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HYPNO San Francisco, altro capolavoro in stopmotion di Kevin Parry

See on Scoop.it - Creatività e trendhunting

Prendetevi 5 minuti di pausa, mettete a schermo intero + HD e godetevi le immagini in stopmotion di una splendida e ipnotica San Francisco sulle note di Water Fall. E poi magari fate i complimenti a Parry e Mattson di HYPNO SF

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Nella storia del cinema e della letteratura i grandi classici della fantascienza hanno riscosso tanto successo basandosi sul desiderio degli spettatori di sbirciare in un mondo lontano, in un futuro non troppo distante, che magari fosse in grado di alimentare la fantasia dei più curiosi con navicelle spaziali, mostri metallici e mondi paralleli.

Ora, la mente giovane e spensierata del designer Timothy Anderson, classe 1981, reso famoso per aver messo la sua firma di Concept Artist sul celebre videogioco “The Sims”, travolge il mondo del futuro con un’idea basata sul passato.

L’idea, sicuramente originale e di grandissimo impatto estetico, è quella di ridisegnare le locandine di alcune tra le più importanti pellicole di fantascienza, e non solo, come se fossero delle copertine dei Pulp Fiction, ovvero, i romanzi americani degli anni 20’ che prendevano il nome dalla Pulp, la polpa di legno con costituiva la carta su cui venivano pubblicati.

La pessima qualità della Pulp, appunto, rendeva le copertine facilmente rovinabili, spesso graffiate fin dall’arrivo nelle librerie, ed è questa dicotomia ad aver affascinato Anderson, che ha così deciso non solo di ridisegnare le locandine con il suo stile, ma di “invecchiarle” seguendo la linea guida delle Pulp.

Colori ultra saturi, graffiature, linee semplici ma di grandissima efficacia, rendono il lavoro davvero eccezionale. Ed è così che classici come Alien, Star Wars, Matrix e Blade Runner vivono di una nuova linfa estetica, ma anche western come il “Il Buono, il Brutto e il Cattivo” o il capolavoro di Ridley Scott “Il Gladiatore”.

Sul blog di Anderson, www.timothyandersonart.blogspot.it, vi potete divertire a leggere le motivazioni che hanno spinto il giovane designer a scegliere proprio quelle copertine, e potrete inoltre frugare tra i suoi innumerevoli progetti.

Tra futuro e passato, il presente si fa più Pulp!

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Avete mai pensato al vostro aspetto quando pedalate una bici? Facciamo un gioco allora: riflettete per un minuto su voi stessi in sella ad una bicicletta, e poi togliete la bici.

Cosa ne resta? Uomini, donne e bambini, in buffe posizioni, che fluttuano nell’aria. È questa l’ultima geniale idea dell’artista a fotografo cinese Zhao Hausen.

L’idea è estremamente semplice: collezionare centinaia di immagini di ciclisti e rimuoverne le biciclette. La realizzazione è eccellente, nonostante le prevedibili difficoltà tecniche del fotoritocco. Il risultato? Pazzesco! Sembra davvero che queste persone stiano galleggiando nell’aria, stimolando la nostra capacità creativa di vedere quello che non c’è.

Scorrete tutta la gallery e buon divertimento!

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Che succede quando la creatività incontra la spazzatura? Per esempio nascono le sedie di Jay Saejung Oh.

Jay Saejung Oh prende una sedia, la circonda di altri oggetti abbandonati, avvolge il tutto in fibra di iuta e crea sedie pari ad opere d’arte.

Innovation, invention, and beauty can emerge from anywhere, even the most familiar, ordinary and everyday

saejungoh.com via Mocoloco

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3000 fotografie, 1 anno di lavoro.

Ecco gli ingredienti base di questo video realizzato con la tecnica stop-motion, frame by frame, o passo uno che dir si voglia, da un ragazzo che voleva documentare tutto il rifacimento del motore della sua auto. Dopo il montaggio con Premiere e l’aggiunta della musica, l’ha caricato sul suo canale Youtube ed ha regalato a tutti noi grande meraviglia. Del ragazzo sappiamo solo che è inglese.

Da quanto si evince dalla descrizione del video, ha comprato un motore per la sua Triumph Spitfire su Ebay è l’ha completamente smontato e rimontato, adattandolo alle sue esigenze. Ed è così che, al ritmo delle note di “In The Hall Of The Mountain King” di Edvard Griegs, possiamo assistere a questo spettacolo di pazienza mista a meccanica. Bravo!

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Dei leader politici di tutti i tempi si conoscono vizi e virtù. Se ne è esplorata la vita pubblica e privata e, in pubblico, si sono spesso lavati panni spesso molto sporchi.

Simon Ellis, giovane designer di Liverpool, ha esplorato la storia dei grandi statisti mettendo in risalto le caratteristiche tipografiche delle loro campagne e creando un set di action cards uniche.

Le cards racchiudono informazioni relative al font usato, alla sua classe e al tipo di campagna promossa. Inoltre, offrono spunti una lettura dell’evoluzione politica forse unici.

Non ci faremmo di certo giocare i nostri figli, ma le useremmo di sicuro come materiale per una lezione di design.

Tutti i lavori di Simon Ellis nel suo portfolio 

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Spesso il connubio creatività/cannabis rappresenta un luogo comune tanto banale quanto di cattivo gusto.

Questa volta invece ai nostri amici designer di tutto il mondo è richiesto il massimo della concentrazione e dello slancio creativo per partecipare a questo interessantissimo contest.

In occasione del venticinquesimo anniversario della Cannabis Cup, (Amsterdam 18-22 Nov. 2012) evento dedicato a celebrare la specializzazione olandese nella produzione di semi di Cannabis e lavorati vari, è stato lanciato un concorso per la realizzazione del concept creativo principale che verrà utilizzato per la manifestazione e per ogni altro materiale promozionale.

For our milestone 25th Anniversary this November, that theme will be the Founders Cup: we’ll be honoring the founders of the Dutch cannabis movement, as well as the founder of the Cup itself

Al vincitore oltre alla gloria verrà offerto un full pass per godersi l’intero tour dei coffee shop e magari aumentare la sua ispirazione.

Clicca qui per maggiori informazioni sul contest Clicca qui per un dettaglio dell’edizione 2011 Clicca qui per vedere il sito della manifestazione 

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Intervista a Shay Aaron, il maestro del cibo in miniatura

Dopo aver incontrato su internet alcune delle sue creazioni, e dopo essere rimasti molto impressionati dalla straordinaria abilità e maestria che in esse è riposta, non abbiamo potuto fare a meno di contattare il giovane artista israeliano Shay Aaron.

Con molta cordialità ed entusiasmo, Shay ci ha raccontato il suo percorso artistico, le sue ispirazioni e come questa attività abbia salvato la sua vita.

Ecco l’intervista, buona lettura!

Ciao Shay, puoi presentarti ai nostri lettori?

“I’m Shay, 27 years old guy from Israel. I make miniatures for a living and sell them on line. I also teach how to make miniatures, and make privet workshops. The thing I love the most about making miniature food is the endless inspiration. Food is such a wide genre, with so many categories and themes. I feel like I can relate to anyone around the world, by creating their special and traditional dish.”

Trad: Sono Shay, ragazzo 27 anni di Israele. Per vivere faccio miniature e le vendo online. Inoltre, insegno ad altri come farle e organizzo dei laboratori. La cosa che mi piace di più di creare le miniature è l’ispirazione senza fine che si prova. Il cibo è un genere ampio, con così tante categorie e temi. Mi sento come se potessi entrare in contatto con qualsiasi persona nel mondo, semplicemente creando il loro piatto speciale o tradizionale. 

Quando e da cosa ti è venuta l’idea di creare cibo in miniatura?

“I think the reason I start to create fake food was to help myself to get over my weight problem. From a very young age I had a weight problem. Four years ago, when I was 23, my peak weight was 140 kg, I was really fat guy, I was depressed and miserable. I was working with polymer clay, making millefiori and home décor pieces. One day, a customer of mine asked me to create a replica of traditional Jewish dish, in miniature. I think it was the first time that I found what I want to do for the next 5 years – miniature food. Making miniature food items helped me to get rid over 80 kg. I felt like I’m replacing my passion for greasy food for fake baked goods. I can say that polymer clay saved my life and helps me to be a healthier person.”

Trad: Penso che la ragione per cui ho iniziato a creare cibo finto fosse quella di aiutare me stesso a superare i miei problemi di peso. Fin da giovane ho avuto questi problemi. Quattro anni fa, quando avevo 23 anni, ero arrivato a pesare 140 kg, ero davvero grasso, depresso e infelice. Stavo lavorando con le polymer clay (paste modellabili sintetiche, ndt), creando millefiori e pezzi d’arredo. Un giorno, un mio cliente mi ha chiesto di creare una replica di un piatto tradizionale ebraico, in miniatura. Credo fosse la prima volta che scoprii quello che avrei voluto fare per i 5 anni a venire: cibo in miniatura. Rendere i prodotti alimentari in miniatura mi ha aiutato a sbarazzarmi di più di 80 kg. Mi sentivo come se stessi sostituendo la mia passione per il cibo grasso con quella per falsi prodotti da forno. Posso dire che le polymer clay hanno salvato la mia vita e mi hanno aiutato a essere una persona sana.

Potremmo considerarlo il tuo vero lavoro? 

“Today, making miniatures is what I do for a living. A year ago I finish my Pastry studies. My main goal was to become a pastry chef, and to create edible and unique pieces of pastries and desserts. I took me few months to figure that Pastry making is not my passion, so on October I start my Set and Costume design studies, for stage and film. Theatre always was my passion.”

Trad: Oggi, fare le miniature è quello che faccio per vivere. Un anno fa ho finito i miei studi di pasticceria. Il mio obiettivo principale era quello di diventare un pasticciere, e di creare pezzi unici commestibili e di dolci e dessert. Ho avuto pochi mesi per capire che la pasticceria non è la mia passione, così a ottobre ho cominciato a studiare design di set e costumi di scena. Il teatro è sempre stato la mia passione.

Da dove prendi ispirazione? Come ti vengono le migliori idee?

“The best ideas come on Friday morning, when I work with my mom in her little kitchen. We are hosting the whole family every Friday evenings, my mom charges on the cooking and I need to come up with special dessert that complements her dishes. I love to do research on the internet. Since food is such a huge theme, the ideas are endless. I don’t visit restaurants very often so I quite narrow in the focus, when it comes to special and traditional cuisines.”

Trad: Le idee migliori vengono il  venerdì mattina, quando lavoro con mia madre nella sua piccola cucina. Stiamo ospitando tutta la famiglia ogni venerdì sera, mia mamma si occupa della cucina e io dei dessert che integrano i suoi piatti. Mi piace fare ricerche su internet e poiché l’alimentazione è un tema enorme, le idee sono infinite. Io non vado nei ristoranti molto spesso, così ho abbastanza dimestichezza quando si tratta di cucine speciali e tradizionali.

Hai uno shop online dove sia possibile comprare le tue creazioni? 

“Yes, I do. People around the world can purchase my creation on my Etsy shop www.shayaaron.etsy.com, and I invite all of you to join my facebook page at http://www.facebook.com/ShayAaronMiniatures“

Sì, certo. Le persone da tutto il mondo possono acquistare le mie creazioni nel mio negozio su Etsy  www.shayaaron.etsy.com. Vi invito anche a iscrivervi alla mia pagina Facebook a ShayAaronMiniatures.

Grazie mille Shay, è stato un piacere! 

Per guardare tutta la gallery vai all'articolo sul nostro sito! (è bellissima)

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Parente stretta dell’infographic contemporanea, questa illustrazione di indubbio valore è una “tavola universale della storia” pubblicata a Parigi nel lontano 1858. Racconta la storia dell’umanità, da Adamo ed Eva fino all’anno della pubblicazione. Ogni singolo periodo storico è stato rappresentato come se fosse un fiume, che talvolta confluisce o si dirama verso altre direzioni culturali. Un lavoro pregiatissimo e accurato che potrete ritrovare, insieme ad altri capolavori dell’information design, nella nuova raccolta Taschen: Information Graphics.

Guardala meglio a questo link. 

Infografica antica: Tavola Universale della Storia, 1858

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  La sede romana dello IED, Istituto Europeo di Design, apre le portee inaugura due settimane intensive di attività extra-didattiche. Sotto il nome di IED Factory, si svolgeranno una serie di workshop, per la precisione 26, con artisti, registi, fotografi, designer, esperti della comunicazione e giornalisti, che, insieme agli studenti, affronteranno riflessioni sul ruolo del design ai giorni nostri, soprattutto in relazione all’ambiente cittadino.

Il tema scelto quest’anno, città creative, stimolerà quesiti di pubblico interesse come ad esempio: può il design incidere profondamente sulla vivibilità delle città? Se sì, come? Di quali servizi e prodotti la città ha bisogno e quali figure creative possono contribuire attivamente inserendosi in questi processi? Il pubblico esterno è vivamente invitato ad assistere al lavoro degli studenti e sarà libero di muoversi tra le aule e gli spazi dell’Istituto.

Non perdetevi assolutamente i due PechaKucha events che si svolgeranno nei momenti di apertura e chiusura di IED Factory: lunedì 5 marzo alle ore 18 presso la sede dello IED di via Alcamo 11 e lunedì 12 marzo, sempre alle ore 18 però presso la sede IED di via Giovanni Branca 122, Roma.

Al primo PechaKucha presenzieranno: Blank Magazine, Ari Seth Cohen, Daniel De’ Angeli, Alessandra Di Lernia e Salvo Lombardo, Pilar Echezarreta, Francesco Librizzi, Mirta Lispi, Alessandro Piva, PKMN, Marco Rossetti e Vanessa Rusci. Al secondo presenzieranno invece: Tommaso Basilio, Paolo Barichella, Laszlo Biro, Paolo Bordino, BRH+, Claire Buisson e Francesca Manzini, Luca Capuano, Andrea Ciccarelli, Emiliano Fasano e Barbara Verri, Kasia Gasparski, Filippo Messina, Massimo Palmieri,  NANOF, Ted Polhemus e Refunc. Tutti questi professionisti, che nelle due settimane svolgeranno i vari workshop, avranno così l’occasione di presentare se stessi e il proprio percorso progettuale ad una platea costituita da studenti e pubblico esterno attraverso i PechaKucha.

Ma che cos’è un PechaKucha?

PechaKucha 20×20 è un format di semplice presentazione in cui si mostrano 20 immagini, ognuna per 20 secondi commentate da chi presenta l’ipotetico progetto. La durata complessiva non supererà mai i 6 minuti e 40 secondi, obbligando i relatori più prolissi a sintetizzare e velocizzare l’esposizione delle proprie idee. Questo format è molto usato nei settori di architettura e design per accorciare i tempi e focalizzare l’attenzione sui temi trattati e all’estero è molto in voga organizzare le PechaKucha night (la prima si è tenuta a Tokyo). Visita il sito per scoprire di più: www.pecha-kucha.org

Food4Brain, media partner di IED, presenzierà ai PechaKucha e vi racconterà cosa è successo! Stay tuned & save the date!

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  Non si può sentire il nome di Via del Campo a Genova, senza pensare a Fabrizio De Andrè. Non si può non pensare a lui, non solo per la celebre canzone, ma anche per l’aria che si respira passeggiando per quelle strette vie della città vecchia, in cui tutti noi sentiamo la presenza quasi fisica del più importante cantautore italiano.

Foto di Xaci

Migliaia di persone in questi anni, dalla prematura scomparsa di Faber nel 99’, hanno camminato per quelle vie in suo onore, lasciando oggetti o frasi in suo ricordo, tentando di scovare tra uno sguardo e l’altro gli occhi grigi color rugiada delle sue donne. Finalmente però, i lavori iniziati nello scorso Settembre, si sono conclusi, ed è pronto per l’apertura al pubblico il nuovo museo-emporio “Via del Campo 29r”.

La strada la conosciamo tutti, il civico è il 29 e la R sta per rosso. Se questo indirizzo vi suggerisce qualcosa, oltre alla mitica ballata di De Andrè, è perché proprio là si trovava, fino al 2010, l’altrettanto mitico negozio “Musica Gianni Tassio”. Chi conosce Genova non può non esserci andato almeno una volta, percorrendo i passi di uno dei più importanti “pellegrinaggi musicali” italiani. Ora questo luogo storico si copre di una nuova veste, moderna, innovativa, funzionale, ma che non dimentica la poesia e la delicatezza delle parole dei nostri cantautori.

Parlo al plurale perché non solo a De Andrè è dedicato questo luogo, ma bensì a tutta la Scuola Genovese, dai suoi esponenti storici a quelli più moderni: da Faber a Tenco, da Bindi a Fossati, e poi ancora Gino Paoli, Bruno Lauzi, i fratelli Pivio, Aldo De Scalzi, i Gambetta e molti altri altri.

Un luogo di incontro tra musica, parole e ricordi, tra un passato glorioso e un futuro incerto, ma soprattutto un punto di ritrovo per tutti gli appassionati che non vogliono perdere l’occasione di rivivere, seppure nel nuovo millennio, quelle magiche atmosfere.

L’Emporio di Via del Campo 29 rosso – Render di Sara Massa

Uno spazio commerciale anche, in cui sarà possibile acquistare dischi originali, spartiti, saggi e oggetti di culto dei cantautori genovesi, ed insieme un museo che continua a conservare “reperti” storici e sarà arricchito da nuovi percorsi virtuali, con contributi audio, video e piattaforme multitouch dedicate ai luoghi d’ispirazione dei brani.

A firmare l’ambizioso progetto (proposto grazie ad un bando pubblico del Comune di Genova) un consorzio formato dalla cooperativa genovese Solidarietà e Lavoro (già responsabile della didattica del Museo Galata e di Castello Albertis), insieme alla società informatica Eet di Sestri Ponente e alla cooperativa Sistema Museo di Perugia. Non si tratta solo di musica però, ma anche di un primo passo verso la riqualificazione ambientale e culturale di tutta la zona dei Caruggi, in cui ormai da anni si vive una condizione di degrado che difficilmente si accosta alla bellezza di quelle strade.

Un piccolo accenno sulla struttura: un corridoio bianco tappezzato da storiche immagini in bianco e nero, conduce nell’antro suddiviso in due livelli, uno commerciale ed uno museale. La parte commerciale è letteralmente cosparsa di teche e scaffali, tra cui perdersi alla ricerca di dischi (dalle ultime novità internazionali alle firme storiche del nostro panorama musicale), immagini, cofanetti, rarità varie da veri collezionisti; quella museale invece esporrà alcuni tra gli oggetti di culto più famosi della Scuola Genovese, tutto ovviamente accompagnato dalla migliore musica di sottofondo. Il materiale verrà mostrato a rotazione, per permettere ai visitatori di scoprire ogni volta oggetti diversi. Sullo stesso corridoio si trovano però anche piattaforme multimediali, che ricordano in versione più modesta, la magnifica mostra di Palazzo Ducale del 2008-2009 (anche quella un’iniziativa di enorme successo), e dove oltre a visionare contributi speciali, si potranno spedire cartoline virtuali e lasciare dediche, in perfetta conformità con la tradizione avviata da Gianni Tassio (scomparso anche lui nel 2004).

All’inaugurazione del 25 Febbraio saranno presenti il sindaco Marta Vincenzi, l’Assessore comunale alla cultura Andrea Ranieri, Dori Ghezzi e Don Andrea Gallo. Si partirà alle ore 17.00 e si continuerà per tutta la serata tra le strade e i palazzi della zona, con iniziative di musica e poesia. Il materiale verrà mostrato a rotazione, per permettere di mostrare oggetti diversi ai visitatori che torneranno nel tempo.

Piccola chicca, la famosissima chitarra Esteve ‘97 di Faber avrà il posto d’onore, sarà appesa al soffitto e dominerà così tutta la sala principale. Il prezioso oggetto era stato acquistato nel 2001 per un’asta benefica in favore di Emergency, grazie ad una sottoscrizione pubblica guidata proprio da Gianni Tassio.

Per tutte le informazioni potete visitare il sito www.viadelcampo29rosso.it

Forse, come diceva De Andrè, il paradiso è davvero lì al primo piano…

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  Nel quartiere Ticinese, a Milano, sorge Forma, la Fondazione nata da un’ idea della casa editrice Contrasto, specializzata nel settore fotografico. Forma, oltre a notevoli esposizioni dedicate ai grandi nomi italiani ed internazionali della fotografia, offre la possibilità di partecipare a workshop, incontri, presentazioni e laboratori didattici. Uno spazio che attraverso più attività celebra la fotografia e la storia che l’accompagna. Quest’anno, fino al 9 aprile, la Fondazione Forma ospita una personale di Robert Mapplethorpe, fotografo americano tra i più irriverenti degli anni ‘70 ed ’80.

Con questa premessa si varca la soglia della galleria per immergersi nei corpi immortalati dall’autore, in una fisicità che contempla l’ eros mirando alla perfezione. In questa costante ricerca di estetica e corporeità, Mapplethorpe ci regala scatti che raccontano la propria sfera personale: affetti, amanti, amici vengono ritratti nella loro nudità essenziale, erotica o esasperata.

    Scorrendo queste foto si ha la sensazione di entrare in un “ album di famiglia” (come scrive Federica Muzzarelli): una raccolta lunga e provocatoria di ciò che appartiene alla vita dell’autore; l’intimità così carnale e potente che definisce tutta la produzione di Robert Mapplethorpe. Gli scatti precisi e definiti, il bianco e nero imperante, questa luce studiata per celebrare il corpo perfetto nella sua essenza più vera e fisica, tutto ciò rappresenta il percorso che il fotografo americano conduce, quasi esclusivamente, all’interno del suo studio.

Forma dedica sezioni separate ai vari soggetti del fotografo; tra le altre, una parte è dedicata ai falli, immagini tanto esplicite quanto cariche di ironia nel loro desiderio di provocazione e trasgressione. Un altro spazio è riservato alle immagini di Patti Smith , amante e grande amica di Robert. A Patti, il fotografo dedica numerosi scatti: alcuni di questi sembrano voler trasformare la cantante in una sorta di Madonna, altri serbano grande naturalezza. Tracce testimonianza di un profondo affetto che legherà i due artisti per tutta la vita, fino alla morte di Robert nel 1989.

Muovendosi tra questa carrellata di corpi scolpiti, come le immagini di Derrick Cross o Dennis Speight, tornano in mente  alcune fotografie di Leni Riefenstahl, fotografa interprete delle olimpiadi di Berlino del 1936. Questi fisici che inneggiano alla tradizione classica non possono che generare un forte parallelismo con la corporeità esibita e celebrata da Mapplethorpe. Infine, oltrepassando le immagini dedicate a nature morte e bambini, ecco gli scatti alla body builder Lisa Lyon. In lei uomo e donna, virilità e femminilità si incontrano, per chiudere in modo singolare questa sorprendente retrospettiva su  uno dei più sovversivi maestri americani della tecnica fotografica, oltre che interprete dell’omosessualità nell’ America anni ’70 e ’80.

Per informazioni sulla mostra e sulla Fondazione Forma per la Fotografia consultate www.formafoto.it

Bianca Bertazzi (CriticalWhite)

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  Ci sono persone capaci di trasformare le circostanze sfavorevoli in opportunità: una di queste è Danilo Ragona. Danilo, 34 anni il 28 febbraio, è un designer torinese di origini siciliane che a 28 anni ha messo su una startup. La sua azienda si chiama Able To Enjoy, e produce articoli per migliorare la qualità di vita delle persone disabili.

Cosa serve davvero ad un disabile, Danilo lo sa per esperienza: nel 1999, in seguito ad un incidente d’auto, ha subito una lesione midollare che lo ha privato dell’uso delle gambe e della sensibilità corporea, dai pettorali in giù. Questo non gli ha impedito di vincere l’oro ai campionati giovanili italiani di tennis da tavolo nel 2001 e di coltivare la sua passione per lo sport in generale.

Able to enjoy, cioè “capace di divertirsi”. Come motto, hai scelto b-free, “sii libero”.

Essere liberi significa esserlo sia nel proprio essere che nel movimento. Ti insegnano ad impennare già nel centro riabilitativo: impennare ti permette di riuscire a scendere in maniera indipendente, dalle scale, dai marciapiedi.

Cosa ti ha spinto ad avviare la tua impresa?

La spinta è stato il desiderio di migliorare la mia condizione di vita. In seguito ad un incidente in auto, ho subito una lesione midollare. Mi sono risvegliato dopo un mese di coma farmacologico, e il medico mi ha detto che non sarei mai più tornato a camminare: così, a 21 anni, sono finito su una sedia a rotelle. Poi, grazie al mio carattere, ho deciso che dopo la riabilitazione mi sarei ricostruito una nuova identità. Riscoprirmi voleva dire riscoprire il mio corpo:  come tornare bambino.

Raccontaci l’inizio del tuo percorso come designer e imprenditore.

Mi sono iscritto all’Istituto Europeo di Design, che si è rivelata la scuola ideale per migliorare la mia vita. Al terzo anno di studi (Industrial design, ndr), mentre lavoravo come designer alla Pininfarina, ho partecipato al concorso Idee d’impresa, e ho vinto. Dopo il concorso, ho presentato un business plan al Mip di Torino: dal Mip ho ricevuto gli aiuti necessari per aprire l’azienda, nel 2006. Ho colto l’occasione delle Paralimpiadi di Torino per presentare il mio primo prototipo di carrozzina nella Galleria d’arte moderna Sandretto di Rebaudengo di Torino. Nel 2008 ho partecipato alla mia prima fiera, l’Expo Sanità di Bologna.

A livello imprenditoriale, Torino ti ha aiutato?

Dopo aver vinto Mettersi in proprio, il Comune mi ha messo a disposizione non sovvenzioni in denaro, ma tutor per colmare le mie lacune in fatto di business e marketing. All’epoca mi aiutava Renzo Mondino, un ex imprenditore in pensione che si occupava del processo industriale, che poi è diventato mio socio.

Qual è stato il tuo primo prototipo?

La carrozzina Be Free Multifunction, dotata di ruote di ricambio adatta a varie attività e tipologie di suolo. Mi sono detto, “Sono sempre seduto su quattro ruote. Non posso farlo su una?”. Per questo, Be Free Multifunction si può usare anche con una sola ruota, per una massima libertà di movimento.

Quanto costano le tue carrozzine?

Una carrozzina modello base, rigida e superleggera, costa 3.700 euro. Le carrozzine sul mercato con caratteristiche analoghe partono dai 2.000 euro, ma un modello normale in titanio o carbonio costa dai 5.000-6.000 euro. Il mio modello Tre, su tre ruote, costa 2.200 euro: non è multifunzione, è più leggera e ha lo stesso design delle altre. In più, ogni 5 anni, lo Stato dà ai disabili un incentivo di 1.650 euro per l’acquisto di una nuova carrozzina. Agli infortunati INAIL, che hanno avuto incidenti sul lavoro, lo Stato sovvenziona tutte le spese: questo aiuta, quando si deve affrontare una spesa così importante.

 Il video promozionale di Intimate Rider

Sul tuo sito presenti anche Intimate Rider, un sistema per permettere ai disabili di fare sesso più comodamente, anche con partner normodotati.

Mi piace fare lavoro di ricerca sui prodotti innovativi in tutto il mondo. Intimate Rider non l’ho ideato io: l’ha inventato un tetraplegico americano.  Gli ho scritto, chiedendogli il prodotto da provare: mi è piaciuto talmente tanto che ne sono diventato il primo esportatore in Italia e, ad oggi, ne ho l’esclusiva. Amo Intimate Rider perché è un prodotto adatto a tutti, non solo ai disabili: partecipando alle fiere, mi sono accorto di quanto le ragazze normodotate lo apprezzino (ride, ndr).

Qual è il prodotto che ti rende più orgoglioso? 

 Il mio primo prototipo. Dopo che è andato in produzione, è stato selezionato come Prodotto più innovativo per la Fiera di Shanghai 2010. Poi, ho vinto la menzione d’onore per il Compasso d’oro, e quello è stato per me il traguardo più importante.

Quanto è importante la cura del design, in una carrozzina?

Volevo che il mio fosse un prodotto esteticamente piacevole oltre che funzionale. La prima paranoia di un disabile è “Come mi guarda? Gli piacerò?”. La bellezza, sicuramente, lo aiuta a trovare sicurezza in sé stesso. Trattandosi di un mezzo da vivere nella quotidianità, è importante dare al disabile la possibilità di personalizzarlo così da permettergli di identificarcisi, di farne un suo segno distintivo.

Collabori con qualche azienda, per il design?

Mi piace collaborare con aziende che non hanno che fare col mondo della disabilità. Ho scelto di far sviluppare alle aziende il prodotto per tutti. Con Pininfarina Extra ho sviluppato un monosci ultrafuturistico, con Fiat Autonomy ho partecipato al Motorshow di Bologna nel 2010-’11, con la Ferrino, la più antica azienda italiana di tende da campeggio e accessori da viaggio, ho ideato borse e marsupi da attaccare alla carrozzina e una tenda da campeggio supercompatta alta abbastanza da essere utilizzata anche in carrozzina.

Chi sono i tuoi fornitori?

Ho colto un momento sfavorevole a Torino: quello della crisi dell’auto, iniziata nel 2006-2007. Ne ho approfittato per proporre ai terzisti del mondo automobilistico (Fiat, Audi, Lamborghini) una nuova opportunità di lavoro. I miei prodotti sono totalmente made in Italy.

E’ cambiato qualcosa, con la crisi economica?

Gestivo e organizzavo il processo, senza dipendenti, solo con un ufficio e una segretaria. Per staccarmi dai costi fissi, ho rinunciato all’ufficio e ho delegato la produzione alla Globosan, l’azienda che ha prodotto la mia prima carrozzina. Supervisiono tutto, dal contatto col cliente ai fornitori, dal design e lo sviluppo alla produzione, dalla consegna del prodotto ai rapporti con la stampa.

Di cosa ti occupi, oggi?

Sono tornato a fare il designer, e nel 2012 ho inaugurato molte nuove collaborazioni. In più, faccio consulenze aziendali e lezioni nelle scuole di design (la prossima, il 1 marzo, al Politecnico di Torino, ndr).

Per avere più informazioni su Danilo Ragona e su Able to Enjoy, si può visitare il sito aziendale. Qui, invece, potete trovare la storia di Danilo raccontata da MAD in Italy.

Giulia Bucelli on Twitter gbucelli - [email protected] 

Blog: bargaingirl.tumblr.com/ - Twitter: thebargaingirl

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    Cosa succede quando la fotografia diventa irrazionale, fuggevole e spensierata, e la sua follia è a malapena contenuta in una 35 mm? Semplice: abbiamo appena scoperto l’arte della lomografia! Dopo aver parlato della splendida Lomokino, quale migliore strumento per approfondire questa passione della nuova “La Sardina camera Seoul edition”, ultimo accattivante ritrovato di Lomography?

Frutto della collaborazione con il Seoul Metropolitan Government, questa graziosa fotocamera introduce i lomografi alle magiche suggestioni della capitale coreana, offrendo otto adesivi ispirati ai suoi fantastici colori ed essendo la prima Lomo personalizzabile. Bisogna solo cominciare a scattare una foto. Rigorosamente, romanticamente analogica.

Costa 55 € ed è acquistabile dal sito Lomography.

Nazareno Ferraro

[email protected]

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  Addentrandosi nel tema del junk food, oltre a poter opinare la sua componente poco salutare, gli attivisti criticano anche la quantità di immondizia che viene creata: bicchieri, contenitori per le patatine, contenitori per i panini, per la frutta, cannucce, forchettine, etc. etc. Vorremmo che un giorno sparisse nel nulla. La Scienza, amica mia, mi dice che nulla di distrugge, nulla si crea, ma tutto si trasforma. Ed è così che arriva MonoSol.

MonoSol sta studiando le prime pellicole che si dissolvono completamente in acqua (film idrosolubili). Per alcuni prodotti sono già in via sviluppo (cereali, caffè, cioccolata, bevande in polvere) mentre altre sono in corso di progettazione.

In pratica, si prende una bustina MonoSol con il cioccolato in polvere, si mette dentro la tazza con acqua calda, la bustina in plastica e il cioccolato in polvere si sciolgono completamente all’interno et voilà, pronto da bere!

Questa applicazione è utile anche per i detersivi. Immaginate di buttare l’intera pastiglia di detersivo, confezione inclusa, dentro la lavatrice. Inoltre, MonoSol è tra i partner chiave di P&G. Aspettiamoci progressi nel campo del packaging.

Via FastCompany

Denis Rasia (Twitter: DenisR)

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Tra tutti gli oggetti di design che visioniamo quotidianamente, questa lampada ci ha colpito per la sua capacità di cogliere e di accompagnare l’evolversi delle giornata e delle stagioni, oltre che del mood di tutti noi.

Pagebypage Lamp è una lampada da tavolo ideata in Corea che permette, come un calendario da tavolo, di modificarne l’aspetto ed il design semplicemente … voltando pagina.

Il suo funzionamento è molto semplice ed intuitivo: basta appunto voltare pagina per adattare la forma della nuova lampada al layout esistente.

Qui di seguito potrete vederne il funzionamento.

Il suo prezzo è di 59 dollari e può essere acquistata (o regalata) presso ConnectDesign