Hellfire Within Me

Una critica de música diaria para tu disfrute.

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The Weeknd - Thursday (2011)

Tracklist

1. Lonely Star

2. Life Of The Party

3. Thursday

4. The Zone

5. The Birds Part 1

6. The Birds Part 2

7. Gone

8. Rolling Stone

9. Heaven Or Las Vegas

En ocasiones todo va mal hasta que llega un nuevo hombre al pueblo, tira la puerta de la cantina al suelo, pega una paliza de muerte a todos los bandidos y se auto-proclama nuevo sheriff del lugar. 'Las cosas aquí van a cambiar', podría decir The Weeknd y no se equivocaría. Con una escena de dubstep reiterativa que ya no aporta nada nuevo, un witch house a la deriva, y un R'n'B que no termina de encajar en el siglo XXI parece que la música post-Burial ha muerto. Por fortuna no es así.

Parte de una trilogía de bootlegs del cual este es su segunda entrega The Weeknd, más conocido entre sus allegados como Abel Tesfay, combina lo mejor del dubstep más ambiental con ciertos toques heredados del witch house y unas exquisitas voces R'n'B. La mezcla que tan de moda habrán encontrado si ven ustedes la MTV, ejercicio aconsejado siempre aunque sólo sea para saber en que cagarse, pero llevada hasta su quintaesencia. Ritmos de baile o un ambient espectral, bases muy marcadas o tan apenas si intuidas o dulces voces de barítono o rapéos duros doggy style son algunas de las diatribas que van presentándose a lo largo de todo el disco. Siempre duro, siempre oscuro, juega con el rara avis de los contrastes brusquísimos; las canciones más brutales siempre irán con las más melodiosas voces mientras lo más inofensivo irá acompañado de bruscos cambios de voz ronca.

La magia de The Weekend es que es genuinamente oscuro, pútrido y underground. Quizás podría petarlo si saliera en la MTV como Jamie Woon, o quizás podría esconderse tras una identidad secreta para ser el nuevo Burial pero no es ni una cosa ni otra, intenta ir más allá. Va más allá que sus compañeros de generación, que no parecen haber entendido bien sus bases; va más allá que sus progenitores, sobre los cual siembra la duda que supone el mestizaje que lleva. Hay tanto Space 9 como Kanye West, y eso sólo puede ser bueno. El nuevo rey del dubstep ha llegado, y es The Weeknd.

Pasen y vean, por favor.

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Boys Climbing Ropes - Except for the Darkness (2010)

Tracklist

1. Little Person

2. Saskatchewan

3. Big City

4. Life Knife

5. What If You Had To

6. Whale Song

7. Notorious Z.O.M.B.I.E (Hidden Track)

Lo gótico no está de moda, es un hecho, lo cual es una pena ya que nos dieron algunos de los mejores discos de post-punk, de la new wave incluso, en los 80's. Articulado como auténtico corazón del post-punk el encantador esoterismo p0p -tío abuelo, mal que les pese a muchos, de la haunt(/)ology- que se destilaba en la época conducía al género hacia una prístina oscuridad. Esta, que es un contexto imprescindible si se pretende replicar el sonido de la época, se ignora completamente por los grupos actuales más centrados en ver sus caras forradas en carpetas de modernitas que en hacer música de verdad. Salvo por un reducto de valientes en Shangai llamados Boys Climbing Ropes.

Con un post-punk clásico, extremadamente ortodoxo en su visión del revival del género, se les podría meter dentro de la escuela de grupos que siguen la estela del indie rock; nada más lejos de la realidad. A diferencia de todos ellos asumen el testigo de la auténtica esencia de lo gótico: la oscuridad. El uso constante de sintetizadores nos crea un ambiente fantasmagórico que recrea un tono particularmente siniestro alejándose de la oscuridad artificiosa que recrean otros grupos. Añadido eso con sus guitarras y bajos muy clásicos, además de una batería con un excelente dominio de los platillos nos encontramos con canciones adustas, violentas y tremendamente oscuras, pero siempre divertidas.

El título del disco no podría ser más acertado: A excepción de la Oscuridad; renuncian de toda noción excepto de la de oscuridad. Con la leve voz nasal de Morgan Short, auténtico corazón del grupo, que recuerda a una versión femenina de Ian Curtis todo se torna una densa capitulación de viajes entre espíritus. Y es que con Joy Division tienen mucho en común, como demuestran en la soberbia What If You Had To, pero no esperen encontrar una actualización de los de Manchester porque no hay nada más lejos de la realidad. Con un conocimiento auténtico del sonido de estos grupos, no buscando su imitación, Boys Climbing Ropes articulan su propio discurso del post-rock donde su esoterismo oscuro cobra una nueva fuerza; crean su personalidad acudiendo a las referencias primeras del género y actualizándolas a su tiempo. Su magia es que nunca intentan ser Joy Division, o una mera imitación de ellos, sino que siguiendo el mismo sendero de estos llegan hasta puntos comunes. Y eso es lo más maravilloso que se puede decir de un grupo nunca.

Pasen y vean, por favor.

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Waylayers - Weightless (2011)

Tracklist

1. Sinking In

2. Weightless

3. Hear No Lies

4. Big Machines

5. The Shine

Si hay un sello -y realmente, prácticamente, sólo puede considerarse que haya uno- que éste dignificando el indie rock éste sería el francés Kitsuné. Con sus recopilatorios que suenan en las mejores pistas de bailes consiguen aunar la búsqueda de tendencias con los sonidos más rabiosamente juveniles; nuevos. Por eso hoy colocamos en el punto de mira a Waylayers, una de las últimas incorporaciones del sello que llegan zumbando con muchas ganas de dar que hablar entre el movimiento indie.

En otras paginas no tan amigas de tener oídos para apreciar en sus recovecos más sentidos la música oirán que Waylayers son la respuesta nueva de Coldplay. Esto no sólo es mentira sino que es una ofensa. Donde Coldplay practican un pop facilón, sin alma, los Waylayers se lanzan como auténticos posesos hacia las pistas de bailes con el más fantasmagórico encanto. Desde un comienzo potente como Sinking In, con una progresión clásica pero perfecta que asume los mejores tics del baroque pop, nos encontramos un grupo maduro y con ganas de devolvernos hacia un estilo de hacer pop que se había perdido. Mezclando electrónica con instrumentación eléctrica y clásica no hacen ascos a nada; abren su vanguardia hacia el más puro clasicismo.

Canciones ágiles, con sentimiento, siempre con un manejo instrumental que no se veía en un grupo joven desde hacía años (en Occidente) y ese estilo fantasmagórico tan de modo pegando a cada instante. Hijos de los 80's y, a la vez, totalmente 10's se sitúan como la propuesta más desconcertante pero genial. ¿Tienen acaso alguna pega? La única pega que se les puede ver es si realmente el público estará preparado para un pop pegadizo de qualité, pero de verdad. Después de una década de dominio de Coldplay, U2, Bloc Party e Interpol con pequeños payasos haciendo un post-punk cada vez más diluido y deleznable vendiéndonoslo como diferente parece imposible que triunfe algo auténtico; con alma. Pero de su lado tienen Waylayers ser zapatilleros hasta la nausea además de haber sabido rescatar los mejores sonidos de los 80's que sus antecesores jamás consiguieron destilar. Por eso es necesario escuchar este Weightless, porque sólo en la canción homónima al nombre del EP ya tiene más calidad musical que casi todo el indie rock que se hizo durante los áridos 00's.

Pasen y vean, por favor.

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U.R.A.N. - Astrodiver (2010)

Tracklist

1 Intro 

 2. Diver

3. Geologo

4. Шанс

5. Глаз Гида

6. Арктика Зноя

7. Тотемы Антенн

8. Cosmosurfer

9. Ночная Школа

10. Extreme

11. Пульс

En la Rusia soviética la música experimenta contigo. Aunque para ser justo esa experimentación de la música con las personas trasciende las características de la hiperbólica nación soviet para situarse como una premisa de cualquier música. Pero si hay que admitir que en Rusia han adquirido una especial mano para, en algunos géneros, despuntar y hacer unas rara avis absolutamente deliciosas. En éste caso U.R.A.N. son un ejemplo perfecto de esto como las cabezas visibles de un electro pop experimental inspirado en el viaje especial. Átense los cinturones y abracen a la perra Laika que tengan más cercana, que éste viaje va directo hasta lo más profundo del espacio p0p.

Con saltos totalmente incomprensibles van pasando desde un post-punk más o menos ortodoxo que sigue las pautas de otros grupos importantes de la zona como Motorama hasta la electrónica más repetitiva. No hay orden ni concierto, en un momento pueden ser Joy Division y al siguiente, aun en la misma canción, un grupo de surf con toques psychobillys. Música y esquizofrenia, la combinación perfecta. Pero funciona... a su modo. Quizás como un todo regular hace aguas por todas partes pero de algún modo consiguen crear esa forma unificadora a través de una cierta sensación de espacialidad; de estar viajando de facto por el espacio. Quizás sea el ruso, quizás un cierto sonido uniforme o meramente toda la demencia desatada, pero incluso cuando caen en una especie de balada surf-country (!!!) suena como la BSO de un fornido caballero nacido en el 2037 en la estación espacial de la URSS llamado Yuri Gagarin III.

Es incomprensible, incoherente e inaprensible. Cualquier intento de ordenar unos mínimos argumentos racionales para describir éste caos genial sería un intento absurdo por imposible. Como el equivalente musical de un idiot savant sabes que es genial y coherente aun cuando él sea incapaz de mantener la mínima etiqueta como para saber que ir desnudo al juzgado no es una buena idea. Y quizás por eso es tan encantador, en su polimorfismo y total despreocupación por todo consigue ser fresco y original; una rebeldía naïf que resulta inocente porque de hecho lo es. Porque para U.R.A.N. la URSS sigue existiendo, pero es un parque de atracciones donde viajar por el sistema solar es la única preocupación del día a día.

Pasen y vean, por favor.

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新裤子 - 野人也有爱 (2008)

Tracklist

1. 北海怪兽

2. 金色偶像

3. 两个女朋友

4. 大熊猫

5. 分裂

6. 著名导演

7. 喜喜

8. 伤心招待所

9. Not Too Late

10. 隔离

11. 我们可以一起

Recientemente en China se prohibieron por ley los viajes en el tiempo, ya fueran en la ficción o en la más estricta de las realidades patentes concebidas. Aquí, un servidor, como amante de los viajes en el tiempo me opongo con fiereza ante esa ley, especialmente con lo que ello conlleva para la música. Por ello, mi mayor duda ahora es, ¿no tendrán problemas graves 新裤子 (aka New Pants) ante la ley cuando se presente 野人也有爱 (EQUAL LOVE) como una muestra del pasado futuro del electropop? Yo creo que sí.

Como ocurre con todo grupo auténticamente genial -amplificado hasta el absurdo cuando se trata de uno asiático- el intentar encuadrarlo dentro de unas directrices comunes desembocará en fracaso absoluto. Con un electropop bien curtido de bajos post-punk van desollando lo que suena, al tiempo, una electrónica de masas del futuro y una agradable chanson tontorrona à la nouvelle vague; no es ni futurista ni retro: está fuera del tiempo. Por eso defenestran cualquier convención y pueden saltar hacia un shoegaze que nos recuerda a M83 en la espiritualmente punk Not Too Late o tocarnos el ánimo con una especie de precioso enka en 两个女朋友, y lo hacen sin rubor alguno.

No hay límites para estos jóvenes chinos que lo mismo beben de la new wave más melosa que se dejan influir por los sonidos clásicos de sus vecinos japoneses o dan unas lecciones irreverentes de que debería ser el revival de post-punk. Con un estilo juvenil, vibrante y totalmente insólito nos dan una bofetada tras otra animándonos a salir a la pista de baile o acurrucarnos a escuchar con placer en la misma medida; la contradicción reside en su seno como el motor de toda su obra. Sin necesidad de atenerse a las convenciones que tan fuertemente atenazan a Europa y sin pretensión alguna de hacer un más de lo mismo nos enseñan un auténtico electropop de vanguardia, el futuro presente de la música del mañana. Y es que, pese lo que le pese a hipsters y cazadores de tendencias, la auténtica música de calidad se está haciendo hoy más que nunca en la periferia del mundo, donde aun queda ilusión por quebrar unas tradiciones que no sienten como suyas.

Pasen y vean, por favor.

http://www.mediafire.com/?ww27f22quorz6cp

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Bazooka + Das Wesen - Serie Serie (1981)

Tracklist

1. Das Fest

2. Blauwe Vlammen

3. Pictures

4. Skizzofree

5. Mind Faces

Ser alemán y hacer post-punk en los 80's es equivalente al ser un enferno de peste bubónica en la baja Edad Media; si sobrevives tendrás trabajo para siempre aunque sea ingrato. Por eso el post-punk venido desde la tierra de las unificaciones, los genocidios y las salchichas tuvo una acogida, en el mejor de los casos, tibia. Los demás estaban -y estamos aun hoy- demasiado centrados en las propuestas que nos llegaban desde una Inglaterra en estado de gracia y una Francia capaz de lo mejor a través de la coldwave. Pero hoy, gracias a Ghouls and Cupcakes (alias Rak Zombie), he llegado hasta uno de esos gloriosos rara avis del post-punk paneuropeo: el split Serie Serie de Bazooka y Das Wesen.

El caso de Bazooka se sitúa en el de las rara avis que, realmente, sería dificil de colocar en ninguna parte. Con un post-punk que parecer heredero de las conformaciones más sucias y oscuras del movimiento goth en Das Fest no tardan en saltar hacia una especie de festiva, aunque particularmente oscura, neue deutsche welle en la que habitan gozosamente. Con coqueteos que los podrían situar incluso cercanos a la no wave se podrían destripar infinidad de géneros que parecen acumular en las diferentes capas de su tejido musical. Otro caso, más ortodoxo pero también más agradable, son Das Wesen los cuales si se sitúan como un ejercicio de abstracción del post-punk más puro; del menos purista. Ritmos oscuros, pesados, sin mayor concesiones que una cierta musicalidad de sus sencillas guitarras se van arrastrando lánguidos por la serie de canciones que nos proponen. Sin estallidos, con dejes deathrock que nos recuerdan a un Rozz Williams particularmente ido, van tejiendo un post-punk ejemplar que en ocasiones no suena a post-punk pero sabemos que así es como suena realmente el mismo.

Sea como fuere en sus aspectos más formales -aunque tampoco veo posible acotarlos stricto sensu en un género, por difuso que éste fuera- en este split Bazooka o Das Wesen nos dan una orgía de oscuridad como las que sólo se empezaban a intuir en Inglaterra o Francia. Dignos deudores de un sonido muy alemán pero también de una nueva forma de concebir la música que cristalizaría en el gótico -o para ser más exactos, el after-punk- firmaron uno de los splits más espectaculares de su época. Y, para eso, no hay categorías.

Pasen y vean, por favor.

http://www.mediafire.com/?re66cpt1avjded9

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Front Line Assembly - Improvised Electronic Device (2010)

Tracklist

1. I. E. D.

2. Angriff

3. Hostage

4. Release

5. Shifting Through The Lens (Edit)

6. Laws Of Deception

7. Pressure Wave

8. Afterlife

9. Stupidity (Featuring Al Jourgensen)

10. Downfall

El industrial es quizás uno de los géneros más dispares y amorfos en cuanto su categorización, pero también lo es con respecto a su historia lo cual produce un problema que vivo muy a menudo: categorizar que es industrial se hace más por intuición que por evidencias sonoras. ¿Qué debe ser el industrial para serlo? En teoría hibridar los aspectos más desaforados del rock con las técnicas más oscuras -que no necesariamente brutales- de la electrónica; una amalgama de ultraviolencia sonora más oscura que el alma de un político. Esto, como no podía ser de otro modo, se pasa por alto muy a menudo. Así el industrial es más una actitud, una forma de hacer electrónica, basada en una violencia hipertrofiada que es llevada hasta una conformación maquinista, puramente obrera -y por tanto, industrial-, de la música. Y en ese sentido Front Line Assembly no sólo es que sean industrial, es que nunca antes han sido tan industrial como en este genial Improvised Electronic Device.

Su sonido alejado de los caminos más amables sostenidos en ciertas formas de EBM se distraen en la forma más pura de combinación del combo de instrumentación rock con electrónica. Las guitarras abrasivas, la batería contundente y metalizada, el bajo casi como una martilleante bujía espectral y los sonidos del sintetizador, estos sí, como el fantasmagórico ambiente oscuro que cubre todo el conjunto. Sin apenas atisvos de concesiones a la pista de baile se arrojan con fruición al mismo concepto de industrial, nos sitúan en una fábrica abandonada donde los fantasmas de los obreros muertos aun trabajan incansables; durante toda su eternidad.

Entre la fantasmagoría ambiental nos persiguen los sonidos de las maquinas machacando, destruyendo y conformando rítmicamente sonidos que nos resultan tan familiares como inefables. Incluso el giro final de todo el ruidismo salvaje hacia esa suerte de balada post-industrial que es Downfall, como si se tratara del Requiem por la maquinaria muerta, mimetiza las formas de su contexto: estamos ante un cuento de fantasmas narrado con la misma maquinaria con la que fetichizaron el mundo; con la voz distorsionada de una radio de frecuencia corta. Y he ahí el gran triunfo de Front Line Assembly, el conseguir hacer la primera gran oda post-industrial al obrero muerto, o despedido.

Pasen y vean, por favor.

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The Peculiar Pretzelmen - Uncanny Eyes (2007)

Tracklist

1. 6 Volt Car

2. Sing Along

3. Gone To Jericho

4. Smells Like Diesel

5. Undertaker

6. New York Girls

7. Pretty Eyes

8. These Hands Are Clean

9. Pass The Kerosene

El dark cabaret, en términos generales, siempre ha obviado su herencia cabaret para centrarse más en sus aspectos más dark; tiene una predilección particular por el carácter siniestro de sus composiciones. Los góticos, poco dados a las cantinas y las peleas de bar, han obliterado esa esencia desértica y alcohólica que le es propia al cabaret. ¿Todos? No, un grupo de valientes conocidos como The Peculiar Pretzelmen se encargaron de rescatar esa esencia polvorienta del seno de un género popular pero distorsionado.

Sin los toques más propios del siniestreo -ni gothic rock, ni death rock ni por supuesto after-punk- el grupo va articulando melodías cabareteras propias del más pútrido saloon americano que podamos imaginar. Canciones aporreadas más que tocadas, con samples de latigazos como adorno, van articulando un extraño discurso entre una danza de la muerte erótica y una jam sesion de esqueletos de dibujos animados; componen siempre con un pie en el sonido clásico y otro en las conformaciones contemporáneas del mismo. Como un esquizofrénico que se cree vaquero nos articulan canciones populares, prácticamente rednecks, siempre articuladas con ese ligero matiz oscuro que tiñe todo su conjunto. Como un fin del mundo lento, parsimonioso, que se va deslizando por el desierto como una uniforme noche eterna de condenación con chupitos y ligeros al aire.

Pero he ahí el 'problema' del disco: es repetitivo hasta la nausea. Esto, que en realidad no es un problema, articula un discurso coherente, compacto, que conforma un conjunto fuerte de himnos de bar que chillar en los momentos álgidos de la noche. Y, por eso, llamarlo dark cabaret es tan peligroso, no tiene nada de lo que entendemos por dark, por siniestro, pero sí es puro cabaret; casi parece una resurrección de las formas que entendemos por tales a la actualidad. Obviando las nociones que tengamos sobre el género, si estamos dispuestos a darle una oportunidad, nos encontraremos un disco muy disfrutable y que hará las delicias de aquellos vaqueros de espíritu que añoran aquellos tiempos quizás más adustos, pero sin duda mejores. Siempre entre alcohol casero y los pechos de una corista sifilítica a la espera de la siguiente pelea.

Pasen y vean, por favor.

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Orchestral Manoeuvres in the Dark - History of Modern (2011)

Tracklist

1. New Babies : New Toys 

2. If You Want It

3. History of Modern (part I)

4. History of Modern (part II)

5. Sometimes

6. RFWK

7. New Holy Ground

8. The Future, The Past, and Forever

9. Sister Marie Says

10. Pulse

11. Green

12. Bondage of Fate

13. The Right Side?

El cambio de paradigma en la sociedad conlleva bruscos movimientos de estilo; lo que una vez fue la vanguardia ahora no es más que puro clasicismo obsoleto. Esto es algo connatural a cualquier creación humana pero tiene, quizás, un peso particular en la música. Pero también en ella es donde se da con mayor vitalidad los revival, las vueltas al pasado como actualización a un discurso presente de valores añejos. Por eso no es sorpresiva de la vuelta de Orchestral Manoeuvres in the Dark -OMD a partir de ahora- pero si lo es desde los términos que lo hacen, con una actualización exitosa de su sonido.

Como una genealogía casi más que una historia OMD nos van proponiendo un viaje espectacular por los sonidos más modernos, nunca posmodernos, que son capaces de parir. ¿Por qué genealogía y no historia? Porque la historia sería una definición estricta de lo que fue el sonido, la genealogía siempre parte como parodia, visión distorsionadora, que origina una nueva conformación de los hechos. De este modo donde el revival synth pop nos ha dado una cantidad obscena de clones de los propios OMD ellos hacen lo contrario, articulan un sonido actualizado a través de su re-modernización; cogen su sonido, lo miran desde hoy y lo retrotraen de nuevo a los 80's. Ese tono que roza lo paródico, el ser conscientes de su condición y divertirse con ello, se puede catar desde el inicio con la excelente New Babies : New Toys, un auténtico hit de la horterada bien planteada. Porque eso es History of Modern, una ochenterada encantadora y auto-consciente de su condición que no intenta revolucionar el género, sólo divertirnos en su condición; y por ello (micro)revoluciona el género.  

Con esta Genealogy of Modern nos enseñan OMD que el que tuvo retuvo y no todos los grupos vuelven al ruedo para poder seguir comprando drogas; o no sólo. Con un estilo envidiable y una juventud pavorosa demuestran como la vuelta al trabajo después de la prejubilación no sólo no es un error, sino que puede enseñar mucho a esos jóvenes que ni siquiera saben hacer bien su trabajo. Aquí están los pioneros que creíamos obsoletos para enseñarnos a manejar las máquinas del hoy, del ayer y del mañana.

Pasen y vean, por favor.

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Astrud & Col·lectiu Brossa - Lo nuevo (2010)

Tracklist

1. Lo popular (Retrato de Adrià Grandia)

2. Mentalismo

3. Europa

4. El vertedero de São Paulo

5. Noam Chomsky

6. Cambio De Idea

7. Minusvalía

8. Miedo a la muerte estilo Imperio

9. Esto Debería Acabarse Aquí

10. La Boda

11. Paliza

12. La Última

13. Por La Ventana

14. La música de las supercuerdas (Retrato de Marc Casas)

Hay grupos que no necesitan presentación alguna y, desde luego, Astrud son uno de ellos. Como mascarón de proa del indie pop más inteligente -y por ello, marciano- e interesante que uno puede encontrar en este sacro país cada nuevo trabajo suyo es digno de celebración. Y, en esta ocasión, además vienen acompañados de Col·lectiu Brossa con una instrumentación clásica; arropados por un contraste entre los sintetizadores p0p y los instrumentos populares. Y de eso trata Lo nuevo, una serie de re-interpretaciones de antiguos temas de Astrud.

El problema del disco, si es que tiene algún problema, es que el mayor logro del disco se encuentra en el tema hecho ex professo para el disco: Lo nuevo. En esta fusión entre 'lo viejo y lo nuevo / lo culto y lo popular' todo va encajando sin esfuerzo a la absoluta perfección con las piezas que van cayéndoles. El problema es que, como en Tetris, esto se va complicando según pasan las fases; no consiguen encajar este estilo todo lo bien que deberían en otros temas. Aunque en general nunca sobra la instrumentación si se llega a sentir muy forzada en su disposición o, incluso, pesada en su ejecución. Pero, aun con fallos y cierto grado de ser un hecho innecesario, el disco aguanta bien los envites de su propio peso. Temas como Noam Chomsky o, particularmente, Paliza alcanzan con esta nueva instrumentación un nuevo sentido; se fusiona el significado propio de las canciones con un grado añadido de simbolismo sonoro. Y he ahí lo que aporta este disco a los trabajos anteriores de Astrud, matizan y rellenan huecos oscuros que, por suerte o desgracia, algunos antes ni siquiera estaban ahí.

El disco en términos globales deja un regusto agridulce: demasiado largo por su instrumentación pesada y no tan original en computo global como para justificar su realización. Ahora bien, apunta ciertos interesantes usos y vicios del grupo que explotar en un futuro, siendo ahí su auténtico punto de interés. Lo nuevo es un disco de transición; sin ningún desarrollo auténticamente nuevo que justifique el cambio. Sin embargo puede ser un muy agradable vistazo hacia el futuro inmediato de una banda que, incluso cuando renquea, sigue siendo apasionante.

Pasen y vean, por favor.

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Bo Ningen - Bo Ningen (2011)

Tracklist

1. 4 Seconds To Ascension

2. Yurayura Kaeru

3. Koroshitai Kimochi Reprise

4. Gasmask Rabbit

5. Kage

6. Post Yohkai

7. Maguro (Rewind)

8. Yuruyakana Ao

9. Triangle

¿Qué pensarían ustedes de un grupo de japoneses que residen en Londres?¿Y si además tienen una actitud punk sobre el escenario y la clásica cortesía nipona bajo él? Ahora bien, ¿sí añadimos a la ecuación de que mezclan la pesadez y brutalidad del stoner rock con el carácter acuoso y fluido del psychedelic rock que pensarían? En realidad no importa lo que piense, les diré yo lo que deben pensar: Bo Ningen es el grupo de contrastes más encantador y salvaje que podrán encontrar actualmente en el mundo angloparlante.

Todo en el disco se mueve a través de esta máscara; este doble carácter paradójico que atraviesa la esencia misma del grupo. Desde el comienzo violento de 4 Seconds To Ascension podemos ver la dinámica del grupo: un perpetuo in crescendo que sólo se va refrenando en momentos puntuales de cada canción. P ero no todo es un stoner vigoroso, prácticamente demente, ya que a partir de Post Yokai nos dejan ver la otra cara del grupo: la tranquilidad prácticamente post-punk inunda cada rincón de los temas para, cuando se dan sus espectaculares aceleraciones, sólo cubrir el resto de momentos a base de una psychodelia ejemplar. ¿Y entre medias que hay? Mucho estilo, un dominio alucinante del bajo con un uso poco ortodoxo pero genial del slap, voces y coros que parecen femeninos pero no lo son, guitarras que rozan el pop y, en general, una absoluta ambigüedad; una muestra de una encantadora ausencia de respeto por las convenciones musicales.

Como es el disco se podría definir a través del impresionante tema final, Triangle, que les acerca de forma asombrosa hacia el estilo que tan bien han cultivado Boris. En éste van entremezclando la calma chicha con una fuerte disposición psychodélica tras un avance hacia los campos del stoner primero y del puro noise después; un ejercicio de auténtica esquizofrenia musical. Y he ahí el interés de Bo Ningen, no sólo no respetan las convenciones musicales -ni sociales, ni de género- sino que además vomitan convenientemente sobre ellas.

Pasen y vean, por favor.

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Cornelius - Fantasma (1997)

Tracklist

1. Mic Check

2. The Micro Disneycal World Tour

3. New Music Machine

4. Clash

5. Count Five or Six

6. Magoo Opening

7. Star Fruits Surf Rider

8. Chapter 8 - Seashore And Horizon

9. Free Fall

10. 2010

11. God Only Knows

12. Thank You For the Music

13. Fantasma

Jamás me cansaré de afirmar de como el mejor pop es aquel que consigue tirar abajo las barreras de su género; el mejor pop es aquel que no suena como tal. En el género comercial por antonomasia que cualquier cosa que triunfe crea una escuela tras de sí, esto parece una cosa que roza lo imposible. Pero Cornelius lo consiguió y sin fundar una nueva casa, sólo dio un espectacular giro de tuerca al shibuya-kei. Y enamoró a occidente y oriente por igual.

Mezclando todo lo que caiga sobre sus manos pasamos por un espectacular trance cercano a la hora donde todo es posible. Como una frenética e increiblemente estúpida serie de dibujos animados Cornelius nos va soltando a la cara diferentes hibridaciones imposibles; hace de lo que parecía absurda algo patente. Así no tendrá problemas en devenir en ritmos acelerados heredados del rock (Free Fall) para después pasar a una paranoia electrónica (2010) y volver de nuevo, pero esta vez hacia el folk rock (God Only Knows) Pero hay algo sorprendente en todo ello: sólo a través de ligeras inflexiones de voz y ciertas repeticiones de glitchs conforma su propia personalidad; nunca ningún músico necesitó menos para definirse. Así realiza una espectacular carrera de fondo donde se permite cualquier desvarío, por enajenado que sea, con la confianza de aquel que sabe perfectamente cual es su sitio; su sonido. Y el resultado no podría ser más perfecto y personal: Fantasma es Cornelius.

La influencia posterior que tendría en el pop nipón, Mitsuki Aira y Saori@destiny pero también en Capsule o Genki Rockets, es sólo comparable a la que tendría en el underground, con Word's End Girlfriend a la cabeza. El luchó y ganó la batalla por llevar el pop no uno, sino varios pasos más allá de lo que todos los demás les hubiera gustado. Y de los que todos aun hoy beben.

Pasen y vean, por favor.

Cornelius – Fantasma

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Pizzicato One - 11のとても悲しい歌 (2011)

Tracklist

1. To Learn To Sleep Alone

2. One

3. Imagine

4. A Little Bit Of Soap

5. I Wanna Be Loved By You

6. Bang Bang

7. A Day In The Life Of A Fool

8. If You Went Away

9. Maybe Tomorrow

10. Suicide Is Painless

11. If We Lived On The Top Of A Mount

12. A Long Hard Climb

Konishi Yasuharu, además de ser el 50% de Pizzicato Five, es siempre un valor seguro; su carrera le acredita. Por eso cuando anunció su vuelta al mundo de la composición todo fueron vítores y felicidad. Aun cuando fuera con el nombre de Pizzicato, esta vez, One. Además de ser un disco exclusivamente de versiones. Aunque aun encima no fuera un disco de shibuya-kei, el género que prácticamente fundó, sino de jazz. Y el resultado atestigua tal fe.

Ya desde su sugestivo nombre, Una y diez canciones muy tristes, hemos de tener claro que, en teoría, está muy lejos de cualquier animo festivo; aquí sólo hay sitio para la melancolía y la belleza. La realidad es que la cosa va oscilando entre la diversión romántica (I Wanna Be Loved You), la sensualidad (Bang Bang) y la tristeza sin lloriqueos (Imagine) Para ello se nutre de muchos ritmos heredados del funk, además de algunas de las mejores voces negras -aunque no necesariamente de dueños negros- del momento para conseguir un resultado apabullante. Las canciones derrochan fuerza, seguridad y carácter; es imposible no enamorarse a cada momento de cada una de las composiciones de las cuales se nutre el disco. Y no sólo de amor se nutre, pues también hay sitio para el humor más simpático (Suicide Is Painless) con una encantadoramente naïf intervención vocal de Roger Nichols & The Small Circle of Friends. Es, en definitiva, una colección de momentos románticos a través del cual cualquiera se puede ver reflejado.

Jamás se ha hecho un disco de jazz que aúne mejor las raíces de color de la música con el particular carácter calmado nipón. La combinación es un extraño viaje por un mundo de hadas donde todo es posible; la única posibilidad es rememorar aquellos pequeños amores imperfectos. O, ¿por qué no? Ser la banda sonora de nuestros particulares momentos ideales de romance.

Pasen y vean, por favor.

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Danger Mouse and Daniele Luppi - ROME (2011)

Tracklist

1.Theme of Rome

2. The Rose With A Broken Neck

3. Morning Fog (interlude)

4. Season’s Trees

5. Her Hollow Ways (interlude)

6. Roman Blue

7. Two Against One

8. The Gambling Priest

9.The World (interlude)

10. Black

11. The Matador Has Fallen

12. Morning Fog

13. Problem Queen

14. Her Hollow Ways

15. The World

Cuando pienso en Roma no puedo dejar de ver la ciudad que ha sido atravesado en infinidad de ocasiones por la mirada distante de la cámara cinematográfica. Así se entremezclan las imágenes de una Roma neo-realista con otras de una más cercana al giallo; conforma un collage imposible de momentos salpicados sobre la ciudad eterna. Y quizás por eso sea mágico este disco de Danger Mouse y Daniele Luppi, consiguen sintetizar la esencia de esa Roma perdida.

Con un estilo que va saltando sin grandes aspavientos de un pop desenfadado y encantador hasta un lounge salpicado hasta la nausea de la influencia de Ennio Morricone acaba por definir un discurso propio: la chanson de amor de los adoquines ficticios. De este modo nos van narrando sin descanso una historia de amor y odio que se va desentrañando entre las canciones y, para ello, cada escena se verá representado bajo la música que la configura. La sensualidad impresa tras Season’s Trees contrasta con el romanticismo de opereta tras Roman Blue o la tragedia naïf que roza con el enka en Her Hollow Ways. Y por todo lo anterior es imposible definir con una mínima exactitud su música: el disco es tan único, tan personalísimo, como es la ciudad de Roma para todo aquel que la haya visitado a través de la mirada cinematográfica. El viaje que nos proponen Danger Mouse y Daniele Luppi es único e irrepetible; es el espíritu capturado de una ciudad que nunca existió más que en sus corazones.

¿Acaso queda algo que decir del disco más allá que es una de esas rara avis que desafían cualquier convención de género para definirse como algo único? Nada más que eso. Nada más que la poco secreta ambición de dos grandes músicos para escribir la más perfecta película sobre una ciudad milenaria sólo a través de su música. ¿Y lo han conseguido? Esa respuesta sólo se la puede dar cada uno de sus oyentes en exclusiva.

Pasen y vean, por favor.

http://www.mediafire.com/?194hig9cc16yf44

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Woodkid - Iron EP (2011)

Tracklist

1. Iron

2. Brooklyn

3. Baltimore’s Fireflies

4. Wasteland

5. Iron (Remix by Mistery Jets)

6. Iron (Remix by Gucci Vump) 

El pop en los últimos años, ya sea en el mainstream como en el indie se ha quedado en una posición acomodada donde su simplicidad ralla lo lamentable. Cualquier pretensión de aportar algo nuevo o diferente -y los muros de ruido blanco dejaron de ser ninguna de las dos cosas hace veinte años- pasan como una mera anécdota que prácticamente condenan al grupo al ostracismo. En esta era de Franz Ferdinand y The Strokes aparece en escena Woodkid como un salvador: el hijo pródigo de la resurrección del chamber pop.

Yoann Lemoine, conocido anteriormente por su labor de director y fotógrafo de videoclips, encadena con un criterio excepcional la vertiente más chic-vendible del pop con la épica bien entendida. El pop de ligerísimos toques folk, que tan de moda está desde hace algunos años, se ve supeditado en todo momento al elegante uso de una instrumentación clásica. Pero no se dejen engañar, cosa que ya han hecho demasiados medios, es chamber pop pero en ningún momento suena barroco. No suena barroco, como movimiento, ya que la instrumentación estaría más cerca de la épica del romanticismo sino directamente con inspiración de la música de Europa central y del este. Pero tampoco es barroco en términos mundanos ya que jamás nos suena recargado o efectista; todo instrumento está ahí con el firme propósito de hacer un bloque bien cohesionado. Sólo en los remixes podemos encontrar un estilo más desmedido, brutal incluso, que crea un contraste peculiar enseñándonos un posible uso excesivo de su barroquismo.

Este primer EP de Woodkid suena insultantemente pop; se baila como el pop, suena como el pop pero sus entrañas son otra cosa. Y ese es el gran logro de Woodkid, nos devuelve aquello que llegó a ser el pop en los 90's: una desquiciada carrera hacia el más dificil todavía sin abandonar su facilidad de digestión. La sobriedad sonora que despliega en su tormenta orquestal es el signo inequívoco de la pretensión de hacer regresar tiempos mejores para el pop.

Pasen y vean, por favor.

http://www.mediafire.com/?e0skzxj382ce30p

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Marlon Dean Clift - Into The Blue (2011)

Tracklist

1. Comes A Light  

2. Beyond The Machine

3. Alex Hale

4. Under Your Hair / Love Scene

5. Jasmine Stains 

6. Could We?

7. So What If I Drown? 

8. Binary Sunset  

9. I Don't Want To Lose You

10. We Can't

11. Suicidal Architecture

12. Binary Sunrise

En el ámbito de la música hay una muy clara tendencia ha abusar del término conceptual. Así, entre la crítica más remanida, es común encontrarse absurdas exaltaciones sobre el maravilloso trabajo de conceptualización del disco. Si la idea debe ser la obra en si misma, ¿no es entonces casi todo disco conceptual? Por fortuna podemos decir que Into The Blue no es sólo conceptual, sino que jamás podría ser llamado justamente denominado como tal.

Es conceptual porque la temática es la misma que la de todos los demás discos de Marlon Dean Clift: el amor como elemento perdido y recuperado. Así esta vez nos lleva más allá haciendo hincapié en que es amar en tiempos de la física cuántica; como amar cuando puedes saber a quien amas pero no saber donde está o viceversa. ¿Cuando se ha vuelto el amor una cuestión de cálculos geométricos? No importa, el amor es siempre algo que trasciende su propio carácter. Pero el disco no es en ningún caso conceptual porque necesita de la forma que asume. Como un oleaje estallando contra un desfiladero, como las procelosas aguas del mar en calma o como una brutal tormenta, los drones se desatan en todas las formas con un dominio nunca antes visto en su obra. Todo es inesperado, mágico, pero a la vez parece fruto de un cálculo bien definido. La paradoja de ser totalmente natural, como el mar, pero intentar parecerse lo más posible a lo matemático. Aquí está sintetizado todo el Marlon Dean Clift ambient llevado hasta sus últimas consecuencias; hasta el último suspiro de amor por esa figura que péndula entre las binarias olas del mar.

En último término podríamos decir que esta es, precisamente, una obra catedralicia pues aúna sin corruptelas en una armonía imposible la forma y la esencia. Sería imposible concebir Into The Blue de un modo que no sea éste, hasta el punto de ser una composición singular en sí misma. Es natural y geométrica, es humana y cyborg; es el amor despojándose de su forma física para conformarse puro en un vagar simbólico de sí. Y ese es, quizás, el mayor logro que un músico puede lograr jamás.

¡Bola Extra!

Sobre Beyond The Machine

http://www.skywaspink.com/?p=3098

Sobre Comes A Light, Could We? y We Can't

http://marlondeanclift.tumblr.com/post/3941019130/comes-a-light-we-cant-como-la-catedral-del-amor

Sobre Binary Sunset

http://marlondeanclift.tumblr.com/post/4238392606/binary-sunset-o-la-geometria-del-mar-profundo

Pasen y vean, por favor.

http://marlondeanclift.bandcamp.com/album/into-the-blue

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Iwan Rheon - Tongue Tied EP (2010)

Tracklist

1. Happy Again

2. Follow Me

3. Tongue Tied

4. Simple Song

Mientras los fans de carácter más marcadamente adolescente de la serie británica Misfits lloraban lágrimas de sangre al saber que Robert Sheehan dejaba la serie el resto suspirabamos por Iwan Rheon. No sólo es uno de los actores jóvenes con más talento del momento sino que, además, ha demostrado un sobrado talento para la música. En primera instancia con su grupo The Convictions actualmente ha entrado en el parnaso de los héroes de la juventud con su primer EP, Tongue Tied.

Con un folk intimista que redunda en la sencillez instrumental y en la personalísima voz de Iwan va desarrollando unas canciones de una fuerza explosiva. Con un desarrollo calmado que rápidamente se acelera sin estrépito alguno nos da un folk de raíces pop, bebiendo de clásicos contemporáneos como Ryan Adams. Pero, muy lejos de ser el enésimo imitador del oriundo de Jacksonville, él encuentra su propio sonido. Los frecuentes cambios de ritmo, el estilo más agresivo -siempre dentro de unas coordenadas estrictamente pop- y el minimalismo en la composición componen el asombroso ingenio sónico del joven Iwan. Así no debería extrañarnos una canción como Simple Song, evidente en intenciones desde su título, donde alcanza una particular gracia para hacer de lo que parecen esbozos apenas garabateados auténticas canciones. Y ahí está lo fantástico de éste disco.

A falta de ver como llevará su disco debut he de decir que, seguramente, éste es el mejor debut de un artista joven que he escuchado en años. Su pasión y su buen hacer en la deconstrucción del folk es tan rotundo como innegable. Si sigue por el buen camino que se ha labrado en este primer paso estamos, sin exagerar, ante el próximo adalid del mejor folk rock del momento. Y sino, al tiempo.

Pasen y vean, por favor.

Iwan Rheon – Happy Again