Pintoras, escultoras y diseñadoras

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Margot Abraham (1902-1942) pintora polaca.

Nació en Breslau.

Pintora especializada en acuarela, creó principalmente paisajes y retratos atmosféricos. En la década de 1930, fue miembro del Kulturkreis, fundado por artistas y arquitectos judíos. Durante la Segunda Guerra Mundial, impartió clases particulares de dibujo. Tras la guerra, solo se conservan algunos vestigios de su obra.

Entre los nombres de artistas judías de Breslau, Margot Abraham figura con frecuencia. Nacida en 1902, representó a la generación más joven, que inició su carrera a mediados de la década de 1920. Abraham fue una pintora que utilizó principalmente acuarelas. También trabajó con textiles, pintando sobre todo retratos de mujeres, paisajes y flores. Presentó este repertorio en la exposición de artistas judíos en Lessing Lodge en 1925. También expuso en la exposición de verano de 1926 en Szczytnicki Park, así como en la exposición Juryfreien en 1927. En la década de 1930, fue miembro del Kulturkreis (Sociedad Cultural), fundada por artistas y arquitectos judíos. Su propósito era proteger y apoyar a los artistas judíos de Breslau, a quienes las autoridades alemanas les prohibían participar en exposiciones, así como presentar y vender sus obras fuera de los círculos judíos.

En 1935, Abraham participó en una memorable exposición de artistas judíos en Berlín, donde mostró su pintura "Mujer joven con un gato". Su última presentación de obra tuvo lugar en 1937 en una exposición de artistas judíos de Breslavia en Berlín, donde, además de la pintura mencionada, también se exhibieron sus paisajes y bodegones, principalmente acuarelas. Según una reseña de su colega de Breslavia, Isidor Aschheim, sus delicados bocetos de cabezas eran especialmente apreciados, y se dice que sus últimas obras mostraban un deseo de explorar la pintura al óleo. La escasez de información biográfica sobre esta artista hace imposible establecer detalles precisos sobre ella, como si asistió a la Academia de Breslavia. La última información sobre su presencia en la ciudad proviene de los registros de la Oficina de Impuestos relativos a la confiscación nazi de propiedades judías en 1942. Su última dirección registrada fue Zimmerstrasse 4-7 (actualmente calle Joachima Lelewela), donde alquilaba un apartamento. Era soltera. Su última ocupación figuraba como profesora particular de arte, y entre los objetos de valor que dejó en el apartamento se encontraban 20 acuarelas pintadas por ella misma. El formulario completo fue rellenado y firmado por la artista el 6 de abril de 1942. Una semana después, fue deportada al gueto de tránsito de Izbica. Fue exterminada poco después.

Jugend (que significa «Juventud» en alemán) (1896-1940) fue una influyente revista de arte alemana. Fundada en Múnich por Georg Hirth, quien la dirigió hasta su muerte en 1916, la revista semanal tenía como objetivo original dar a conocer las artes y oficios alemanes, pero se hizo famosa por exhibir la versión alemana del Art Nouveau. También fue reconocida por sus «portadas sorprendentemente brillantes y su tono editorial radical», así como por su influencia vanguardista en las artes y la cultura alemanas durante décadas, dando origen al movimiento homónimo Jugendstil («Estilo Juvenil») en Múnich, Weimar y la colonia de artistas de Darmstadt.

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Eleanor Norcross, Ella Augusta " Eleanor " Norcross (1854-1923) pintora estadounidense.

Nació en Fitchburg, Massachusetts, a unos 80 km al oeste de Boston, hija de Amasa Norcross y Susan Augusta Norcross. Su padre fue abogado, primer alcalde de Fitchburg, senador estatal y representante de los Estados Unidos. Su madre, Susan, había sido maestra de escuela en el área de Fitchburg y durante la Guerra Civil fue líder de la Ladies' Soldiers Aid Society , que proporcionaba ropa, mantas y otros suministros a los soldados de Fitchburg y otros lugares del estado de Massachusetts. En 1863, su hermano Nelson, de tres años, murió de escarlatina, y cuando ella tenía 14 años, su madre murió de tuberculosis. Norcross y su padre, los demás miembros de la familia, tenían una relación cercana.

Recibió una educación privilegiada que no estaba al alcance de muchas jóvenes de su generación. A los 16 años, se graduó de la escuela secundaria de Fitchburg, y, a partir de 1870, asistió al Seminario Femenino de Wheaton, ahora Wheaton College. Cuando tenía 16 y 17 años, escribió ensayos para Rushlight, la revista literaria de la escuela. La naturaleza de sus ensayos ofrece una visión de la mujer en la que se convertiría: una que se desenvolvería con éxito en una sociedad orientada hacia los hombres, tenía interés en mejorar la situación de los demás y apreciaba las cosas históricas. Se graduó en 1872. Frances Vose Emerson fue compañera de clase en Wheaton, buena amiga desde la infancia y, finalmente, fideicomisaria del Museo de Arte de Fitchburg.

Estudió en la Massachusetts Normal Art School de Boston, para prepararse para enseñar arte. Viviendo en Fitchburg, viajaba en tren a la escuela en Boston. Obtuvo su certificado de enseñanza en 1876 [ñy enseñó dibujo en las escuelas de Fitchburg durante un año. Se mudó con su padre a Washington cuando fue elegido para la Cámara de Representantes. Una "conversadora ingeniosa y animada", actuó como su anfitriona en la capital y a partir de 1878, estudió arte en la ciudad de Nueva York con William Merritt Chase en la Art Students League de Nueva York durante hasta cinco años. En junio de 1883, zarpó hacia París para estudiar con Alfred Stevens por sugerencia de Chase. Ella y algunas otras mujeres estudiaron con el artista belga durante los inviernos de 1883 y 1884.

Su padre le proporcionó apoyo financiero que le permitió vivir cómodamente. Exhibió sus obras en salones, de acuerdo con el pacto con su padre de que no vendería ninguna; él creía que las mujeres debían regalar sus obras y no entrar en el mundo empresarial dominado por los hombres. Cualquier cuadro que ella quisiera regalar, el Sr. Norcross se ofreció a enmarcarlo con elegancia.

Ella vivió en París durante 40 años y viajó por toda Europa. Su padre vivió con ella durante los inviernos después de su jubilación y hasta 1898, cuando falleció. Junto con su hija, Amasa Norcross pasaba los veranos en Fitchburg.

Pintó retratos y bodegones, y realizó copias de maestros antiguos. Sus retratos y, posteriormente, sus interiores fueron ejecutados con «pinceladas delicadas». Poseía un agudo sentido del color y la capacidad de representar reflejos y texturas, como el brillo del metal, el lustre del satén y la textura del terciopelo. Las composiciones de sus interiores están dispuestas de tal manera que llevan al espectador a considerar qué podría haber al otro lado de una puerta o a la vuelta de una esquina, como en Carpeaux Sèvres.

Expuso desde 1887 hasta su muerte en la Société Nationale des Beaux-Arts de Champ de Mars, lo cual fue posible gracias a su estrecha amistad con Puvis de Chavannes . Sus obras también se exhibieron en Boston y Nueva York. Expuso su obra en el Palacio de Bellas Artes en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, Illinois.

Norcross compartió un estudio con Alix d'Anethan, cuyas pinturas, influenciadas por Puvis, eran de temática pastoral y de la vida contemporánea.

Comenzó a coleccionar obras de arte históricas europeas, en particular para exhibirlas en lugares públicos de su ciudad natal o sus alrededores. Después de 1905, hizo copias de pinturas de grandes artistas, como Hals , Velázquez y Botticelli . Casi al mismo tiempo, comenzó a pintar arte decorativo francés, desde el arte gótico del siglo XII hasta el siglo XIX, que veía en galerías, incluyendo escenas de interiores del Louvre.

Los interiores de Norcross proporcionaron una visión de las artes decorativas europeas.

El Museo de Artes Decorativas de 1914 (en el Louvre ) iba a exhibir sus obras, pero la muestra se canceló debido al inicio de la Primera Guerra Mundial.

Era conocida por su hospitalidad hacia los estudiantes de arte de Estados Unidos y vivió en la Rue de Bellchase los últimos 12 años de su vida.

Norcross murió de insuficiencia renal, no si haber dejado antes un museo con sus obras de arte, propias y compradas, aunque desgraciadamente la mayor parte de la colección y el edificio fueron destruidos en un incendio en 1934.

Le ponemos cara.

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Éléonore Escallier (1827-1888) pintora y ceramista francesa.

Nació en Poligny, Poligny, Francia.

Hija de padre terrateniente y madre independiente, Éléonore Légerot se casó con el comerciante Pierre-Joseph-Augustin Escallier en 1846. Estudió en Dijon con el pintor y ceramista Jules-Claude Ziegler (1804-1856) y debutó en el Salón de 1857 con las piezas Le Vase de fleurs y Les Iris. Hasta 1880 expuso regularmente naturalezas muertas de flores, frutas (Pêches et pasas del Jura en 1872) y animales (Un faisan en 1864), una figura (La Jeune fille au poisson en 1865) y paneles decorativos (L'Étang y Le Jardin en 1861).

En 1858 solicitó el puesto de directora de una escuela de dibujo para mujeres que la Société des Amis des Arts de Dijon planeaba abrir. Posteriormente, impartió clases de pintura floral y decoración en la Escuela Imperial para señoritas. Su hija Marguerite (1854-1945), también alumna suya, comenzó a exponer en el Salón en 1877.

En 1860, E. Escallier ganó una medalla de plata en la Exposición de Troyes. En 1862 fue invitada a exponer en el Salón de los Amigos de las Artes de Besançon y en 1869 en el Salón de los Amigos de las Artes de Burdeos. Si bien se especializó principalmente en flores y frutas, también pintó varios retratos por aquella época (Portrait de Marie Feuvrier à vingt-quatre ans y Portrait of Madame Dugné, née Paffeney, à vingt ans, Musée des Beaux-Arts, Dole).

Durante la década de 1860 y principios de la de 1870, trabajó en el taller de cerámica decorativa de Théodore Deck (1823-1891). Inspirada por las artes decorativas japonesas, las obras que presentó en la Exposición Universal de 1867 en nombre de la manufactura Deck fueron adquiridas por el Museo de Artes Decorativas de París y el Museo de South Kensington (actualmente Museo Victoria y Alberto) de Londres. Su exquisito plato de cerámica «Perroquet sur une branche de cerisier» (1871) es un ejemplo destacado de esta colaboración.

La vida de E. Escallier estuvo marcada por su afán de reconocimiento y su deseo de ganarse la vida con su arte.

En 1863 expuso un autorretrato en el Salón. En él se representa a sí misma trabajando, pintando un jarrón y rodeada de flores. En 1865 y 1866, escribió al conde van Nieuwerkerke, intendente del departamento de bellas artes de la Casa Imperial, para solicitar el reconocimiento formal de su obra y adquisiciones que le permitieran mantenerse: «Cada año, a pesar de esperar un éxito que se hace demasiado largo, lucho contra el desaliento y presento obras importantes por las que no he escatimado esfuerzos para merecer la atención del jurado y los premios oficiales». Insistió en que su familia dependía de sus ingresos.

Dos de sus lienzos, Fleurs y Vase de fleurs, fueron posteriormente adquiridos y depositados en los museos de Saint-Étienne y Lons-le-Saunier. Una tercera obra, Les Chrysanthèmes, fue adquirida en 1869, seguida de Pêches et raisins du Jura en 1872. El 1 de mayo de 1869, La Revue des deux mondes le dedicó un artículo: «Madame Éléonore Escallier, que hasta el día de hoy ha permanecido desconocida o poco conocida, ha alcanzado ahora un gran éxito. Pinta con brillantez y gracia, con una técnica amplia y potente, y sobre todo… dibuja las flores como figuras, como lo haría una artista clásica y digna discípula de Ziegler». El 12 de abril de 1872, Louis Ernault escribió sobre ella en Le Constitutionnel: «Madame Escallier es la reina de las flores».

Tras ganar la medalla de honor en el Salón de 1868 por sus dos cerámicas Fleurs et oiseaux, ofreció sus servicios a la Manufacture Impériale de Sèvres, haciendo hincapié en su experiencia, reputación y reciente reconocimiento. Inicialmente fue rechazada, pero renovó su oferta en 1871 y, en 1874, con el apoyo de T. Deck, entonces miembro de la comisión de desarrollo de la Manufactura, y de Jules Champfleury, jefe de colecciones de la Manufactura, finalmente fue contratada como pintora. Creó modelos y aprendió nuevas técnicas, en particular la porcelana de pasta dura y la pâte-sur-pâte. El Jarrón de la Ciudad de París que presentó en la Exposición Universal de 1878 y en el Ministerio de Asuntos Exteriores obtuvo un gran éxito. En 1885 recibió una medalla de oro en la Exposición Universal de Amberes.

Escallier recibió su primer encargo estatal en 1874 y creó seis sobrepuertas con motivos florales y emblemas para los Salones de l’Aurore y los museos del Palacio de la Legión de Honor. La inspiración rococó de las piezas demuestra su adaptación al estilo de cada lugar. En 1878 recibió un segundo encargo para un cartón de tapiz decorativo, Le Printemps (La Primavera), que se completó en 1880 y fue tejido por la Manufacture Nationale de Beauvais para la escalinata principal del Palais du Luxembourg. La obra fue donada a la embajada francesa en Berlín en 1887. Tras su muerte en 1888, se celebró una exposición retrospectiva de sus obras en la Manufacture de Sèvres: «La administración desea rendir homenaje a una artista que nunca dejó de encontrar formas de crear nuevos estilos de líneas y motivos decorativos».

Murió a los 60 años en Sèvres, Francia.

Le ponemos cara con su Autorretrato.

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Antónia Csíkos (1887-1987) pintora rumano-húngara.

Nació en Debrecen. Era esposa del pintor János Krizsán y anteriormente fue su alumna.

En Debrecen Antónia Csíkos fue alumna de István Bosznay y Tibor Bakoss. Entre 1904 y 1908 fue estudiante en la Escuela de Arte para Mujeres Lajos Deák-Ébner en Budapest . Entre 1908-10 y 1913-14 fue alumna de István Réti en la Academia de Bellas Artes de Budapest.

Llegó por primera vez a Nagybánya en 1909 y luego, a partir de 1911 , pintó en una escuela gratuita.

En la década de 1910 fue miembro fundador de Debreceni Műpártoló Egyesület , del grupo Debrecen de Magyar Iparművésznők Társulat, del Magyar Képzőművésznők Egyesülete.

Después de 1920, se quedó en Baia Mare y se convirtió en miembro de Nagybányai Festők Társasága, siendo miembro regular desde 1922.

Junto con su esposo, realizó un viaje de estudios a Viena y París . Fue miembro de la Liga de Artistas Plásticos Rumanos.

Murió en Baia Mare.

Le ponemos cara con esté retrato de Aurel Bernáth.

Y en fotografía.

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Lotten Rönquist, Charlotta (Lotten) Sofia Rönquist (1864-1912) pintora sueca.

El padre era cirujano. Estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo 1880-84 y en la Academia de Arte 1884-90. A finales de 1890 y principios de 1900, al menos hasta 1907, Lotten compartió el estudio de Rönnquist con Hilma af Klint y Alma Arnell en el llamado "edificio Ateljé".

Luego se fue de viaje de estudios a Francia e Italia. Una gran parte de su obra tardía se dedicó a obras monumentales: decoró un hotel turístico en Rättvik.

También pintó retratos en miniatura y pasteles, interiores, paisajes y bodegones. Los mejores fueron con motivos italianos y temas bíblicos de la década de 1890.

Pintó interiores de cabañas y antiguas granjas, con su pila de paja iluminada por el sol y su sombra de impacto profundo. Participó en la Exposición de artistas femeninas en 1919.

Env1907 ilustró un cuento de hadas.

Cuando terminaba la obra de un retablo en Gudmundrå en 1912, tenía una gripe severa. Murió, a los 48 años, en una neumonía, en la cima de su vida de su artista.

Le ponemos cara en fotografía y con su Autorretrato.

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Margaretha Cornelia Boellaard (1795-1872) pintora, litógrafa y coleccionista de arte holandesa.

Nació en y Utrecht y provenía de una familia noble y adinerada. Su padre, Johan Diderick, era el Heer (Barón o Señor) de Zuilichem. Su madre, Margaretha, murió seis días después de su nacimiento y su padre nunca volvió a casarse, por lo que permaneció como hija única.

Recibió lecciones privadas de arte de los retratistas Christiaan van Geelen y su hijo, también llamado Christiaan, así como del paisajista Cornelis van Hardenbergh . En 1825, también pudo asistir como oyente a clases en la Rijksakademie de Ámsterdam.

Frans Jacob Otto Boijmans, un reconocido coleccionista de arte, le permitió copiar obras de su colección.

Sus obras se exhibieron en varias ciudades. De 1826 a 1843, participó regularmente en la Exposición de Maestros Vivos de Ámsterdam . En 1834, recibió un premio de la Academia Minerva por su pintura Meisje met bloemen (Niña con flores). En 1858, fue la primera mujer en convertirse en miembro honoraria de la "Genootschap Kunstliefde", una sociedad de artistas en Utrecht.

En sus últimos años, su vista se deterioró. Para 1864, ya no podía pintar y se dedicó por completo al coleccionismo de arte. También utilizó su colección para presentar conferencias y debates en Arti et Amicitiae , el Pulchri Studio y Pictura en Dordrecht.

Murió en Utrecht.

Nunca se casó, así que, tras su muerte, legó la mayor parte de sus pertenencias a la Kunstliefde, incluyendo su casa en Oudegracht , que se convirtió en museo y sala de exposiciones en 1905. Los ingresos por el alquiler de la sala se destinaron al fondo Boellaard. En 1984, parte de este fondo se utilizó para establecer el "Boellaardprijs".

Entre 1984 y 2010, el fondo Boellaard se utilizó para premiar y reconocer anualmente a un artista de Utrecht. Su obra se exhibía en una exposición de otoño. En 2013, el premio se redefinió, pasando a llamarse Premio Boellaard, y se otorgaba a artistas de 50 años o más con raíces en Utrech

Le ponemos cara.

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Henriette Daux (1864 1953) pintora francesa.

Nace en Paris, Francia en el seno de una familia acomodada. Henriette Daux vivió y trabajó durante un periodo de intensa transformación artística, cultural y social.

De particular importancia es su formación en la Académie Julian. Esta escuela privada de arte ofrecía un plan de estudios y un nivel de enseñanza comparables a los de la École des Beaux-Arts.

Se distinguió principalmente como retratista, trabajando sobre todo con pastel, una técnica entonces muy apreciada por la inmediatez e intimidad que confería a la representación de los rostros. Expuso con regularidad en los principales salones parisinos de las décadas de 1880 y 1890, entre ellos el Salon des Artistes Français y el Salon du Champ-de-Mars.

Sus temas principales eran mujeres y niños, a menudo representados en momentos de tranquilidad doméstica. Sin embargo, su obra trascendió estos temas: también realizó desnudos femeninos, autorretratos y, sorprendentemente para una mujer de su época, frescos decorativos. Uno de estos encargos la llevó a Bretaña, donde decoró el salón del Castillo de Kerazan, residencia del coleccionista y político Jules-Georges Astor.

Expuso una serie de retratos a pastel en el Salon des Artistes Français en 1887, y luego continuó enviando sus obras allí y también al Salon du Champ-de-Mars.

Desde 1895, Henriette Daux publicó relatos en forma de libros de Nochevieja para jóvenes en la antigua Maison Quantin, y para las revistas Musée des familles y Saint-Nicolas publicadas por Delagrave.

También fue en esa época cuando pintó al fresco el salón de la mansión de Kerazan, una obra aún visible, encargada por Jules-Georges Astor, alcalde de Quimper ygran coleccionista.

En 1904, Alfred Roll, viudo desde 1898, se casó con ella, por lo tanto estuvo casada con el celebre pintor francés Alfred Roll. Su vínculo era tanto personal como artístico: Roll pintó a Henriette en varias ocasiones, dando testimonio de la profunda relación personal y creativa que los unía. Como en este retrato de su segunda esposa, Henriette Roll, de soltera Daux.

Henriette Daux se distinguió por su maestría en la técnica del pastel, capturando rasgos y emociones con un realismo impactante. Sus obras suelen exhibir una hermosa viveza de color, como lo demuestran sus retratos de jóvenes con trajes tradicionales o sus autorretratos.

Sus temas principales eran mujeres y niños, a menudo representados en momentos de tranquilidad doméstica. Sin embargo, su obra trascendió estos temas: también realizó desnudos femeninos, autorretratos y, sorprendentemente para una mujer de su época, frescos decorativos.

Murió a los 88 años, en la ciudad de Vanves, en el centro norte de Francia.

Le ponemos cara con su Autorretrato.

Y en fotografía.

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Alfonsa Kanigowska (1858-1948) pintora polaca.

Nació en Sulerzyż, Polonia.

Nacida en el seno de una familia de la aristocracia terrateniente, comenzó sus estudios de pintura en una escuela privada de pintura y artes aplicadas para mujeres, fundada en Varsovia por Bronisława Poświkowa.

Entre sus maestros se encontraba Kazimierz Alchimowicz , y también asistió a clases particulares con Wojciech Gerson.

Continuó sus estudios en París y, tras graduarse, viajó por Europa, visitando Suiza, Italia y Ucrania.

Al regresar a su tierra natal, se estableció en Varsovia, desde donde se trasladó a su finca en Rudniki, cerca de Częstochowa, en 1915.

Su obra incluye pinturas de caballete, como bodegones, flores, paisajes y retratos. También creó tapices y pinturas sobre tela, como abanicos y biombos, y talló miniaturas en marfil. Expuso sus obras en la Sociedad de Amigos de las Bellas Artes de Cracovia, la Sociedad de Varsovia para el Fomento de las Bellas Artes y el Salón de Bellas Artes de Krywulta. También participó en exposiciones organizadas en Vilna y Leópolis . Participó activamente en la vida cultural de Częstochowa. Falleció en su finca.

Murió a la edad de 90 años, en Rudniki, Polonia.

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Mercedes Ruibal Mercedes, Ruibal Argibay (1928- 2003) pintora española.

Nació en la pontevedresa parroquia de San Andrés de Xeve en el seno de una familia con vocación artística.Su padre, José Ruibal Castro, aunque secretario municipal de profesión, era escritor y su madre, Aurora Garibay Iglesias, más conocida por Yoya Garibay, se volcó en la pintura de estilo naif, pasados los setenta años, realizó exposiciones por España y recibió algunos premios; su hermano, José, fue dramaturgo y su hermana, Ángeles, es cantante.

El mismo año que finalizó la Guerra Civil, la familia, de ideas republicanas debió emigrar a Argentina. Allí pasó Mercedes Ruibal casi veinte años y allí expuso por vez primera en Buenos Aires (1956).

Regresó a España en 1958 y un año más tarde se casó con el también pintor, además de arquitecto y autor, Agustín Pérez Bellas.

Se le ha considerado una pintora expresionista y representante de la nueva figuración, influenciada en sus inicios por Laxeiro, pintor exiliado también en Argentina, y por Georges Rouault. Ruibal se encuentra enmarcada dentro de la generación de artistas gallegos que impulsaron la renovación artística durante los años cincuenta y sesenta del siglo XX, entre los que se incluían María Antonia Dans, Elena Gago, José María de Labra, Luis Caruncho, Victoria de la Fuente, Lago Rivera, Tenreiro o Alejandro González Pascual. Se señala en su obra un expresionismo ingenuo, primitivo y lírico con ocasionales rasgos de crítica social y política.

Además de en colecciones privadas, sus obras su pueden contemplar en museos de Chile y Nicaragua, así como en distintos museos de Galicia y en el de Arte Contemporáneo de Madrid.

Le ponemos cara.

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Kate Freeman Clark (1875-1957) pintora estadounidense.

Nacida en Holly Springs, Mississippi .

Clark era hija de Edward Clark, abogado en Vicksburg, Mississippi , y de Cary Freeman Clark, cuyo tío abuelo era Edward Cary Walthall . Hija única, recibió el nombre de su abuela y la llamaban "Pequeña Kate" para distinguirla de "Mamá Kate".

Poco después de su nacimiento, su padre compró una plantación que más tarde se convertiría en el centro del pueblo de Cary , que recibió su nombre en honor a su esposa. Kate y su madre pasaban los veranos en Holly Springs, donde se consideraba que el aire era más limpio que en el delta del Mississippi , y Edward le escribía largas cartas a su hija durante estas ausencias.

Edward Clark murió de neumonía en 1885, poco después de ser nombrado asistente de LQC Lamar , antiguo socio de Edward Walthall, quien había sido nombrado Secretario del Interior de Grover Cleveland. Tras su muerte, Kate y su madre se mudaron a Freeman Place en Holly Springs, que había sido la residencia de la familia Walthall.

La familia pronto se mudó a la ciudad de Nueva York, donde Kate asistió a la escuela de señoritas Gardiner School, de la que se graduó en 1891. En 1893, ambas fueron a la Exposición Mundial Colombina en Chicago, lo que despertó en la joven una pasión por el arte. Al regresar a la ciudad de Nueva York, se matriculó en la Art Students League en 1894; allí estudió dibujo con John Henry Twachtman y acuarela con Irving Ramsay Wiles .

Fue Wiles quien la presentó a William Merritt Chase , quien le enseñaría bodegones y pintura al aire libre y sería su mentor hasta su muerte en 1916. La acuarela, una técnica pulcra, era utilizada frecuentemente por mujeres en aquella época, pero al ver a Chase pintar al óleo vestido con un traje de franela blanca, Clark adoptó su técnica preferida. Chase respetaba mucho su trabajo y eligió dos de sus pinturas para su colección personal.

Clark y su madre pasaban los veranos en el este de Long Island a finales de la década de 1890; Cary también viajó a Washington, D.C. para la temporada social de 1896, año en que Kate asistió a clases en la Escuela de Arte Corcoran. También asistió a la Escuela de Arte de Nueva York y a la Escuela de Arte Shinnecock ; permanecía en Nueva York durante los inviernos y viajaba a zonas turísticas de Vermont y Connecticut en verano.

Clark comenzó a firmar sus obras como "Freeman Clark" o "K. Freeman Clark" para que su género no fuera inmediatamente evidente. Comenzó a exponer, mostrando su trabajo en la Academia Nacional de Diseño en 1905. Le siguieron otras exposiciones en el Instituto Carnegie en Pittsburgh, la Galería de Arte Corcoran en Washington, D.C., la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia y en la Academia Nacional y Sociedad de Artistas Americanos en Nueva York. Fue objeto de varias exposiciones individuales y habló con la Galería Macbeth para discutir la venta de sus pinturas a través de ellos.

Clark había regresado a Mississippi esporádicamente a lo largo de su carrera para atender obligaciones familiares, pero pasó la mayor parte de su vida artística en Nueva York; solo se conocen dos pinturas sobre temas de Mississippi. Sin embargo, en 1924, después de más de 20 años en Nueva York, Clark regresó a Mississippi y a sus raíces sureñas, dejando atrás el mundo del arte para siempre. Se desconocen sus razones, pero se ha especulado que la muerte de su mentor Chase en 1916, seguida por la de su abuela en 1919 y la de su madre en 1922, fue un golpe del que nunca se recuperó. La muerte de Chase en particular parece haberla afectado profundamente; le dolió no haber podido asistir a la subasta de sus pertenencias de estudio a tiempo para comprar algún recuerdo de él, especialmente una vieja tetera negra que él había pintado numerosas veces y que se vendió por siete dólares a otra persona. Clark también parece haber previsto el auge del modernismo que siguió al Armory Show . Se sabe que su familia se oponía a su carrera y le advirtió que no se desenvolviera, como le escribió su tío Russell Freeman, "en ámbitos de la vida que pertenecen a los hombres". Su temperamento ha sido descrito como "depresivo", lo que pudo haber contribuido a su alejamiento del mundo del arte.

Clark nunca se casó; su único pretendiente serio, Hamilton Foley, era un cadete de West Point que fue a Filipinas durante la Guerra Hispano-Estadounidense y fue sometido a consejo de guerra por malversación de fondos en 1905. Rara vez hablaba de su obra artística a su regreso a Holly Springs. Sin embargo, a su muerte, legó más de 1000 pinturas y dibujos, que habían estado almacenados en el Lincoln Warehouse de Nueva York, a la ciudad, junto con su casa y dinero para construir un museo que albergara el arte. Estas obras constituyeron la base del Museo Kate Freeman Clark en Holly Springs. El museo, que aparte de un puñado de piezas de Chase contiene solo su obra, está ubicado junto a su antigua casa y, con más de 1000 de sus pinturas, se cree que es la mayor colección de pinturas de un solo artista en todo el mundo. También había imaginado un espacio de biblioteca y una sala para la exhibición de modas en el museo, pero estos no pudieron incluirse en el diseño final debido a la falta de fondos.

Clark está enterrada en el cementerio Hillcrest en Holly Springs.

Le ponemos cara. Pintada por William Merritt Chase en 1902.

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Anna Petrovna Ostroúmova-Lébedeva ( 1871-1955) pintora, grabadora, xilógrafa, litógrafa, acuarelista y grafista rusa.

Nació en San Petersburgo. Hija de Pyotr Ivanovich Ostroumov y Maria Klimentievna Tchekhovitch.

Se formó en la Academia de arte e industria de Stieglitz y la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, donde más tarde sería profesora.

De 1898 a 1899, estudió en París en la Académie Colarossi, y también con James McNeill Whistler, en la Académie Carmen.

En la década de 1900 y 1910 viajó extensamente por Europa y trabajó también como ilustradora de libros.

En 1900, Ostroumova se graduó, especializándose en grabados, y ese mismo año se unió al movimiento Mir iskusstva en San Petersburgo. En 1901, hizo una primera serie de xilografías con vistas de San Petersburgo, que le solicitó Sergei Diaghilev.

Se casó con el químico Serguéi Vasílievich Lébedev en 1905.

Vivió el sitio de Leningrado, en algún momento de 1934 se quedó ciega.

Ilustró muchos libros y obtuvo la Medalla por la Defensa de Leningrado.

El tema principal de sus obras gráficas, tanto grabados como acuarelas, eran paisajes urbanos de San Petersburgo. También se interesó por paisajes urbanos europeos como resultado de sus viajes por Europa.

Murió en Retrogrado a los 83 años.

Le ponemos cara con sus Autorretratos.

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Constance Jenkins , nacida Constance Lillian Jenkins (1883–1961) pintora y profesora estadounidense pero nacida en Australia.

Fue conocida por sus retratos, paisajes y bodegones.

Nació en Melbourne, Victoria, Australia. Sus padres fueron Emma Wright y John S. Jenkins; su padre era de ascendencia escocesa. Fue la menor de seis hermanos y comenzó a estudiar arte seriamente a los 15 años.

Macky asistió a la Escuela de Arte de la Galería Nacional de Victoria (anteriormente Escuela de Pintura de la Galería Nacional), de 1900 a 1908 y expuso por primera vez su obra de 1907, Friendly Critics (actualmente en la NGV), junto con otras cuatro pinturas, en la Exposición Australiana de Obras de Mujeres. La pintura le valió la beca de viaje de la NGV, lo que le permitió estudiar en la Académie Julian de París durante 1909.

En 1912, Jenkins se casó con Eric Spencer Macky en Berkeley en California. Tuvieron dos hijos, entre ellos Donald Spencer Macky, quien también fue artista. En 1915, los Macky participaron en la Exposición Internacional Panamá-Pacífico, creando paneles decorativos para los pabellones de Australia y Nueva Zelanda.

Constance Jenkins Macky y su esposo fundaron la Escuela de Arte Spencer Macky en San Francisco en 1916. La primera sede de la escuela estaba en Post Street, cerca de Gough Street, en un edificio que albergaba a muchos otros artistas notables, entre ellos Leo Lentelli , Clark Hobart , William Claussen, Louise Mahoney, Florence Lundberg , Sigmund Beel y George Hyde.

La escuela era popular y se trasladó a un espacio más grande en el "Edificio de Artistas" en 535 Sacramento Street en San Francisco. En 1917, la Escuela de Arte Spencer Macky se fusionó con la Escuela de Bellas Artes de California (CSFA; ahora conocida como el Instituto de Arte de San Francisco). Después de la fusión, continuó impartiendo clases en la CSFA.

Fue miembro de la Asociación de Arte de San Francisco y de la Sociedad de Mujeres Artistas de California.

Macky falleció en San Francisco. Está enterrada en el cementerio Sunset View en El Cerrito , California.

La obra de Macky forma parte de colecciones públicas, entre ellas la Galería Nacional de Victoria, la Biblioteca Nacional de Australia, y otras.

Le ponemos cara.

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Agnes Clara Tatham (1893-1972) pintora británica.

Era hija de Meaburn Talbot Tatham y Susan Clara Miers. Fue la cuarta de los cinco hijos de la familia Tatham y creció en Northcourt House, Abingdon, al sur de Inglaterra. En la familia, siempre la llamaron "Widdy".

En marzo de 1901, Agnes residió durante un tiempo en Eden Cottage.

Agnes estudió arte en la Escuela de Arte Byam Shaw. En la Escuela Byam Shaw, Agnes entabló amistad con Eleanor Fortescue Brickdale (1872-1945) , profesora de la escuela, cuya principal responsabilidad era la acuarela. Eleanor fue una reconocida acuarelista desde 1901, presente en exposiciones anuales, en el sector comercial y en la prensa ilustrada, y fue identificada como una prerrafaelita de la tercera ola.

Eleanor Fortescue Brickdale prestó especial ayuda a la Escuela Byam Shaw tras la inesperada muerte del propio Shaw en 1919, retomando algunas de sus antiguas tareas a pesar de sus enormes compromisos profesionales, que incluían vidrieras, pinturas, retablos, acuarelas y libros ilustrados.

A finales de la década de 1920, Fortescue-Brickdale solía visitar la casa de la familia Tatham, Northcourt House, cerca de Abingdon, y cuando en 1929 Agnes se instaló en Holland Park Road, cerca del estudio de Fortescue-Brickdale, su amistad se afianzó. Agnes vivió en Holland Park Road, Kensington, hasta 1939. Durante este periodo, fue huésped de pago en la casa de las hermanas Fortescue-Brickdale en Kensington.

Durante los años de la guerra, cuando Eleanor ya gozaba de mala salud, encontró refugio del caos de Londres en la casa de los Tatham, Northcourt House, cerca de Abingdon.

La perdurabilidad de la amistad entre Agnes Clara Tatham y Eleanor Fortescue Brickdale queda patente en el hecho de que Agnes poseyera el retrato de su maestra pintado en 1914 por otra miembro de su círculo artístico, ME (Dreda) Gray, y en el legado que Fortescue-Brickdale dejó a Agnes en su testamento: el caballete de artista, que una vez perteneció a Byam Shaw.

Agnes también estudió en la Escuela de Arte Vicat Cole y en las Escuelas de la Real Academia de las Artes (RA). En estas últimas, recibió varios premios artísticos y reconocimientos por sus pinturas.

Trabajaba principalmente con óleo y témpera, y sus pinturas se han expuesto ampliamente. Además de pintar, también trabajó como ilustradora en varios libros infantiles.

Hacia 1950 se mudó al número 77 de Bedford Gardens, en Kensington, donde vivió hasta 1970. Junto con Elsie Gledstanes y Alice Burton, abrió una nueva escuela de arte llamada Unique School for Children's Art en Londres.

Regresó a Northcourt House en 1970 y vivió allí hasta su muerte el 13 de septiembre de 1972.

Le ponemos cara. La joven Agnes, de Byam Shaw, 1915.

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Judith Ackland, Judith Agnes Maud Ackland (1892-1971) pintora inglesa y creadora de dioramas.

Nació en Stowford House en Bideford Strand, hija de Charles Kingsley Ackland, un conocido médico de Bideford, Devon.

Judith Ackland pasó toda su vida en Bideford, donde cursó sus estudios primarios y secundarios en la Escuela de Arte de Bideford, de la que han surgido muchos otros artistas e ilustradores talentosos y famosos.

Hay poca información sobre la época formativa de Judith o su paso por el Regent Street Polytechnic. Sabemos que se alojó en Londres durante sus estudios y que recibió clases de dibujo, ilustración, grabado y acuarela. Su estancia allí fue relativamente corta, ya que regresó a casa para cuidar a su hermana menor, Madeline, que se encontraba convaleciente y falleció poco después.

Estudió arte en la Escuela de Arte de Bideford y luego se trasladó al Regent Street Polytechnic (ahora parte de la Universidad de Westminster ) donde conoció a su compañera de estudios Mary Stella Edwards. Se enamoraron y se convirtieron en pareja de vida y utilizaron una pequeña cabaña, una antigua tienda de pescadores, que data de mediados del siglo XIX, en Bucks Mills como su estudio desde 1924 hasta la muerte de Ackland en 1971. La cabaña había sido alquilada inicialmente por la madre de Ackland en 1913; Ackland reemplazó a su madre como inquilina en 1938 y compró la cabaña en 1948.

Judith Ackland viajó en varias ocasiones con Mary Stella Edwards para realizar excursiones de dibujo y pintura, principalmente antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial.

Ackland pintaba acuarelas, principalmente de la costa y el campo de los alrededores de Bideford, pero también viajaba y trabajaba extensamente.

Junto con Edwards, produjo dioramas; Ackland hizo todos los modelos (inventó un método llamado "Jackanda" para hacerlos), y Edwards pintó los fondos.

La ciudad de Windsor encargó estos dioramas para celebrar momentos importantes de su historia, incluyendo una pieza a gran escala que muestra escenas de las celebraciones del Jubileo de Oro de Jorge III en 1809 con figuras de la familia real cuyos retratos se basan en pinturas de la Colección Real. Los dioramas se encuentran ahora en el Museo Comunitario de Windsor.

Le ponemos cara.

The Creators of the Dioramas - Windsor Local History Group

Published in Windlesora 18 (2000)  © WLHG First – What is a diorama? We’ve seen various descriptions in dictionaries but perhaps the best, i

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Mary Stella Edwards (1893-1989) pintora inglesa, creadora de dioramas y poeta.

Nació en Hampstead, hija de Robert Cromwell Edwards, un arquitecto.

Estudió arte en el Royal College of Art y en el Regent Street Polytechnic (ahora parte de la Universidad de Westminster ), donde conoció a su compañera de estudios Judith Ackland.

Se convirtieron en compañeras de vida y utilizaron una pequeña cabaña, una antigua tienda de pescadores, que data de mediados del siglo XIX, en Bucks Mills como su estudio desde 1924 hasta la muerte de Ackland en 1971.

Junto con Ackland, Edwards produjo dioramas, Ackland hizo todos los modelos (inventó un método llamado "Jackanda" para hacerlos), y Edwards pintó sus fondos. La ciudad de Windsor encargó estos dioramas para celebrar la historia de la ciudad, y ahora se encuentran en el Museo del Municipio de Windsor y Royal.

También fue poeta y publicó varios volúmenes a lo largo de su vida. Publicó su primer libro de poesía, Time and Chance, en 1926.

También publicó poesía entre 1962 y 1964 en Literary Criticism Teaching.

En 1968 publicó A Truce with Time y en 1978 Before and After, con poemas en memoria de su difunta compañera, Judith Ackland.

Eran dos mujeres del siglo pasado que se amaron durante décadas. Construyeron juntas una vida creativa y, desde finales de la década de 1940, también vivieron juntas.

Edwards también ilustró libros, principalmente infantiles, pintó o dibujó el frontispicio y diseñó las sobrecubiertas.

Además, diseñó —junto con Nina Hamnett , entre otros— un sobre para la revista literaria Coterie , en la que Sitwell, Huxley, Eliot y otros publicaron textos; los críticos consideraron que la portada recordaba demasiado a Beardsley.

Las portadas de libros que Edwards ilustró entre 1922 y 1938 incluyen ilustraciones para autores como Douglas Jerrold , la condesa Barcynska , Henryk Sienkiewicz y otros .

Al morir su pareja se mudó a vivir con su familia en Staines. Falleció en 1989.

Mary Stella Edwards donó una colección de su propia obra y la de Ackland, que datan de 1913 y 1965, a la Galería de Arte y Museo Burton en Bideford. Otras obras de Ackland y Edwards se encuentran en el Museo Victoria y Alberto, el Museo de Londres, Amgueddfa Cymru – Museo de Gales y la Galería de Arte Abbot Hall en Kendal, Westmorland.

Le ponemos cara. El matrimonio de Boston (pareja lésbica) de Judith Ackland y Mary Stella Edwards.

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Martha Tupsy Clement, Jebe (1871-1959) pintora noruega.

Martha Caroline “Tupsy” Clement, de soltera, Jebe. Nació en Trondheim.

Era hija del mayor Hakon Jebe y su esposa Hedvig Klingenberg.

Tupsy Clement comenzó su formación artística formal en Noruega, donde estudió con el renombrado pintor realista Hans Heyerdahl en Oslo en 1896. Heyerdahl, una figura destacada del arte noruego, ya había reconocido su talento seis años antes con un retrato que le pintó en 1890, en el que la joven artista tenía 19 años y que ponía de manifiesto su temprana promesa en el retrato y el estudio de la figura humana.

Posteriormente, continuó su formación en Alemania, donde estudió con Christoph Roth en Múnich durante el invierno de 1897 y entre 1898 y 1899. Roth, un respetado profesor de la Academia de Múnich, hizo hincapié en la destreza técnica en el dibujo y la pintura, lo que ayudó a Clement a perfeccionar sus habilidades en composición y aplicación del color durante este período formativo.

Clement también estudió en el Atelier Delecluse de París durante cuatro meses en 1896, seguido de estudios adicionales en París y Roma entre 1897 y 1905. Esta exposición a las influencias impresionistas y postimpresionistas, así como a la herencia clásica italiana, amplió su repertorio estilístico, centrándose en el paisaje y la pintura de género. Estos periodos le proporcionaron una perspectiva europea diversa, que abarca tanto la etapa prematrimonial como la postmatrimonial tras su matrimonio.

Más tarde continuó su formación en Múnich (1898-1899), París e Italia. Allí conocería a su marido, el pintor danés, Gad Frederik Clement, con el que se casó en Roma en 1902.

Esta unión marcó un cambio fundamental, ya que Tupsy, una artista noruega formada en academias escandinavas y europeas, se trasladó de Italia a Dinamarca con su marido.

Ambos estaban en el famoso grupo de los pintores de Skangen, colonia artística que se estableció al norte de Jutlandia.

Entre sus cuadros, destacan los completados en Skagen donde pasó los veranos de 1908 a 1920, en compañía de otros pintores como Laurits Tuxen o Viggo Johansen, el famoso grupo de los pintores de Skagen.

Posteriormente se estableció en Dinamarca. Además de retratos, Tupsy pintó flores, exteriores y paisajes.

Su pintura Dos niñas jugando en la playa de Skagen perteneció al rey Christian X , quien pasaba sus veranos en Klitgaarden, en Skagen.

Muchas de sus obras muestran la influencia de su esposo, pero su representación de la luz solar en sus paisajes también parece estar inspirada en Theodor Philipsen.

A partir de 1920, la pareja pasó la mayor parte de sus veranos en Italia.

Clement participó varias veces en la Exposición de Otoño , en 1896, 1899, 1900, 1906 y 1909. También participó en la Exposición de Otoño de Copenhague en 1907 y 1909.

GF Clement falleció en Copenhague en 1933, dejando a Tupsy viuda durante los 26 años restantes de su vida, hasta su propia muerte en 1959. Durante este período de viudez, Tupsy continuó su trabajo artístico independiente, aunque las consecuencias inmediatas de la muerte de su esposo redirigieron su enfoque hacia paisajes personales y retratos sin la dinámica de asociación previa.

Murió en Copenhague.

Sus obras se conservan en colecciones como el Museo de Skagen, el Museo de Arte de Trondheim y el Museo Munch, y existe un creciente interés académico en las artistas noruego-danesas de la escuela de Skagen, lo que contribuye a una reevaluación gradual de sus contribuciones.

Le ponemos cara, en este cuadro de su marido, junto a sus dos hijas, Bitten, nacida en 1912 y Lillemor, nacida en 1909.

Según otras fuentes el matrimonio no tuvo hijos 🤷🏻‍♀️ seguramente se refiere a hijos varones.

Y aquí, sola. Retratada también por su marido.

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Josefina Reynolds (1922-2014) pintora boliviana.

Fue una artista e investigadora costumbrista dedicada ya a retratar, ya recuperar el conocimiento de las culturas quechuas chuquisaqueñas.

Sin embargo, a pesar de haber dominado ambos ámbitos, actualmente es excluida de la historia oficial de esa población.

Nació en Sucre. Doña Fifina, como la recuerdan en Sucre, fue una mujer particular. Jamás se casó ni tuvo hijos.

Se hizo valer por sí misma,distinguiéndose porque su talento y su inquietud por el arte y por la cultura le permitieron salir de espacios íntimos y cotidianos designados a las mujeres para incursionar en espacios no cotidianos que en ese tiempo pertenecían al entorno masculino, como la investigación de la fiesta. Sus registros etnográficos, porque, sus pinturas y hasta su personalidad rebasaron las construcciones de género establecidas en la sociedad chuquisaqueña del siglo pasado.

Ella fue una mujer que contradijo el orden de lo femenino. Su obra permanece casi en el anonimato.

Las memorias construidas en torno a esta talentosa y valiente mujer se recuerdan solamente entre sus amistades, pues ni siquiera tuvo una extensa familia –lo que explica que haya muerto en un asilo– que se encargara de preservar y de difundir su legado.

Joséfina Reynolds nació y murío en la ciudad de Sucre (Bolivia). Su familia

cendía de los insignes poetas María Josefa Mujía y Gregorio Reynolds Ipiña.

Tanto ella como su hermaná Isabel admiraba mucho a María Josefa, lapoeta ciega. Por eso Isabel donó parte de su casona, ubicada en la calle Grau, al Instituto Boliviano de la Ceguera, que hasta hoy funciona en el mismo lugar.

Al igual que Mujía, ambas hermanas permanecieron solteras y vivieron juntas hasta la muerte de Isabel.

Más que la poesía, a Joséfina le interesaba el mundo indígena. Por eso lo retrató y lo investigó, llegando a publicar varios artículos y dos libros: Semblanza

de una vida en la oscuridad(Reynolds, 1990), obra que aborda e ilustra tradiciones y leyendas chuquisaqueñas, recopiladas por el tradicionista ciego Benigno Rivera; yChe'llque mayu, mito y tradición (Reynolds, 2009), en el que describe el culto a la Virgen petrea venerada en la hacienda de Chellquemayu, en Arabate, provincia Oropeza delpartemento de Chuquisaca.

Joséfina también fue pintora, ceramista, maestra de dibujo y de pintura, secretaría de la Normal de Maestros de Sucre y socia de un anticuario.

Hablaba perfectamente el quechua. Se interesó por la investigación cultural, habiendo por ello escrito notas de prensa, artículos en revistas y los dos libros citados, además de realizar algunos sonomontajes y programas de televisión.

Casi toda su obra fue producida en Chuquisaca.

Josefina comenzó a estudiar en la escuela del Ateneo de Bellas Artes cuando era joven, debido a que su tía Rosa Ipiña Mujía fue colaboradora de ese espacio.

En 1945, Joséfina continuó sus estudios en la Universidad Tomás Frías de la ciudad de Potosí, junto al maestro Teófilo Loaiza, llegando a obtener un primer premio en esta Academia de Bellas Artes.

Reynolds está catalogada como indigenista, aunque en el periodo prerrevolucionario, cuando inició su carrera artística, más que el discurso indigenista, en el arte estuvo en boga el telurismo, que plantea la determinación cultural del paisaje.

Joséfina fue profesora de pintura en la Escuela devArtes Plásticas “Zacarías Benavides” dependiente de la Universidad San Francisco Xavier. También trabajó como profesora particular e incluso dio clases a los adultos mayores durante su estadía en el Hogar Mercedes. Ella dedicó su vida más a la enseñanza de la pintura que a ser pintora.

En la actualidad la mayoría de las pinturas de Josefina se conservan en colecciones privadas.

Le ponemos cara.