Benvenuti in una nuova puntata de seh vabbe, ma la potevo fa’ pure io ‘sta roba, ma che è arte questa????.
Oggi parleremo di Lucio Fontana, e del motivo per il quale prendeva tele nuove di zecca e le bucava con il punteruolo, le incideva con il taglierino. Perché? Che significa? Ma è arte?
Passeggiate in un museo, tra le varie opere pittoriche. Tutto si esaurisce entro la superficie delle tele che osservate, è tutto contenuto al loro interno, vi si crea uno spazio a sé, che può essere un paesaggio, un ritratto, qualsiasi cosa riusciate ad immaginare di dipinto, appeso al muro. Fontana libera l’arte da questa prigione fatta di tela, la apre e crea fisicamente un nuovo spazio, una vera terza dimensione, realizzata semplicemente creando uno o più squarci – non giocando sulle regole della prospettiva del Brunelleschi. Non c’è finzione nel creare la luce, come si dovrebbe fare con un pennello per un’opera d’arte più tradizionale: la vera luce dell’ambiente che ospita l’opera, filtra attraverso lo squarcio, e si genera vera ombra, senza necessità di inventarsi il chiaroscuro. Il taglio piega il materiale, e si crea quella zona scura al centro che è la ferita della tela, oggetto che potremmo definire un feticcio dell’arte, maneggiato da tutti con cura meticolosa: Fontana viola la sua superficie, il contrario di quel maneggiare le opere con i guanti. Ma lo fa con un rispetto ed un’eleganza tali, che sublima quella che in realtà potremmo equiparare ad una violenza – ma più che un atto iracondo, si tratta di un gesto calibrato, fortemente pensato, persino metafisico.
Dove gli altri artisti agiscono per aggiunta di qualcosa sulla tela, dipingendo, disegnando, bagnando gli acquerelli, egli invece si muove per sottrazione: non fa nulla di nuovo, non aggiunge niente alla superficie, anzi sottrae dalla tabula rasa dell’arte visiva che egli ha creato, eppure uno squarcio così minimale, apre ad una dimensione infinita di vuoto e spazio, e concettualmente, è la progettazione di una dimensione altra. Spesso i Buchi sono inseriti in serie, creando delle geometrie particolari, dei ritmi sulla tela, che suggeriscono una forma, ma vanno oltre, proprio per la loro caratteristica di non essere dipinti, ma di essere fori reali sulla superficie. Così come i Tagli (Buchi e Tagli con la lettera maiuscola per differenziare le due divisioni delle celebri serie che realizza), che si ergono monumentali in solitudine, o in gruppi più ritmici e meno contemplativi, contro tele grezze o arricchite di materiali per impreziosire la superficie, sono strutture primarie elementari, minimali eppure fortemente eloquenti, esibendo in modo così essenziale la volontà di ricerca oltre i limiti reali dell’arte, che nel caso della pittura sono proprio i confini della tela. Fontana li elude, e non lo fa con un pennello, ma con un oggetto diverso, che perfora le sue opere. Le chiama tutte Concetti spaziali, perché non può né vuole definirli quadri – i quadri per lui sono finiti ,“il quadro non è più quadro”, diceva - e definirli oggetti ne impoveriva il valore, riducendoli ad un materialismo scevro di contenuti. Il fatto di Fontana è, al contrario, tutto mentale: ragiona sul nuovo spazio, e per questo genera i così definiti concetti, li rende visibili sottoforma di opera d’arte. E perché spaziali? Perché il concetto che espletano è proprio quello di un nuovo spazio, quello dello – accidenti se sono cacofonica oggi – Spazialismo, come lui lo definisce nel suo manifesto. Nel testo egli ribadisce la necessità di superare la pittura, la scultura, la poesia. E non c’è modo migliore di superare qualcosa scavalcandone i limiti, no? O, nel suo caso, tagliandoli, perforandoli. A suo avviso andavano aggiunti nuovi contenuti alle arti, tra cui quelli di spazio e tempo. E come inserire il vero spazio in una tela, senza farlo sembrare un’illusione? Così. È Fontana stesso a dichiarare di voler dare un’impressione di calma spaziale e rigore cosmico, di serenità nell’infinito, con le sue opere – e a mio avviso riesce, riesce perfettamente. Quello che posso suggerire allo spettatore dinanzi ad un Fontana, è di non limitarsi a guardare la tela, ma di avvicinarsi a guardare la straordinaria bellezza di quel gesto, l’ombra scura scaturita dal taglio, che inghiotte la luce reale e se la porta chissà dove, spesso frenata proprio da una garza nera posta sul retro. La definizione di Attese, che spesso accompagna il titolo di Concetto spaziale della serie dei Tagli, allude proprio a questo rilancio al futuro, ad una spazialità cosmica di oltre, che non possiamo far altro che attendere. Oppure possiamo leggerci un omaggio a Boccioni e ai suoi celebri e bellissimi Stati D’Animo – e non sarebbe sicuramente l’unica assonanza con il futurismo che si può rintracciare in Fontana. Trovo infine interessanti le associazioni possibili dei concetti spaziali, con l’universo di costellazioni e nebulose: un parallelismo affascinante, e dimostrativo che la ricerca della nuova dimensione sconfini inevitabilmente nella vastità e nella bellezza dell’universo a noi solo parzialmente conosciuto.
Concludo dicendo: non limitatevi a conoscere Fontana solo per i suoi lavori più celebri su tela. Egli lavora il rame, l’argilla, inizia da abile sculture e modellatore e prosegue per questa via nell’arco di tutta la vita, sperimentando nuovi materiali. È un artista che si comprende solo nella sua volontà di voler superare ogni confine preposto, in una ricerca a tutto tondo che passa anche, ma non solo, attraverso buchi e tagli della tela. A dimostrazione del suo studio della luce, crea una scultura al neon, luce pura, che brilla autonomamente librandosi nello spazio con un gesto calligrafico elegantissimo e rivoluzionario. Una delle copie autorizzate si trova al Museo del Novecento di Milano, e qui sotto te la ripropongo perché è davvero bellissima:
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