos Aires.
A continuación podemos escuchar y ver algo sobre su trabajo.
Hace ya algún tiempo colgué un adelanto del vídeo que estaba realizando sobre el bailarín Lucio Vidal.
He seguido buscando que enfoque darle. He agregado cosas, he eliminado otras. Le he dado mil vueltas a las imágenes, a la música y a los textos y finalmente lo he terminado.
Cuando estás tan involucrado en un proyecto es difícil ponerle fin, porque siempre lo habrías hecho mejor. Nunca quedas satisfecho. Pero finalmente está aquí.
La carrera de Lucio ha seguido evolucionando, sigue en Berlín bailando para el Staatballett Berlin, bajo la dirección artística de Nacho Duato, y sigue regalándonos su gran presencia escénica.
Sirva esto para conocerlo un poco mejor y verlo bailar.
Creador de mundos pequeños con grandes significados – Juan Pablo Rada
Con materiales sencillos como el papel, cartón, la acuarela o el gouache, el ilustrador, diseñador gráfico y director de arte Juan Pablo Rada, construye obras únicas en forma de maquetas para colgar en la pared, confiriéndoles una cualidad pictórica y ubicándolas fuera del contexto del simple montaje de elementos prefabricados.
Compuestas por múltiples capas narrativas y llena de referencias literarias, históricas y cinematográficas, la obra del artista muestra su sensible, complejo y comprometido universo personal.
Hasta el 1 de julio se puede ver, en la galería Kikeller de Madrid, (Corredera baja de San Pablo, 17) una selección de su trabajo bajo el título de Autogeografías.
Antonio de Rosa y Mattia Ruso son bailarines y coreógrafos y forman parte de la Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección de José Carlos Martínez.
En el año 2012 comienzan, junto con las también bailarines y coreógrafos Giuseppe de Agostino y Diego Tortelli, lo que se ha convertido ahora en KOR'SIA.
KOR'SIA nace de la necesidad de comunicarse a través del cuerpo y hacerse visibles como creadores e intérpretes. Funcionando como laboratorio de creación y compañía de danza, han surgido varías piezas cortas con las que han participado en diversos festivales europeos y ganado varios premios también.
Cul de sac, estrenada el año pasado, es su primera pieza de 50 minutos y con siete bailarines.
Inspirada en la obra del escultor español Juan Muñoz, “El título de la pieza es orientativo de su universo conceptual: a saber, los límites físicos y mentales que se oponen a los deseos de realización de todo ser humano. La danza asume cierto carácter narrativo y nos presenta una comunidad de seres confinada entre cuatro paredes, obligada a un pacto social, pero, sobre todo, a hallar la libertad en su fuero interno”.
Cul de sac se presenta el próximo 27 de mayo, en el teatro Municipal de Coslada.
CND Nippon Koku de Marcos Morau
¿Qué es Kor’sia?
Antonio de Rosa: Kor’sia parte de un laboratorio de creación. Es una búsqueda donde estamos constantemente actualizándonos. Es una compañía fundada por Mattia Russo, Giuseppe de Agostino, Diego Tortelli y yo. El proceso de laboratorio lo llevamos Mattia Russo y yo.
Mattia Russo: Es un Intercambio de ideas. Una búsqueda de un estilo propio y una manera de intentar contar algo con todo esto.
Kor’sia es todo esto. Es un mix de artistas, que se mezclan entre ellos para dar forma a algo nuevo, algo creativo.
AdR.: Nosotros hemos hecho el mismo camino. Los cuatro hemos estudiado en la Scala de Milán. Desde entonces empezamos a crear nuestro mundo.
Después de la escuela, cada uno ha ido recogiendo diferentes informaciones. Hemos trabajado con coreógrafos y compañías diferentes y ahora, al llegar a nuestra edad, ha sido encontrarnos y compartir la información que cada uno tenía. Esto dio forma a nuestra manera de trabajar. Como poder plasmar toda esta información entre los cuatro y crear, a la vez, algo nuevo, algo nuestro.
CND Descamino de dos de Mattia Russo y Antonio de Rosa
¿El nombre Kor’sia de dónde viene?
M.R.: El nombre Kor’sia viene del italiano. Corsia es un camino. Para nosotros ha sido darle un nombre a un camino que estamos haciendo juntos y que nos lleva a un lugar. Kor’sia significa ese camino, hacía ese lugar.
Un camino que hemos empezado cuatro, pero que poco a poco se va ampliando.
¿Cul de sac, qué es, de dónde viene, qué la inspira?
AdR: Cul de sac es un callejón sin salida, literalmente.
Está inspirada en la obra del escultor español Juan Muñoz y sus instalaciones. Estuvimos viendo su obra en el HangarBicocca de Milán. Cuando entramos nos quedamos fascinados por el mundo que el propio Juan Muñoz había creado con sus estatuas.
Son unas estatuas grises, bajitas de un metro veinte. Ya hay una diferencia entre la estatura del ser humano y la estatua y están posicionadas de tal forma, que cuando entramos allí nos vimos a la cara y pensamos lo mismo: “es tan coreográfico”.
M.R.: Desde ahí empezamos a construir nuestro mundo. A partir de la estética de Juan Muñoz. De todas sus referencias coreográficas, de como coloca las estatuas.
Y empezamos con nuestra dramaturga, María Velasco, a encontrar nuestra historia dentro de todo esto. Para nosotros es un poco un reflejo de la sociedad. Un sitio de donde no se puede salir y que esa gente está anclada en este mundo y poco a poco empieza a relacionarse y van pasando cosas. Hasta que se dan cuenta de que de este sitio no se puede salir. Hay una evolución en la pieza, pero luego se vuelve atrás. Porque los personajes se dan cuenta que de ahí no se puede salir. Es como un reflejo de nuestra sociedad, que no podemos salir. Hoy en día no podemos estar sin móvil, sin tele, sin información. Sin comunicarnos con nuestros amigos. Es un poco eso. Estamos en una sociedad sin salida.
¿Cul de sac es una residencia con la CND?
M.R.:Cul de sac ha crecido con la CND. Gracias a José Carlos Martínez que nos ha dado la oportunidad de utilizar los espacios de la CND. Es un proyecto que se llama Residencia de Creación. Hemos estado de residencia unos meses en la CND y gracias a esto hemos podido realizar nuestro proyecto.
¿Esta es la primera pieza creada por Kor’sia o hay otras?
AdR.: Esta es la primera de 50 minutos. Tenemos otros trabajos que son de diez minutos. Son pasos a dos, cuartetos, tríos. Pero este es el primer trabajo de 50 minutos, con siete bailarines. Un formato un poco más amplio.
¿En general, qué os inspira para crear vuestro trabajo?
M.R.: Somos un poco esponja. Todo lo que pasa en el mundo. Cogemos del cine, de la fotografía, de la pintura, del teatro. De hecho Cul de sac es muy teatral. A parte de tener mucha danza, es muy teatral. Aparte de eso, como somos de formación clásica, intentamos deconstruir el código clásico, deformarlo. Deconstruirlo completamente y encontrar nuevas formas, explorar los limites.
Home de Antonio de Rosa y Mattia Russo en La Pensión de las pulgas
¿Qué lugar ocupa la danza en vuestra vida?
M.R.: Es parte de nuestra vida. Está siempre porque empezamos por la mañana y acabamos por la noche. Es algo que tienes dentro y que te acompaña. Siempre puedes ver la danza en cualquier cosa de tu vida. En nuestro caso ha empezado como un juego, de pequeños, y luego se ha convertido en un trabajo. Es algo que está presente pero que en realidad no te das cuenta. Es algo tan normal, porque hemos crecido con ella. Desde los catorce años hasta ahora.
AdR.: Ocupa mucho tiempo de nuestra vida. La danza nos hacer mover de ciudad en ciudad. La danza es la que nos tiene hasta las diez de la noche en una sala de ensayos. La danza en realidad está muy presente, pero no llegaría a decir que la danza es mi vida. Consigo todavía separar mi vida de la danza. Es mi trabajo.
¿Qué piensas cuando bailas, que te pasa por la cabeza?
M.R.: Depende de lo que baile, eso ante todo. Se supone que, el movimiento, después de tantas repeticiones y tantos ensayos, el cuerpo tiene su memoria, entonces ya viene solo. No hace falta contar. Aunque depende, hay piezas donde sigues contando y otras donde te dejas completamente y vives la emoción que la música te da, que la coreografía te da.
A mi alguna vez me pasa de entrar y salir de todo eso porque hay partes en las que necesito más concentración y estoy más con los pasos. Y otras donde me dejo completamente libre. Te olvidas de todo y simplemente bailar.
AdR.: Cuando él dice simplemente bailar, es muy difícil de explicar. Es que puedes poner tu atención en muchísimas cosas. Probablemente mi cabeza está, no vacía, pero sin pensar en nada. Es decir, está más con mi cuerpo, escucha. Está a la escucha de estos movimientos que llevo ensayando hace meses y es ahí donde mi cabeza tiene que dejar de pensar y es mi cuerpo quien tiene que actuar. Probablemente mi cuerpo se deja al disfrute de la pieza.
Pero no todas las piezas te dejan disfrutar. Hay muchas piezas que estás pendiente de una escenografía, de estar en la música, porque igual es demasiado rápido. O una pieza grupal, donde tienes que estar pendiente de todos juntos para ser uno mismo.
CND Nippon Koku de Marcos Morau
¿Qué es la creatividad para ti?
M.R.: La creatividad es una manera de llegar al fondo de tu alma y poder expresar lo que tienes dentro, lo que eres.
AdR.: La creatividad para mí es imaginación. Todo ser humano tiene imaginación. Lo único es que el artista puede plasmar esa imaginación y compartirlo con los demás.
¿En qué proyectos estáis trabajando?
M.R.: Estamos trabajando en una nueva pieza que tiene como título provisional The Lamb (El cordero) y se estrenará en Roma, en noviembre de este año. De nuevo recurrimos a la danza contemporánea como código para interrogarnos acerca de la situación actual, pero poniendo el acento en cuestiones más metafísicas, como la vida y la muerte.
Pina Bausch es considerada una de las pioneras de la danza teatro y una de las coreógrafas más influyentes del siglo XX.
Junto a su compañía desarrolló una forma de danza teatro que se ha convertido en un género en sí mismo.
Pina Bausch und das Tanztheater es la exposición que sobre la trayectoria de la coreógrafa se presenta ahora en el Martín Gropius Bau de Berlín.
La exposición nos sumerge en el trabajo de la coreógrafa centrando la atención, no solo en las actuaciones, sino sobre todo en los fundamentos de su obra como coreógrafa, su método de trabajo, su práctica creativa y las personas que la han acompañado.
Una extensa colección de material documental del archivo de la Fundación Pina Bausch, que incluye vídeos, fotografías, carteles, programas de mano, vestuario; forman parte de la muestra.
El centro de la exposición es una réplica del Lichtburg, la legendaria sala de ensayos en un antiguo cine en Wuppertal, en el que desarrolló gran parte de sus piezas en colaboración con sus bailarines.
Durante la exposición, miembros de la compañía introducen a los visitantes en el mundo de la danza de Pina Bausch enseñándoles pequeños trozos de coreografías de la compañía.
Performances, workshops de danza, ensayos públicos, films, conferencias y mucho más, transforman la sala de ensayos en un espacio vibrante y participativo para los visitantes.
Este vídeo es un pequeño resumen de mi visita a la exposición, el pasado septiembre, donde pude introducirme en el mundo creativo de Pina Bausch.
La historia del pianista británico James Rhodes (Londres, 1975) es sobrecogedora. De los cinco a los nueve años fue violado por su profesor de gimnasia. El trauma provocado por esto condicionó su temprana vida adulta llevándole a autolesionarse, a ingresos en hospitales psiquiátricos, consumo de drogas, intentos de suicidio, el divorcio de su primera esposa.
Pero la música clásica, de la mano de Chopin, Beethoven, Bach o Rachmaninov, cuyo nombre lleva tatuado en cirílico en su brazo derecho, se convirtió en su refugio y le salvo la vida.
Hoy James Rhodes se ha convertido en un reputado pianista y divulgador de la música clásica.
En sus conciertos, Rhodes comparte parte de su vida junto a anécdotas sobre los compositores de las piezas que toca. Creando un ambiente cercano y relajado, basado en el estilo del stand up y vistiendo vaqueros y zapatillas y con el pelo alborotado.
La atormentada historia de su vida y, como pudo superar todos estos obstáculos, la cuenta con una franqueza desarmante en su autobiografía, Instrumental: Memorias de música, medicina y locura, publicado por Blackie Books.
Ilustrador, Diseñador gráfico, Director de arte pero, sobre todo, un artista sensible. El trabajo de Juan Pablo Rada es siempre minucioso, estético y comprometido.
Su nuevo proyecto está enfocado a la realización de maquetas artísticas en miniatura creadas a partir de cartón, papel, guache y otros materiales y que se alimentan de su universo personal y la obra de otros creadores. Piezas únicas pensadas para colgar en la pared, como cuadros, logrando con el cambio de perspectiva una cualidad pictórica y ubicándolas también fuera del contexto del simple montaje de elementos prefabricados.
Una de ellas, El Retablo de los inocentes, está expuesta ahora en el Circuito off del Festival Capital Animal. Una plataforma plural de arte, cultura y pensamiento para proponer, gestionar y recibir proyectos centrados en la concienciación sobre los derechos de los animales.
Creo que deambulart y la idea de hacer algo relacionado con Lucio surgieron al mismo tiempo. Llevo unos años conociéndole, viéndolo bailar y captando con mi cámara su desempeño sobre el escenario. Siempre había querido, con todo ese material, hacer algo; una historia que contara algo sobre él.
Ha sido un proceso largo, que he dejado reposar un tiempo y que he mimado, porque quería que fuera algo especial. Espero haberlo logrado.
Desde la última vez que grabamos ha pasado un tiempo y la vida y la carrera de Lucio han seguido evolucionando. Ha pasado de bailar en Madrid (Compañía Nacional de Danza) a hacerlo en el Staatballett Berlín, de nuevo bajo la dirección de Nacho Duato. Lucio ha adquirido una madurez al bailar que le aportan una mezcla de fuerza y sensualidad que le hacen destacar en el escenario.
Por ahora esto es solo un adelanto. Pronto el vídeo completo.
