Fallait que j'y vote!

C'est l'histoire d'un type qui racontait des histoires de clips qui racontent l'histoire du J-Top de Nolife.

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2016

J’ai fini 2015 malade et exceptionnellement crevé. C’est un super commentaire sur l’année qui s’est écoulée, mais ça n’est pas forcément la meilleure option quand on cherche à être au moins un tout petit peu productif. L’article que vous lisez aujourd’hui est en retard. J’aurais dû l’écrire plus tôt, mais, après un an à écrire presque tous les jours, j’avais hâte de me reposer, alors j’ai un peu oublié. Désolé.

“Fallait que j’y vote!” s’arrête. Voilà, c’est comme ça. Quand j’ai pris cette décision, Nolife allait crever. Ce n’est plus vraiment le cas, au moins pour quelques mois, mais, entre temps, j’ai trouvé d’autres raisons de fermer boutique. 

D’abord, tenir un blog presque quotidien, où je dois à chaque fois m’ouvrir le crâne et coucher sur clavier toutes mes pensées et mes émotions au sujet d’un morceau de J-Pop est un processus aussi crevant que drainant. Je me suis senti assez usé physiquement et émotionnellement pour qu’il soit nécessaire de lever le pied un peu à un moment, et je suis à peu près certain que ça aurait empiré.

Ensuite, j’étais de moins en moins satisfait avec ce que je faisais. L’impression de me répéter, de tourner en rond, de me paumer dans mes tics et mes tours de phrases au point d’en devenir incohérent, ce qui n’est jamais bon, ni pour un auteur, ni pour un lecteur. J’ai fait de bons articles, mais les mauvais semblaient aller de pire en pire, au point de donner l’impression d’une marche forcée aussi laide que triste, et personne ne voudrait de ça.

Je reste super fier d’avoir fait tout ça, qu’on ne se trompe pas, mais, c’était nécessaire d’arrêter. Ou au moins, de faire une pause prolongée. Admettons-le, je continuerai de penser très fort à la J-Pop, d’avoir des sentiments et des idées à son sujet, et, il me prendra sans doute un jour l’envie de reparler de tout ça, d’une manière ou d’une autre. Mais pas maintenant. Pas tout de suite.

Avant de partir, je tenais à remercier plein de gens. Tous ceux qui m’ont lu, à commencer par vous. Ceux qui étaient là dès le début, ceux qui sont arrivés plus tard. Ceux qui m’ont envoyé des compliments, ceux qui n’ont rien dit. Tous ceux dont la présence m’a encouragé à continuer quand ça a été difficile, et ça a été difficile, souvent. Tous les gens qui m’ont suivi, et parmi eux Sébastien Ruchet de Nolife (j’hallucine encore quand je le vois dans la liste de followers de mon compte twitter).

Tous les gens qui ont fait le J-Top. Tous les gens de Nolife, évidemment, mais tous les artistes, tous les réalisateurs, tout ceux qui ont regardé, tout ceux qui ont voté. Bref, tous ceux sans qui tout ça serait juste une fiction très élaborée sur un sujet un peu stupide. Sincèrement, je vous aime. Sincèrement, merci, quelque soit votre part de responsabilité dans tout ça.

Maintenant, la suite. Je ne vais pas m’arrêter d’écrire, je ne vais pas me reposer, je vais me lancer dans une nouvelle aventure. Pour comprendre, il faut remonter en arrière, et poser des questions un peu existentielles. “Pourquoi écrire ?”, et surtout “Pourquoi écrire sur la J-Pop ?”

“Pourquoi écrire ?” Parce que c’est le seul truc que je sais faire à peu près correctement, que j’avais besoin d’un peu d’entraînement, tout ça je l’ai dit en commençant ce blog, et ça n’a pas vraiment changé au cours de l’année. J’ai appris à écrire, et surtout, à publier, à éviter de me paumer dans mes vicissitudes de perpétuel insatisfait alors qu’il y a un boulot à faire. C’était nécessaire et je suis content de l’avoir fait.

“Pourquoi sur la J-Pop ?” Parce que ça m’intéressait, un peu, de loin, et que je voulais m’en approcher. Parce que c’est original, que personne d’autre ne le ferait, ce qui est un bon moyen d’éviter de faire comme les autres en moins bien. 

Surtout, je voulais être David Kohl. 

David Kohl, c’est le personnage principal du premier volume de Phonogram, un comic absolument génial de Kieron Gillen et Jamie McKelvie, une histoire de magiciens qui utilisent le pouvoir de la musique et qui vivent des aventures dans la pop contemporaine. Au cœur de tout ça, il y a une métaphore, l’idée que les émotions qu’on ressent en écoutant de la musique peuvent se manifester dans le monde réel et avoir un effet transformatif sur le monde et les autres.

Tout le processus de matérialisation des émotions, c’est de la critique, en fait, et Phonogram est surtout un comic sur l’art du point de vue du critique, de celui qui écoute la musique et qui se trouve transporté, transformé, et qui veut montrer ça au monde. C’est une idée simple, qu’il va décliner en trois volumes, deux déjà disponibles et un troisième en cours de parution, et ça a pas mal résonné en moi. Je voulais être un magicien. Je voulais voir ce que ça donnait.

Tout ce blog était juste une référence. J’ai beaucoup parlé, pour ne pas dire grand chose.

Bref. Il est temps de boucler la boucle. De revenir là où j’ai toujours été. Il y a une époque où je parlais de comics régulièrement. C’était pas mal. C’est le moment d’y revenir.

2016 : Poum Poum Comics est de retour. Personne n’est prêt.

Gros poutous, Arez

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SEKAI NO OWARI — Dragon Night

Entrée en rotation : 7 mars 2015 Passage en classique : 20 juin 2015 Meilleure position : 9e (une fois) Dernière position : 9e

(version japonaise par ici)

Comment définiriez-vous la fin du monde ? La chute d’une civilisation ? Une catastrophe, naturelle ou non, qui mettrait fin à toute, ou presque toute, vie sur Terre ? Un fait physique inéluctable, comme l’entropie ? Ou bien est-ce quelque chose d’autre, à une échelle beaucoup plus réduite ? La mort d’une personne, n’est-ce pas la fin de son monde ? Et si tout ça était beaucoup plus conceptuel ? Et si la fin du monde, ça pouvait être la fin d’une idée, n’importe laquelle, si elle est assez importante ? Par exemple, la mort programmée d’une chaîne de télé, ou d’un blog ?

Admettons-le : cette introduction est embarrassante par ses indulgences et son côté émo à peine assumé, mais, je vous rappellerai ici que c’est mon dernier article pour ce blog, donc ma fiesta, et que je pleurerai si je veux. Na.

A défaut d’autre chose, je peux au moins définir SEKAI NO OWARI (littéralement “la fin du monde” en japonais) : groupe formé en 2007 par quatre amis d’enfance à Tokyo, qui s’est construit son propre club dans le sous-sol d’une imprimerie pour jouer leurs premiers concerts, et qui, en quelques années, va passer de petite sensation chez les indés à la sortie de leur premier single en 2010 à un énorme groupe qui va remplir des stades entiers et occuper le haut du classement des meilleures ventes de singles de l’Oricon. 

Tout ça, c’est le fruit d’un mélange entre mélodies pop mélancoliques, grosse machine EDM, un sens assez pointu du spectacle et de la dramaturgie, et une envie d’expérimenter, d’essayer des trucs, aussi improbables soient-ils, qui va leur permettre d’appuyer sur tout ça un peu plus fort, et d’aller un peu plus loin.

Et ça se voit dans un titre comme Dragon Night, qui ouvre avec son tambour, qui tape le rythme d’une marche, et qui va donner à la chanson un élan, une inertie irrésistible, qui va lancer le mouvement, et porter cette mélodie chantée par la voix très lourdement filtrée de Fukase. Là arrive la première touche improbable du morceau, parmi les nappes de synthés qui posent leur ambiance : de l’accordéon, comme ça, une touche de nostalgie, comme un artefact du monde d’avant. 

C’est la que la chanson va faire péter son refrain, et exploser avec ces gros hooks EDM tous droits sortis des dancefloors les plus sordides. Ça serait d’une vulgarité sans nom si tout ça n’était pas si soigneusement amené, savamment construit, et précis jusque dans les moindres détails. 

A partir du deuxième couplet, on va commencer à appuyer sur cette ambiance apocalyptique, avec l’arrivée du tic-tac d’une horloge, comme un compte à rebours avant la fin de tout. On va en faire un peu plus, faire monter les enjeux, avancer un autre refrain, avant de partir pour un break avec la deuxième touche un peu improbable : du banjo, du marimba puis de la harpe, encore des sons anciens mélangés aux machines.

On arrive alors sur la dernière ligne droite, avec sa reprise du refrain en mode dépouillé, la chute de tension avant le bouquet final, et son explosion de joie. Certes, c’est convenu, mais c’est pour ça que ça marche. C’est pour ça que ça s’apprécie autant. C’est fait avec intelligence, avec un jeu de textures intéressant, bref, c’est carrément super.

Alors, bien sûr, tout ça ne nous dit pas à quoi correspond la fin du monde. Et, avec l’annonce que Nolife continuera encore un peu, se poser la question de la fin des choses en ces termes n’est plus vraiment d’actualité. Mais, à dire vrai, vous n’auriez pas dû vous attendre à autre chose. Je n’ai fait qu’une seule promesse en commençant ce blog, et, pour le terminer, je crois qu’il est important de vous la rappeler.

Tout ce que je sais, c’est qu’il fallait que j’y vote.

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Melon Kinenbi — This is unmei

Entrée en rotation : 8 mai 2010 Passage en classique : 13 juin 2015 Meilleure position : 10e (une fois) Dernière position : 10e

Les Melon Kinenbi ont une place assez particulière dans l’histoire du Hello! Project. Le groupe est formé en 1999, alors que les membres fondateurs de l’empire médiatique de Tsunku, les Morning Musume et la soliste Michiyo Heike, commençaient à peine à faire parler d’elles. Devant ce succès presque inattendu, l’organisation enchaîne les auditions, qui trouveront, entre autres, la deuxième génération des MoMusu, les Country Musume, et, en mai, les Melon Kinenbi.

A l’époque, le groupe est composé de quatre jeunes filles : Hitomi Saito, Megumi Murata, Masae Otani et Ayumi Shibata. 

Onze ans plus tard, en 2010, à sa dissolution, le groupe était composé de quatre femmes : Hitomi Saito, Megumi Murata, Masae Otani et Ayumi Shibata. 

Vous voyez où je veux en venir ? Alors que la plupart des groupes du Hello! Project ont un taux de turnover qui ferait baver d’envie le plus avare des capitalistes, les Melon Kinenbi ont gardé le même lineup pendant toute leur carrière. Ce genre de stabilité, c’est aussi rare qu’incroyable.

This is unmei est leur quatrième single, et lui aussi est un peu particulier, puisque, contrairement à la plupart des productions du H!P du début des années 2000, il n’est pas composé par Tsunku. Tout ça va, du coup, prendre un aspect un peu expérimental, et se permettre quelques trucs un peu inattendus.

Ça va commencer avec cette intro un peu opératique, toute en violons et voix haut perchées, avec un twist : des clics et des coupures, laissés là comme pour appuyer un peu l’aspect artificiel de la démarche. Une grâce un peu en toc, que la chanson va utiliser pour contraster avec son autre aspect : une pop-punk ultra-joyeuse et souriante, énergique au possible, avec juste assez d’attitude pour être crédible en restant adorable et quelques synthés pour assurer la liaison.

De base, c’est une bonne idée, un mélange qui fonctionne parce qu’il a toujours fonctionné, mais Atsushi Shindo, à la composition, se donne un autre truc pour s’assurer que ça marche : il va éviter de lasser, en balançant tout ce que la combinaison peut balancer en l’espace de trois minutes, pas plus, pas trop. C’est maîtrisé, et c’est admirable.

L’idée du pop-punk a marché plutôt pas mal pour les Melon Kinenbi, et ça explique sans doute pourquoi elles y reviendront à la fin de leur carrière, avec leur album Melon’s not Dead en 2010. Pour le reste des aventures du Hello! Project, revenez en arrière, lisez ce blog, j’en ai déjà assez dit.

DEMAIN : La fin du monde.

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SCANDAL — OVER DRIVE

Entrée en rotation : 11 avril 2015 Passage en classique : 23 mai 2015 Meilleure position : 1er (4 fois) Dernière position : 1er

(cliquez ici pour le clip, zou)

J’ai dit et répété au cours de cette année d’articles que Yasutaka Nakata était l’homme le plus important de la pop japonaise contemporaine. Et si son boulot avec Perfume et Kyary Pamyu Pamyu ne suffit pas pour le prouver, voici OVER DRIVE, le 17e single en major des petites poulettes de SCANDAL, écrit, composé et produit par le monsieur derrière les platines de capsule.

Certes, le pop-rock du quatuor d’Osaka est loin du ras-de-marée de synthés technos et des arrangements house qui dominent le paysage pop depuis 2007 et Polyrhythm des Perfume, mais on sent quand même très fort la patte de Nakata dans quelques éléments stylistiques par-ci par là. 

Par exemple, ce mélange si particulier de guitare acoustique avec un léger écho, couplé à quelques synthés (parce que, que voulez-vous, on ne se refait pas), plutôt inédits pour le groupe, mais qui vont donner cet air futuriste que tout le monde aujourd’hui peut apprécier. Comme chez les autres, on va également retrouver des petites figures de style électro, des coupures qui vont interrompre l’élan juste assez longtemps, comme des petits croche-pattes qui poussent à faire attention.

Et puis, il y a la mélodie, un bon vieux rock’n’roll à l’ancienne, tout gentillet et sautillant, chanté avec un gros sourire d’une oreille à l’autre, dans le but de communiquer sa joie. L’occasion pour les SCANDAL de se lâcher un peu, maintenant qu’elles ont raccroché leurs uniformes pour porter leurs beaux habits de ville, loin du sérieux de titres comme Shojo S ou Shunkan Sentimental.

Pour comp^léter tout ça, on a même un break instrumental un peu improbable, avec des faux violons, une gigue sortie totalement de nulle part, comme un signe que la chanson est prête à tout, histoire de mieux faire passer une deuxième partie plus complexe, où les pianos vont commencer à se superposer, et à taper avec un peu plus de poigne. 

Tout ça est remarquable d’ambition, mais reste totalement joueur, et, surtout, nous donne une occasion de retrouver les SCANDAL à leur meilleur, avec une énergie qui fait plaisir à voir. Personne ne sera surpris de savoir que, des années plus tard, tout ça a continué, et qu’elles restent le groupe fun qu’elles ont toujours été.

Et Yasutaka Nakata ? Il continue à être le type le plus important de la J-Pop contemporaine, même si ses critiques lui reprochent parfois d’avoir perdu l’inspiration et de tomber dans une facilité proche de l’auto-parodie (quand il ne s’auto-parodie pas directement). Il n’empêche, pour moi, il reste le patron, encore capable d’un peu de magie.

DEMAIN : Une longue histoire, qui commence au début du Hello! Project. 

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TEMPURA KIDZ — CIDER CIDER

Entrée en rotation : 23 mars 2013 Passage en classique : 27 mai 2015 Meilleure position : 5e (une fois) Dernière position : 5e

Ceux qui ont lu ma couverture du festival Moshi Moshi Nippon à Paris d’il y a quelques mois connaissent déjà les Tempura Kidz, Pour les autres, et tous ceux qui n’ont pas envie de prendre le temps de lire deux très bons articles dont je suis particulièrement fier, ce qui me fait un peu mal en dedans, on va tout réexpliquer, à commencer par le début. 

Au commencement, il n’y avait rien. Puis, Yasutaka Nakata a dit “Que Kyary Pamyu Pamyu soit”. Et Kyary Pamyu Pamyu fut. Et le monde vit que c’était bon. (C’est un peu dramatique, certes, mais c’est à la hauteur du phénomène.)

Mais Kyary ne pouvait pas être seule sur scène. Il lui fallait une troupe, qui l’accompagnerait, et qui danserait avec elle. C’est ainsi que furent formés les Kyary Kids, une troupe d’enfants à peine sortis de l’école et déjà capable de se lancer dans des chorégraphies aussi élaborées qu’énergiques.

Et puis Kyary étant devenue ce qu’elle est devenue, l’idée de faire quelque chose avec sa troupe a commencé à faire son chemin. Ça a commencé avec Vegetarhythm, un clip à base de légumes tourné devant un étal de primeur, qui a tourné sur le web et connu une petite popularité.

Alors, comme on a vu que ça pouvait marcher, CIDER CIDER est arrivé, et les TEMPURA KIDZ sont nés. Tous les éléments qui ont fait leur succès avec Kyary, la jeunesse, les tenues bariolées, la patate et les chorégraphies complexes, exagérées et pleines d’humour, sont là, accompagnés d’un nouvel élément : la musique de RAM RIDER, DJ de renom, pote de Nakata, et déjà connu de nos services.

Le son est fun, une explosion colorée et fluorescente de synthés sucrés et pétillants. Pour assurer la continuité, les emprunts à Kyary sont multiples, dans la mélodie, dans ces breaks qui rappellent de loin ceux de PON PON PON, et, surtout, dans la démarche, dans ces voix manipulées pour sonner haut-perchées, presque extra-terrestres. 

C’est quelque chose de tellement joyeux et de tellement artificiel que ça en devient presque aliénant, le délire du groupe d’idols poussé trop loin, au point qu’on le voit un peu craquer. Et pourtant, ça marche, c’est mignon comme tout, ça fout la banane au visage, et ça donne de l’énergie comme un bon jus de fruits. 

Et si cette perspective d’un truc qui fonctionne alors qu’il ne devrait pas n’est pas assez flippante, rappelons ici qu’à l’époque, les membres du groupe avaient entre 12 et 13 ans. Voilà voilà.

DEMAIN : On dit “au revoir” à des gens très importants

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blgtz — Ideology

Entrée en rotation : 21 janvier 2012 Passage en classique : 16 mai 2015 Meilleure position : 10e (2 fois) Dernière position : 10e

Le groupe s’appelle blgtz. Ça se prononce “Bill Gates”, comme le milliardaire.

Le type avec les cheveux dans les yeux qui crie très fort et qui se prend des tartes à la crème dans la figure s’appelle Shota Tamura. C’est la tête pensante de blgtz. Il écrit, il compose, il joue, et c’est même lui qui co-réalise le clip. 

Le groupe est actif depuis 2001.

La chanson s’appelle Ideology. Elle est tirée de leur troisième album, sorti en 2011. 

L’album s’appelle Doji ni Kieru Ichinichi. La chanson parle du 11 Septembre. 

C’est du post-rock. Certaines personnes disent même que c’est du shoegaze. Je ne sais pas comment les contredire. 

C’est joué très fort. Ça désoriente au point de filer le vertige.

Je ne sais toujours pas comment parler de post-rock correctement. 

Les informations sur blgtz sont extrêmement rares. 

Alors j’essaie de faire avec le peu que j’ai. J’essaie de présenter ça bien. C’est un peu le même trip lo-fi, mais en moins bien.

Je suis désolé et je suis paumé. Mais le morceau est super et vous devriez l’écouter.

DEMAIN : Une dernière bolée de cidre.

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DOLL$BOXX — Merrily High Go Round

Entrée en rotation : 23 février 2013 Passage en classique : 9 mai 2015 Meilleure position : 3e (une fois) Dernière position : 3e

Les règles que je me suis imposées en créant ce blog, et celles que j’ai ajouté quand j’ai décidé d’y mettre fin, m’ont forcé à prendre des décisions que je regrette un peu aujourd’hui, une semaine avant la fin, alors que le moment est venu d’envisager le bilan. Par exemple, en ne suivant que les classiques, on a loupé plein d’artistes sympas, et plein d’histoires qui vont avec. 

Tenez, au hasard, les Gacharic Spin, un groupe de jeunes filles qui font du dance-rock fluo ultra-énergétique, dopé aux synthés, qui bouge assez pour que la formation ait fini par intégrer deux danseuses en plus de ses quatre musiciennes. Ou alors, comme ça, LIGHT BRINGER, un groupe de gros power-métal à l’ancienne, porté par l’incroyable puissance de la voix de sa chanteuse, FUKI, et ses vibratos toujours épatants.

Alors, on se contentera des DOLL$BOXX, un groupe fondé en 2012 par les musiciennes de Gacharic Spin, avec FUKI de LIGHT BRINGER. 

Pour les Gacha, c’est une occasion de revenir au son plus rock de leurs débuts en 2010, lorsqu’elles pouvaient taper et hurler sans qu’une foule de gens armés de glowsticks vienne s’agiter et faire n’importe quoi. Pour FUKI, c’est une occasion de se lâcher, de quitter un métal qui se prend plus au sérieux que de raison, et de proposer quelque chose de plus léger, plus fun et un peu plus détendu.

Ca reste sérieux, ne nous trompons pas, mais c’est moins prétentieux, ce que j’apprécie pas mal. C’est plus simple. C’est sans doute ce qui fait marcher un titre comme Merrily High Go Round, qui tape dur, mais qui trouve toujours le moyen de rebondir avec une certaine aisance. La chanson est totalement adorable, mais en même temps avec une crédibilité, un talent, assez unique.

(j’ai aussi un peu un crush sur Hana, la batteuse, mais le dites à personne, c’est un secret, et cette parenthèse va disparaître de l’article quand il sera publié)

LUNDI : post-rock milliardaire

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Suiyōbi no Campanella — Jeanne d’Arc

Entrée en rotation : 7 mars 2015 Passage en classique : 9 mai 2015 Meilleure position : 4e (une fois) Dernière position : 4e

L’histoire d’aujourd’hui sera courte, pour la meilleure des raisons qui soit, selon moi : parce qu’elle vient de commencer. Les Suiyōbi no Campanella ont fait leur entrée dans le J-Top cette année, et leur premier album est sorti il y a tout juste un mois. Ce que vous voyez ici, c’est un groupe à ses débuts, avec tout ce que ça implique de promesses et d’excitation. Pour faire simple, c’est le prochain grand truc, et je suis ravi de pouvoir vous en parler maintenant.

Suiyōbi no Campanella, c’est un trio formé à Tokyo en 2012, dont la marque de fabrique est le mélange des genres et les associations d’idées aussi saugrenues que dépareillées. Il est composé de KOM_I, la chanteuse et seule partie visible de l’iceberg, Kenmochi Hidefumi, qui écrit, compose et produit la musique, et Dir. F, qui fait un peu tout le reste (ce que ça implique étant laissé à l’imagination du lecteur). Ils tirent leur nom (”La clochette du mercredi” si on traduit en français) du fait qu’ils se réunissaient souvent les mercredis à leurs débuts, et que le reste sonne assez classe pour qu’ils se fassent remarquer.

Leur son est dans cet esprit, à la croisée des chemins entre hip-hop, techno expérimentale, électro-pop contemporaine, lounge à l’ancienne ou bon vieux Shibuya-Kei. Mais, aussi intéressant que soit tout cela, aussi amusant soit-il de suivre le groupe dans ces montagnes russes qui foncent d’une direction à l’autre comme un Space Mountain musical, tout ça ne tiendrait pas sans KOM_I.

C’est son charisme, son attitude, qui fait de Suiyōbi no Campanella un groupe aussi spécial. C’est dans son don à mêler l’agressivité d’un rap qui tape vite et fort, avec une joie et une douceur pop aussi adorable que communicative, dans la façon dont elle tient ces contradictions sans céder un iota, que se trouve tout le génie de leur musique.

Avec ça, on peut tout faire, par exemple, comme dans Jeanne d’Arc, faire une chanson dont le texte est en grande partie composé d’expressions employées par des guides touristiques lors de voyage en bus. Ou se lancer dans des démarches artistiques un peu plus ambitieuses, comme leurs concerts assez spectaculaires, qui vont souvent tourner à la performance. 

Bref, je ne peux que vous recommander chaudement de vous convertir à Suiyōbi no Campanella, sinon parce que c’est excellent, au moins pour avoir l’air cool et en avance sur votre temps lors de vos prochaines soirées mondaines. 

DEMAIN : tournicoti, tournicoton

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moumoon — Hello,shooting-star

Entrée en rotation : 7 février 2015 Passage en classique : 11 avril 2015 Meilleure position : 3e (une fois) Dernière position : 3e

Il était impensable de partir sans parler du groupe qui caracole en tête du J-Top artistes depuis presque trois ans, dominant le classement et enchaînant les premières places devant des groupes comme les Morning Musume ou SCANDAL, ce qui, disons-le tout de go, est totalement dingo. Ils se sont installés à la première place comme ça, un jour en mai 2013, et ils sont restés dans le haut du classement depuis, plus que tous les autres (58 premières places, les suivants sont les UPLIFT SPICE avec 37).

C’est que le duo de Tokyo a tout pour plaire, avec leur pop-rock doux et mignon, évoquant ELT, mais avec un mordant rock plus prononcé, insistant sur les guitares, qu’elles soient acoustiques ou électriques, et des mélodies simples et entêtantes,qui entrent dans la tête sans qu’on les aient invités. Une délicieuse guimauve, tranquille et apaisante, comme s’asseoir sur un bon fauteuil avec une bonne couette et un chocolat chaud.

Derrière tout ça, il y a YUKA, au chant, et Masaki Kousuke, à la guitare et au synthé, deux gens mignons et sympas comme tout, éduqués au classique, qui se rencontrent à un festival en 2004, et qui commencent à bosser ensemble sur des maquettes, chacun un peu admiratif des talents de l’autre. Ils deviennent officiellement moumoon (”mou” comme mou, en français dans le texte, et “moon” comme la lune) en 2005, et font leur débuts en indé l’année suivante, avec leur premier single, Flowers / pride, suivi d’un mini-album du même nom.

En 2007, ils signent chez Avex Trax et ils commencent à jouer des concerts les soirs de pleine lune. Ils vont commencer à se trouver un public, et à jouer devant des foules de plus en plus grosses. Mais c’est en 2010, quand leur huitième single, Sunshine Girl, est utilisé dans une pub, que leur carrière décolle vraiment. Pour la première fois, ils entrent dans le top 10 de l’Oricon, et prennent leur place dans le paysage de la J-Pop contemporaine.

Et depuis, tout ça continue de tourner, doucement, calmement. C’est reposant, rassurant, et par les temps qui courent, c’est bien que ce soit là.

DEMAIN : De l’état des roues de l’autobus, et du bruit qu’elles font.

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acid+ LE antoinette — Nakigao de Fly Away

Entrée en rotation : 17 janvier 2015 Passage en classique : 28 février 2015 Meilleure position : 0e (6 fois) Dernière position : 0e

Je dois commencer l’article d’aujourd’hui en m’excusant : j’ai plus ou moins dit, il y a plusieurs mois de cela, qu’aucun clip n’avait égalé ou surpassé I.V. de X Japan, et ses dix semaines consécutives à la première place du J-Top. Ça a été vrai assez longtemps, à peu près sept ans, mais, début 2015, alors que je commençais à peine à écrire sur ce blog, tout ça a changé, avec l’arrivée fracassante des acid+ LE antoinette, Ashian pour les fans et les intimes, et de ce qui sera leur tube en France : Nakigao de Fly Away. 

C’est assez compliqué de parler d’eux, malgré leur incroyable réputation et leur succès de taille à l’international, parce qu’à part leurs quelques apparitions sur Nolife, le groupe se fait très discret dans les médias, préférant peaufiner leur oeuvre en studio. Ainsi, alors que le groupe est actif depuis 1997, ils n’ont sorti qu’un seul album, guillotixxxm (prononcez “guillotisme”) en 1999, et qu’on attend toujours leur deuxième album, Crime de la Passion (en français approximatif dans le texte), annoncé en 2002, et repoussé à maintes reprises, car les deux têtes pensantes du groupe, YUGI+LUXX et jeanRyu, sont de grands insatisfaits.

Ça peut s’expliquer en partie par leurs parcours : l’un est éduqué dans la rigueur d’une éducation dans l’univers impitoyable du classique, devenant à six ans un virtuose du basson, avant d’apprendre, dans le désordre, la guimbarde, le glockenspiel, la flûte à bec, la flûte traversière, la flûte de pan, la flûte irlandaise, la flûte bulgare, la flûte à coulisse, le trombone à coulisse, la guitare à coulisse, l’orgue de barbarie, la scie musicale et, finalement, la batterie. 

L’autre a appris la musique sur le tard et sur le terrain, dans les pires bars de Tokyo, entre deux flaques de vomi, quelques mégots de cigarette, des capotes usagées, des seringues et face à un public qui va très littéralement lui cracher à la figure alors qu’il essaie de jouer le blues avec sa guitare. Il va tenter de monter quelques groupes, de réäümürSEBASTOPOL à †m†C, en passant par Yokohama Chicken Network, Trans-Miniature, et, peut-être le plus connu des groupes de cette période, tarteAUpoiL, mais rien ne décolle vraiment.

Et puis, un soir, ils se croisent dans les toilettes d’un club à Shibuya, et, immédiatement, ils se trouvent des atomes crochus, une passion partagée pour les pantalons en cuir, l’eyeliner, les tombes d’enfants et le rock français, de Téléphone à Indochine. (dans les notes de guillotixxxm, ils remercient, entre autres, Nicolas Sirkis) Ils deviennent immédiatement amis (et plus, selon la presse à scandales et leurs fangirls hyperactives), et ils montent acid+ LE antoinette dans la soirée, commençant à écrire leurs premiers titres sur des serviettes et des sous-bocks. Le reste appartient à l’histoire de la J-Music.

Les fans les plus hardcore de Ashian vous le diront : certes, le groupe n’a pas sorti d’album depuis un peu plus de quinze ans, mais ils sont toujours actifs, et, à travers des concerts dans des stades et des singles en édition limitée hors de prix sauf pour les plus fortunés et dédiés à la cause, le groupe expérimente, cherchant le son qui fera de Crime de la Passion le maître-étalon du Visual Kei contemporain. C’est dans cette démarche de recherche qu’ils se rendent en France à la fin 2014.

Inspirés par l’infinie tristesse qu’ils voient pendant leur séjour, notamment dans les locaux de Nolife, ils travaillent avec elmobo, un musicien local, sur un titre qui, comme à son habitude, va explorer tous les extrêmes de l’émotion, de la joie à la tristesse, de la naissance à la mort, du départ à l’arrivée et du fromage au dessert. Nakigao de Fly Away, c’est tout ça, et un peu plus en même temps.

Surtout que le titre est sorti en trois versions : une courte, en septembre 2014, avec un couplet et un refrain, une longue, que vous avez au-dessus de cet article, sortie début 2015, avec un pont supplémentaire et un grand final, et la version complète, qui dure trois heures et dix-sept minutes, qui décolle vers une symphonie en quatre mouvements interprétée avec un orchestre philharmonique, et qui contient douze solos de guitare, 20 minutes de poèmes en vers libres accompagnés d’une boîte à rythme, des vrais cris d’oiseaux, et au moins huit minutes de sanglots sans aucun accompagnement.

C’est une ambiance, et une ambition qu’on ne peut trouver que chez un groupe comme acid+, qui, ces dernières années, ne sort qu’une chanson ou deux, mais qui fait de ces chansons de véritables spectacles. On attend la suite avec impatience, et qui sait, pourquoi pas enfin l’album ?

En attendant, c’était nécessaire de parler d’eux, surtout quand, moi aussi, je suis sur le point de prendre mon envol vers de nouvelles aventures.

DEMAIN : On continue de regarder vers le ciel

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AOI Eir — Sirius

Entrée en rotation : 8 février 2014 Passage en classique : 21 février 2015 Meilleure position : 10e (une fois) Dernière position : 10e

En soi, je n’ai rien contre ni Eir Aoi, ni contre Sirius, son cinquième single, sorti en 2013. C’est important que je commence par là, parce que je ressens quelque chose d’assez compliqué à expliquer en écoutant la chanson et en écrivant à son sujet. Alors, prenons les choses une par une, et essayons de les regarder séparément, hors de leur contexte, et de rendre compte de ce qu’on voit.

Eir Aoi est originaire de Sapporo, où elle chante dans des groupes avec ses potes dès le lycée. C’est là qu’à force d’entraînement, et pour pouvoir se faire entendre alors que son guitariste joue aussi fort qu’il peut, elle va développer sa voix, puissante et capable de monter dans les aigus avec une aisance assez impressionnante. 

Comme beaucoup d’artistes dans la J-Pop ces dernières années, elle va se faire repérer par un producteur après avoir posté des vidéos sur Niconico. De là, sous ses encouragements, elle va s’orienter vers l’anison, littéralement la musique pour animés. En 2011, elle sort son premier single, Memoria, qui sera le générique de fin de Fate/Zero. A partir de là, elle enchaîne les titres, de Aurora, générique de Gundam AGE, à Innocence, générique de Sword Art Online, puis elle sort son premier album, Blau.

Tout ça nous amène à Sirius, un titre toujours dans le style pop-rock avec lequel elle a construit sa niche dans le monde de l’anison, mais avec un côté rock plus prononcé, où les guitares ne sont accompagnées que de quelques touches de claviers, à la place des arrangements orchestraux de ses titres précédents. C’est plus mordant, plus agressif, et ça n’est pas pour déplaire.

D’autant qu’encore une fois, Eir assure à fond, avec toute sa force et sa maîtrise. Elle porte le numéro sur ses épaules sans donner le moindre signe que ce serait compliqué, où qu’elle aurait à faire un effort particulièrement herculéen. C’est tenu, et ça inspire confiance, il y a une sérénité qui se dégage de tout ça, une sensation que la chanson est résolue à accomplir quelque chose, en regardant comme ça le ciel et les étoiles.

Maintenant, voilà : c’est le générique de Kill la Kill, un animé que je qualifierai généreusement de “problématique”, généralement pour éviter de me perdre dans une explication de texte qui, en plus d’être ennuyeuse, a le don de fâcher les otakus les plus susceptibles, ce que je sais avec certitude parce que mon avis sur Kill la Kill m’a fait perdre quelques potes de longue date. 

Du coup, quoi qu’on y fasse, je ne peux pas penser à autre chose que ce sentiment de perte et fracas quand j’entends Sirius. Ce n’est pas elle, c’est moi. Sincèrement. Vivement qu’on en finisse, parce que je n’étais vraiment pas qualifié pour tenir un blog sur la pop.

DEMAIN : le plus grand clip de l’histoire du J-Top, ouais, au-dessus de I.V., dans ce qui promet d’être l’article le plus idiot de l’histoire de ce blog, ouais, au-dessus de The.World.Is.Mine.

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FUJIMOTO Miki — Boogie train ’03

Entrée en rotation : 1er mai 2010 Passage en classique : 24 janvier 2015 Meilleure position : 3e (une fois) Dernière position : 3e

L’histoire de Miki Fujimoto dans le Hello! Project est assez particulière pour mériter qu’on s’y intéresse. Elle commence en 2000, lorsqu’elle participe à l’audition pour la quatrième génération des Morning Musume. Elle n’atteint pas la phase finale, mais elle impressionne assez pour qu’on lui donne quelques leçons de chant et de danse, et qu’on la garde sous le coude pour plus tard, quand elle sera prête à révéler son plein potentiel. 

Pendant ce temps-là, on lui file un petit boulot, et elle devient réceptionniste chez UP-FRONT AGENCY, l’agence qui produit les Morning Musume, et qui est plus ou moins derrière tout le Hello! Project. Et puis, en 2002, elle rejoint officiellement la bande à Tsunku en tant que soliste, avec la sortie de son premier single, Aenai Nagai Nichiyōbi. 

Dans l’inconscient collectif des fans, elle devient la rivale de Aya Matsuura, l’autre soliste du H!P, ce qui est un peu idiot pour deux raisons. D’abord, les deux sont super copines, et finiront par bosser ensemble, en 2002, dans Gomattou avec Maki Goto, et, en 2006, juste toutes les deux dans GAM, où elles se claqueront un patin dont j’ai parlé avec une certaine consternation dans un précédent article.

Ensuite, parce que les deux chanteuses ont un parcours et un registre totalement différents. Alors qu’Aya joue dans la pop rétro inspirée des années 60 et de Phil Spector, Miki, elle, va être un peu plus contemporaine, ses morceaux vont incorporer des éléments de disco des années 70 et des instrumentations un peu plus modernes.

Ça se voit un peu moins dans Boogie Train ‘03, son dernier single en solo, qui va chercher un peu de swing à l’ancienne, avec quelques touches de blues, et même de jazz. Ne nous trompons pas, cependant : ça reste de la pop, souriante à souhait, et même s’il semble manquer ce truc qui rendrait le titre indispensable, on ne peut pas dire que ce soit désagréable, juste que la chanson aurait gagné à aller plus loin, sans hésitation, dans une des idées qu’il propose.

Et puis, à la surprise de tout le monde, en 2003, après avoir sorti son album et avoir fait une prestation au Kōhaku Uta Gassen qui a convaincu Tsunku, Miki Fushimoto rejoint les Morning Musume, avec la sixième génération. Quatre ans plus tard, en 2007, elle deviendra même la leader du groupe. 

La leçon d’aujourd’hui est donc la suivante : parfois les choses prennent du temps, mais à force de bosser, elles finissent par arriver. Et après on vous force à partir, parce qu’avoir un petit copain nuit à votre image d’idol jeune et fraîche. 

LUNDI : Mon avis sur Kill la Kill.

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 plugnet — Excube Me!

Entrée en rotation : 10 avril 2010 Passage en classique : 24 janvier 2015 Meilleure position : 12e (une fois) Dernière position : 12e

Au cours de nos aventures dans les archives du J-Top, nous avons vu pas mal de chiptune, dans pas mal de contextes, de la pop sympa à l’électro expérimentale, par petites touches ou par chansons entières. Aujourd’hui, alors qu’on approche de la fin, voilà qu’arrivent les plugnet avec une proposition inédite : des beats en 8-bit et du rap qui frappe.

La formule est simple : prenez trois MCs, unis par leur amour du verbe et de la famicom, faites-les bosser avec quelques noms de la scène chiptune autour de Tokyo (Excube me!, tiré de leur premier effort du même nom, est co-produit avec SEXY-SYNTHESIZER), et vous obtenez ce hip-hop rétro dans le style et dans les références, avec cette attitude unique, du style à aller ouvrir des portes à coups de pompe.

(Admettons-le, je voulais ce clip parmi les 40 derniers parce que je l’aimais bien, et je n’ai pas grand chose de plus à ajouter.

DEMAIN : Une soliste du Hello! Project. Non, l’autre.

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Morning Musume.’14 — What is LOVE?

Entrée en rotation : 12 avril 2014 Passage en classique : 13 décembre 2014 Meilleure position : 3e (une fois) Dernière position : 3e

On a sauté pas mal d’étapes pour arriver ici, alors, pour tout le monde, on va faire le résumé des épisodes précédents. En 2010, après plusieurs années passées à dévisser, la faute à un marché du disque en pleine contraction, à l’arrivée de groupes encore plus crassement commerciaux comme les AKB48 et à une formule qui commençait un peu à montrer ses limites, les Morning Musume ont dû être réinventées. 

Lentement mais sûrement, le groupe allait adopter une nouvelle attitude, et avec elle un nouveau son, qui va emprunter suffisamment à l’électro-pop saveur EDM des Perfume pour qu’on se rende compte que Tsunku n’est plus vraiment le patron. 

Ce n’est pas très original, certes, mais à partir de 2012, quand Kyary Pamyu Pamyu aura rendu les idols cool à nouveau, ça va commencer à payer, et, si elles n’avaient jamais vraiment quitté le haut de l’Oricon, elles vont enfin réussir à franchir la barre symbolique des cent mille copies pour un single, ce qu’elles n’avaient pas fait depuis un peu plus de dix ans.

L’année suivante, en 2013, elles vont commencer à aligner les premières places au classement des meilleures ventes de singles au Japon. Profitant de cette lancée, le groupe va faire son reboot l’année suivante, et voilà comment on se retrouve avec les Morning Musume ‘14. Le line-up est toujours mené par Sayumi Michishige, là depuis la sixième génération, et il comprend toujours les membres des neuvième, dixième et onzième générations.

La nouveauté vient du fait que le line-up durera exactement un an, d’où le ‘14 (prononcez one-four) à la fin de leur nom. Leur premier single de 2014, dont What is LOVE? est extrait, est une triple face A sans précédent, avec Egao no kimi wa taiyō sa et Kimi no kawari wa iya shinai, écrite pour encourager les sportifs japonais à l’olympiade de Sochi.

Les trois titres, signés par Tsunku et arrangés par Kaoru Okubo, déjà responsable de pas mal des arrangements du groupe depuis son tournant vers l’électro, suivent à peu près le même modèle, avec d’un côté des mélodies old-school comme Tsunku aime les écrire (What is LOVE? va chercher le jazz avec un swing tout à fait ravageur, couplé à un arrangement EDM qui va taper fort, et rouler des mécaniques en ne cherchant pas à faire de prisonniers.

Et le mélange prend, parce qu’en plus d’être malin, il est courant, avec toutes les idées et les astuces qu’on est en droit d’attendre de la J-Pop de 2014. Le tout est porté par une prestation énergique, mordante mais toujours mignonne, avec des harmonies soignées parce qu’on est encore chez le Hello! Project, et que certaines choses doivent être assurées.

Bref, c’est un virage assez réussi, et un virage qui va continuer. Sayumi Michishige quitte le groupe à la fin de l’année, au moment où la douzième génération fait son entrée. Le nouveau line-up s’appelle Morning Musume ‘15, qui est sur le point de laisser sa place au line-up qu’on appellera Morning Musume ‘16, et la vie continue.

DEMAIN : On commence 2015 à l’ancienne, avec des cubes et du rap

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DOPING PANDA — The Fire

Entrée en rotation : 1er mai 2010 Passage en classique : 22 novembre 2014 Meilleure position : 5e (deux fois) Dernière position : 5e

Aujourd’hui, pas d’histoire particulièrement importante à raconter, pas de longues explications sur le contexte socio-culturel ou artistique dans lequel a été écrit une chanson, pas de longue divagation sur un petit détail qui s’entend à peine, non, aujourd’hui, on va faire simple.

The Fire est tirée de High Pressure, le deuxième album en major des Doping Panda, qui fait partie d’une paire avec High Fidelity, sorti en 2005. C’est du dance-rock super sympa, avec une grosse ligne de basse qui secoue comme il faut, une batterie qui va taper dans le mille. Sur cette fondation, Yutaka Furukawa, à la guitare et au chant, va pouvoir s’amuser comme un petit fou, gratter dans tous les sens, alterner entre falsetto et cris explosifs avec ce charisme qu’on a quand on a totalement confiance en soi et ses potes. 

Et ce n’est pas les seules extravagances que le morceau se permet, entre ses petits coups de synthés, de boîte à rythme, et de petits interludes samba bien sentis, on sent que le groupe se lâche, balançant tout ce qu’il a à balancer sans le moindre regret.

Du coup, ça se passe un peu de commentaire, ça se déguste sans modération, et ça s’apprécie en tapant du pied, ou en se dandinant dans une danse endiablée, selon le niveau de timidité. Amusez-vous bien, parce que bientôt, on ferme.

DEMAIN : Une grande question existentielle, et une réinvention.

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NAKAGAWA Shōko — Sorairo Days

Entrée en rotation : 7 juin 2014 Passage en classique : 22 novembre 2014 Meilleure position : 6e (une fois) Dernière position : 7e

Par où commencer, lorsqu’on veut parler du truc le plus cool au sujet de Sorairo Days, troisième single de Shoko Nakagawa, sorti en 2007 ? 

Le plus évident, c’est de parler du tie-up. Parce que c’est le générique de Gurren Lagann, l’animé point d’orgue de quarante ans d’histoires de robots géants. Un autre truc cool au sujet de cette collaboration : au lieu de carrément changer de chanson, la deuxième partie de la série va juste passer au deuxième couplet, ce qui est assez inédit pour être signalé, et pour être salué alors que la plupart des chansons tirées d’animés n’ont vraiment qu’un seul couplet de valable.

Mais, si j’avais vraiment voulu faire un effort, j’aurais plutôt parlé de son interprète, de Shokotan, la chanteuse, actrice, doubleuse, présentatrice télé, dessinatrice, bloggeuse, et, surtout, totalement otaku, fan de Jojo’s Bizarre Adventure au point d’y laisser son corps, dont le cœur appartient à Jotaro Kujo. Si tout ça n’était pas assez cool, elle est également fan de Bruce Lee, C’est une personnalité incroyablement sympathique, une des premières célébrités au Japon à se faire un nom à travers sa présence sur Internet, et qui en a fait une carrière aussi diverse, et, admettons-le, c’est plutôt fort.

Ou alors, plus simplement, j’aurais pu parler de la chanson en elle-même, de son savant mélange entre pop et rock, de ses multiples couches de guitares, couplées avec un peu de synthés, qui vont d’abord attaquer avec leur distorsion, avant de se ranger un peu pour porter la voix assurée de Shokotan, La partition est simple, mais tout se joue dans quelques détails, quelques fioritures qui, avec panache, vont transformer le morceau, lui donner une patte unique, et tout à fait adorable.

C’est ces petites touches qui vont aussi caractériser les deux couplets, en faire deux choses qui, si elles partagent une mélodie et une continuité dans le son, sont quand même différentes, formant ainsi une sorte d’arc scénaristique, le deuxième couplet étant plus élaboré que le premier, et menant directement au pont avec son solo. 

Tout ça n’est pas franchement novateur, mais ça ne cherche pas à l’être, à l’image de Gurren Lagann. C’est juste des bonnes vielles recettes, faites avec du cœur et du talent, et c’est tout ce qui compte.

DEMAIN : On brûle avec des espèces en voie de disparition.

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FLOW — COLORS

Entrée en rotation : 23 juin 2012 Passage en classique : 8 novembre 2014 Meilleure position : 6e (2 fois) Dernière position : 6e

L’histoire du groupe FLOW est tout à fait sympathique, et je pense que c’est un bon endroit pour lancer l’article d’aujourd’hui. Notre histoire commence en 1993, à Saitama, avec Kohshi et Take, deux frères passionnés de X Japan, qui décident de monter un groupe à leur gloire, Wyburn, dans lequel ils jouent les titres de leur groupe favori, faisant semblant d’être hide et Pata. Tout ça les amuse pas mal, mais, en 1997, X Japan se sépare, et Wyburn est forcé de changer de direction.

Ils deviennent FLOW, et, à force de tourner un peu partout, ils se mettent à recruter d’autres membres. Ils sont d’abord rejoints par Keigo, qui était déjà fan de Wyburn et copain avec Kohshi, puis par Got’s et Iwasaki, qu’ils croisent régulièrement parce qu’ils font des petits boulots pour un club à Shibuya.

Leur premier single, Flow #0, sort en 2001, et il connaît un succès assez impressionnant en indé. Ils continuent sur cette lancée, et leur premier album, Splash!!!, commence directement à la deuxième place de l’Oricon en juillet 2003. Peu après, c’est le début en major, quelques génériques pour l’adaptation animée de Naruto, puis pour Eureka Seven, et tout ça nous amène à 2006, à COLORS, générique de Code Geass. 

Et là, ça coince un peu.

COLORS est un titre absolument génial pendant exactement 27 secondes. D’abord, il y a le roulement sur la timbale, rejoint peu après par la cymbale, qui, déjà, d’un coup, font monter la tension, comme pour signaler que ce qui va suivre est le truc le plus important que vous allez entendre dans vos vies. Et puis il y a les trompettes, qui font encore monter les enjeux, qui en font des caisses et qui donnent un aspect officiel et sérieux à tout ça.

Au moment où la tension est assez haute, tout ça explose, dans ce qui sera le refrain de COLORS, une mélodie pop enjouée, interprétée par une harmonie à deux voix, avec tout ce qu’il faut d’énergie pour convaincre. C’est spécial, c’est unique, c’est beau comme tout et ça tape avec une patate admirablement cultivée.

Rien dans COLORS n’arrivera à ce niveau après. La chanson tente, désespérément, de reproduire son moment magique, mais rien y fait : la répétition, et une incapacité à faire plus gros, plus important que ces premières secondes font de chaque tentative quelque chose de moins bon que la précédente, au point où le dernier refrain, censé être le point d’orgue de l’ensemble, provoque une certaine indifférence.

C’est donc sans doute le moyen le plus approprié d’introduire Code Geass. 

(Oui, l’article d’aujourd’hui était une longue excuse pour arriver à ce tacle vicieux, et non, je ne regrette rien)

LUNDI : Un meilleur animé à base de mechas.