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Scienza & Tecnologia - Grafica & Design

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Human operator: il dispositivo che guida i tuoi movimenti

Human Operator è il dispositivo sviluppato dagli studenti del MIT che utilizza l’intelligenza artificiale e la stimolazione muscolare per muovere la tua mano. Scopriamolo insieme. “We gave AI a body”

Il progetto del MIT

Il dispositivo indossabile è attualmente solamente un prototipo, sviluppato da un team di studenti del MIT in 48 ore, durante un hackathon. Un hackathon è, infatti, una maratona creativa e collaborativa, durante la quale diversi team si sfidano tra di loro per sviluppare, in un tempo limitato, un prototipo pensato per un problema specifico.

Human operator È proprio il caso di Human Operator, che ha partecipato e vinto al hackathon MIT Hard mode 2026, grazie a un formidabile team di 6 studenti dell’ateneo. Il team è così composto: Peter He, Ashley Neall, Valdemar Danry, Daniel Kaijzer, Yutong Wu e Sean Lewis. Human Operator integra modelli di intelligenza artificiale, telecamere e hardware per la stimolazione muscolare. “Human operator è un prototipo. Non è un dispositivo medico né un prodotto di consumo. I sistemi EMS possono essere pericolosi se utilizzati in modo improprio e richiedono calibrazione, cautela e consenso informato”.

Cos’è Human Operator

“Human operator è uno strumento di potenziamento umano che consente all’intelligenza artificiale di assumere brevemente il controllo del tuo corpo per aiutarti ad apprendere o a svolgere attività che altrimenti non saresti in grado di fare”. Il dispositivo guida la nostra mano, grazie agli input dell’intelligenza artificiale e agli impulsi della stimolazione muscolare. Nel video dimostrativo si vede il dispositivo guidare le mani delle persone che lo indossano per salutare, fare il gesto dell’ok e, addirittura, suonare alcune note al pianoforte.

Come funziona

Il team ha spiegato il funzionamento del dispositivo nello specifico. Grazie a un sistema di telecamere e a un modello visione linguaggio, esso analizza l’ambiente e trasforma i comandi vocali dell’utente in azioni, stimolando i muscoli del braccio dell’utente.

Human operator I modelli VLM (modello visione linguaggio) sono sistemi di intelligenza artificiale addestrati per elaborare le immagini e il linguaggio in modo integrato. Siccome Human Operator integra uno di questi modelli VLM, esso è in grado di interpretare le richieste vocali dell’utente e analizzare ciò che vede nell’ambiente circostante attraverso la telecamera. Una volta analizzate le diverse informazioni il dispositivo sceglie quali azioni compiere. Il dispositivo indossabile dispone di una serie di cuscinetti per la stimolazione elettrica muscolare (EMS), applicati al polso e all’avambraccio. Gli stimoli elettrici guidano il braccio e la mano dell’utente nei movimenti.

A cosa serve Human Operator

Al momento il modello è solo un prototipo realizzato per l’hackathon, ma ciò che lo rende davvero convincente è il fatto che sia costituito da tecnologie già ampiamente utilizzate ed avanzate. L’EMS è già ampiamente utilizzata nella terapia e nell’allenamento atletico per aiutare nella riabilitazione. E anche i modelli VLM sono già un modello di intelligenza artificiale all’avanguardia e ampiamente utilizzato. Nel concreto Human operator è stato pensato come un dispositivo in grado di aiutare nei movimenti precisi, per un apprendimento istantaneo di attività complesse, come suonare uno strumento musicale, tracciare disegni o compiere gesti tecnici. Esso può, inoltre, essere impiegato nella riabilitazione e nella fisioterapia, per assistere i pazienti nel compiere i corretti movimenti durante le sessioni di recupero motorio.

Human Autonomy Teaming

Ciò che spaventa è la possibilità di controllare da remoto i dispositivi indossabili, trasformando gli esseri umani in macchine contro la loro volontà. Tuttavia, non siamo su quella direzione. Il concetto di Human Autonomy Teaming, che studia come esseri umani e intelligenze artificiale possano collaborare, è un campo in forte espansione e Human Operator è solo una delle tante idee che lo mettono in pratica.

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Gli origami di Mademoiselle Maurice

Mademoiselle Maurice è un’artista francese che, dopo un periodo trascorso a Tokyo, si specializza nell’arte dell’origami e oggi incanta con le sue incredibili opere di carta.

Chi è Mademoiselle Maurice

Mademoiselle Maurice è un’artista francese, nata e cresciuta sulle montagne dell’Alta Savoia. Studia architettura a Lione, per poi trasferirsi a Ginevra e poi a Marsiglia.

Mademoiselle Maurice Dopo queste esperienze decide di partire per il Giappone, dove si stabilisce per un anno, prima di ritornare in Francia, dove attualmente vive e lavora. Maurice vive tra Parigi e Marsiglia, dove sviluppa e crea le sue opere colorate e dinamiche.

Da Parigi a Tokyo

È proprio dall’esperienza di vita a Tokyo che nascono le opere dell’artista francese. Qui non solo apprende l’arte dell’origami, ma sviluppa anche un profondo legame con il paese del Sol Levante e, in particolar modo con alcuni eventi che hanno segnato il Giappone. Le sue prime opere sono state composte in memoria dei tragici eventi dell’11 marzo del 2011 (terremoto, tsunami e disastro della centrale nucleare di Fukushima). Le sue opere sono basate sulla leggenda delle 1000 gru e sulla storia di Sadako, una bambina che ha vissuto la tragedia di Hiroshima.

L’arte dell’origami

L’origami è l’antica arte giapponese di piegare la carta, per creare figure bidimensionali e tridimensionali. Il termine origami deriva dalle parole oru (piegare) e kami (carta). L’arte dell’origami prevede l’utilizzo di un singolo foglio di carta e non è consentito l’utilizzo di forbici e colla.

Mademoiselle Maurice Quest’arte non è semplicemente un hobby o un passatempo, nella cultura giapponese esso è legato a qualcosa di molto più profondo. Gli aspetti fondamentali di questa disciplina sono: - Pazienza e concentrazione: per creare le opere di carta occorre calma e concentrazione, trasformando questa pratica in un’attività di mindfullness. - Rispetto dei materiali: il foglio di carta non viene compromesso in alcun modo, non viene tagliato né alterato, ma né vengono esaltate al massimo livello le sue potenzialità. - Sacro: gli origami sono legati alla religione shintoista, dove la carta veniva un tempo considerata sacra.

Le opere di Mademoiselle Maurice

Le opere di Mademoiselle Maurice non si limitano a ricreare piccole gru di carta. Esse utilizzano il riciclo come forma d’arte e, oltre alla carta, l’artista utilizza vernici, metalli, fili.

Mademoiselle Maurice Le opere vengono esposte in giro per la città, colorate e vivaci, spezzando il grigiore dell’ambiente urbano. Sebbene queste opere sembrano leggere e vivaci, il cui scopo principale è quello di portare allegria e positività, il lavoro dell’artista è, in realtà, anche una profonda analisi interiore sulla natura umana e sul rapporto tra gli esseri umani e l’ambiente circostante. Le sue installazioni sono per lo più grandi opere urbane di street art, le quali coprono intere facciate di edifici e spazi pubblici. Spesso l’artista coinvolge le comunità locali, per realizzare le sue opere più grandi. In questo modo scuole o centri di accoglienza si ritrovano a piegare decine di migliaia di piccoli origami, diventando parte integrante dell’opera e di un progetto più grande di inclusione e comunità.

Le installazioni più famose

Tra le installazioni principali dell’artista troviamo la Cycle Lunaires, a Parigi, un’enorme murales realizzato con più di 15000 origami. Nel corso degli anni Mademoiselle Maurice ha portato le sue opere in tutto il mondo: Italia, Germania, Olanda, Svezia, Norvegia, Cina, Vietnam, Australia, USA, Singapore, Messico, Slovacchia, Portogallo, Giappone, Arabia Saudita, Inghilterra, Belgio, Grecia. La maggior parte delle installazioni sono temporanee. Le uniche installazioni permanenti sono quelle presenti nella Basilica di Saint Quentin (Francia), alla stazione di Maryland a Londra e San Potito, in Italia.

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Kusan City of Wolves in uscita a luglio

Kusan: City of Wolves è uno sparatutto hardcore con visuale dall'alto che fonde combattimenti tattici serrati, una narrazione neo-noir e una città pericolosa quanto i suoi abitanti. Combatti contro bande di spacciatori, soldati corrotti e sensitivi con secondi fini. È un gioco violento, ma che si concentra su tempismo, movimento ed efficienza, senza prendersi troppo sul serio nella sua storia cyberpunk antropomorfa. Vestirai i panni di Jin, una pantera veterana delle forze speciali, segnata dalle cicatrici, richiamata in servizio per proteggere una potente psichica di 11 anni dal Sindacato Lunare in rivolta. Potrete giocarci dal 30 luglio 2026 su: PC, PS5, Xbox One e Xbox X|S. 

Kusan City of Wolves: senza esclusione di colpi

Armato di un pugno cibernetico, un coltello da lancio tecnologicamente avanzato e una semplice pistola, dovrai farti strada tra stanze piene di nemici senza subire un solo colpo. Alcuni nemici possono solo colpirti con pugni, mentre altri sparano da una distanza maggiore, rilasciando munizioni una volta eliminati. Avanzando nelle stanze, guadagnerai dardi in base alla velocità con cui elimini i nemici e all'accumulo di combo. Questi dardi offrono potenziamenti per le armi, come la possibilità di lanciare porte contro i nemici con i pugni, recuperare automaticamente il coltello dopo l'uso e aumentare la velocità di fuoco. Potrai anche sbloccare nuove armi da fuoco per sostituire la pistola, come un fucile a pompa, che presentano diversi vantaggi e svantaggi, come precisione e dispersione dei colpi. Il risultato è un gioco basato su movimenti tattici e velocità, in cui è fondamentale eliminare i nemici prima che possano attaccare. Il modo migliore per farlo è concatenare rapidamente attacchi a corto, medio e lungo raggio, costringendoti a pensare velocemente in ogni momento. La storia a fumetti con personaggi animali ambientata in una città cyberpunk rende il gioco un'esperienza complessivamente unica.

Il gioco è giocabile dai 13 anni di età.

La storia

Questo non è un incarico come un altro. Una ragazza misteriosa, dotata di un potere immenso ma incontrollabile, è coinvolta in una violenta cospirazione che minaccia di sconvolgere gli equilibri di potere. Mentre il caos dilaga, Jin deve salvare la ragazza, confrontarsi con il suo passato e con il tradimento di un comandante di cui un tempo si fidava ciecamente. A Kusan tutti vogliono qualcosa e nessuno gioca lealmente. Per Jin, c'è solo una via d'uscita: una pianificazione impeccabile, un'esecuzione spietata e la salvezza della ragazza dai criminali, affidandosi unicamente al suo ingegno e alla sua incrollabile volontà per sopravvivere sul campo di battaglia. Con l'intera città in pericolo, Jin sa che è giunto il momento non solo di fare pulizia, ma anche di ristabilire l'equilibrio.

Giocherai attraverso 54 livelli.

Caratteristiche del gameplay

Combattimento hardcore dall'alto con stile: padroneggia un gameplay brutale e preciso, dove ogni movimento conta e i punti stile sono reali. 54 livelli brutali creati a mano: affina le tue abilità attraverso 54 livelli intensi suddivisi in più capitoli, che includono enigmi basati sulle abilità, sfide e l'ambito grado S per i perfezionisti. Battaglie contro boss bestiali: affronta nemici imponenti con meccaniche di gioco uniche e schemi ad alto rischio. Impara, adattati ed esegui le tue mosse per sopravvivere a questi duelli cinematografici che mettono a dura prova tempismo e tattica. Crea l'arsenale letale perfetto: ottimizza e improvvisa. Concatena uccisioni e parate per raggiungere uno stato di flusso che ti farà guadagnare bulloni per potenziare la Mano da Guerra, sbloccare armi da fuoco e lame e personalizzare l'equipaggiamento in base al tuo stile di gioco. Colonna sonora adrenalinica: immergiti in una colonna sonora carica di adrenalina firmata dall'artista hip-hop Loptimist, che ti offrirà dosi massicce di energia a ogni passo. Narrazione in stile graphic novel: segui le missioni di Jin attraverso dinamiche sequenze animate in stile fumetto, con inquadrature nitide e un ritmo cinematografico che raccontano una storia cruda di violenza, corruzione e lealtà tradite. Atmosfera neo-noir: esplora la metropoli in pixel art inzuppata dalla pioggia, dove Jin è pronto a oltrepassare ogni limite per salvare la ragazza.

Kusan City of Wolves sta arrivando!

Lo sviluppatore indipendente CIRCLEfromDOT e l'editore PQube hanno confermato la data di lancio ufficiale per il 30 luglio 2026.

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Jean-Marie Appriou: in mostra le sculture a Palazzo Strozzi

Jean-Marie Appriou: in mostra "Canto Infinito" le sue sculture a Palazzo Strozzi, visionabili dal 22 maggio al 23 agosto 2026. La mostra riunisce una serie di nuove opere dell'artista francese, offrendo una panoramica della sua ricerca, oggi considerata tra le più innovative della scultura contemporanea. La sua pratica artistica si contraddistingue per la costante sperimentazione con i materiali, tra cui alluminio, bronzo, vetro, argilla e cera. Attraverso un approccio profondamente materico e sensoriale, l'artista dà forma a figure sospese in una dimensione indefinita tra umano, animale e vegetale. Il suo immaginario visivo trae ispirazione da miti antichi , fantascienza e cultura contemporanea: cavalli, serpenti, creature marine e creature ibride. Che popolano un universo simbolico in cui le forme sembrano oscillare tra acqua e terra, luce e oscurità, stabilità e trasformazione.

Il giovane scultore è molto apprezzato.

Jean-Marie Appriou: Canto Infinito

Il titolo della mostra evoca l'idea di un movimento perpetuo, privo di origine e di conclusione, rievocando una realtà in cui tempo, materia e immaginazione sono in continua trasformazione. Concepite come momenti di un unico percorso, le opere esposte rimandano al patrimonio culturale e simbolico della Divina Commedia. La ricerca di Appriou si intreccia inoltre con una vasta rete di riferimenti letterari e mitologici , che non si presentano come citazioni statiche, ma come presenze vive, incorporate nella materia delle sculture e fuse all'interno del percorso espositivo. Jean-Marie Appriou. CANTO INFINITO è promosso e organizzato dalla Fondazione Palazzo Strozzi di Firenze. Il progetto riunisce una selezione di nuove opere create appositamente per gli spazi fiorentini e ribadisce il ruolo del Project Space come luogo dedicato alla ricerca contemporanea e ai progetti site-specific. Sul sito ufficiale si legge: Il punto di partenza della mostra “CANTO INFINITO” per il Project Space di Palazzo Strozzi è la figura di Dante Alighieri e la sua “Divina Commedia”. Per Jean-Marie Appriou, il poema dantesco non è un modello da illustrare, ma una “matrice vivente” e un orizzonte culturale da cui trarre visioni popolate da esseri ibridi e paesaggi mutanti. “CANTO INFINITO” evoca l’idea di un flusso continuo senza inizio né fine, un viaggio iniziatico attraverso diversi stati dell’essere dove la scultura dialoga con i mondi visionari di William Blake, le cosmologie di John Milton e le suggestioni dell’antico Egitto. Una mostra che vi consigliamo caldamente, se vi trovate a Firenze. Ci sono delle sculture meravigliose e questo giovane artista, se non lo conoscevate prima, merita di essere scoperto. Se amate le sculture, non potete assolutamente perdervi questa esposizione meravigliosa al Palazzo Strozzi.

Twins of Gemini.

Conosciamo meglio l'artista

Nato a Brest nel 1986 e residente a Parigi, Jean-Marie Appriou è oggi considerato una delle voci più originali della scultura contemporanea. La sua pratica si contraddistingue per l'uso sperimentale di materiali come bronzo, alluminio, vetro, argilla e cera, attraverso i quali l'artista dà forma a figure sospese tra l'umano, l'animale e il vegetale. Cavalli, serpenti, creature marine, corpi intrecciati ed esseri ibridi popolano un universo visionario in cui mitologie arcaiche, fantascienza, letteratura e cultura contemporanea si fondono in un immaginario stratificato. Il titolo CANTO INFINITO evoca l'idea di un flusso continuo, senza un inizio né una fine definiti, e suggerisce un viaggio in cui materia, tempo e immaginazione sono in costante trasformazione. Centrale in questo senso è il riferimento alla Divina Commedia, che per Appriou diventa non solo una fonte iconografica. Ma un orizzonte simbolico attraverso cui riflettere sui temi della soglia, del viaggio, della metamorfosi e del passaggio tra mondi diversi. In questo senso, Firenze assume un ruolo particolarmente significativo: in quanto città di Dante e luogo in cui la memoria del poema rimane profondamente radicata, diventa il contesto ideale per un progetto che reinterpreta l'eredità dantesca in chiave contemporanea.

Credits: Meer

Energia visionaria

Le sculture di Appriou non illustrano il testo di Dante, ma ne evocano l'energia visionaria. Trasformano lo spazio espositivo in un viaggio attraverso oscurità e luce, corpo e spirito, passato e futuro. Con riferimenti all'Inferno, al Paradiso, alla mitologia egizia e all'iconografia medievale, CANTO INFINITO invita i visitatori a entrare in uno spazio immersivo e contemplativo. Dove ogni opera si presenta come una soglia aperta all'interpretazione.

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Anselm Kiefer Le Alchimiste: tra storia e mito

Anselm Kiefer porta Le Alchimiste a Milano: la memoria femminile a Palazzo Reale tra storia e mito. Dal 7 febbraio 2026, Palazzo Reale ospita Le Alchimiste, una nuova opera site-specific dell'artista. Un monumentale ciclo di trentotto tele dedicate alle figure femminili dell'alchimia, tra storia, mito e scienza, in dialogo con le ferite e la memoria della Sala delle Cariatidi del Palazzo Reale. Un omaggio alla memoria femminile, alla conoscenza celata e alla trasformazione come principio universale. In questo articolo vi raccontiamo non solo il significato dietro a queste opere, ma anche come sono state realizzate.

Potete ammirare queste opere a Palazzo Reale a Milano sino a settembre.

Anselm Kiefer porta Le Alchimiste in mostra a Milano

Dal 7 febbraio 2026, la Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale a Milano ospiterà Le Alchimiste, monumentale progetto site-specific di Anselm Kiefer, tra gli artisti contemporanei più influenti. La mostra si inserisce nel programma culturale legato ai Giochi Olimpici Invernali di Milano-Cortina 2026. Curata dalla storica dell'arte Gabriella Belli , la mostra sarà visitabile fino a settembre 2026 e rappresenta uno degli eventi più attesi della stagione espositiva. Dopo il ciclo di opere create per spazi museali internazionali come il Grand Palais di Parigi e la Biennale di Venezia, Kiefer torna in Italia con un progetto che intreccia mito, storia e identità. Interrogandosi sul ruolo delle donne nella nascita del pensiero scientifico e nella cultura occidentale. Il fulcro della mostra è costituito da trentotto grandi tele concepite appositamente per dialogare con l'architettura e la memoria della Sala delle Cariatidi, luogo simbolico della storia milanese. Lo spazio, segnato dalle ferite dei bombardamenti del 1943, è diventato nel corso degli anni teatro di mostre emblematiche, tra cui quella del 1953 che ospitò la Guernica di Picasso. In questo contesto sospeso tra splendore e rovina, Kiefer costruisce una narrazione pittorica che riflette sul rapporto tra creazione e distruzione, memoria e rinascita.

Kiefer ha uno stile unico, molto riconoscibile e distintivo.

Il motivo dietro al titolo

Il titolo "Le Alchimiste" si riferisce alle figure femminili che, tra il Medioevo e il Rinascimento, si dedicarono alla sperimentazione alchemica e medica. Donne spesso dimenticate, le cui ricerche anticiparono metodi e intuizioni che confluirono nella scienza moderna. Tra queste emerge la figura di Caterina Sforza, figlia del Duca di Milano Galeazzo Maria Sforza, vissuta tra il XV e il XVI secolo. Era scienziata, condottiera e autrice di un manoscritto con oltre quattrocento formule e ricette alchemiche, cosmetiche e terapeutiche. A lei, e ad altre come Isabella Cortese, Maria l'Ebrea, Marie Meudrac, Rebecca Vaughan, Mary Anne Atwood e Anne Marie Ziegler, Kiefer restituisce volto e sostanza. Costruendo un pantheon femminile alternativo a quello della storia ufficiale. Le Alchimiste costruisce un universo simbolico autonomo, dove mito e scienza, arte e filosofia si intrecciano. I protagonisti delle tele non sono rappresentati come figure statiche, ma come presenze sospese tra corporeità e trasparenza, tra apparenza e dissoluzione. Kiefer evoca la loro intelligenza intuitiva, la loro disciplina, la loro capacità di osservare e interpretare la natura attraverso la conoscenza pratica ed esperienziale. I suoi alchimisti ricercano un equilibrio tra corpo e spirito, tra materia e trasformazione. Anche Milano è parte integrante del progetto. La città, che ha accolto Leonardo da Vinci ed è stata teatro di esperimenti scientifici e artistici rinascimentali, trova nella figura di Caterina Sforza un legame diretto con la propria tradizione.

In mostra le donne della scienza dimenticate.

La pittura di Anselm Kiefer

Attraverso la sua pittura densa, stratificata e materica, Kiefer dà sostanza a una visione che fonde storia e immaginazione. Le tele sono popolate da figure evanescenti, simboli alchemici e segni che rimandano a processi di combustione e rinascita. I materiali (piombo, cenere, oro, pigmenti e residui organici) diventano strumenti narrativi di un linguaggio in cui la pittura si fa sostanza vivente, in costante metamorfosi. Ogni dipinto è concepito come un atto di resurrezione. Volti e corpi emergono da superfici corrose, evocando la lotta tra luce e oscurità, conoscenza e oblio. Kiefer interpreta il motto alchemico Obscurum per obscurius, ignotum per ignotius ("l'oscuro attraverso l'oscuro più oscuro, l'ignoto attraverso l'ignoto ancora più ignoto"), invitando il visitatore a un percorso di introspezione e scoperta. La sua opera, da sempre permeata di riferimenti alla mitologia, alla storia e alla memoria collettiva, trova nella figura dell'alchimista una nuova declinazione di potere generativo e redentivo. L'alchimia, intesa come trasformazione della materia e dello spirito, diventa metafora della pittura stessa. Un processo in cui fuoco, ossidazione e decomposizione si traducono in immagine e conoscenza.

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Render Ikea: ecco come usarlo

Abbiamo visto anche in altri nostri articoli quanto possa essere frustrante progettare l'arredamento di una stanza. Si pensa di poter sbagliare le misure spesso si è pure incapaci di visualizzare come i diversi mobili interagiranno tra loro nello spazio reale. Fino a pochi anni fa, la creazione di modelli tridimensionali fotorealistici era un’esclusiva di architetti e studi di computer grafica dotati di software costosi e complessi. Oggi, grazie alla democratizzazione degli strumenti digitali, chiunque può trasformarsi in un interior designer. I siti e i software che sfruttano le AI sono davvero tantissimi, ma oggi vediamo come funziona il render Ikea, che permette di configurare appartamenti completi utilizzando i modelli esatti del catalogo svedese, offrendo un’anteprima talmente fedele alla realtà da azzerare ogni margine d'errore prima di passare alla cassa.

I vantaggi della pianificazione 3D nativa

Perché il render Ikea ha tanto successo? Perché integra perfettamente il software di modellazione (il celebre Ikea Home Planner, evolutosi nelle ultime versioni basate sull'intelligenza artificiale) e il database dei prodotti reali. Ogni singolo mobile inserito nel programma — che si tratti di una cucina Metod o di una struttura Pax — rispetta al millimetro le dimensioni, le varianti di colore e i prezzi del magazzino reale. Lavorare in un ambiente 3D nativo elimina il vecchio problema del "fuori misura" e permette di sperimentare combinazioni cromatiche ardite o disposizioni geometriche insolite senza dover spostare fisicamente nemmeno un mattone, risparmiando tempo, fatica e acquisti errati.

Ecco come usare il software Ikea per progettare le stanze. Si parte da una stanza vuota con le misure della vostra e si inizia a metterci dentro ciò che vi serve scegliendo dal catalogo. Ma come ci si muove all'interno del software? Iniziare a progettare il proprio spazio è un'operazione fluida e accessibile direttamente dal browser web, senza la necessità di installare programmi pesanti sul computer. Il primo passo fondamentale consiste nel disegnare il perimetro esatto della stanza, inserendo con precisione la posizione di porte, finestre, pilastri e persino dei termosifoni o delle prese elettriche. Una volta creata la "scatola" architettonica, l'interfaccia drag-and-drop permette di sfogliare il catalogo e trascinare i mobili all'interno del progetto. Il software calcola automaticamente gli ingombri e avvisa l'utente se l'apertura di un’anta urta contro una parete, garantendo un livello di ergonomia e funzionalità a prova di vita quotidiana.

Ottimizzare luci e materiali per un effetto fotorealistico

Per ottenere un render Ikea di alto livello, che non sembri un semplice videogioco ma una fotografia reale, è necessario prestare grande attenzione alla gestione delle luci e delle finiture.

I nuovi pianificatori - ad esempio - integrano algoritmi di illuminazione avanzati che simulano la luce solare in base all'esposizione delle finestre. Il consiglio dei professionisti è quello di posizionare nella stanza punti luce artificiali (faretti, lampade da terra o strisce LED) per osservare come cambiano le ombre nelle ore serali. Inoltre, personalizzare i rivestimenti delle pareti e la tipologia di pavimento (parquet, resina o piastrelle) permette al mobile Ikea di integrarsi perfettamente nel contesto della tua casa, esaltandone la resa estetica finale.

Un esempio di render Ikea per una cucina

A questo punto poi arriva il vero colpo di genio, quello che chiude il cerchio dell'esperienza digitale è la conversione immediata del progetto in dati reali. Una volta completato il render Ikea e approvato il design della stanza, il software genera automaticamente un preventivo dettagliato e una lista della spesa completa di codici identificativi, corsie del magazzino e disponibilità nei punti vendita selezionati.

A questo punto potrai salvare il tuo progetto sul tuo profilo per mostrarlo ai consulenti in negozio o procedere direttamente con l'acquisto online per la consegna a domicilio. Arredare casa si trasforma così in un processo lineare, dove l'ispirazione visiva dello schermo diventa realtà tangibile nel giro di pochi clic.

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iPad & Apple Pencil: "Auto-Refine" per una calligrafia perfetta

Che abbiate un tablet qualsiasi o un iPad, sicuramente da quando prendere appunti in digitale vi sarà cambiata la vita. Tutto molto più comodo, ma per molti c'è un ostacolo quasi insormontabile, ovvero la resa estetica della nostra grafia sul pad. Scrivere sul vetro non è come scrivere sulla carta. La penna scivola, la mano perde precisione e quello che nella nostra mente doveva essere un diario ordinato si trasforma spesso in una serie di geroglifici illeggibili. È qui che entra in scena un oggetto che fa la differenza e aiuta la sua azienda madre a distinguersi dalle altre produttrici tech. Stiamo parlando dell'Apple Pencil e dell'introduzione della funzione "Auto-Refine" (Scrittura fluida) all'interno dell'applicazione Note, il divario tra analogico e digitale si azzera. Non si tratta semplicemente di convertire la scrittura in testo digitato, ma di mantenere il carattere della tua grafia, ma rendendola istantaneamente più fluida, simmetrica e bella da vedere.

Come funziona l'apprendimento automatico di Apple Pencil

Il segreto dietro questa tecnologia risiede nei potenti coprocessori neurali dell'iPad, che lavorano in tempo reale mentre la punta dell'Apple Pencil tocca lo schermo. Quando scrivi una parola, il sistema non si limita a registrare il tratto, ma analizza l'andamento della tua calligrafia, la pressione esercitata e l'inclinazione del tratto.Nel momento esatto in cui sollevi la penna per passare alla parola successiva, la funzione interviene raddrizzando leggermente le "linee sghembe", uniformando l'altezza delle lettere e smussando gli angoli troppo netti causati dallo scivolamento sul vetro.

Il risultato è sorprendente, perché la calligrafia rimane inequivocabilmente la tua, preservando il tuo stile personale, ma appare magicamente ordinata, come se avessi scritto con estrema calma su un foglio di carta di alta qualità.

Attivare e personalizzare l'esperienza di scrittura

Per iniziare a usare questa funzione all'interno dell'app Note, il procedimento è immediato ma richiede di conoscere lo strumento giusto.Aprendo la barra degli strumenti di disegno con l'Apple Pencil, noterai una nuova penna contrassegnata da una piccola icona con una "A" o da un tratto stilizzato scintillante. Selezionando questo strumento, attiverai la modalità di scrittura assistita.Se hai già scritto un intero paragrafo in modo caotico e vuoi rimediare in un secondo momento, non c'è problema. Puoi fare un doppio tocco con il dito sul blocco di testo scritto a mano per selezionarlo e, dal menu contestuale che appare, scegliere la voce dedicata alla formattazione della grafia. In un istante, l'intero testo si riallineerà automaticamente, eliminando il caos visivo dalla pagina.

Trucchi per sfruttare al meglio i gesti intelligenti

L'integrazione tra l'applicazione Note e l'Apple Pencil va ben oltre la semplice pulizia del tratto. Mentre utilizzi la scrittura assistita, puoi sfruttare i gesti intelligenti per modificare i tuoi appunti senza mai posare la penna o toccare la tastiera virtuale.Hai commesso un errore di ortografia? Non cercare la gomma, perché ti basterà scarabocchiare sopra la parola sbagliata per vederla svanire nel nulla. Devi inserire uno spazio tra due parole perché il correttore automatico le ha unite? Traccia una linea verticale tra di esse. Vuoi selezionare una frase per spostarla in un altro punto della pagina? Cerchiala con la punta della penna.

Scrivere su iPad e Note non è mai stato così facile Tutti automatismi che trasformano la sessione di studio o di lavoro in un flusso continuo e privo di interruzioni, dove la tecnologia si adatta al tuo ritmo e non viceversa.

Scegliere gli accessori giusti per un feeling analogico

Sebbene la tecnologia software faccia miracoli, l'esperienza fisica gioca ancora un ruolo fondamentale. Se trovi che il contatto della punta in plastica dell'Apple Pencil sul display dell'iPad sia ancora troppo scivoloso, il consiglio definitivo è quello di abbinare il software a una pellicola protettiva con effetto "Paperlike" (consistenza cartacea).Perché provare una pellicola antiriflesso? Perché introduce un leggero grado di attrito che imita perfettamente la porosità della carta. Quando la resistenza fisica della pellicola incontra l'algoritmo di correzione automatica del tratto, la sensazione di controllo diventa assoluta. Diventerà talmente naturale e piacevole prendere appunti che l'idea di consumare block-notes cartacei diventerà solo un lontano ricordo, proiettando la tua produttività in una dimensione totalmente digitale e sostenibile.

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Bianco Latte RAL 9012

Il bianco non è mai bianco quando si parla di ambienti e interior design. Per un designer, avventurarsi nel territorio delle sfumature neutre significa muoversi lungo un crinale sottilissimo, dove pochi punti di saturazione possono decretare il successo o il fallimento di un'interfaccia o di un'identità visiva. Se il bianco puro può risultare spesso troppo abbagliante, asettico e faticoso per gli occhi dell'utente, la risposta perfetta arriva dal design industriale e in molti oggi scelgono il bianco latte RAL 9012. Questa tonalità, mutuata dal celebre sistema di standardizzazione dei colori, sta vivendo una seconda giovinezza nel digital design, posizionandosi come la scelta d'elezione per chi cerca un minimalismo caldo, sofisticato e profondamente contemporaneo.

La psicologia del bianco latte RAL 9012

A differenza dei bianchi gessosi o di quelli viranti verso il grigio freddo, il bianco latte RAL 9012 possiede una leggerissima punta di giallo e ocra nel suo DNA cromatico. Questa impercettibile contaminazione termica evoca istintivamente sensazioni di comfort, naturalezza e pulizia, senza però sfociare nel retrò del color panna o dell'avorio.

Esempio di living bianco latte RAL 9012

Nei progetti di branding, così come nelle ristrutturazioni moderne, utilizzare questa sfumatura trasmette un senso di lusso accessibile e cura del dettaglio. Per i grafici che lavorano sul web, ad esempio, la conversione digitale approssimativa di questo standard si attesta intorno al codice HEX #F3F2ED. Una tonalità che appunto aiuta a sganciarsi dal bianco assoluto e permette di creare layout che respirano, conferendo ai contenuti un'aria editoriale e di alto livello.

Web design e accessibilità l'importanza del contrasto

Ma perché è così importante scegliere bene la tonalità del neutro quando si progetta un sito web così come quando si progetta una stanza? Perché, soprattutto nel primo caso, uno degli errori più comuni è l'utilizzo del bianco di default come sfondo per blocchi di testo scuro. Un contrasto troppo estremo genera un fenomeno noto come "alone visivo", che affatica la vista durante la lettura prolungata, specialmente su schermi OLED.

Implementare il bianco latte RAL 9012 come colore di sfondo principale risolve questo problema alla radice. La sua morbidezza riduce l'emissione di luce blu dello schermo, migliorando l'esperienza utente (UX) e garantendo il rispetto delle linee guida WCAG sull'accessibilità. Il testo in grigio scuro o antracite posizionato su uno sfondo RAL 9012 risulta incredibilmente nitido, leggibile e riposante, elevando la qualità percepita dell'intera interfaccia.

Allo stesso modo in una stanza questo colore permette di giocare con le tonalità di mobili e suppellettili per creare un ambiente pulito, ma anche unico nel suo genere, pur guardando al minimalismo d'altri tempi.

Abbinamenti cromatici per interfacce d'impatto

La vera forza del bianco latte RAL 9012 comunque risiede nella sua straordinaria versatilità come colore d'accento o di base. Essendo un neutro caldo, si sposa divinamente con le palette "earthy" (tonalità della terra) come il verde salvia, il terracotta e il marrone bruciato, perfette per siti web di prodotti biologici, architettura o skincare.

Se invece l'obiettivo è un look high-tech ma meno aggressivo rispetto ai canoni tradizionali, provate ad abbinarlo a un blu notte profondo o a un grigio titanio. In questo contesto, il RAL 9012 agisce da perfetto bilanciatore, ammorbidendo le linee rigide del layout e conferendo un tocco "human-centric" anche alle piattaforme SaaS o alle applicazioni fintech più complesse.

La differenza la fa la leggera sfumatura di ocra

Nato per uniformare i colori di vernici, plastiche e rivestimenti nell'industria manifatturiera, il sistema RAL ha conquistato i monitor dei designer digitali per la sua capacità di evocare la materia reale. Utilizzare questa variante bianco latte per un progetto web significa colmare il divario tra l'esperienza fisica e quella digitale. Quando un utente naviga su un portfolio o su un e-commerce che adotta questa tonalità, avverte inconsciamente una sensazione di solidità e tridimensionalità.

Siamo di fronte alla scelta ideale per i siti di minimalismo scandinavo o per progetti grafici cartacei che richiedono una resa cromatica impeccabile. Sperimentare con questa sfumatura significa capire che la potenza di un design, spesso, si nasconde proprio nelle sottili variazioni dell'invisibile.

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The 7th Guest Remake: un gioco horror in arrivo a giugno

The 7th Guest Remake, un inquietante puzzle horror arriva il 4 giugno regalandoti un'esperienza unica. The 7th Guest è uscito oltre trent'anni fa ed è diventato un titolo iconico del suo tempo. Si è distinto per l'uso impressionante della tecnologia CD-ROM, essendo uno dei primi giochi a sfruttarla in modo davvero innovativo. L'annuncio ufficiale è arrivato il mese scorso, quando lo sviluppatore Vertigo Games ha confermato il remake di The 7th Guest. Ora abbiamo anche una data di uscita confermata: il remake sarà disponibile dal 4 giugno per PC, Xbox e PS5, mentre è prevista anche una versione per Nintendo Switch 2. Vi raccontiamo di più in questo articolo, parliamo di trama, gameplay e curiosità.

The 7th Guest Remake: in arrivo a giugno

Manca pochissimo al 4 giugno, avete già fatto il pre-ordine del gioco? Il titolo offre una storia avvincente in cui sei persone vengono invitate in una villa. Tutti gli invitati hanno un passato oscuro e sono stati invitati lì da uno strano fabbricante di giocattoli di nome Henry Stauf. Strani eventi accadono nella villa mentre gli ospiti sono costretti a risolvere enigmi e la villa sembra osservare e controllare tutto. C'è anche un mistero che avvolge il settimo ospite, un bambino scomparso di nome Tad, che in qualche modo è collegato a tutto. Mentre i giocatori esplorano la sinistra dimora, gli enigmi diventano sempre più complessi, con pericoli in agguato dietro ogni angolo. Ogni ombra, scricchiolio lontano e barlume di luce accresce la tensione, mentre la casa svela lentamente i suoi segreti. Per i giocatori che apprezzano enigmi complessi, esplorazioni suggestive e storie da brivido, The 7th Guest Remake merita di essere giocato.

Il gioco sarà disponibile dal 4 giugno 2026.

Quali sono le sue caratteristiche principali

Narrazione cinematografica attraverso video volumetrici: entra nella storia. Grazie a video volumetrici di nuova generazione, le performance dal vivo vengono catturate in 3D, immergendo i giocatori direttamente nella villa di Henry Stauf. Attori reali appaiono all'interno del mondo virtuale, rendendo ogni incontro immediato e inquietante. Ambienti dinamici: la villa infestata si trasforma e cambia grazie a ingegnosi effetti visivi e illusioni ottiche. Esplora ogni angolo inquietante, sblocca nuove stanze e scopri segreti nascosti mentre gli orrori al suo interno si fanno sempre più incombenti. Un gameplay rompicapo unico e stimolante: l'iconica villa infestata prende vita con una grafica di alta qualità e puzzle accuratamente riprogettati. Ogni puzzle è intrecciato alla storia e radicato nella tradizione della villa, con elementi riconoscibili che rendono omaggio all'originale.

Gli ambienti sono dinamici e ci sono molti enigmi da risolvere.

Notizie dal team

Il team ha inoltre confermato che i giocatori che possiedono The 7th Guest VR su PSVR2 e Steam riceveranno il remake senza costi aggiuntivi. Allo stesso modo, i giocatori che acquisteranno il remake avranno accesso gratuito alla versione VR. Il remake di The 7th Guest è attualmente disponibile per l'aggiunta alla lista dei desideri su PlayStation 5 tramite il PlayStation Store, su Xbox Series X|S tramite il Microsoft Store e su PC tramite Steam e GOG. Vertigo Games è un editore e sviluppatore di videogiochi pluripremiato, attivo su diverse piattaforme, con sedi a Rotterdam e Amsterdam, nei Paesi Bassi, e a Los Angeles, in California. L'azienda offre un portfolio di giochi di qualità che garantiscono esperienze di gioco innovative, coinvolgenti e complete. Tra i titoli più recenti figurano Thief VR: Legacy of Shadow, Metro Awakening, Arizona Sunshine® Remake e Arizona Sunshine® 2. Vertigo Games fa parte del gruppo PLAION. Fondata da Graeme Devine e Rob Landeros, Trilobyte è nota soprattutto per aver creato The 7th Guest, uno dei primi giochi su CD-ROM e un titolo fondamentale nell'intrattenimento interattivo. Il gioco ha spinto i confini della narrazione e della tecnologia dell'epoca con video a schermo intero, navigazione 3D e un motore grafico rivoluzionario.

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Harold Cohen: il pioniere dell'arte digitale

Harold Cohen, il pioniere dell'arte digitale, costruisce AARON:  un sistema esperto dotato di una propria macchina per dipingere. Ogni giorno, il robot controllato dal computer, AARON, creava un dipinto a colori originale. Fin dalla sua prima creazione, registrata in diretta durante la trasmissione Today del 31 marzo, AARON ha catturato l'immaginazione dei visitatori del Museo (Computer Museum) e dei media di tutto il mondo. Una versione precedente e più semplice di AARON, che realizzava disegni in bianco e nero, aveva già coinvolto i visitatori del Museo dal 1987 al 1994.

Una delle opere create con AARON.

AARON la prima macchina per dipingere creata dall'artista Harold Cohen

“Gli esseri umani possono vedere il risultato dell'accostamento di due colori e possono procedere sulla base di questo feedback. Il programma è in grado di tenere una registrazione completa di ciò che fa, ma non può vedere nello stesso modo in cui vediamo noi. Ho dovuto inventare delle regole sulla giustapposizione dei colori che potessero sostituire il feedback visivo utilizzato dagli esseri umani.” Harold Cohen AARON è scritto in LISP e gira su un computer Silicon Graphics, mentre la macchina per dipingere è controllata da un PC (un generico 486) e il programma è scritto in C++. Quando AARON genera un dipinto, lo memorizza in un file come un insieme di istruzioni. La maggior parte di queste istruzioni controlla il movimento del pennello sulla carta, sia per la realizzazione del disegno iniziale che per il riempimento con il colore. Alcune specificano la miscelazione dei coloranti per le singole aree del dipinto, mentre altre specificano la dimensione del pennello da utilizzare. Il file viene letto tramite una connessione di rete dal processore 486, che interpreta le istruzioni e ridimensiona lo schermo Silicon Graphics in base alle dimensioni del disegno in fase di realizzazione. Il processore ridimensiona anche il volume del colorante da miscelare per ogni colore e la dimensione del pennello, e infine genera i comandi di livello più basso che azionano la macchina per dipingere. Per svolgere tutte le sue funzioni, il programma 486 deve controllare il movimento del braccio sul tavolo, la rotazione orizzontale della spalla, la rotazione verticale del gomito, due rotazioni del polso, l'apertura e la chiusura della mano e la sua estensione, ovvero fino a che punto la mano può arrivare dal gomito. Il programma deve anche sapere dove sono riposte le tazze e le spazzole, dove si trovano le maniglie dei rubinetti e di quanto spostarle verso l'alto e verso il basso e così via.

Uno dei momenti lavorativi di Cohen.

Quindi come funziona poi nel fare il dipinto?

Secondo quanto dichiara Cohen in un'intervista a Medium: "prima si fa il disegno e poi Aaron decide il colore. Ma la fase di colorazione non riguarda solo la scelta del colore. Bisogna anche definire il percorso che il pennello dovrà seguire per riempire le varie forme del disegno. Nella comprensione che AARON ha dei disegni, i diversi elementi sono caratterizzati dai loro diversi attributi. Sa, ad esempio, che un volto ha due occhi e non disegnerà mai un volto con tre. Nella misura in cui anche il colore è un attributo di un volto, esiste un numero limitato di colori che può utilizzare. Non deciderebbe mai di dipingere un volto di verde perché non crede che i volti possano essere verdi. Tuttavia, non esiste una tale limitazione nell'assegnazione dei colori a elementi come maglioni o sfondi. L'assegnazione del colore in questo caso riflette l'interesse del programma per la "firma" cromatica dell'intero dipinto. Se AARON decide di disegnare un maglione rosso, ad esempio, probabilmente non deciderà di disegnare uno sfondo rosso."

Ecco un esempio di AARON a lavoro sulla creazione di un'opera.

La storia di Harold Cohen

Harold Cohen (1928-2016) ha esplorato l'intelligenza artificiale e l'arte per quasi 50 anni, ben prima che assistessimo alla crescente popolarità di questi nuovi strumenti di apprendimento automatico. In quei cinque decenni, Cohen ha lavorato a un unico programma chiamato Aaron , che consisteva nell'insegnare a un robot a creare disegni. L'apprendimento di Aaron ha seguito un percorso simile a quello degli esseri umani, evolvendosi da semplici forme e simboli pittografici a immagini più figurative, fino ad arrivare a immagini a colori. Cohen si formò come pittore e rappresentò la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia del 1966. Nel 1968 divenne professore ospite all'Università della California a San Diego, dove si avvicinò alla programmazione informatica. Nel 1971 Cohen assunse un incarico come visiting scholar presso il Laboratorio di Intelligenza Artificiale dell'Università di Stanford. Durante la sua permanenza al Laboratorio di Intelligenza Artificiale, iniziò a sviluppare il programma per computer chiamato Aaron, con il quale cercava di codificare l'atto del disegno . AARON fu concepito intorno al 1973 come il primo di una serie di programmi, ma in realtà Cohen continuò a lavorarci fino ai suoi ultimi anni. La creazione di questo programma nacque da quello che lui stesso definì il suo bisogno di "capire cosa sia l'arte ".

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Gothic 1 Remake: in uscita a giugno

Gothic 1 Remake arriva a giugno, a 25 anni dall'uscita del gioco originale Gothic pubblicato da Piranha Bytes. Il gioco divenne un ARPG di successo in modo molto rapido. Scommetto che anche voi, che avete giocato all'originale, non vedete l'ora di passare più di 50 ore su Myrtana. Il gioco uscirà il 5 giugno 2026, salvalo in lista su Steam. Sei pronto a vestire i panni dell'Eroe Senza Nome e liberare il mondo dagli orchi? Qui troverai tutto quello che devi sapere su questo gioco, se ancora non lo conosci.

Chi ha giocato all'originale apprezzerà sicuramente questo remake.

Gothic 1 Remake: piattaforme e costi

Il gioco sarà giocabile su PlayStation 5, Xbox Series X/S e PC. Su PC il gioco ha un prezzo di 49,99 dollari. Invece su console costerà 59,99 dollari. Esiste anche la Collector's Edition (attenzione, le scorte sono limitate e ha un costo di 199,99 $) ed è davvero favolosa! Oltre al restyling grafico, Alkimia Interactive ha insistito molto sul fatto che Gothic 1 Remake sia fedele all'esperienza originale. Sono state apportate delle modifiche, tra cui missioni più dettagliate, routine e reazioni dei PNG ampliate. Poi avremo nuove abilità di movimento, una mappa più grande e, soprattutto, un sistema di combattimento modernizzato. Per quanto riguarda il sistema di combattimento, gli sviluppatori hanno annunciato una serie di modifiche in arrivo nel gioco a novembre 2025. Ci saranno tempi di animazione di preparazione ridotti. Combo attivabili solo premendo il pulsante di attacco corretto. Interrompi l'accumulo con una schivata o una parata (livelli superiori a "non allenato"). Schivare mentre si para sarà uno spasso. Avremo poi un blocco migliorato della telecamera nemica e l'animazione dello scivolamento del piede rinnovata. Aggiunti attacchi finali alle combo, in grado di provocare l'atterramento. Alcuni attacchi possono metterti al tappeto e un nuovo set di animazioni per il livello maestro a due mani.

Avrete a disposizione un mondo aperto a esplorazione illimitata.

Parliamo di gameplay

Si tratta di un gioco di ruolo d'azione open world che offre un'esplorazione illimitata e nessuna mini-mappa. Il gioco presenta anche una trama ramificata, in cui le tue decisioni influenzano lo svolgimento della storia e lo sviluppo delle tue abilità e del tuo stile di gioco. Un mondo che, secondo gli sviluppatori, "reagisce dinamicamente alle tue azioni". Ciò è evidente nel comportamento dei personaggi non giocanti (NPC), ognuno dei quali, insieme alla fauna selvatica, segue una routine quotidiana "indipendente da quella del giocatore". Dal punto di vista del combattimento, Gothic 1 Remake non è un gioco convenzionale. È complesso, hanno affermato gli sviluppatori, poiché ogni tipo di arma ha un aspetto e una sensazione diversi. A seconda della progressione del giocatore, le abilità di combattimento possono cambiare, con il livello di maestria dell'eroe che determina animazioni e tempistiche.

Torniamo ad esplorare il Regno di Myrtana.

La storia di Gothic 1 Remake

Il gioco è ambientato nel Regno di Myrtana, invaso dagli orchi. Re Rhobar II, disperato per la minaccia, decide di mandare tutti i prigionieri disponibili a lavorare nelle miniere di Khorinis per estrarre minerale magico, nella speranza di sconfiggere gli orchi. Vengono inoltre inviati dei maghi per erigere una barriera magica che impedisca la fuga dei prigionieri. Ma tutti finiscono per rimanere intrappolati al suo interno. Di conseguenza, scoppia una rivolta e la miniera si trasforma in un territorio senza legge governato dai detenuti, dando vita alla Colonia. Tu giochi nei panni dell'Eroe Senza Nome, un detenuto da sempre che sarà l'unica speranza del regno per respingere la presenza degli orchi all'interno della barriera. Al momento trovate una demo gratuita su tutte le piattaforme citate e potete giocarci tranquillamente. Include un prologo indipendente ambientato nella Valle delle Miniere, dove vesti i panni di Nyras, un nuovo arrivato nella Colonia. Per i possessori di Nintendo Switch, attendete settembre per l'arrivo di Gothic Classic, siamo sicuri che non vi deluderà!

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PST Art: la mostra museale sulla AI a Los Angeles

La nuova edizione della PST Art del Getty si concentrerà con i legami di Los Angeles con l'area del Pacifico. La quarta edizione dell'iniziativa è prevista per il 2030. Sarà dedicata allo scambio culturale transpacifico, con l'apertura delle candidature per le sovvenzioni a istituzioni di otto contee della California meridionale a partire da giugno. Non tutti i musei sono adatti ad esporre delle opere che si basano sulla tecnologia, molti non hanno nemmeno la potenza Wi-Fi o gli ammodernamenti necessari a questo scopo. Vediamo più nel dettaglio questa interessante mostra.

Alcune delle opere in mostra nelle scorse edizioni.

PST Art: la mostra museale sulla AI

Il Getty Trust ha annunciato all'inizio di questo mese che la quarta edizione del suo programma PST Art si concentrerà sui legami tra Los Angeles e la regione del Pacifico, con l'iniziativa che prenderà il via in tutta la California meridionale nel settembre 2030. Il ciclo di ricerca inizia immediatamente e le organizzazioni culturali senza scopo di lucro con sede in una qualsiasi delle otto contee della California meridionale possono presentare richieste di finanziamento entro il 1° giugno 2026. La prossima edizione metterà in luce gli scambi culturali nel Pacifico attraverso diversi secoli, dall'arrivo della porcellana cinese nelle missioni spagnole all'influenza della cultura visiva giapponese sull'architettura e sul design della città, fino all'impatto ancora attuale della cultura pop coreana contemporanea. Secondo Justine Ludwig, assunta lo scorso anno come prima direttrice creativa, il tema del 2030 ha anche una dimensione diplomatica. "In questo periodo caratterizzato da tensioni geopolitiche, conflitti migratori e instabilità globale, il tema incoraggia anche prospettive internazionali e riconosce la nostra interdipendenza di lunga data".

Una delle installazioni presenti nella scorsa edizione.

Il più grande evento artistico degli Stati Uniti

Una mostra che durerà ben cinque mesi nella California meridionale, sprigiona un'ondata di energie straordinarie. Fin dalla sua apertura a settembre, la scintilla tra i due campi ha acceso la meraviglia del mondo, esaltata o messa alla prova da tecnologie e scoperte scientifiche, antiche e nuove. Dagli antichi strumenti astronomici alle più recenti forme di intelligenza artificiale, i visitatori sono invitati a osservare la lunga storia di intreccio tra arte e scienza e a immergersi nel caleidoscopico mondo di luce, colore, suono e profumo. Al Getty Center, Spectrum 14 di Charles Ross invita i visitatori a interagire con bande di luce spettrale, in sintonia con l'orbita di rotazione terrestre. Commissionata per la rotonda, l'opera, composta da splendidi prismi di luce, attiva l'architettura e i corpi dei visitatori. L'opera traccia il ritmo circadiano del pianeta e dei visitatori. Lumen: The Art and Science of Light trasporta questo stupore nel Medioevo, con installazioni speciali di Helen Pashgian e Ross, esplorando la curiosità per la luce da parte di filosofi, teologi e artisti cristiani, ebrei e musulmani.

La mostra dura diversi mesi ed è la più grande degli USA.

Curiosità sulla PST Art

Su oltre 60 mostre, solo una manciata si concentrerà su temi urgenti dell'era digitale, come l'impatto di Internet o dell'intelligenza artificiale sulla creatività umana. E queste tendono ad essere allestite in piccole sedi universitarie. Una mostra promettente all'Università della California, Irvine, presenta artisti che lavorano con sistemi complessi. Un'altra, all'Università della California, Riverside, offre un approfondimento sulla storia delle tecnologie di elaborazione digitale delle immagini. Il Los Angeles County Museum of Art si occupa di manipolazione digitale delle immagini. Redcat, una galleria gestita dal California Institute of the Arts, ospita l'unica mostra a tema IA. Refik Anadol, Nancy Baker Cahill, Ian Cheng, Carla Gannis, Holly Herndon, Lynn Hershman Leeson, Rafael Lozano-Hemmer, Trevor Paglen e Alexander Reben, tra gli altri, non solo hanno lavorato con l'intelligenza artificiale (IA), la realtà aumentata (AR) e la realtà virtuale (VR), ma soprattutto hanno elaborato la loro ambivalenza nei confronti di queste tecnologie, riconoscendo sia i poteri che i pericoli dei più grandi "progressi" dell'industria tecnologica. Questi artisti stanno realizzando opere ambiziose con e sugli strumenti della Silicon Valley, anche quando sono esclusi dai recenti sviluppi dell'IA generativa di proprietà di Google, Meta, Microsoft e OpenAI.

Perché pochi musei espongono opere basate sulla tecnologia?

La stragrande maggioranza dei musei d'arte non è fisicamente attrezzata per esporre opere basate sulla tecnologia. La maggior parte è ancora progettata per l'esposizione di dipinti e sculture, proprio come accadeva nel XIX secolo. Alcuni non dispongono nemmeno di una connessione Wi-Fi affidabile, afferma Hershman Leeson, che ha iniziato a creare simpatici chatbot nel 1997 con Agent Ruby e da allora ha svolto un lavoro importante sulla sorveglianza via web e sulla polizia predittiva, che include la profilazione razziale. «Le istituzioni artistiche sono sempre rimaste indietro rispetto agli artisti, forse perché non vogliono sperimentare esponendo qualcosa di apparentemente radicale, dato che al momento della sua creazione sembra non avere una storia evidente», ha dichiarato a The Art Newspaper . «Ma trovo che siano particolarmente restie a investire in opere che si basano sulla tecnologia, perché le attrezzature cambiano e diventano obsolete molto rapidamente». Hershman Leeson spiega che, anche in quelli che si suppone siano specializzati nei nuovi media, ci si aspetta che l'artista fornisca tutto l'hardware e il software, oltre a programmatori che formino il personale sull'utilizzo dell'opera. Questa è una barriera d'ingresso che tiene fuori dalla scena artisti meno affermati o meno tenaci.

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L'equilibrio dei colori dello Studio Ghibli

Lo studio Ghibli utilizza delle tecniche per creare il giusto equilibrio dei colori nei suoi film. Una di queste tecniche è quella dei tre colori. Essa è fondamentale e la ritroviamo in tutti i film dello studio.

Lo studio dietro l’equilibrio dei colori

Dietro ogni singolo film dello Studio Ghibli si nasconde un lungo e approfondito lavoro che esamina ogni singolo aspetto, compreso l’equilibrio dei colori.

L'equilibrio dei colori dello Studio Ghibli Esso è il frutto di una precisa e sofisticata ricerca artistica, la quale utilizza diverse tecniche. Tali tecniche sono pensate per trasmettere emozioni, creare atmosfere nostalgiche o creare una connessione tra il telespettatore e la natura. Proprio la natura è spesso uno degli elementi chiave dello studio Ghibli.

La regola dei tre colori 60-30-10

La prima tecnica che andiamo a vedere è quella dei tre colori (60-30-10) e tale tecnica la ritroveremo in ogni film dello studio d’animazione giapponese.

L'equilibrio dei colori dello Studio Ghibli Questa regola viene utilizzata per creare armonia visiva, bilanciare l’inquadratura e guidare lo sguardo dello spettatore verso ciò che conta maggiormente. Questa tecnica evita la creazione di immagini troppo caotiche o troppo piatte, rendono l’immagine più piacevole e di più facile lettura. I colori vengono così distribuiti nell’immagine: - 60% - Colore dominante: è il colore che definisce l’atmosfera generale della scena, solitamente è il colore di sfondo, delle pareti o dell’ambiente, ed è un colore abbastanza neutro. - 30% - Colore secondario: è un colore che completa il colore dominante e crea contrasto e profondità. Viene utilizzato, ad esempio, per le luci, i mobili, i vestiti o gli oggetti. - 10% - Colore d’accento: è il colore che viene utilizzato per isolare il personaggio principale o i dettagli più importanti della scena, guidando lo squadro del telespettatore verso di esso. È un colore audace e vivace o, semplicemente, un colore in grande contrasto con gli altri, perfetto per attirare l’attenzione su di sé.

Altre tecniche di equilibrio dei colori dello Studio Ghibli

L'equilibrio dei colori dello Studio Ghibli Lo Studio Ghibli utilizza altre tecniche e stratagemmi, oltre a quello del 60-30-10, per creare il giusto equilibrio dei colori: - Colori analoghi: vengono utilizzate spesso palette di colori vicini nel cerchio cromatico, i cosiddetti colori analoghi, per creare un senso di calma e armonia. I colori sono, ad esempio, sfumature di blu, blu-verde e blu-viola. - Contrasto: esattamente come avviene per il 10% del colore d’accento nella tecnica dei tre colori, il colore di contrasto serve per far risaltare il personaggio principale. Nello studio Ghibli essi sono quasi sempre vestiti con colori caldi, come il rosso o il giallo, in contrasto con i colori più neutri dello sfondo. - Nicker Poster Colour: questi sono molti utilizzati dallo studio, per la loro brillantezza e per la loro intensità. - Evoluzione emotiva: i colori non appaiono sempre uguali, anche all’interno dello stesso film. Essi si adattano alle emozioni dei protagonisti e al contesto narrativo. I colori appariranno con un’alta saturazione durante i momenti più felici, mentre nei momenti di riflessione o di pericolo saranno spenti o freddi. - Uso del verde: infine, la natura è un elemento fondamentale per lo studio Ghibli e per questa stessa ragione lo è anche l’utilizzo del colore verde in tutte le sue sfumature. Inoltre, questo colore è il simbolo stesso di equilibrio, lussureggiante e vivo ed è un elemento centrale per la filosofia Ghibli.

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L'unica rete 10G al mondo

Mentre la maggior parte del mondo sta ancora aspettando di riuscire a connettersi alla rete 5G, in Cina hanno fatto un salto tecnologico in avanti da lasciarci senza parole, creando l’unica rete 10G al mondo.

La città di Xiong’an

Il progetto che ha portato alla realizzazione dell’unica rete 10G al mondo è stato intrapreso a Xiong’an. Si tratta di una metropoli fondata nel 2017 con lo scopo di diventare il simbolo della Cina del futuro.

Xiong'an La città è stata voluta dal governo cinese come il simbolo di una città futuristica, ma al momento appare molto come una città laboratorio. Xiong’an è stata costruita con criteri architettonici green, con spazi pubblici pensati appositamente per la sostenibilità e la società. L’idea è quella di farla diventare un centro hi tech all’avanguardia, che ospiterà sedi distaccate dell’amministrazione di Pechino e imprese. Uno degli aspetti fondamentali è il 15 minute circle, un aspetto che secondo gli esperti tutte le città ideali dovrebbero avere. Si tratta del garantire a ogni cittadino l’accesso (in 15 minuti di camminata) a tutti i servizi essenziali (studio, sanità, svago, burocrazia). Al momento la città comprende biblioteche, cliniche, parchi, scuole e un sistema di monitoraggio dell’ambiente controllato da droni e sensori e, ad oggi, anche l’unica rete 10G al mondo.

La rete 10G

Il progetto è stato reso possibile grazie alla collaborazione tra Huawei e China Unicom e si basa sulla tecnologia 50G-PON. Un salto tecnologico incredibile, ma che sarà accessibile solamente nella città laboratorio di Xiong’an, per il momento. Questa connessione ultra veloce, oltre a permetterci di scaricare un film in pochi secondi e di videogiocare senza il minimo ritardo, è pensata anche per avanzati sistemi di intelligenza artificiale. La rete è in grado di far girare dei modelli linguistici di nuova generazione, i quali rendono possibile l’integrazione dell’intelligenza artificiale in maniera capillare in tutti gli aspetti della vita quotidiana e della città.

La rete 10G per una connessione totale

Essa, infatti, servirà a trasformare l’intera città in un unico ecosistema urbano interconnesso. Una connessione così veloce e una latenza praticamente inesistente renderanno possibili esperienze che al momento sembrano solamente fantascienza.

Xiong'an Le auto a guida autonoma saranno in grado di comunicare tra di loro e con le strade della città. I visori per la realtà virtuale o aumentato saranno utilizzabili in qualsiasi spazio pubblico senza ritardi. Le operazioni mediche e le diagnosi potranno essere eseguite a distanza e le analisi saranno quasi istantanee. La città, inoltre, si comporterà esattamente come se fosse un organismo vivente, diventando in grado di gestire autonomamente il traffico e il consumo di energia, raccogliendo e analizzando i dati in tempo reale.

La città fantasma

Sebbene la città sia un banco di prova per gli utilizzi futuri e per le città del futuro, al momento la città laboratorio di Xiong’an sembra davvero una città fantasma. Sì, perché se i tecnici sono riusciti a portare in città l’unica rete 10G al mondo, quello che non sono riusciti a fare è stato portare i cittadini. Al momento si stanno trasferendo alcuni impiegati amministrativi, a seguito dello spostamento delle sedi in città, e il personale accademico con gli studenti, che lavorano e studiano nell’università. Ci sono, inoltre, gli operai edili impegnati nella costruzione della città stessa e alcuni abitanti dei distretti vicini, preesistenti. Tuttavia, siamo ancora molto al di sotto delle aspettative. Il governo cinese spera che le ultime novità, tra cui l’introduzione della rete 10G, sia un incentivo per la popolazione per trasferirsi qui.

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31 scatole magiche di Miyazaki

Hayao Miyazaki torna con un nuovo entusiasmante progetto: 31 scatole magiche, basate su diorami che riproducono fedelmente le scene dei film dello studio Ghibli.

Hayao Miyazaki va in pensione?

All’età di 85 anni, Hayao Miyazaki ha già annunciato ben tre volte il suo pensionamento, meritatissimo alla sua età e con la sua carriera alle spalle. Tuttavia, sembra essere ancora in piena attività. Sebbene non ci siano nuovi film in vista, il regista si dedica a molte altre interessanti attività e progetti, Panorama Box, 31 scatole magiche, è uno di quelli.

31 scatole magiche Si tratta del primo grande progetto creativo del regista dopo il Ragazzo e l’Airone, uscito tre anni fa. Il progetto si compone di 31 diorami, opere tridimensionali realizzate a mano dall’artista e regista giapponese. Le opere saranno poi esposte il prossimo luglio in Giappone, all’interno del Ghibli Park di Nagakute. I diorami o hakoniwa sono delle opere giapponesi tradizionali, spesso legate alla meditazione zen. In origine esse rappresentavano scenari naturali, ricostruendoli in piccole scatole, utilizzando pietre, sabbia, foglie e altri elementi naturali. Col tempo i diorami si sono evoluti e oggi sono delle scatole realizzate quasi sempre interamente di carta, dove gli elementi illustrati al loro interno vengono posizionati a varie distanze, per dare l’effetto tridimensionale.

31 scatole magiche: cos’è Panorama Box

Panorama Box è una collezione di 31 scatole magiche, realizzate da Miyazaki, opere tridimensionali realizzate a mano che diventano delle finestre su mondi immaginari, i mondi dello studio Ghibli, per l’appunto.

31 scatole magiche L’artista ha utilizzato illustrazioni originali dei film più amati dello studio. Le ha sovrapposte per creare profondità e movimento, con un risultato che ricorda il cinema in miniatura. Il progetto è stato presentato il 17 marzo scorso presso lo Studio 1 dello Studio Ghibli a Tokyo, dal figlio del regista Goro Miyazaki e dal produttore Toshio Suzuki. Durante la presentazione si è parlato anche del regista. Suzuki ha tranquillizzato il pubblico sullo stato di salute di Miyazaki: “è incredibilmente energico e mostra ancora un forte desiderio di continuare a fare film. Il suo talento artistico non è affatto diminuito, anzi, è ancora in evoluzione”.

Cosa si nasconde dentro le 31 scatole magiche?

All’interno dei diorami realizzati da Hayao Miyazaki, come dicevamo, ritroviamo gli scenari di alcuni dei film più belli ed iconici dello studio Ghibli. Diverse scatole sono state presentate già nel corso dell’annuncio del 17 marzo scorso. Abbiamo potuto scorgere scenari presi da Nausicaa della Valle del Vento, da Il Castello Errante di Howl, da Il Mio vicino Totoro e da La città incantata. Il progetto è nato nel 2022, mentre il regista stava ancora girando il suo ultimo film, e sono state realizzate nell’arco di quattro anni.

Il Ghibli Park

Come dicevamo, le opere verranno esposte a luglio 2026 all’interno del Parco Ghibli, a Nagakute, nella prefettura di Aichi, in Giappone.

Ghibli Park Si tratta di un parco a tema dedicato alle opere più iconiche e indimenticabili dello Studio Ghibli, come Il mio vicino Totoro o La città incantata. Non immaginatevi giostre e altre attrazioni tradizionali di un parco divertimenti. Qui possiamo vivere un’esperienza immersiva, con riproduzioni delle ambientazioni dei film più belli immerse nel verde.

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I migliori tablet per scrivere

Se cerchiamo un tablet che ci permetta di scrivere in maniera semplice e dinamica, ovunque ci troviamo, ecco una selezione di alcuni tra i migliori tablet per scrivere.

Tablet Apple iPad 11

Questo tablet è un device a tutto tondo, che ci permette di affrontare praticamente qualsiasi attività senza spaventarsi di fronte a nulla. Apple iPad 11 Uno dei suoi principali punti di forza è la qualità dello schermo: un display Liquid Retina da 11 pollici. Fondamentale è anche la potenza del suo chip A16, che garantisce prestazioni elevate anche in modalità multitasking. Questo device è perfetto per scrivere sia con tastiera che con pennino (un po' come tutti i tablet Apple). La Magic Keyboard Folio è comodissima per scrivere e il trackpad integrato ci permette di lavorare con precisione. Inoltre, la compatibilità con Apple Pencil ci apre un mondo di possibilità, dalla scrittura a mano di appunti al disegno a mano libera.

I migliori tablet per scrivere: Xiaomi Pad 7

Anche questo è un ottimo device, con un processore Snapdragon 7+ Gen 3 e un display da 11.2 pollici, con risoluzione a 3.2 k e refresh rate a 144 Hz. Il tutto ci permette prestazioni eccellenti anche in attività di multitasking, streaming o creatività. Se al tablet integriamo la Xiaomi Focus Pen avremo 8192 livelli di precisione, latenza di 3 ms e un pulsante Spotligh per trasformare la penna in un puntatore o in un evidenziatore. Se, invece, aggiungiamo la 7 Pro Keyboard, avremo la possibilità di ottenere un’esperienza molto simile a quella che potremmo avere con un pc. La tastiera funge anche da custodia protettiva.

Microsoft Surface Pro Copilot +

Questo è probabilmente uno dei top di gamma tra tutti i tablet in commercio e ci garantisce tutte le potenzialità di casa Microsoft.

Microsoft Surface Esso ha uno schermo da 13 pollici ed è disponibile in due varianti: oled con processore Snapdragon X Elite 12 core o lcd con processore Snapdragon X Plus 10 Core. Questo tablet è pensato per poter essere utilizzato anche in modalità notebook, con l’aggiunta di una tastiera Surface Pro Flex Keyboard, ma anche in modalità stand alone, con una base d’appoggio e l’aiuto di una Surface Slim Pen. La tastiera ci permette di scrivere qualsiasi documento come se ci trovassimo di fronte a un pc vero e proprio e la penna ci consente di prendere appunti a mano qualora ne avessimo l’esigenza.

I migliori tablet per scrivere: Tcl Nxtpaper 11 Plus

Passiamo a questo tablet che mentre al primo posto la qualità della visione, grazie al suo display NxtPaper 4.0 da 11.5 pollici, con un pannello da 2.2 k e un refresh rate a 120 Hz. Lo schermo offre la resa più simile alla carta, perciò scrivere con questo tablet non sarà solo un’esperienza unica e piacevole, ma sarà anche un valido alleato della nostra vista, evitandoci di sforzare eccessivamente gli occhi. Il tablet è compatibile con una tastiera da integrare e utilizzare per scrivere come se fossimo al pc, ma probabilmente questo prodotto è in grado di dare il meglio di sé con lo stilo T-Pen, un pennino con 4096 livelli di precisione, perfetto per disegnare o per prendere appunti a mano.

Lenovo Tab Idea Plus

Questo tablet è pensato proprio per coloro che si ritrovano a dover prendere appunti spesso nel corso della giornata: studenti, freelance, professionisti, ecc. Lenovo Tab Idea Esso ha un display da 11,5 pollici, con risoluzione a 2 k e refresh rate a 90 Hz. Monta un processore MediaTek Dimensity 6400 e ha una batteria da 10200 mAh. Il tablet è affiancato dalla Tab Pen, perfetta per scrivere appunti a mano e disegnare, con 4096 livelli di precisione.

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3 siti top per arredare casa

Le AI stanno aiutando gli utenti a capire da soli come arredare casa in base ai propri gusti. L'intelligenza artificiale si sta trasformando (tra le altre cose) nel cervello della progettazione, ma quali sono i portali online utili per capire poi quali prodotti acquistare? Di e-commerce di interior design ce ne sono tantissimi. Noi abbiamo selezionato 3 siti top per arredare casa dove poter trovare ispirazione e provare a cimentarsi nella creazione di uno spazio tutto proprio direttamente in piattaforma.

Westwing: vendite private e shopping ispirazionale

Tra i 3 siti leader nel settore interior design, il primo da segnalare è sicuramente Westwing (precedentemente noto come Dalani) che continua a dominare la scena per chi cerca un tocco di eleganza e ricercatezza.

La piattaforma si divide in due anime, quella dello Shop permanente, con una selezione curata di mobili e accessori di alta qualità, e quella del Club, che offre vendite "flash" a tempo con sconti significativi su brand di lusso e designer emergenti.

Arredare casa ora è facile basta sapere su quale piattaforma andare

Ciò che rende Westwing uno dei siti preferiti dai professionisti è l'aspetto editoriale. Ogni prodotto è inserito in "Lookbook" ambientati, che permettono di vedere come un tappeto o una lampada interagiscono in una stanza vera. È il sito perfetto per chi non cerca solo un mobile, ma vuole acquistare uno stile di vita completo, spaziando dal moderno al boho-chic con una facilità disarmante.

Archiproducts: tempio del design per professionisti e appassionati

Se la tua priorità è la qualità architettonica e la ricerca del pezzo iconico, Archiproducts è senza dubbio il primo tra i 3 siti da consultare. Si tratta della fiera del design più grande al mondo, ma a portata di click. Qui si trovano le collezioni ufficiali dei marchi più prestigiosi (da Vitra a Flos, passando per Cassina), garantendo l'originalità e la provenienza di ogni singolo pezzo.

Archiproducts non è solo un negozio online di mobilia, ma un archivio immenso di schede tecniche, modelli 3D per architetti e finiture dettagliate. È il posto giusto per chi sta arredando casa con una visione a lungo termine, cercando oggetti che mantengano il loro valore nel tempo.

Vuoi arredare casa con pezzi unici? Puoi andare al mercatino delle pulci, oppure scegliere uno di questi siti

Qui avete anche la possibilità di richiedere preventivi personalizzati e di parlare con esperti del settore lo rende un punto di riferimento indispensabile per progetti di arredo complessi e di alto profilo. In pratica è il sito perfetto per chi vuole una casa originale con pezzi particolari.

Wayfair: la varietà infinita per ogni budget e stile

Per chi cerca la massima versatilità e un rapporto qualità-prezzo imbattibile, Wayfair chiude il podio dei 3 siti essenziali per l'arredamento. La forza di questa piattaforma risiede nell'enormità del suo inventario. Infatti, puoi trovarci di tutto, dal pomello per la cucina al gazebo per il giardino, con una gamma di prezzi che si adatta a ogni portafoglio.

Wayfair è una piattaforma che ha investito massicciamente nella tecnologia di realtà aumentata. L'obiettivo è da sempre permettere all'utente (tramite la propria app) di proiettare i mobili direttamente nella propria stanza tramite la fotocamera.

Altra cosa fondamentale che la distingue dalle precedenti citate è che questa piattaforma punta molto sulle recensioni degli utenti che sono estremamente dettagliate e spesso accompagnate da foto reali, un aiuto fondamentale per capire l'effettiva resa dei materiali prima dell'acquisto. Se hai bisogno di arredare un intero appartamento in tempi brevi e con uno stile fresco e moderno, questo portale è sicuramente quello che offre le opzioni migliori per spedizione in modalità rapida e per una facilità di navigazione che pochi altri competitor riescono a eguagliare.