Peut-être une chanson

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Couldn't you spare me from my mind

Non, ce titre ne fait pas référence à mon état d'esprit alors que ça fait plus de deux mois que mon sommeil se dégrade avec la constance et la nullité d'un ministre macroniste. Mais la fatigue n'est sûrement pas étrangère à ce qui m'accroche à ces paroles d'une chanson de Liam Kazar, extraite de son dernier album, Pilot Light (Congrats Records, 2026). J'ai tellement écouté "Didn't you" cette semaine que le morceau a fait son apparition dans mon top Deezer d'avril en première position (malgré le fait que j'ai découvert la chanson le 28 avril).

Liam Kazar est l'un de de ces musiciens que je vois fréquemment en périphérie d'artistes que je connais : sur scène avec Kevin Morby ou Waxahatchee en tant que guitariste, comme un personnage récurrent de la newsletter de Spencer Tweedy (que je recommande mille fois). Cette semaine j'ai écouté Pilot Light pour la première fois, et surtout "Didn't I", amusée et touchée par la simplicité de quelques phrases pour décrire la sensation d'être en pagaille ("I haven't heard my name in seven days", "My wings only fly every other time").  Dans le même genre, et pour poursuivre ma tradition de citer The Golden Dregs à chaque article, "the company of strangers" y parvient dès les premières lignes, quand Ben Woods chante d'une façon presque enjouée : "maybe it's time that I was taken out to pasture / seems lately I've been getting it wrong. / you started crying when the morning came too early".

"Didn't you" est une chanson qui joue sur un registre que j'adore : des paroles désabusées (voire désespérées) et une mélodie solaire et tranquille. Dans la même famille je mettrais cette chanson des Lemon Twigs (quel plaisir de chantonner "every day is the worst day of my life" comme si c'était une comptine), et sûrement plusieurs titres de Bill Ryder-Jones (champion du désespoir au point que, pour ma propre stabilité, l'écoute de ses albums doit être espacée dans le temps). Si on ne prêtait pas attention aux paroles, "If tomorrow starts without me" serait une chanson purement lumineuse, avec ses violons virevoltants et son refrain qui martèle "I'm with you". 

La tristesse de "Didn't I" est bien plus douce, presque sereine dans sa résignation. J'ai hâte de voir comment cela se manifestera sur scène, quand je verrai Liam Kazar en juillet, en première partie de Kevin Morby (qui fera alors une entrée fracassante dans le top 3 des artistes que j'ai le plus vus en concert).

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The stories you hear, you know they never add up

Ce mois-ci j’ai regardé le film d’Alex Ross Perry consacré à Pavement (Pavements, 2024), un groupe dont je n’avais jamais écouté une chanson avant octobre 2025, et un post BlueSky qui m’a fait découvrir la merveille qu’est Frontwards. Pourtant Pavement fait partie de ces groupes qui hantent les les discographies et les interviews d’artistes que j’aime. Je devais être encore au collège quand j’ai entendu parler d’eux pour la première fois, au détour d’un article sur Pony Pony Run Run, qui citait le groupe comme une influence (impossible de remettre la main dessus, mais je me rappelle surtout d’une remarque affectueuse décrivant Pavement comme un groupe qui ne sait pas chanter). En lisant de la critique musicale j’ai souvent l’impression que la référence à Pavement est convoquée avec une espèce d’évidence, par exemple pour caractériser le dernier album de Langkamer.

Dans cette famille des artistes que je connais non pas pour leurs chansons, mais par la façon dont ils apparaissent dans celles des autres, le meilleur exemple est sûrement Richard Swift (musicien et producteur états-unien, décédé en 2018). Entendre Hamilton Leithauser, depuis la scène du Café de la Danse, demander qui parmi le public connaît Richard Swift, et expliquer qu’Ocean Roar lui est consacré, était un moment de plus où il est convoqué au détour d’une chanson, après Campfire (Kevin Morby), et Sunblind (un lumineux mausolée autant que cela est possible, et ma chanson préférée des Fleet Foxes).

Aujourd’hui je ne suis pas plus experte de la discographie de Pavement ou capable de disserter sur leur influence dans la scène rock actuelle. Mais j’ai beaucoup aimé ce film pour ce qu’il traduit de la posture de fan et des histoires qu’on se raconte sur nos groupes préférés. Notamment dans sa façon de retracer conjointement l’histoire du groupe et sa mythologie en train de se faire, à travers des étapes bien balisées (les débuts hésitants, l’ascension soudaine, les difficultés de la célébrité et de l’industrie, la séparation, les retrouvailles…). Mais aussi pour le plaisir d’apprendre des détails comme la période qui a vu David Berman et Stephen Malkmus travailler ensemble comme vigiles au Whitney Museum.

Le film m’a surtout touchée quand il transmet cette émotion de fan face au retour d’artistes adorés que l’on n’espérait plus. Comme Alex Ross Perry le fait pour Pavement, qui n’a pas rêvé d’écrire une comédie musicale sur son groupe préféré, ou de leur consacrer un musée ? J’aime profondément ces œuvres qui sont une déclaration obsessionnelle – comme Sébastien Barrier dans son spectacle « Dear Jason, Dear Andrew », vu et adoré au CentQuatre en février. La même semaine où je visionnais le film, j’étais à la Cigale pour voir Geese et Westside Cowboy. Devant Pavements je me demandais si dans 30 ans il y aurait un tel film sur Geese, si je serais émue à revoir des images (désormais d’archives) d’eux jouant «Taxes» du haut de leur vingt-trois ans, entourés de discours sur le mode « vont-ils sauver le rock » . L’émotion ressentie face à la jeunesse de Geese est en miroir de celle ressentie dans cette même salle de concert l’an dernier face à Wilco : la joie de voir un groupe qui a pu vieillir, et qui est encore là.

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Give me something wonderful

En février, entre une écoute obsessionnelle du dernier album de Langkamer et deux concerts (Wednesday, Westerman), j’ai passé un week-end devant Lovesick. J’ai une tendresse infinie pour cette série, découverte à l’adolescence et depuis revue à plusieurs reprises. Cette fois-ci, c’est l’arrivée des trois saisons sur Arte qui m’a fait m’y replonger, et m’a donné envie d’écrire sur la musique de la série.

Quoi de mieux que de revoir ces vingt-deux épisodes pour prendre conscience de mon âge, entre réactions familières (une envie furieuse de partir en Écosse, de vivre en coloc), et nouveautés (rire à chaque apparition de Luke, dont je trouve que le personnage résiste étonnamment bien à la douzaine d’années écoulées depuis le début de la série).

La série, en soi, a peu à voir avec la musique – si ce n’est pour les blagues sur les noms absurdes des groupes qu’écoute Dylan, et une ou deux scènes de fête et de danse qui comptent parmi mes préférées. Mais par la magie d’une production télévisuelle anglaise de 2014 – une chanson de Teleman ou Django Django par épisode, ou presque –, elle m’a fait découvrir des dizaines de morceaux. En remontant mes playlists de 2015 à 2018, je retrouve les moments où je regardais la série, à l’apparition de « Fool for love » ou « Sutphin Boulevard ». Plus que l'enchaînement des galères amoureuses des personnages, Lovesick est pour moi une suite de moments musicaux : une fête déguisée ponctuée d’un des premières chansons de Hinds, le visage d’Evie et la voix de Michael Kiwanuka à la fin de la saison 2…

J'ai tellement regardé la série que je ne sais plus si j'ai découvert tel groupe en regardant la série, ou si j'ai aimé la série un peu plus à chaque fois qu'un de mes groupes anglais préférés servaient de bande-son à une scène. Cette année j’ai revu Lovesick comme un très long blind-test, avec la joie d’anticiper et de retrouver certains moments musicaux. Mais aussi d’entendre au détour d’un épisode la voix de Jeff Tweedy ou « Life Itself », et de me rendre compte que des chansons que je n’apprendrais à aimer que plus tard étaient déjà là, au milieu d’épisodes de Lovesick, sans que je les repère à l’époque.

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Do you ever imagine

En 2022 j'ai vu Ezra Furman en concert pour la première fois. Avant les premières notes de "Dressed in black", elle l'a présentée comme "une chanson d'amour antifasciste". C'était déjà ma chanson préférée de l'album All of us flames, mais cette petite phrase prononcée sur la scène du Trabendo m’a ravie. Ce serait mon moment préféré du concert s'il n'y avait eu la toute fin : Ezra nous disant qu'un concert crée une énergie, une communauté particulière, et nous souhaitant de la conserver encore un peu comme un bouclier, une protection. Avant de se lancer dans une reprise de "Because the night" qui m'a trottée dans la tête pendant des jours. 

Maintenant en 2026, je vais à nouveau voir Ezra Furman en concert quelque part à la Villette. J'espère encore entendre "Dressed in black", mais surtout l'avant-dernière chanson de son plus récent album (Goodbye Small Head, Bella Union, 2025). "A world of love and care" est une chanson directe et limpide comme un bon slogan de manif. Elle capture à merveille toute la rage qui menace de déborder face à l’état du monde, et l’effort que demande le fait d’imaginer autre chose ("dream better / dream bigger / with me"). 

Est-ce un hasard si j'écoute cet album et particulièrement cette chanson après avoir passé la journée en formation syndicale, pleine de crainte et d’espoir ? J'aime commencer l'année avec Ezra Furman, que son concert soit le premier de 2026, comme si cela allait donner le ton des combats à venir.

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Looking at the moon way too long

J’écris ce texte de bilan musical à l’image de l’année écoulée : en écoutant The Golden Dregs. Les ayant déjà cité deux fois en quatre mois d’existence de ce blog, autant poursuivre la tendance.

En janvier j’étais debout dans le tram en rentrant du travail, découvrant « the company of strangers », un grand sourire aux lèvres. Comme souvent avec de nouvelles sorties musicales, c’était une source d’espoir : la joie de savoir qu’un groupe aimé est de retour, que les prochaines semaines seront ponctuées de nouvelles chanson, d’un album à écouter avec attention, peut-être d’un concert. Depuis il y a eu toute une année à écouter The Golden Dregs dans le bus, à chantonner toute seule « maybe it’s time that I was taken out to pasture / seems lately I’ve been getting it wrong ».

Je dois aussi à Ben Woods des Golden Dregs de très belles découvertes musicales en 2025, notamment grâce à son nouveau label (le parfaitement nommé Joy of Life International). J’ai déjà consacré un texte à Of Iyrn, mais pas encore mentionné ici Langkamer (dont le dernier album, sorti sur Breakfast Records, a été produit par Ben Woods). « Soul Bucket » m’a accompagnée pendant tout l’hiver 2025, mais ce n’est qu’en voyant Langkamer sur scène au festival Supersonic Block Party que je suis me suis plongée dans tous leurs albums. Comment décrire l’expérience de se trouver dans un Café de la Danse surchauffé et bien vide, et de les entendre commencer par « Total Motion » (« Singing songs to empty rooms / mostly to corners and doors ») ? En 2024 j’ai écouté Bonny Doon en boucle pour être réconfortée, et en 2025 c’est la discographie de Langkamer qui a pris cette place.

Je trouve difficile de faire un top des meilleurs albums/chansons de l’année (forcément ce sont mes chansons préférées de l’automne qui me restent en tête aujourd’hui, et je trouve toujours que « My Deezer year » reflète avant tout ce que j’ai écouté au printemps), mais voici au moins certains des albums que j’ai préférés cette année, sortis ou découverts en 2025 :

This is Lorelei, Box for Nuddy, Box for Star, Double Double Whammy (il vient de sortir un album-compilation, peut-être l’occasion de le voir enfin en concert).

Car Seat Headrest, The Scholars, Matador Records (je n'en reviens pas de ne pas les avoir découverts avant cette année : au moins il me reste une décennie d'albums à explorer).

Dove Ellis, Blizzard, Black Butter Records (l’album n’a même pas un mois, je sais déjà que je vais continuer à l’écouter en boucle en 2026)

Cameron Winter, Heavy Metal, Partisan Records (cet album a ponctué mon hiver, tout comme Getting Killed est la bande-son de ma fin 2025).

Pour ne pas laisser croire que mon bilan musical n’a qu’un seul parfum (la mélancolie), je me dois de mentionner « Bloom baby bloom », le premier single du dernier album de Wolf Alice : une chanson comme une armure, chaque note de piano donne le sentiment d’être invincible. C’est un des groupes que j’ai préférés voir sur scène cette année, pour l’énergie radieuse dégagée, et la joie de chanter en coeur « How can I make it Ok ? » avec tout le Zénith. Je suis toujours particulièrement touchée de l’affection qui parfois transparaît entre les membres d’un groupe, entre un-e artiste et son public. Cette année, je l’ai particulièrement ressentie devant Lescop à la Maroquinerie, et en admirant The Beths tisser une succession d’anecdotes pour présenter chaque membre du groupe (pendant un concert formidable du début à la fin, alors même qu’on venait de leur voler leurs instruments la nuit précédente).

2025 marque aussi la troisième année d’une espèce de tradition musicale : aller voir en concert au printemps un groupe, actif depuis les années 1990, dont j’apprécie quelques chansons, et passer les mois précédents à explorer sa discographie dans l’ordre chronologique. Tout a commencé par Yo La Tengo en 2023, Belle & Sebastian en 2024, et désormais Wilco en 2025. Peu de choses m’ont semblé aussi belles que l’enchaînement Wishful Thinking - Company in my back qui a ouvert le concert.

Enfin, ayant justement découvert The Golden Dregs en première partie d’Ezra Furman au Trabendo (2022), je repensais aux premières parties de cette année de concerts, en me demandant lesquelles resteraient avec moi. Tout le dernier album de Westerman est hypnotique, mais je recommande de commencer par « Adriatic ».

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é um desencontro natural

Plusieurs fois par an une chanson m’atteint au point d’envahir mes journées. Ce mois-ci c’était le cas de « Nada Mais », deuxième single du groupe anglais Of Iyrn, découvert en août grâce au label Joy of Life International. Même si « Nada Mais » représente une légère déviation - une chanson dans une langue que je ne parle pas, et par un groupe tout nouveau (même pas un an d’existence, deux singles publiés pour le moment) - j’ai eu envie d’écrire, pour retracer mon circuit habituel de l’obsession musicale, sur ces premiers jours de décembre passés à écouter la chanson en boucle.

Je me suis d’abord plongée dans « Nada Mais » juste pour l’envolée du refrain et ses chœurs magnifiques : comme souvent l’accrochage initial se fait sur un moment spécifique (je pourrais faire une liste de toutes ces chansons que je n'ai d'abord aimées que pour le refrain, en écoutant le reste de la chanson avec impatience, qu'arrive enfin ma partie préférée). Ensuite, au fil de ces deux semaines d’écoute obsessionnelle, mon intérêt s'est déplacé tout au long des cinq minutes de « Nada Mais » sans ordre ni logique, d’un fragment à l’autre (les toutes premières notes de guitare, la façon dont Alec Madeley chante « é um desencontro natural » avec douceur puis résolution). En ce moment j’aime la chanson pour son deuxième couplet : l’accélération instrumentale qui le lance, les paroles brèves et martelées (« nós dos no fim / caminhos cruzados / corpos calados »).

Justement, j’ai beaucoup pensé aux paroles de « Nada Mais » en commençant à l’écouter, curieuse de ce que je pouvais capter sans parler portugais. L’ambiance mélancolique et la répétition du mot « amor » donnaient quelques indices, qu’un texte de présentation sur Bandcamp est venu confirmer, amplifiant mon obsession (« romantic entropy », évidemment). Grâce à cette page et à quarante secondes d’une vidéo sous-titrée d’un de leurs concerts, je comprends à peu près la moitié des paroles, le reste demeure un quasi mystère. Dans ces moments d’obsession musicale, tout est bon pour apaiser ma curiosité : lire tous les commentaires Youtube, la moindre interview du groupe, arpenter leurs réseaux sociaux à la recherche d’extraits live. J’ai tellement regardé les quelques scènes de concert partagées par le groupe que je sais déjà quelle sera la gestuelle du chanteur, si j’ai la chance de les voir sur scène un jour.

Cette familiarité est toujours à double tranchant : à chaque phase d’écoute obsessionnelle je vois venir avec tristesse le moment où la chanson perdra de son pouvoir. Peu importe combien c’est inimaginable au pic de l’obsession : au mois d’avril il me semblait impossible que je ne puisse pas avoir envie d’écouter « A shot in the arm » cinq fois par jour, euphorique à chaque fois que le refrain commence. Toutes les chansons que j’ai écoutées passionnément intègrent ma vie et mes playlists pour de bon, sans jamais pouvoir retrouver l’exacte expérience de la découverte (rien n’égalera le souvenir de marcher sous la pluie au printemps 2024 en écoutant « Mad Sounds », avec l’impression d’être sauvée pendant le dernier tiers de la chanson). Au moment où j’écris ces lignes, je n’écoute plus « Nada Mais » tous les jours , mais encore assez pour avoir envie de raconter tout ce que m’a fait vivre une chanson dont le refrain dit en substance « je ne ressens plus rien ».

Pour finir, quelques chansons qui m'ont rendue dingue ces dernières années :

A shot in the Arm (Wilco)

Mad Sounds (Arctic Monkeys)

Long Wave (Bonny Doon)

Wounds of Love (Nation of Language)

Real Love Baby (Father John Misty)

You Can Have It All (Yo La Tengo)

Vista (The Golden Dregs)

City Music (Kevin Morby)

Drunk Drivers / Killer Whales (Car Seat Headrest)

Coffee (Hinds)

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"A whispered smile and it's got nothing to lose"

Cette dernière semaine de novembre, je l'ai passée tendue toute entière vers le vendredi 5 décembre, et la perspective de la sortie du premier album de Dove Ellis.

Au moment où j'écris ces lignes l'album m'est encore inconnu. Je voulais juste raconter cette toute récente découverte, la joie d'écouter trois chansons en boucle (les seules diffusées pour le moment) et d'en décortiquer les paroles, l'anticipation du futur album, d'un éventuel concert en France. 

Comme à chaque nouvelle découverte musicale j'ai le sentiment que je devais rencontrer ces chansons à ce moment précis. (En mettant de côté les explications logiques : labels communs aux artistes, groupes mis en avant par les publications que je lis régulièrement, effets de l'algorithme), d'abord pour coller à la saison : la pochette hivernale à souhait, la mélancolie des chansons, la neige comme un motif récurrent des paroles de "Love Is". 

Et aussi l'impression d'avoir trouvé cet artiste par un chemin de groupe en groupe, comme si mes goûts musicaux convergeaient forcément pour que j'écoute et que j'aime Dove Ellis. Qui vient de tourner en première partie de Geese - dont j'attends le concert en mars avec impatience - et a joué avec The Golden Dregs cette année en Angleterre. 

Cet espèce de karma musical finit par me faire voir des signes dans le moindre détail. En lisant les paroles de "Pale Song", je me suis demandée si le mot "scythe" était à la mode dans les paroles de rock anglais cette année - j'ai beaucoup écouté la chanson du même nom de The Last Dinner Party cet automne, parfaite pour marcher vigoureusement dans la rue en balançant un parapluie. 

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Comprendre de quoi ça parle (« I'll devastate you, it's true »)

Cette semaine j’ai envie d’écrire sur Waxahatchee. Déjà parce qu’elle a sublimement repris la déjà magnifique chanson « Where’s your love now » pour la radio KEXP. Une petite dose d’émerveillement bienvenue, qu’une artiste adorée reprenne une chanson écoutée en boucle (l’album de This is Lorelei a accompagné une bonne partie de mes trajets en bus depuis le printemps).

Ensuite parce que j’ai tendance à accorder aux paroles de chansons une importance démesurée (sûrement la faute aux études de lettres et à mon incapacité à débrancher mon cerveau). Ado j’ai passé des heures à lire et à mémoriser des paroles de chansons (souvent à partir des traductions amateures de lacoccinelle.net). Encore aujourd’hui en écoutant de la musique je veux toujours comprendre de quoi ça parle. Les artistes comme Waxahatchee sont un défi pour moi, quand les paroles ont quelque chose de toujours énigmatique, et qu'il est impossible de résumer en deux phrases de quoi parle la chanson.

J’ai commencé à écouter Waxahatchee en juillet 2023, après un concert de Kevin Morby (je pourrais écrire un texte entier sur ces artistes qui m’en ont fait découvrir tellement d’autres, à force de lire toutes les interviews possibles pendant une phase d’obsession). L’album Saint Cloud est encore aujourd’hui associé à une semaine d’inventaire au travail, toute seule dans une pièce à ranger des placards en écoutant chanson sur chanson. Dans les mois qui ont suivi, j’ai assez écouté Saint Cloud puis Tigers Blood en allant au travail qu’à chaque morceau correspond un bout précis du chemin (la fin du quai à Saint-Lazare pour « Crimes of the heart », l’entrée dans la cour de l’immeuble pour sa reprise de Dolly Parton).

Et je ne peux pas m’empêcher de comparer ma perception de ces deux artistes. J’adore Kevin Morby pour plein de raisons, mais le fait de s’interroger sur le sens de ses paroles n’en fait pas partie. Avec Waxahatchee j’écoute d’une oreille extra attentive, comme s’il fallait percer les secrets de son écriture. Je me rappelle d’une interview pour NPR qui abordait la façon dont elle écrivait, de son énonciation jusqu’au choix du nombre de syllabes à chaque ligne. Le refrain de Crowbar en est un parfait exemple.

Si j'ai eu envie d'écrire à ce sujet, c'est aussi que le mystère que je prête aux paroles de Katie Crutchfield a récemment été chaviré par cet article de Jenn Pelly, qui suit la musicienne en tournée, et lui donne la parole en détails (notamment sur ce qui a inspiré certaines chansons du dernier album). Je ne crois pas à l’intérêt d’un prisme 100 % biographique qu’on viendrait plaquer systématiquement sur un-e artiste. Mais cette lecture m’a donné envie de réécouter ses chansons avec un regard nouveau, à commencer par 3 Sisters (« It plays on my mind, how the time passing / Holds you like pocket change »).

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Pourquoi écrire sur la musique

En novembre 2024 j’ai lu pour la première fois Perfect Sound Whatever, un livre de l’humoriste anglais James Acaster dans lequel il raconte son (horrible) année 2016 et la façon dont il s’est réfugié dans la musique, au point d’écouter 366 albums sortis cette année-là.

Étant une personne qui regarde ses spectacles « Repertoire » à peu près une fois par an comme un remède à la tristesse, et qui n’aime rien plus que les récits autobiographiques avec des chansons dedans, j’avais le pressentiment d’un livre fait pour moi. Parmi les joies de cette lecture, la découverte de Car Seat Headrest (un groupe dont les chansons m’ont fait me demander comment j’avais existé sans elles jusque-là, un sentiment dont j’aurai sûrement l’occasion de reparler), et ce passage sur le rapport à la musique :

« Everything else I liked about music I was unable to articulate, it was all so abstract and didn’t make sense to me – it still doesn’t in many respects. I can’t still fully comprehend how a group of notes strung together can cause specific emotions to occur in my human body whenever I hear them and make me feel understood in a way I don’t understand. Maybe if I did understand it, then the whole thing would be ruined or maybe it’d be even better and I could harness that power and never feel alone again ».

A l’inverse du cinéma et de la littérature, parler de musique me semble bien plus difficile (et plus personnel). J’ai l’impression de ne jamais avoir le bon langage . Peut-être, comme le suggère Acaster, que la magie des chansons vient justement de ce mystère : si je savais expliquer ce qui me rend capable d’écouter en boucle Vista de The Golden Dregs (un merveilleux groupe anglais, trop peu connu), est-ce que la chanson perdrait son pouvoir ?

Et forcément je suis fascinée par la façon dont on écrit sur la musique. Les mots employés, les images mobilisées pour décrire la texture d'une chanson ou caractériser un genre, un style. Écrire sur la musique (encore plus celle que j'aime) me semble d'une difficulté singulière et j'admire celles et ceux qui y parviennent. Encore plus quand il s’agit de prendre les chansons comme des objets émotionnels, en les plaçant dans un paysage de lieux et de souvenirs, de larmes et de pas de dance. Je voudrais ici écrire sur ce mode-là (j’annonce la couleur pour évacuer la question de ma légitimité à parler musique, et mettre à distance la figure du critique érudit qui balance mille termes techniques à la minute : si je suis quelque chose, c’est une fangirl avant tout).

Pour les personnes qui auraient remarqué que toutes les œuvres littéraires citées pour le moment (James Acaster, Summer Pierre) tournent autour de consolation musicale quand on se sent au fond du trou, bravo, ce sera clairement le thème de ce blog.

(Je me souviens d’un meme partagé par l’autrice Alicia Thompson sur Instagram, disant « what is musical taste if not high school trauma persevering ». Je souscris totalement à cette thèse : mon adolescence ayant été en partie passée à écouter The Smiths et à lire les Inrocks au CDI du lycée, vous voici prévenu-es de la ligne éditoriale).

Espérons que les dernières années passées à faire des collages de paroles de chansons sur Tumblr aient été un bon entraînement : je passe maintenant à un blog dédié, sans aucune idée du rythme ou de la pérennité de la publication. Je crois les doigts pour que ce premier post réussisse à vous donner une idée des thèmes et des genres musicaux qui apparaîtront ici, et l’envie de revenir.