Phantom Thread
Paul Thomas Andersson, 2017
i don't do bad sauce passes

★
wallacepolsom
"I'm Dorothy Gale from Kansas"
let's talk about Bridgerton tea, my ask is open

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Kiana Khansmith

@theartofmadeline

Love Begins
Cosimo Galluzzi

tannertan36
AnasAbdin

titsay
Cosmic Funnies
trying on a metaphor
Misplaced Lens Cap

roma★
will byers stan first human second

oozey mess
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@gabdelai
Phantom Thread
Paul Thomas Andersson, 2017
Pedro Páramo
Carlos Velo, 1967
I don´t belong anywhere - The cinema of Chantal Akerman
Marianne Lambert, 2015
Je tu il elle
Chantal Akerman, 1974
Water Lillies
Céline Sciamma, 2007
Summer with Monika
Ingmar Bergman, 1971
Cries and whispers
Ingmar Bergman, 1972
Persona
Ingmar Bergman, 1966
Alphaville
Jean-Luc Godard, 1965
La strada
Federico Fellini, 1954
De todos modos Juan te llamas
Marcela Fernández Violante, 1976
The killing of a sacred deer
Yorgos Lanthimos, 2017
La gran belleza
Paolo Sorrentino, 2013
L’age d’or
Luis Buñuel y Salvador Dalí, 1930
La burla como vehículo de crítica.
El surrealismo como ya sabemos es un movimiento que alude a la reinterpretación del subconsciente por medio de los sueños. Dalí es uno de los principales exponentes dentro de la pintura y escultura. Durante sus estudios universitarios en Madrid, dentro de la residencia de estudiantes, conoció a Luis Buñuel. Trabajaron juntos en diversas ocasiones apoyándose creativamente. Por lo que tengo entendido, esta cinta es una mezcla de los sueños de ambos artistas. Tenían conversaciones y optaron por darle una “narrativa” lineal para consolidar lo que buscaban y de esta forma intentar narrar un sueño “coherentemente”.
L’age de d’or significa a un estado utópico. Se utiliza el lenguaje cinematográfico al máximo para poder representar sus metáforas. Ejemplificado con los match-cuts de diversas situaciones (dibujo de mujer dibujada y la mujer recostada. Al igual que el estar lamiendo el dedo de una estatua sexualmente.
No cabe duda que la intención era una crítica a instituciones impuestas por la sociedad. Por ejemplo, religión, amor y hasta la clase social. Hay muchas referencias que parecieran quedar entre ellos pero es interesante intentar entenderlas y disecar lo que se pueda. Una obra no puede ser despegada ni del artista ni de la época en la cuál fue creada.
Hay un reproche hacia la decadencia de la humanidad que pareciera ser atada al estatus social para que le importe al prójimo. Visto con la cocinera que cae quemada mientras los ricos continuan su fiesta.
Me gustó el uso de la música, cuya es diegética pero musicaliza situaciones como que suceden paralelamente. Visto con la pareja que está besándose durante el concierto. Para mi fue interesante la crítica hacia la religión. Cuando están padres en la cima de una montaña y se quedan ahí (sus huesos siguen sin moverse) y la gente al verlos, los respeta, aunque no entiendan del todo el por qué. Es un cinismo debido a que eso lo ven normal pero la relación de pareja entre los protagonistas no.
Ya no he visto cine así y es refrescante ver este y saber que este tipo de películas existen. Mucho de lo que critican sigue vigente hasta hoy en día lo cual es tristemente intrigante.
La dolce vita
Federico Fellini, 1960
Tenía mucho tiempo esta cinta en mi lista para ver y por una u otra cosa no se me había consolidado mi deseo. No había sido el momento aparentemente. Sin embargo, todo pasa por algo. La cinta me ha regresado el aliento y las ganas de ser cineasta...
Quiero empezar con la magistral fotografía realizada por Otello Martelli. Encuadrando cada momento como una fotografía en donde acontece el movimiento. Aunque suene redundante. Todo pareciera tener una coreografía y la cámara funge como espectador de los sucesos. No invade ella sino los mismos personajes dentro de la narrativa. Ejemplificado con todos los momentos en donde hay paparazzis entrometiéndose en lo ajeno para entretenerse. El dolor ajeno se entumece ante el entretenimiento del otro. Todo sucede superficialmente lo cual es metafórico. En vivir tan desenfrenadamente por el momento pareciera que no inversiones para el futuro. Debido a que solo se quiere cubrir la necesidad presente de lo que “se siente bien”. Esto considero que deja un hueco en el protagonista Marcello (protagonizado por Marcello Mastroianni).
Todo pareciera ser un espectáculo finalmente. La religión, las fiestas, comidas, caminatas hasta el pasear en un vehículo. Warhol decía que después de ver algo tanto pierde la emoción inicial. Por eso las noticias se vuelven más invasoras o bien parecen ser “muy puestas”. Esto es representado claro cuando los fotógrafos posicionan a las personas. No podemos ver completamente quién es la persona sino quién quiere aparentar. Aunque tras pasar tiempo prolongado con alguien demuestra sus partes reales, dolores y deseos. Nosotros acompañamos a Marcello tres horas y se nos queda el hueco en el estómago porque no se consolida sino sigue, como la vida misma. Él se aleja de la cámara finalmente.
Es importante ver como Fellini opta en diversas ocasiones mantener un plano general de las situaciones. De esta manera, uno decide qué quiere ver. Pero, por las mismas miradas de los personajes, nuestra mirada es dirigida hacia algún punto del cuadro. La narrativa no es directa ni concisa. Creo que es más abierta a la interpretación. Es un retrato de la vida. Esto es representado con escenas en las que parece no suceder nada. Sino conversaciones de cosas mundanas. Claro hay muchos excesos que quizá no vive uno pero los puede trasladar a momentos que ubicamos de la vida.
Las mujeres que salen en la cinta son interesantes. Aunque abarca algunas de manera estereotípica se me hizo interesante la aproximación de Marcello ante ellas. Quiere a todas pero superficialmente. Lo que le interesa es el momento carnal temporal. Sylvia (protagonizada por Annita Ekeberg) es ingenua, inocente y alegre. Aunque realmente está sola y sigue el espectáculo en donde todos aparentan quererla pero de lejitos. Visto al final de su parte donde es golpeada por su novio y no defendida, los paparazzis solo toman fotografías.
Es una cinta que indudablemente está repleta de escenas icónicas. Como la fuente de Trevi. El baile de Sylvia, entre más. EL diseño sonoro también es especial, ya que no abusa de la música para decirle al espectador qué sentir. La música opera diegéticamente, si alguien pone música la escuchamos. Nos permite crear nuestras propias emociones sobre los sucesos. Hasta recalca en algún momento que graba sonidos simplemente porque se le hacen bellos.
Al meter tanto en cuadro, todo parece ser una burla continua y “vacía” empero es un retrato de lo estúpido que son nuestros problemas o actividades. Sentí una desolación aunque siempre hay gente que pareciera estar pasándola bien. Ahora que lo pienso hasta el mismo título es un contrapunto de lo que pareciera, no es...
Rosemary´s baby
Roman Polanski, 1968
A veces me resulta complicado intentar analizar la obra y deslindarla del creador. Sin embargo, uno no puede existir sin el otro...
Un terror psicológico que atrapa desde el inicio, comenzando por la tipografía con la cual inicia la cinta. Demasiado rosa y perfecta metiéndonos a una atmósfera incómoda, cuya aumentará solamente. Hay tomas iniciales de la ciudad situándonos en el espacio. Polanski es muy directo, abre los deseos de los protagonista en los primeros cinco minutos. Por ende, hay un camino claro que es trazado sobre el qué pero nos intriga saber el cómo. Los deseos de ambos serán el conflicto finalmente.
La fotografía encuadra momentos de una forma muy estética. Manteniendo a Rosemary en casi todos los planos para poder sentir la historia desde su perspectiva. Respeta la geometría, manteniendo a la protagonista enclaustrada tanto en imagen como narrativamente. La decisión de crear un filme que da miedo a pesar de que sucede con luz y de día principalmente es un riesgo pero funciona muy bien. Lo que da miedo es el día a día y la gente no como tal las construcciones que películas hacen.
Considero que la actuación de Mia Farrow es muy interesante. La historia avanza conforme a su declive físico y mental. Siento que es acertado tenerla vestida como una niña pequeña. La cual aumenta este aire de “niña ingenua”, que constantemente espera lo mejor. Es manipulada fácilmente por la gente de su alrededor. No escucha su juicio propio y esto solo lo hace hacia el clímax de la cinta. Empero, no aprende de sus errores y esto es claro al final. Debido a que en vez de seguir con su vida, acepta lo que el exterior le propuso. Optando por criar al hijo de Satán.
Se me hace interesante el tono burlón de los personajes que forman parte del culto, cuyos se suponen dan miedo. Pero en realidad son pura gente rara que viste con colores exagerados y se ven extraños solamente. Es un camino diferente el tener a gente que no aparenta aterrorizar pero hace cosas que son consideradas terroríficas. Polanski juega con el “no todo lo que parece es”. Lo cual genera aún más incomodidad. Hay todo un juego con lo que termina dando miedo realmente... como si empieza con el exterior pero crece dentro de uno mismo.
No cabe duda que Polanski inició un camino que será seguido por muchos creadores hasta hoy en día. Casi todas las películas de miedo comienzan con una casa que parece estar embrujada y de ahí deviene lo demás. Se me hace valioso que no utiliza las formas comunes (claro para mi generación, jumpscares y de más) para asustarnos, sino permite que haya una construcción paulatina.
Psycho
Alfred Hitchcock, 1960
Marion Cane (Janet Leigh) es una mujer americana convencional. Tiene aspiraciones de ser una mujer respetable y poder casarse con su novio Sam (John Gavin). Empero, no tienen dinero. Tras ser encomendada con un depósito al banco de 40,000 dólares por su jefe, huye con el dinero para lograr su objetivo. La culpabilidad de sus acciones la acompañan tras su road-trip, de pronto la lluvia la obliga a orillarse a un hotel en donde conoce a Norman Bates un hombre que parece seguir siendo controlado por su madre. Marion es asesinada y su hermana y novio ahora la buscan. Una cinta entrañable que funciona alrededor de los deseos inconscientes de los personajes, haciendo todo aún más siniestro.
Un clásico que ha forjado nuestra percepción en películas de terror y suspenso indudablemente. Considero que es complicado verla, tras tener toda la cultura visual contemporánea en donde rara vez somos sorprendidos. Sin embargo, Psycho logra cautivar la atención y llevarte a lo largo de un viaje en donde conocemos a los personajes principales de manera innovadora para la época. Esto ejemplificado con los pensamientos de Marion, en voz en off de las personas. Podemos adentrarnos a su estado emocional, convirtiendo la situación en primera persona. El uso del sonido es fundamental para la creación de la atmósfera y para enfatizar momentos. Alomejor no vemos todo, pero sí lo escuchamos. Nunca vemos a la mamá de Norman realmente, pero la escuchamos a través de él en sus pensamientos. Norman nos invita hacia sus pensamientos. Los dos protagonistas miran directamente a la cámara lo cual provoca una incomodidad. Como si nos estuvieran confiando su lado oscuro que finalmente todos tenemos. Si es una sorpresa cuando nos enteramos que la mamá de Norman habita en sus pensamientos debido a su enfermedad mental. Se vuelve todo más raro aunque lo anticipamos brevemente cuando el novio y hermana de Marion están hablando con la pareja grande.
Hitchcock nos asusta no necesariamente mostrando, sino permitiendo que el espectador llene los huecos por sí mismo (imaginación).
Las sombras juegan un papel importante para la dramatización de escenas al igual que las tallas. El cómo haces en Psycho, está muy planeado para la construcción del suspenso. Ejemplificado con el cuestionamiento del detective privado a Norman. Las sombras tienen un alto contraste y las tallas son close-ups. Conforme avanza el filme, su lenguaje se va modificando.
El matar a tu personaje principal fue un recurso novedoso y sorprendente. Acompañamos a Marion 45 minutos antes de que el protagónico cambie. Esto permite que nosotros generemos un vínculo con ella y luego nos perturbemos. No hay ni buenos ni malos. Ella ha robado y él ha matado creo que es importante recalcar eso... de nuevo, no era común. Quizá estemos más acostumbrados hoy en día pero es importante entender de dónde vienen las cosas. Los personajes psicópatas parecieran estar por todos lados.
No olvidemos la musicalización de la escena de la regadera realizada por Bernard Hermann que fue un éxito y apoya completamente lo que sucede. Asimismo que haya un desnudo breve está rompiendo los códigos preestablecidos.
Hitchcock se retó asimismo y al público con esta pieza que aunque pareciera solo “comercial” es innovadora e importante. Permitiendo que un camino comenzara a ser más claro para las cintas de suspenso.