Sin música no hay revolución

"La música es un ejercicio de metafísica insconsciente, en la cual el espíritu no sabe que hace fiosofía"

[musicalucida]

Ignacio Gálvez: Cuando la música y la fotografía van de la mano

El fotógrafo chileno es uno de los más conocidos en el rubro musical. Por su lente han pasado tanto artistas nacionales como internacionales de reconocimiento mundial. Hoy con 35 años y con un libro fotográfico bajo el brazo, asegura que su fotografía es netamente intuición: un momento que lo llene de sensaciones, su cámara y un solo click.

Ignacio Gálvez / Foto: Paula Henríquez 

El amor por la fotografía para Ignacio Galvéz comenzó desde que era un niño. Siempre le llamó la atención las imágenes que su padre hacía con una cámara fotográfica, hasta que empezó a practicar y se dio cuenta que esto sería lo suyo.

Con el tiempo, decidió unir sus dos grandes pasiones en una: La fotografía y la música. Gálvez, que también es guitarrista en la banda punk/hardcore “562”, se declara amante de la música desde que era sólo un niño. Este arte es el que lo ha acompañado durante toda su vida y sin dudas, fue un factor fundamental para dedicar parte de su carrera como fotógrafo a la música.

  Behemoth / Ignacio Gálvez 

¿Qué te inspiró a dedicarte a la fotografía profesionalmente?

Mi principal inspiración fue el hecho de vivir de lo que me gusta, no quería trabajar en algo que me diera plata, mi objetivo siempre ha sido tener un trabajo que no se sienta como tal, disfrutar de lo que estás haciendo. Finalmente es mucho  más gratificante el hacer algo que te gusta que hacer algo por dinero, el dinero llega solo.

¿Qué fotógrafos influenciaron tu trabajo?

Ari Marcopolous, Annie Leibovitz y Glen E Friendman, principalmente por la manera de trabajar que tienen. Sus imágenes más que ser técnicamente correctas, tienen un sentido para mi, me muestra algo más que el hecho de hacer una foto que sea perfecta en cuanto a luz y otros parámetros técnicos. Tienen más esencia y alma, son mucho más punk.

Dave Navarro / Jane's Addiction / Ignacio Gálvez 

Gálvez, que lleva más de 15 años en la fotografía profesional, explica que su secreto al fotografiar es seguir su intuición, de hacer lo que le nazca en el momento preciso. Declara que nunca ha llegado a un lugar con la predisposición de hacer algo según ciertos manuales.  Su cámara, una reflex full frame, es la encargada de retratar tantas ocasiones como sea posible.

¿En qué piensa al escoger un momento para retratar?

Todo depende del lugar y el ambiente, creo que ahí es donde uno tiene cierta conexión con lo que está haciendo, algún momento que te conmueva de una u otra forma, que te cause alguna sensación.

En Julio del 2013, Ignacio Gálvez lanzó su primer libro al mercado. “Shoot It Yourself” que hace referencia a la filosofía “do it yourself” (hazlo tú mismo), ligada al punk -algo muy propio de Gálvez- contiene fotografías a distintos músicos en conciertos realizado en Chile, Sao Paulo y Los Angeles. Son 144 imágenes en blanco y negro que retratan momentos tanto en el escenario como en el backstage de bandas como Pearl Jam, Blur, Queens Of The Stone Age, Faith No More, entre otros.

¿De dónde nace esta idea de hacer un libro mostrando tu trabajo?

Nace por el hecho de querer compartir mi trabajo con el resto. En el momento en que lo pensé, no me preocupé si las fotos estaban perfectamente tomadas o nada parecido, era más que nada que la gente que estuvo en esos momentos pudiera revivir las sensaciones de lo que vivieron.

A lo largo de tu carrera has tenido la posibilidad de retratar a grandes músicos, ¿cuáles han sido los más fáciles y los más difíciles de fotografiar?

Es súper difícil responder esto, la verdad es que nunca lo había pensado. No sé si recuerdo algún músico particularmente difícil para fotografiar. Creo que cuando hacer algo que te gusta y te apasiona, las dificultades se vuelven muy bajas. Tengo recuerdos de bandas que siempre quise retratar y shows de los que disfruto mucho, soy un amante de la música.

¿Alguna anécdota que te haya pasado mientras realizabas tu trabajo?

Creo que una de las cosas que nunca pensé que haría sería firmar un libro a algún músico conocido. Recuerdo haber entrevistado a Fred Durst (vocalista de Limp Bizkit) y le mostré mi libro. Inmediatamente me dijo que le encantaba y que donde lo podía comprar, le regalé esa copia y me pidió que se la autografiara. Fue algo súper extraño para mi ver que alguien que está acostumbrado a firmar cosas, te pida que le firmes algo jaja.

Limp Bizkit / Ignacio Gálvez 

¿Qué opinas sobre el estado de la fotografía en Chile?

En algunos ambientes está subvalorado, es un arte como cualquier otra cosa y debe ser considerado como tal. No hay cultura, el hecho que todo el mundo crea que debes regalar tus fotos lo demuestra.

Uno de los temas más debatidos en el último tiempo ha sido el proyecto de ley que obliga a las radios a programar un 20% de música chilena al día. Tú como músico y como fotógrafo del medio, ¿Qué opinión tienes sobre el tema?

De partida creo que un 20% es poco. Es desarrollo cultural de un país o sociedad se demuestra en el respeto y consumo que hay en su arte local, ya sea en libros, música, pinturas, teatro, etc. Falta valorar lo que se hace localmente, que muchas veces es igual o mejor de lo que viene del extranjero.

¿Qué consejo le darías a las personas que recién están comenzando en la fotografía?

No sé si es sólo para los que comienzan en la fotografía, lo tomo más como experiencia personal y para cualquier área. Hagan lo que hagan tienen que saber que lo hacen del alma, ser honestos. Y lo principal, ser perseverantes y luchar por sus sueños.

Queens Of The Stone Age / Ignacio Gálvez / Lollapalooza Chile 2013 

The Hives / Ignacio Gálvez / Lollapalooza Chile 2013 

Escrito por Luz Venegas 

[musicalucida]

¿Quién dijo que los fotógrafos no tienen pega?

Seguro has escuchado alguna vez cómo cuestionan a quién quiere ser fotógrafo: ¿para qué serlo?, ¿para matarte de hambre?, ¿qué aporte entregas tomando fotos? Pero, aún así, existen personas que siguen adelante y cumplen su objetivo. Lo unen con más arte, con el arte de la música.

Esa gota de sudor que cae por su rostro mientras toma el micrófono y sigue cantando. Los vitoreos del público probablemente le dan fuerzas para envolver a todo el público con ritmo, armonía, sentimiento. Es el músico haciendo de las suyas.

Esa imagen que los fanáticos ven, esa imagen es rescatada para que perdure por siempre, esa es la labor del que todo muestra pero que nadie ve. Ése es el rol del fotógrafo.

En la mente colectiva de las personas suelen haber imágenes que es imposible no reconocer. Steve McCurry con su foto de “La niña afgana”, que fue portada del National Geographic; “La tentación vive arriba”, con Marilyn Monroe con su vestido blanco al viento, de Billy Wilder; o bien, la famosísima carátula del álbum “Abbey Road” de “The Beatles”, fotografiada por Iain McMillan; todas son íconos de la historia mundial.

  The Beatles / Iain McMillan 

Este último fotógrafo escocés era amigo de la artista Yoko Ono y, por esa razón, conoció a la banda “The Beatles”. Esta fue quizás la mejor oportunidad que Iain McMillan pudo tener en su carrera como fotógrafo, porque la carátula del penúltimo álbum de “The Beatles” sirvió de inspiración para una gran cantidad de personas que seguían la banda, pero también para los fotógrafos musicales posteriores.

No son solo imágenes para carátulas lo que tienen que retratar los fotógrafos que se desempeñan en el área de la música. Existe una amplia gama de opciones luego de reducir el campo de la fotografía al ámbito musical.

Los conciertos. Hacer sentir al espectador las emociones de la banda musical al interpretar una canción es uno de los objetivos de los fotógrafos actuales. Retratar la euforia del público mientras tiene a su artista en frente es otro de los objetivos. Para esto, en la actualidad existen tantos fotógrafos como bandas o solistas musicales hay. La imagen y la producción de ella es lo principal para poder vender un buen show. Cada banda tiene su propio fotógrafo de conciertos, pero, además existen los que trabajan con festivales musicales.

Es el caso del chileno Ignacio Gálvez, que ha retratado a bandas como Pearl Jam, The Hives y Mike Patton, entre otros, en distintos festivales tanto en Chile, Brasil como también en Estados Unidos. El fotógrafo chileno el año pasado lanzó su libro “Shoot it Yourself”, con el cual está ahora expandiendo su carrera internacionalmente.

Con todo esto de las redes sociales, también existen páginas donde se suben las fotografías del concierto para que la persona pueda ingresar y reencontrarse con los mejores momentos del show, e incluso, con fotografías de ellos mismos.

El backstage. El detrás de escenas. Para poder realizar este trabajo, los fotógrafos deben permanecer con la banda más allá del concierto, porque de esa forma, puede lograr mostrarle a los espectadores de qué forma son los músicos, cómo viven, qué comen, cuáles son sus costumbres. Todo lo que un fan quisiera saber.

Para este punto existe más de algún referente que logró marcar un hito en la fotografía musical. Harry Benson es uno de ellos. Cuando “The Beatles” recién se estaban iniciando en la música, el fotógrafo los retrató haciendo una guerra de almohadas arriba de una cama. También, coincidiendo con la polémica de Michael Jackson y los niños, él lo retrató corriendo con ellos por una pradera. 

Michael Jackson / Harry Benson 

Otro ejemplo es Bob Gruen, amigo de John Lennon y que fotografió bandas como Kiss o Led Zeppelin, cuando no eran tan conocidos, debajo de la avioneta alquilada que los transportaba. Estos ejemplos son símiles al tiempo actual.

Fotografías promocionales. Estas fotografías se caracterizan por mostrar las “caras bonitas” de los artistas, en sus mejores poses y en los lugares adecuados para la ensoñación que quieren mostrar.

La carátula de “Abbey Road”, a pesar de haber sido una sesión de fotos que duró 10 minutos para 6 fotos, es un claro ejemplo. Existen infinidades. Cada banda o solista tiene fotografías que se utilizan para colocarlas en posters o en afiches promocionales de conciertos. Desde las bandas de metal, hasta las románticas tienen este tipo de fotografías de estudio.

La sociedad tiende a mirar en menos el trabajo de la fotografía, pero si éste se extrapola a la vida cotidiana, se puede observar en qué medida la fotografía es o no importante. En el contexto del mercado actual, la fotografía pareciera ser insignificante, pero es la que se encarga de vender la materia prima. Los músicos son la materia prima en este caso, si no tienen una buena imagen y una buena producción de la misma, lo evidente es que no vendan lo suficiente.

La demanda de fotógrafos es más amplia de lo que parece.  No solo en la música se necesitan captadores de sensaciones y momentos, sino que en todo ámbito de la vida.

A pesar de las nuevas tecnologías y la sensación de que cualquier persona que tenga una cámara puede retratar los momentos, los fotógrafos son los especialistas en esta área. Ellos son los encargados de llevar las emociones a una imagen.

La fotografía está más viva que nunca. Y si así es, ¿cabría una posibilidad de que el fotógrafo no tenga fotos que tomar?

Escrito por Jessica Vera 

[musicalucida]

LA MÚSICA: EL LENGUAJE DEL ALMA

La música es el arte más completo que existe. Va más allá de la musicalidad en sí, es un conjunto de emociones que se expresan a través del sonido, la letra y la interpretación. La música tiene ese poder de transformar todo lo que está a su alrededor y transportarte a otro mundo, a un imaginario en donde todo parece está mejor, un nivel superior sobre sentir, un vivir.

Pero cuando la música se muestra en vivo, llámese conciertos o shows ya sea de bandas o de solistas, va más allá de la calidad de sonido. Los músicos necesitan tener esa interacción con su público, a lo que los lleva a tener una preparación total: la música, a pesar de que siempre estará en primer plano, aquí es la imagen la que toma un rol importantísimo.

La gracia de los shows en vivo, es que tanto la música como la imagen van acompañadas en un mismo pack. Las luces, el humo, efectos pirotécnicos, etc. Cada elemento cuenta en la suma total. Un show redondo tiene cada uno de los elementos ya mencionados, sumándole la calidad de los músicos en escena.

Paul McCartney / Javier Valenzuela / Movistar Arena, Chile 2014 

Es aquí, donde la fotografía entra en acción. La fotografía en la música cumple un rol sustancial: retratar en imágenes todo lo que está sucediendo.

Si bien, la fotografía en todas sus áreas cumple esa misión, es en la música donde encuentra su mayor expresión. Una foto tomada en un concierto debe transmitir algo que va más allá de una persona tocando algún instrumento, debe transmitir pasión, sentimiento, vida.

Su mayor logro es que debe transmitir la música de manera muda, sin ningún sonido, pero representarlo como si éste estuviera allí en todo momento.

Public Enemy / Ignacio Gálvez 

La fotografía en el ámbito musical, aparte de transmitir los sonidos a través de las imágenes, también juega otro rol: La publicidad. El mundo de la música necesita vender, comercializarse, y es allí donde nuevamente estos artes se vuelven a encontrar y se ayudan entre sí como verdaderos hermanos.

A través de los años, la imagen en la música se ha transformado en una de las cosas más importantes en el aspecto comercial. Una cara bonita va a vender más, sobre todo si hay un talento de por medio. Lamentablemente, el mercado al tratar de buscar ese tipo de categorías, a veces pierde el rumbo en cuanto a la calidad musical de los artistas. Como el negocio es predominante, y las lucas son las que hacen girar al mundo, la música pasa a un segundo plano. Pero definitivamente ese es un ámbito en el cual no entraremos en detalle.

La historia del rock –en particular- siempre ha ido de la mano con la fotografía. Los primeros exponentes de este estilo musical no solo demostraban con creces el talento que sostenían, sino que también a través de su imagen mostraban y marcaban un estilo en particular el cual querían proyectar, aspecto que transformó este arte y el cual terminó marcando generaciones a través de los años.

En una sola foto se puede retratar realidad, contar historias que nunca antes fueron narradas, tomarlas y exponerlas al mundo. Grandes fotógrafos como Harry Benson, quien trabajó con The Beatles, o el mismo Alfred Wertheimer, que fue el encargado de retratar a un –hasta entonces desconocido- Elvis Presley, tuvieron la genialidad de irrumpir en la vida privada de los artistas y mostrarlos tal cual eran detrás de los escenarios, cuando el mundo no tiene los ojos puestos en ellos.

Elvis Presley /  Alfred Wertheimer

Quién sino el fotógrafo logra acercar a los fanáticos a sus artistas y tiene la capacidad de mostrarlos en la cotidianidad, más allá de la puesta en escena, pero, claro, sin restarle importancia a esa puesta en escena.

La masividad es una de las grandes características de un buen concierto de música. El artista puede ver cómo la fanaticada lucha por encontrar un puesto más cercano al escenario, poder conseguir una mirada o una gota de sudor del susodicho, el público quiere conseguirlo todo. Es cosa de navegar por las redes sociales de Internet para encontrar millones de videos y fotografías que intentaron captar dentro del caos. Es en ese momento cuando todos se preguntan dónde está ese ser invisible, dónde está el fotógrafo.

Bruce Springsteen /  Javier Valenzuela / Movistar Arena, Chile 2013 

Kaiser Chiefs / Ignacio Gálvez / Lollapalooza Chile 2013 

Es así donde estas dos formas artísticas se entrelazan para ser una sola. La música depende de la fotografía, y es en estás ocasiones donde la fotografía es la que depende de la música también. Ambas tratan de llegar a un espectador ávido de cultura, que busca emocionarse, que busca hallarse a sí mismo, y que encuentra en algunas melodías o en unas imágenes lo que tanto andaba buscando: un motivo para adentrarse en el interior de su alma.

Escrito por Luz Venegas

[musicalucida]

Harry Benson. El hombre que inmortaliza las sutilezas de la cotidineaidad de las celebridades

"Yo conocía a los Beatles,pero no me interesaba seguir a un grupo de rock, pues me tenía por un fotoperiodista serio". Eso pensó Harry Benson el 14 de enero de 1964 The Daily Express le encargó que viajara a París con el cuarteto inglés, donde tomaría la icónica foto “guerra de almohadas”.

Harry Benson es un fotógrafo escocés nacido en 1967. Es reconocido por captar simbólicos momentos y personajes del siglo XX, como a Martin Luther King Junior y a todos los presidentes de E.E.U.U. como Dwight D. Eisenhower. En el mundo de la música ha destacado por fotografiar a sus íconos en actividades que develan sus caracteres en las situaciones más simples y cotidianas. La guerra de “almohadas de los Beatles” es un ejemplo de ello, o también, los diversos retratos a célebres personajes como Michael Jackson, Dolly Parton, James Brown y  Bárbara Streisand.

En su vasta trayectoria destacan trabajos que abordan desde temas políticos y sociales, como las imágenes captadas in situ en plena guerra del Golfo, en Bosnia e Irak, hasta de espectáculo. Ha trabajado en medios como Life, Vanity Fair, The London Sunday Times Magazine y ha publicado más de 100 portadas para la revista People. Ha sido galardonado por diversos premios como un Lifetime Achievement Award, en los Premios de Fotografía de prensa de Escocia, del año 2006.

El trabajo de Benson no sólo destaca por el dominio de su técnica, sino por la cercanía que se expresa en ellos, sobretodo en sus retratos a celebridades, dotados de intimidad, pero jamás exponiendo aspectos negativos de sus modelos. En una entrevista publicada en taringa.net el fotógrafo expresa “muy pocas fotos han servido para desacreditar a nadie. No me salgo de mi camino para herir al prójimo”

“Guerra de Almohadas” / Harry Benson, 1964

La “beatlemanía” que lo llevó a la fama

Los inicios de la carrera de Benson fueron en las calles londinenses, en la industria de la prensa británica, y fue cuando trabajaba en The Daily Express en 1964 donde su camino se volcó a otras direcciones; en vez de abordar un avión a África para ilustrar un reportaje se le envió a Francia, a fotografiar a los Beatles, quienes iban a actuar durante varias semanas en el teatro Olimpia, en Paris.

La emblemática sesión ocurrió a las 3 de la mañana en un cuarto del Hotel George V, después de que dieran un concierto en el teatro Olimpia; “tenían tanta energía acumulada después de su actuación, y no podían salir porque serían acosados”, relata Benson. En ese mismo momento su manager, Brian Eipstein, les avisó que I wanna hold your hand fue número uno en ventas de Estados Unidos, por tanto debían viajar a dicho país. Así fue como Harry Benson les sugirió que celebraran con una pelea de almohadas similar a la que habían tenido algunas noches anteriores.

"Al principio no parecieron entusiasmados; John dijo que les haría parecer infantiles y, acto seguido, golpeó a Paul en la nuca con la almohada derramando su bebida. Aquello fue el desencadenante.No les di ninguna indicación. Todo fue alegría pura y espontánea, captada a la perfección", relata el fotógrafo. De esta sesión, la fotografía expuesta más arriba es su favorita, según expresa en el documental Harry Benson: 60 years in Photographs, “se ve posada, pero no lo es, sólo sucedió, hay tantas cosas pasando simultáneamente ¡y funciona!”.

Para Benson sus fotografías son documentos históricos que retratan épocas determinadas, inmortalizan momentos simbólicos e íconos de ese periodo, y la sesión de “Guerra de almohadas” al cuarteto inglés no son la excepción. "Estas fotografías recogen una época muy feliz, tanto para ellos como para mí. Al final, de lo que se trataba era de la música, y ellos fueron sin duda la mejor banda del siglo XX; por eso son tan importantes estas fotos", relata el fotógrafo en su libro The Beatles on the road 1964-1966.

  Fotografías emblemáticas en el mundo de la música

Una característica de Harry Benson es que parece que siempre se encuentra en el lugar correcto, o mejor dicho, que hace click en el momento adecuado. Él sabe moverse con soltura en distintos tipos de situaciones, en escenarios frenéticos o relajados, con diferentes tipos de personalidades. Las fotografías tomadas a The Who, a Barbra Streisand, Michael Jackson y Dolly Parton son un ejemplo de esto.  

En 1967 Barbra Streisand se encontraba dando un recital en Central Park, Nueva York. Allí es cuando Benson posa su lente y capta una imagen que pareciera ser una foto situación común. Sin embargo, al observar el encuadre, el policía en primer plano y desenfocado que observa a la cantante, haciéndola el centro de atención. El resultado que Benson consiguió fue un híbrido entre situación y retrato donde una joven Streisand muestra todo su esplendor.

 Barbra Streisand in Central Park / Harry Benson/ 1967

El año 1976 el fotógrafo se reunió con la artista Dolly Parton. “Ella se estaba preparando para que la fotografiara” recuerda, entonces al ver su contraste  iluminado por una luz de ventana, ella frente al espejo maquillándose, Benson le pidió que no se moviera “Era una imagen totalmente natural, sin luces se establecieron, sin embargo, fue la que más me gustó de ese día", relata el fotógrafo.

Otro trabajo interesante realizado por este fotógrafo fueron las imágenes captadas de Michael Jackson en Neverland, un rancho de su propiedad, entre los años 1993 y 1997. En esas fotografías se veía a un rey del Pop despreocupado, en un papel totalmente íntimo, en su vida cotidiana. Incluso leía el periódico y se mantenía informado de la actualidad, “una vez me preguntó que pensaba de los Reagan, que estaban en la casa blanca en ese momento”, dice Benson.

  Dolly Parton/ Harry Benson 1976

En un escenario distinto, en medio de un concierto en Vancouver (1980), Harry Benson captó una escena que ratificó su habilidad de poner el lente en el momento correcto. Esta fotografía fue realizada a la banda The Who. Durante un momento frenético en pleno show, tras bambalinas Benson apunta con su cámara a Pete Townshend saltando, con un haz de luz sobre él, un público extasiado y levemente desenfocado, excepto un joven a la derecha que dirige mirada hacia el guitarrista, generando una composición impecable.

The Who in Vancouver/ Harry Benson 1980

Escrito por Constanza Salazar 

[musicalucida]

Tratamiento noticioso fotográfico: 20% de música chilena en las radios

Desde que en 2009 se presentó en el Congreso el proyecto de ley que obliga a las radioemisoras chilenas a transmitir 20% de música chilena en su programa, diversas opiniones se han generado en torno al tema.

Los medios de comunicación por tu parte, como informantes y generadores de opinión, han marcado también su línea editorial en favor o en contra del asunto, moldeando de formas determinadas el contenido audiovisual, y en este caso que nos interesa, el tratamiento fotográficos de los contenidos generados.

Para fines de ver estos diferentes filtros con los que nos es presentada la información, analizaremos el tratamiento fotográfico que han hecho dos medios al respecto en los últimos tres meses, analizando un total de cuatro noticias y columnas presentes en cada medio. Se trata del diario La Tercera en su formato web, y el medio electrónico especializado en música Paniko.

En los últimos meses las noticias que han generado ambos medios en torno a las polémicas causadas por este proyecto de ley han tenido un tratamiento fotográfico bastante mediocre, utilizando fotografías pequeñas que ilustran el tema de la música, sin evidenciar el conflicto, es decir, las fotos son utilizadas como elemento prescindible dentro de la construcción del contenido.

En el caso del medio especializado en música Paniko, las fotografías que priman en el caso de las columnas son de los entrevistados y columnistas que hablan al respecto. Las fotos se remiten a retratos de ellos, la mayoría en primer plano y en color, en formato pequeño, tipo avatar.

De esta forma vemos que es presentado al espectador un soporte y un acompañamiento a la imagen de autoridad que expresa su opinión autorizada al respecto.

En cuanto a las noticias, se utilizan fotografías alusivas a la música, por ejemplo, la foto de un concierto lleno de luces y la fotografía del cantante nacional Nano Stern, además de tres fotografías en blanco y negro, de estilo vintage que brindan un apoyo visual y de contexto a la noticia.

Sucede en este medio que las fotografías no se explican por si mismas ni son posibles de entender si no es leyendo previamente el texto.

Con respecto al medio web del diario La Tercera, el tratamiento noticioso es bastante más precario. La columna no trae ninguna foto complementaria al texto. Y en el caso de las noticias, en una se utiliza una foto de la sala de reunión en la que se encontró la Ministra de Cultura que se pronunció con respecto a la medida, por lo que la foto cumple un rol de contextualización y acompañamiento al contenido vertido en el texto.

En otra de las noticias tampoco hay acompañamiento del texto con fotografías, y en la tercera, la única fotografía es de dos hombres sosteniendo instrumentos musicales. Ellos no son identificados en la foto ni en el texto, pero se presume que con músicos.

La foto nuevamente y al igual que en el otro medio analizado, no se explica por sí sola, y podríamos aventurarnos a decir que tampoco es complementaria al texto de forma clara, por el mismo hecho de no tener identificados a los personajes y estos encontrarse en posición relajada y sonriente frente a la cámara.

A modo de conclusión podemos decir que en ambos casos el tratamiento fotográfico no ha sido consciente y realmente valioso para la configuración visual del contenido noticioso expresado en las noticias y columnas analizadas. Pudo haberse utilizado el tratamiento fotográfico de forma más congruente e ilustrativa del contenido, volviéndola accesible al lector y autónoma en cuanto al significado e información que transmite.

(fuente: Paniko.cl)

[musicalucida]

Sergio Larraín. Retrospectiva.

El Museo Nacional de Bellas Artes presentó entre el 27 de marzo y 15 de julio la exposición “Retrospectiva” del fotógrafo chileno Sergio Larrain. Muestra contó con 175 imágenes recogidas en distintos viajes del autor por Chile y el mundo.

La colección comprendía una selección de 11 dibujos, 7 satoris y 157 fotografías que fueron ampliadas de los negativos originales basados en las copias autorizadas del autor. La muestra es parte de un recorrido mundial que comenzó en Francia en julio de 2013.

Retrospectiva es una sobria presentación del vasto trabajo fotográfico de Sergio Larraín, fotos en blanco y negro seccionadas por país donde fueron tomadas conforman la muestra que se presenta en la sala Sergio Contardo del MNBA.

La curadora de la exposición, Agnes Sire, quien estuviera vinculada al fotógrafo desde los ’80 puso énfasis en dar cuenta del desarrollo evolutivo de la fotografía de Larraín a lo largo de sus viajes por el mundo, lográndolo de forma sólida, la exposición introduce y conduce al espectador de forma fluida y sutil.

En cuanto a la fotografía de Larraín, su obra en general comprende el impecable y decisivo retrato sociológico y demográfico de la identidad latinoamerica, acucioso de los pequeños detalles, expresiones y texturas propios de cada lugar y personaje fotografiado.

La atención se encuentra en aquellos elementos de uso común y cotidiano, herramientas de trabajo, plazas públicas, calles llenas de perros sucios y pastelones quebrados, niños con manos en la boca, y viejos señores fumando un cigarro mojado.

El retrato que hace Larraín del puerto de Valparaíso por ejemplo, es potente y claro, además de los clichés propios de la ciudad porteña la técnica fotográfica es lo que coloca a Larraín en un sitial elevado de la fotografía chilena. Impecables diagonales, multiplicidad de planos, perspectivas vertiginosas y fotografías en alto contraste donde el claro/oscuro aporta un dramatismo sentencioso a las escenas retratadas.

El llamado es a los amantes, estudiosos y curiosos de la fotografía a visitar la exposición, que por cierto se presenta de forma autónoma ante el espectador, antes del quince de julio y aprender de éste, el maestro Carlos Larraín.

Escrito por Macarena Burrell 

[musicalucida]

Puro Chile. Revisión de la representación del paisaje y territorio patrio

En el Centro Cultural del Palacio la Moneda se presenta durante esta temporada la exhibición “Puro Chile”, un recorrido por las diferentes expresiones artísticas y documentaciones que ha tenido la representación de nuestra identidad como chilenos a lo largo de la historia de nuestro país.

La muestra está instalada en los tres salones principales del Centro Cultural de la Moneda, una sección referida a la construcción del paisaje, otra a la ocupación del territorio nacional por parte de sus ciudadanos, y una tercera que comprendía además, en el hall central se encuentra una instalación en letras rojas de neón con un mensaje del explorador irlandés Charles Shackleton en el llamado que hiciera a voluntarios a integrarse a su pionera expedición a la Antártica en 1914.

La muestra comprende en total 3600 pinturas, documentos, fotografías, y diverso material testimonial  - en soportes que van desde la tela a la proyección holográfica-  las distintas visiones que han tenido artistas y estudiosos de la historia de Chile.

Se trata de una puesta en escena que da cuenta de una intención interesante y arriesgada, esto por permitirse representar puntos de vista muy variados, y en ocasiones, contrarios a la visión gubernamental, es el caso de la documentación fotográfica de protestas sociales y una serie de instalaciones y obras que dan cuenta de una fuerte crítica a la cara  visible de nuestra sociedad instaurada por las voces oficiales de gobierno.

Destaco la obra “Palacio en llamas” que con técnicas mixtas representa sobre una tela un Palacio de Gobierno incendiándose. Con impecable prolijidad Carlos Bogni retrata la Moneda ardiente -símbolo máximo de la autoridad y el orden de la nación- en que las llamas en vez de atentar contra su estructura parecieran más bien otorgarle un carácter de infernal omnipotencia.

Otra obra digna de mencionar es “Bandera con mediagua”, obra de Voluspa Jarpa que en una bandera chilena pinta en óleo una mediagua pixelada.

¿Irónico?

Se trata de una interesante apuesta, potente en contenido y en referencia, ya que pareciera ser una reivindicación a aquellas representaciones del imaginario colectivo que se encuentran continuamente silenciadas por la voz oficial y que en esta ocasión y precisamente bajo su amparo salen a la luz como documentación, protesta y llamado de atención.

El imaginario de todos ya no es posible de representar por unos pocos.

Escrito por Macarena Burrell