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Alois Zabehlicky war ein bedeutender österreichischer Maler des 20. Jahrhunderts, dessen künstlerisches Schaffen primär der Tradition der altmeisterlichen Stilllebenmalerei zuzuordnen ist. Er wurde am 22. Mai 1883 in Wien geboren und verstarb dort am 17. April 1962.

Zabehlicky lebte und wirkte zeitlebens in Wien. Seine künstlerische Laufbahn ist eng mit der Wiener Kunstszene der Zwischenkriegszeit verknüpft, in der er sich als renommierter Vertreter des Naturalismus etablierte. Zabehlickys Œuvre zeichnet sich durch eine konsequente Rückbesinnung auf klassische Maltechniken und Sujets aus: Sein Hauptaugenmerk lag auf opulenten Blumen- und Früchtestillleben, oft ergänzt durch kostbare Gefäße wie Römergläser, Deckelhumpen oder Porzellanschalen. Häufig finden sich auch filigrane Details wie Insekten (Schmetterlinge, Bienen) oder Wassertropfen auf Blütenblättern. Er wandte bevorzugt die altmeisterliche Schichtenmalerei an. Diese Technik erlaubte ihm eine außergewöhnliche Präzision und Tiefe in der Darstellung von Lichtreflexen und Stofflichkeiten.

Das gezeigte Gemälde ist ein klassisches Stillleben mit deutlich traditioneller Ausrichtung, das sich stilistisch an der akademischen Malerei des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts orientiert. Im Zentrum der Komposition steht ein sorgfältig arrangiertes Ensemble aus Porzellanobjekten – Teekanne, Zuckerdose, Milchkännchen und Tasse –, die durch ihre dekorative Bemalung und goldenen Ornamente eine gewisse Wertigkeit und kultivierte Häuslichkeit evozieren. Ergänzt wird diese Gruppe durch Alltagsgegenstände wie einen Löffel, Zuckerstücke, ein Glas sowie eine Glasschale im Hintergrund. Die rechts platzierte rosafarbene Rose fungiert dabei als klassisches Vanitas-Element und zugleich als farblicher Akzent.

Kompositorisch ist das Bild horizontal aufgebaut, wobei die Objekte in einer leicht gestaffelten Linie entlang der Tischkante angeordnet sind. Die schräge Ausrichtung des Tischtuchs erzeugt eine subtile Tiefenwirkung. Der dunkle, diffus gehaltene Hintergrund hebt die helleren Objekte plastisch hervor und lenkt den Blick gezielt auf das Arrangement. Die Lichtführung ist weich und indirekt. Sie modelliert die Oberflächen differenziert aus: Besonders auffällig ist die Wiedergabe verschiedener Materialien – das glänzende Porzellan, das matte Tischtuch, das transparente Glas. Diese differenzierte Stofflichkeit verweist auf eine hohe technische Virtuosität und eine Schulung im naturalistischen Sehen.

Farblich dominiert eine gedämpfte, harmonische Palette aus warmen Braun-, Creme- und Grüntönen, die durch die rosa Blüte und die goldenen Reflexe belebt wird. Der Hintergrund in rötlich-violetten Nuancen schafft eine ruhige, fast intime Atmosphäre. Ikonografisch lässt sich das Bild in die Tradition des bürgerlichen Interieurs einordnen: Es zeigt keine prunkvolle Überfülle, sondern eine kultivierte, beinahe intime Alltagsszene. Die sorgfältige Darstellung und die ausgewogene Komposition deuten auf ein Interesse an Ordnung, Schönheit und Beständigkeit hin – zentrale Themen der Stilllebenmalerei.

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Adolf Senglaub war ein deutscher Maler des Jugendstils und des Impressionismus. Senglaub wurde 1873 in Stuttgart geboren. Dort studierte er von 1891 bis 1902 an der Kunstakademie bei Friedrich Keller. Senglaubs künstlerischer Fokus lag auf Genreszenen, Landschaften und Porträts. Neben seiner Tätigkeit als Maler war er als Studienrat angestellt und war außerdem als Plakatkünstler tätig. Er war ein bedeutender Vertreter der frühen deutschen Plakatkunst. Um 1900 entwarf er Werbeplakate, beispielsweise für die Stuttgarter Möbelfabrik Georg Schöttle. 1901 gestaltete er das Titelbild der Mitteilungen des Vereins für Dekorative Kunst und Kunstgewerbe. Seine Plakatarbeiten zeichnen sich durch die für den Jugendstil typische ornamentale Linienführung aus, während seine Ölgemälde oft impressionistische Züge in der Lichtführung und Farbwahl aufweisen.

Das gezeigte Bild Senglaubs zeigt eine romantisch-poetische Landschaftsszene mit zwei Figure: Stilistisch lassen sich deutliche Anklänge an den Impressionismus erkennen, insbesondere in der Behandlung von Licht und Atmosphäre. Der Himmel ist mit lockeren, weichen Pinselstrichen gestaltet; die Wolken wirken flüchtig und in Bewegung. Die Farbpalette ist insgesamt gedämpft, aber differenziert, mit subtilen Übergängen zwischen Blau-, Weiß- und Rosatönen im Himmel sowie Grün- und Ockerabstufungen im Vordergrund. Diese malerische Auflösung der Konturen zugunsten einer atmosphärischen Wirkung spricht für ein Interesse an unmittelbarer Naturwahrnehmung.

Gleichzeitig bleibt die Darstellung vergleichsweise konservativ in der Formgebung: Die Figuren sind klar umrissen, die Raumstruktur ist nachvollziehbar organisiert, und es fehlt eine radikale Auflösung der Form, wie sie etwa in späteren modernen Strömungen zu finden wäre. Das deutet auf eine Position zwischen akademischer Tradition und moderner Freilichtmalerei hin.

Bemerkenswert ist auch die Bedeutung des Himmelsraums, der einen Großteil der Bildfläche einnimmt. Dadurch verschiebt sich der Fokus von der erzählerischen Szene hin zur landschaftlichen Weite und zur Darstellung von Licht und Luft. Die Figuren fungieren eher als Maßstab und als emotionaler Zugang zur Landschaft denn als eigenständige Handlungsträger.

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Otto Schubert (1892–1970) war ein deutscher Maler, Grafiker und Illustrator, der vor allem im künstlerischen Umfeld Dresdens in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts tätig war. Er zählt zu jener Generation von Künstlern, deren Werk zwischen Expressionismus, Neuer Sachlichkeit und angewandter Grafik angesiedelt ist, ohne sich eindeutig einer einzelnen Stilrichtung zuordnen zu lassen.

Schubert erhielt seine Ausbildung zunächst an der Kunstgewerbeschule Dresden und setzte sie anschließend an der Kunstakademie fort, wo er unter anderem bei Emanuel Hegenbarth sowie später als Meisterschüler von Otto Gussmann und Otto Hettner studierte. Früh sammelte er praktische Erfahrungen als Theatermaler am Dresdner Hoftheater, was seine spätere Bildauffassung durch eine ausgeprägte Sensibilität für Raumwirkung und Inszenierung prägte.

Nach dem Ersten Weltkrieg, an dem er zeitweise als Soldat teilnahm, etablierte sich Schubert als freischaffender Künstler. 1919 gehörte er zu den Mitbegründern der Dresdner Sezession Gruppe 1919, die mit Künstlern wie Otto Dix und Conrad Felixmüller eine wichtige Rolle im avantgardistischen Kunstleben der Weimarer Republik spielte. Neben der Malerei widmete sich Schubert intensiv der Druckgrafik sowie der Buchillustration und arbeitete mit einflussreichen Kunstkritikern wie Julius Meier-Graefe zusammen.

Die Zeit des Nationalsozialismus bedeutete einen tiefen Einschnitt in Schuberts künstlerische Laufbahn. Im Zuge der Aktion „Entartete Kunst“ wurden zahlreiche seiner Werke aus öffentlichen Sammlungen entfernt und teilweise zerstört. Hinzu kamen erhebliche Verluste durch die Zerstörung Dresdens im Zweiten Weltkrieg, wodurch ein großer Teil seines Œuvres unwiederbringlich verloren ging.

Nach 1945 lebte und arbeitete Schubert weiterhin in Dresden, nun in der Deutschen Demokratischen Republik. Er war Mitglied im Verband Bildender Künstler und blieb bis zu seinem Tod 1970 künstlerisch tätig. Trotz seiner zeitweiligen Anerkennung im frühen 20. Jahrhundert ist sein Werk heute nur fragmentarisch überliefert, was seine kunsthistorische Rezeption bis in die Gegenwart hinein erschwert.

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Rik Bourguignon (1902–2001) war ein belgischer Maler des 20. Jahrhunderts, der vor allem durch seine Seestücke und durch Landschaftsbilder und Stillleben bekannt wurde. Sein Werk ist der akademisch geprägten, figurativen Maltradition zuzuordnen und steht im Gegensatz zu den avantgardistischen Strömungen seiner Zeit.

Bourguignon erhielt eine umfassende künstlerische Ausbildung in mehreren europäischen Kunstzentren, darunter Antwerpen, Brüssel, Paris und Bremen. Während dieser Ausbildungsphase stand er unter dem Einfluss etablierter Künstler wie Jean Delville und Alfred Bastien, was seine Verwurzelung in der akademischen Malerei zusätzlich festigte.

Ab 1934 lebte und arbeitete er in Machelen und später in Diegem bei Brüssel. Neben seiner Tätigkeit als freischaffender Künstler war er auch in der Kunstvermittlung aktiv und übernahm eine leitende Funktion als Direktor des Institut Supérieur de Peinture Vanderkelen in Brüssel. Diese Position unterstreicht seine Einbindung in die institutionellen Strukturen der belgischen Kunstszene.

Im Zentrum seines malerischen Œuvres stehen insbesondere maritime Darstellungen, die sich durch ruhige Kompositionen, differenzierte Lichtführung und eine naturalistische Farbgebung auszeichnen. Seine Arbeiten zeigen häufig Küstenlandschaften und Meeresansichten unter wechselnden atmosphärischen Bedingungen. Stilistisch blieb Bourguignon zeitlebens der gegenständlichen Darstellung verpflichtet.

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Cherry Jeffe Huldah (1901–2001) war eine US-amerikanische Malerin und Illustratorin, die vor allem durch ihre kommerziell erfolgreichen, impressionistisch geprägten Darstellungen weiblicher Figuren Bekanntheit erlangte. Nach ihrer künstlerischen Ausbildung in New York, unter anderem an der Art Students League und der Grand Central School of Art, etablierte sie sich ab den 1940er-Jahren im US-amerikanischen Kunst- und Reproduktionsmarkt.

Ihr Werk ist stilistisch durch eine an den französischen Impressionismus, insbesondere an Pierre-Auguste Renoir, angelehnte Bildsprache geprägt. Charakteristisch sind idealisierte, häufig in historisierenden, an die Belle Époque erinnernden Szenerien eingebettete Frauen- und Mädchenfiguren. Die Kompositionen zeichnen sich durch weiche Farbmodulationen, eine betont dekorative Auffassung von Form sowie eine tendenziell sentimentale, nostalgische Grundstimmung aus.

Neben der Ausstellungstätigkeit – unter anderem in den USA und im Rahmen des Salon des Artistes Français in Paris – ist insbesondere Huldahs Erfolg im Bereich der Kunstreproduktion hervorzuheben. Ihre Motive wurden seit den 1940er-Jahren in großem Umfang als Druckgrafiken verbreitet und fanden ab den 1950er-Jahren Eingang in den Massenmarkt, etwa durch Grußkartenproduktionen. In diesem Kontext ist ihre Beteiligung an einer von Hallmark Cards initiierten Künstleredition von 1953 bemerkenswert, in der sie neben etablierten Positionen wie Norman Rockwell vertreten war.

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Edmund Massau war ein deutscher Landschaftsmaler der Düsseldorfer Schule, geboren am 16. November 1860 in Düsseldorf, wo er auch 1935 starb. Er entstammte einer Künstlerfamilie: Sein Vater, Franz Paul Massau, war ein bekannter Kupferstecher und unterrichtete ihn zunächst. Anschließend studierte Massau an der Kunstakademie Düsseldorf bei bedeutenden Lehrern wie Wilhelm Sohn, Peter Janssen d. Ä. und Eduard von Gebhardt.

Massau arbeitete vor allem als Landschafts-, Figuren- und Historienmaler. Besonders geschätzt wurden seine stimmungsvollen Landschaften, etwa Wald- und Dorfansichten, die eine ausgeprägte Licht- und Naturbeobachtung zeigen. Er war Mitglied im Künstlerverein „Malkasten“ in Düsseldorf und stellte seine Werke unter anderem auf wichtigen Ausstellungen wie der Großen Berliner Kunstausstellung aus. Einige seiner Gemälde befinden sich heute im Stadtmuseum Düsseldorf.

Das herbstliche Bild zeigt eine (auf mich sehr beruhigend wirkende) Allee mit einer braunen Straße, an deren Ende ein Schäfer mit seinen Schafen steht.

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Otto Hunte (1881–1960) war einer der bedeutensten Szenenbildner und Filmarchitekten Deutschlands. Er war maßgeblich an den Bühnenbildern von Filmen wie Metropolis, Die Nibelungen, Der blaue Engel oder dem ersten Film der Mabuse-Reihe beteiligt. Hunte studierte Architektur und Malerei in Hamburg. Das abgebildete Werk zeigt den Teufelsgraben in Bamberg. Bei dem Gemälde handelt es sich um ein schönes Beispiel für malerische Stadtansichten aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Das Bild lässt sich dem deutschen Postimpressionismus zuordnen und wird zwischen 1920 und 1940 entstanden sein, einem Höhepunkt der deutschen Heimatmalerei. Die Komposition nutzt den tiefen Fluchtpunkt der Gasse, um den Blick des Betrachters ins Bild hinein zu ziehen. Das Spiel von Schatten im Vordergrund und sonnenbeschienenen Gebäuden im Hintergrund verleiht dem Gemälde Tiefe und Atmosphäre. Insgesamt handelt es sich um ein schönes Beispiel für romantisierte Stadtansichten im Stil des Spätimpressionismus, das künstlerisches Können mit einem nostalgischen Blick auf das historische Bamberg, wie er besonders in der Zwischenkriegszeit geschätzt wurde, verbindet.

Otto Hunte (1881–1960): Teufelsgraben in Bamberg