Psicófono

La música se disfruta como un cigarrillo

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En Sinfonía

Yo no se mucho de orquestas. No se cual es una orquesta de cámara o una orquesta sinfónica: para mi todas son iguales.

En los últimos años han proliferado discos de algunas bandas o artistas que deciden tocar junto a una orquesta y es una propuesta que me gusta mucho. El último de estos proyectos es el de “Rock en tu idioma sinfónico”, un disco que junta a integrantes de bandas de rock como: Caifanes, Fobia, Los Enanitos Verdes, Los amantes de Lola; con una orquesta sinfónica.

Yo apoyo por completo estas propuestas porque le da un sonido diferente a las canciones que todos conocemos y coreamos en las fiestas, o cantamos en nuestro carro. 

Uno de los discos que mas me gustan dentro de este “género” (si se le puede nombrar así) es el de “S&M” de Metallica, un disco en vivo donde la banda toca sus canciones junto a la orquesta filarmónica de San Francisco (ciudad en donde se originó la banda). Dado que el metal en general y la música clásica tienen muchos puntos en común no es difícil imaginarse esta combinación. Sin embargo existen también combinaciones un poco más fuera de lo normal como la de los Ángeles Azules sinfónico en donde lo más dificil era decidir si lo escuchabas sentado como a las orquestas, o te parabas a bailar las cumbias. 

Así como hay veces en las que grupos tocan con orquestas también las orquestas tocan canciones que comúnmente no tocarían sin apoyo de ninguna banda.

En el año 2010, la Orquesta de las Américas tocó en el Ángel de la Independencia, canciones del género regional mexicano acompañada de Natalia Lafourcade, Denisse Gutierrez y Eli Guerra, 3 grandes cantantes mexicanas, como parte de las celebraciones del bicentenario de la independencia de México. Otro ejemplo es el set que preparó la Orquesta Nacional de Bélgica para el Tomorrowland 2015 en donde tocaron canciones de música electrónica de diferentes DJ’s, entre los que se encontraban Avicci, Calvin Harris, entre otros.

Hoy en día hay  gente que no gusta de las orquestas porque las tacha de aburridas, sin embargo, estos conjuntos musicales son (por obvias razones) los más completos y flexibles que existen, ya que no solamente pueden tocar los clásicos que todos conocemos, sino que pueden hacer cosas como las que les mencioné en este pequeño texto.

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Los 2 tonos especiales

Hace aproximadamente 1 año, fui a mi primer vive latino con mis amigos y algunos de ellos querían ver a The Specials, una banda de ska que yo no conocía en ese momento. Por razones que no recuerdo no los vimos y una amiga dijo “no van a volver a venir”. Efectivamente, su baterista murió el año pasado y no espero que vuelvan.

Hace aproximadamente 2 meses, mientras buscaba un tema para escribir en este blog, una amiga (no la misma del párrafo de arriba) me dijo: escribe sobre el Ska, pero sobre el “2 tone”. Para mí, todo el género suena muy parecido, si no es que igual; pero eso porque, aunque me gusta, no soy super fan de él.

Al fin, 2 meses después me di a la tarea de investigar un poco sobre este sub-género del Ska, y encontré un documental de Noisey, (la cadena musical de Vine) en donde, justamente, trataban la historia de este género y en lo que se ha convertido.

EL 2 tone Ska nace en Londres en los 70´s como una respuesta a los problemas de racismo que existían en esta ciudad. Mientras los blancos protestaban con el punk, que empezaba a surgir, los negros buscaron hacerlo también. El problema es que la música que escuchaban (reggae) no era lo suficiente fuerte ni violenta para protestar, por lo que decidieron volverla más imponente. 

Los jóvenes blancos, que habían vivido en barrios junto con los negros, y no tenían absolutamente nada contra ellos, decidieron crear bandas conjuntas, en donde se mezclaban los ritmos del reggae con los del punk, dando como resultado el 2 tone. Tocado por bandas de 2 tonos: blanco y negro.

El 2 tone surge como una protesta contra el racismo por parte de la clase trabajadora y así ha seguido siendo. Uno de estos grupos que iniciaron con el género son “The Specials” (el primer párrafo no lo puse nomas porque si). género que ha ido cambiando y se ha ido expandiendo hasta China, Dinamarca y que es muy bien conocido en latinoamérica. Con grupos como Panteón Rococó, inspector, la Maldita Vecindad, los Skatalites, Tokio Ska Paradise Orchestra y muchas otras que no conozco, el género se ha posicionado como unos de los principales en música de protesta y de fiesta, porque seamos sinceros: ¿a quién no le gusta meterse al slam al ritmo de los metales de una banda de Ska?

Les dejo el link del documental por si quieren saber mas del 2 tone: https://www.youtube.com/watch?v=AGV6i8kiOHw&index=3&list=WL

También un conteo de las mejores bandas de ska: https://www.youtube.com/watch?v=6UCjUdTyr1w

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Rebeldia Musical

El pasado lunes fue la 58va entrega de los premios grammy, los cuales premian a lo mejor de la música comercial en distintos géneros. Los grammys son un evento que cada año espero y sin embargo, este año no los vi; puede ser que no los haya visto porque fueron en lunes (¿Que demonios?) o tal vez porque la mitad de los artistas que ahí tocan o aparecen no me gustan o de plano no los conozco.

Sin embargo, aunque no los conozco, por medio de las redes sociales me entere de algunas cosas que pasaron y de las quejas de la mayoría. ¿Será que el genio musical se ha estado yendo desde las prematuras muertes de algunas leyendas como Bowie? (al que por cierto le hicieron un tributo). ¿O será que los verdaderos “Grandes Genios Musicales” han empezado a moverse por rutas diferentes a las que siguen los grammys? Tal vez muchos me dirán que siempre lo han hecho, pero entonces ¿Por qué comúnmente medimos el talento con el número de grammys conseguidos? Esto no significa que los grammys sean falsos o premien solo la popularidad, sin embargo, es posible que la rebeldía musical que muchos ya habíamos empezado a desarrollar ha alcanzado a la mayoría de las personas.

Si esto es bueno o es malo, no lo se; lo bueno es que la gente empiece a abrir sus oídos a nuevas propuestas y empiece a criticar lo que no le gusta.

Tal ve estoy exagerando todo esto y nada de lo que estoy diciendo sucedió en realidad, ya que como todo en la vida, cada quien crea la suya. O tal vez estoy siendo dramático. Espero que no y que esa rebeldía musical que alcanzo a la gente en los 60s y 70s nos vuelva a alcanzar

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¿Triunfos robados?

El domingo pasado en la ciudad de San Francisco California se jugó el Súper Bowl número 50, como ustedes deben de saber, en el medio tiempo de este evento que se da cada año, algún artista de renombre hace un espectáculo.

Se estipula que cada año más gente mira el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl que el partido mismo; y no es extraño, ya que no a todas las personas les gusta el fútbol americano, sin embargo a todos nos gusta la música.

Este año hubo una situación que a mi me pareció polémica: se tenía planeado llevar a Metallica, ya que ellos son de San Francisco, sin embargo la banda de thrash metal no actuó porque se rehusó a tocar junto a otros artistas entre otras cosas. En lugar de Metallica, toco la banda británica Coldplay, una banda que a mi me gusta mucho, el problema es que yo esperaba ver más a Coldplay y no a sus invitados: Bruno Mars, que ya había tenido su actuación en el Super Bowl hace 2 años y Beyoncé, que lo había hecho hace 4. Por lo tanto, ¿De quién fue el espectáculo? ¿Del hawaiano que cantó la misma rola que hace 2 años o de la nombrada “Queen B” que le copió el vestuario al rey del pop? ¡los anuncios y banners decían Coldplay! 

No se si esta situación se dio por parte de la misma banda o fue algo de la organización de la NFL. En este caso le doy la razón a Metallica (una banda que también me gusta mucho) ¿Porque anuncian a una banda si los artistas invitados le van a quitar el spotlight? mejor anunciamos que van a estar los 3, ya que ahora ni siquiera sorpresa es. Afortunadamente Metallica dio un concierto un día antes como -quiero creer- protesta.

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De regresos

Siempre existen bandas que se desintegran, sin embargo, después de algunos años anuncian su regreso y todo el mundo explota de emoción. el año pasado vimos el regreso de los Libertines con el disco “Anthems for a doomed youth” y participaciones en distintos festivales; este año veremos el regreso de “The last shadow puppets” y Damon Albarn ya anunció el regreso de Gorillaz.

El primero de estos tres regresos fue uno que ya se veía venir desde hace varios años y que se completó cuando tocaron en Glastonbury, lugar en donde presentaron algunas nuevas canciones. Siguiendo esto, el disco salió en septiembre y causó mucho revuelo.

El segundo también causó mucho revuelo porque la gente ya se preguntaba que hacía Alex Turner y por qué los Arctic Monkeys no habían sacado algo en tantos años, ahora se sabe y actualmente estamos esperando un nuevo disco de este dúo hecho por Miles Kane y Alex Turner.

De Gorillaz no se sabe mucho y no se si pueda contar como un regreso, pero el punto de todo esto es que muchas veces las bandas se dan por muertas cuando en realidad solamente se tomaron un tiempo; o los integrantes se pelearon y en el momento en el que se arreglan la banda regresa (cosa que no pasara con los Gallagher).

Así mismo hay bandas que se desintegran y nunca vuelven a tocar juntos. (Oasis), a veces es porque los integrantes no se entienden o porque simplemente se acabó el tiempo de la banda.

En fin, bandas van y vienen y regresan y se quedan, así que no lloren cuando su banda favorita se desintegra, es posible que regrese. O no.

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Soundtrack

Todos hemos visto películas, y existen algunas en las que la música juega un papel tan importante que las define. Como olvidar la escena final de “The Graduate” en la que el autobús se va con “The Sound of Silence” de Simon and Garfunkel; o”Real Hero” al final de Drive.

Para hablar de esto, debemos de primero dividir en dos: El Score y el soundtrack. El score se refiere a la música instrumental que es escucha durante la pelicula, mientras que el soundtrack es la musica que la acompaña o que suena -sin ser instrumental- durante el largometraje.

Existen scores de películas que brillan por si solos como el the “The Social Network” por Trent Reznor y Atticus Ross, los cuales también hicieron el score para “The Girl With the Dragon Tattoo”. Otro de los scores que vale la pena resaltar y últimamente ha sido muy nombrado es el de “Birdman”, hecho por el mexicano Antonio Sánchez, el cual esta compuesto solamente por batería.

Por el lado de los soundtracks podemos encontrar a prácticamente todos los de Disney, aunque mi favorito es el de Tarzán. Otros dos de los soundtracks que más me gustan son los de las películas de “Nick & Norah: Una Noche de Amor y Música” y “The Perks of Being a Wallflower” en donde sale como protagonista la canción “Heroes” de David Bowie.

Ademas de esto, existen compositores que ya son reconocidos por los scores que componen y por su calidad como Hans Zimmer, multiple ganador del Oscar por sus scores. También hay algunos que son reconocidos por siempre trabajar con un director, tal es el caso da Danny Elfman que siempre trabaja con Tim Burton.

En fin, todos tenemos películas con soundtracks que llegan a nuestra alma y que hablan por si solos, independientemente de la película. ¿Cuales son los suyos?

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Música para llevar

Desde el inicio de la era digital y la aparición de las computadoras y sintetizadores, la música se ha hecho mas compacta, normalmente se habla de esto en la cuestión de la escucha de musical, pero muy pocas veces se habla de la manera en la que los músicos y productores hacen música. en lo general, se habla de como el acetato paso al cassette y después al CD y el MP3, y aunque en la portabilidad de hacer la música existen capítulos perdidos o el cambio ha sido menos bruscos también se debe de ver que no se hace de la misma manera que hace 20 o 10 años.

Recuerdo una parte de la película de “Nick & Norah: una noche de amor y música” en la que habla de que cualquier estúpido con una computadora puede lanzar su EP. y es cierto, no se nos hace extraño pensar en los grandes estudios con sus mesas de control Neve y sus miles de micrófonos, cuando en realidad los estudios que no son tan lujosos están dentro de dos cuartos pequeños y con mucho reducido a la pantalla de una computadora.

Si bien es imposible hacer un cambio al cien por ciento a lo digital, existen instrumentos dentro de un estudio que han sido reemplazados por su similar digital. reduciendo en espacio los estudios de grabación.

No solo la grabación o producción se ha hecho mas pequeña, también los instrumentos electrónicos lo han hecho. Por obvias razones los instrumentos acústicos no pueden hacer esto sin embargo cada día podemos ver drum machines, sintetizadores e incluso guitarras eléctricas que puedes cargar dentro de tu mochila. Así mismo abundan los comerciales para estos instrumentos que te hablan de que puedes hacer música en donde sea y aunque si resulta cierto, siempre será mas fácil hacerlo en el estudio

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De muerte, Marte y whiskey

El año 2016 o hemos empezado con el pie izquierdo. Han muerto dos grandes genios musicales Lemmy (bajista y cantante de Mötorhead) y David Bowie (todos conocen a Bowie).

Antes de terminar el año pasado, todos vimos una nota que creímos era parte del día de los inocentes, desgraciadamente no lo era y todos los amantes del rock pesado lloraron la muerte del amante del Jack Daniel’s: Lemmy Kilmister 

Dos semanas después nos despertamos con una noticia igual de impactante, David Bowie murió. y todos los fans del marciano que había llegado a este planeta para regalarnos música, se fue.

El 2016 ha empezado con la muerte de estos dos grandes en su rubro, y mucha gente lo sufrió, a tal punto de que una persona quiso suicidarse después de enterarse de la muerte de Bowie.

Al mismo tiempo de esta noticia, leí un articulo en la revista digital Thump que habla sobre la manera en la que la música dance se ha quedado estancada. Es por esto que pensé sobre la renovación de los ídolos musicales: nos hemos quedado estancados en los ídolos además de en la música electrónica, no digo que debamos olvidar a los personajes como Bowie y Lemmy, sin embargo deberíamos de agarrar nuevos ídolos, escuchar nuevas propuestas y empezar a adorar a los artistas nuevos que podemos escuchar de distintos lugares en el Internet.

En fin, los dejo pensando eso para que reflexionen sobre sus ídolos y busquen nuevos.

-----Cuervo-----

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Reseña #4. Los Mesoneros

¡Hola, cabezas!

En la reseña de esta semana les quiero presentar a una banda venezolana: Luis Jimenez (voz y guitarra), Juanchi Sucre (coros y guitarra), Andres Belloso (bajo), Carlos Sardi (sintetizadores) y Andres Sucre (batería), son los nombres de quienes integran a «Los Mesoneros».

Esta banda que inició en 2006, tiene un disco que no puedo dejar de escuchar y sin duda es un indispensable en mi reproductor: «Indeleble», un álbum -grabado en 2010- compuesto por 11 canciones en las que el rock alternativo persiste; recuerdo que incluso pusieron el disco en descarga gratis. Gracias a dicho álbum, «Los Mesoneros» fueron nominados a los «Latin Grammys» en 2012.

A diferencia de los álbumes que les he presentado anteriormente, «Indeleble» es perfecto para aquellos que disfrutan a bandas como «Thermo», «Disidente» o «Los Daniels». Una banda que definitivamente se mueve en el género del rock.

Para terminar solo les compartiré cuales son mis piezas favoritas del álbum: «Ya no estoy» -por la letra- «Aquí sigo» y «Cicatriz». Recuerden que siempre agradecemos sus opiniones y no se pierdan «Psicófono» todos los jueves a las 8:00 pm.

Página oficial de Los Mesoneros

----- Erick Monstro -----

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Viñetas #1. Pop! London (Vertigo) [2003]

¡Hola, cabezas!

Se imaginan que después de un buen viaje con marihuana, puedan cambiar de cuerpo? Imaginen poder trasladar su alma al cuerpo de cualquier persona. Pues justo de eso trata Pop! London, una historieta de Vertigo escrita por Peter Milligan e ilustrada por Philip Bond, Warren Pleese y Nathan Eyring.

Rocky Lamont es una leyenda del rock, ya retirado de la escena, que a sus sesenta años descubre que no hizo nada que lo haga sentir orgulloso; pero después de ver un video que grabó durante su cumpleaños número treinta, recuerda que existe una manera de volver a intentarlo; solo necesita a un adolescente lleno de energía y sediento de más Rock N' Roll, como Sean Cody. Es así como empieza toda la aventura de Lamont por intentar ser un joven músico, de nuevo, e intertar ser lo que queria a los treinta.

También hay que resaltar la cantidad de referencias que este cómic hace de la escena musical en Londres a partir de la década de los sesentas. Una muy buena recomendación dentro del mundo de los monitos, si no les apetece leer más sobre superhéroes.

(Quiero una sorpresa)

----- Erick Monstro -----

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erickelmonstro

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Reseña #3. Will Butler

¡Hola, cabezas!

Si el apellido de este músico les es familiar, se debe a que es hermano de Win Butler y si todavía no les ha quedado claro que quién se trata, pues es nada más y nada menos que integrante de Arcade Fire.

El 3 de marzo de 2015 salió el álbum «Policy», un disco donde Will debuta como solista. El material que esta compuesto por ocho canciones puede llegar a sonar mucho como Arcade Fire, e incluso tiene sonidos que recuerdan a The White Stripes, pero no por eso pierde su encanto.

En esta nueva aventura musical, Will Butler no va solo; Jeremy Gara, el baterista de Arcade Fire, lo acompaña.

Este álbum es excelente para escucharlo si quieres relajarte, sus ocho composiciones tienes una gran variedad de sonidos pero cada uno de ellos tiene como propósito ser parte de un todo. Mis piezas favoritas: por supuesto «Anna» -primer sencillo del disco, donde destaca la participación de Emma Stone, en el video- y «Witness» -última del disco.

Página oficial de Will Butler

----- Erick Monstro -----

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Reseña #2. Buscabulla

¡Hola, cabezas!

¿Quién es Buscabulla? Raquel Berrios y Luis Alfredo Del Valle son los nombres de la pareja a cargo de este proyecto; provenientes de Puerto Rico, iniciaron su carrera en julio de 2010. El material del que hablaré aquí es su EP, lanzado en mayo de este año que se nos va; lo componen cuatro canciones: «Caer», «Métele», «Temporal» y «Sono».

Ellos mismos definen su sonido como: «música caribeña del futuro». Y justo es así como suena; hay en las melodías un marcado sonido de la música del Caribe, pero suavizado; la voz de Raquel Berrios, sin embargo, llega a parecerse a la de Natalia Lafourcade, pero no por eso deja de seducir. Las letras en cada una de las cuatro pistas, son bastante simples. Sin duda surgen como una gran revelación de Puerto Rico.

Mi canción favorita: «Caer»; pero donde el sonido caribeño persiste es durante la última pieza del EP: «Sono».

Página de Buscabulla

----- Erick Monstro -----

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Ocupen su Local-idad

Todos los músicos sabemos que los grandes proyectos, aclamados por los críticos y artistas, comenzaron de una manera local. También sabemos que los programas como “The Voice” o “American Idol” pocas veces crean fenómenos como One Direction y casi nunca propuestas musicales diferentes y frescas. Así que sabiendo esto hago la pregunta ¿se apoya a la escena local? 

Desde hace ya varios años he ido a diferentes tocadas dentro de la ciudad y concursos o batallas de bandas, unas muy “underground” y otras muy “hipster”, pero de lo que me he dado cuenta es de que a excepción de el gremio de músicos que asisten, las demás personas solamente van a apoyar a sus amigos.

Esto es generalizado, en todos los tipos de tocadas a las que he asistido se puede ver esto, obviamente en algunas más que en otras, sin embargo, el fenómeno no cambia entre tocadas al menos en esta ciudad.

Todo el mundo espera ver a los siguientes Beatles en alguna tocada; algo que los mueva de una manera extraordinaria y, aunque normalmente no sucede, no lo sabremos sino vamos a las tocadas y apoyamos a los artistas locales que nos gustan. Así que investiguen a las bandas que les gustaron de la tocada, salgan y hechense unas chelas escuchando a una banda de la colonia, porque quien sabe si después tengan que pagar cientos de pesos para ir a verlos.

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Reseña #1. Baio

¡Hola, cabezas!

Primero una breve presentación: me llamo Erika e intentaré escribirles sobre dos tópicos: música y cómics. Encontrarán breves reseñas sobre discos y de vez en cuando lo relacionaré con las historietas, lo prometo... Entonces, ¡a darle!

Seguramente te sonará más familiar el nombre de este proyectos si lo relacionas con Vampire Weekend: Christopher Baio es el bajista de la banda proveniente de Nueva York. Este 2015, Baio, decidió que era tiempo de mostrarnos el fruto de su proyecto en solitario; así, en septiembre salió a la luz "The Name", un álbum compuesto por nueve canciones cargadas de mucho ritmo.

¿Qué puedes esperar de esta producción? Se puede llegar a escuchar muy similar a lo ya hecho por Vampire Weekend; sin embargo Baio intenta marcar la distancia entre ambos proyectos. El sonido en "The Name" es versatil: en cortes como "I was born in a Marathon" se aprecia una cambio gradual en la música, mientras que en "Need" lo que escuchamos son los mismos ritmos durante tres minutos y medio al no haber mucha experimentación en el uso de instrumentos; por otra parte, el sencillo "Endless rhythm" -que tiene algo del sonido caracteristico de Vampire Weekend-, "All the idiots" -una pista de siete minutos- y "Scarlett" nos muestran una mayor diversidad de sonidos que se acomplan muy bien a su voz.

En general, el disco es agradable y repleto de armonías y teclados, muy bailable. Sin duda mi pieza favorita del disco es "Scarlett". Y ustedes, ¿qué opinan?

Página de Baio

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Desconectados

Desde que tengo conocimiento de que existen, he sido fan de los “MTV Unplugged”, estos conciertos que tienen como principal característica el que las bandas tocan con instrumentos acústicos o que no necesitan cables para sonar. De ahí el nombre “Unplugged” (desconectado en español). Aunque últimamente esto se ha desvirtuado un poco.

Mi primer acercamiento con estos conciertos fue la canción “Matador” de los Fabulosos Cadillacs, la cual yo creía que solo había versión unplugged hasta que descubrí la original años después, a partir de ahí escuche el de Café Tacvba y entendí el concepto de estos conciertos. A partir de ahí me empezaron a gustar los “Unplugged” de MTV.

“Todos los Unplugged son excepcionales” es una frase que siempre digo cuando hablo de estos conciertos, frase que vino a contradecir Pepe Aguilar con el suyo que, si bien no es malo, no es excepcional (podría haber sido un buen primera fila). Reafirmando mi tesis encontramos conciertos de artistas como: Soda Stereo, Pxndx, Eric Clapton, Los Tigres del Norte y, el que a mi parecer es el mejor, Zoé.

Cuando les digo esto a mis amigos, inicia una serie de improperios hacia este pensamiento, pero mi razón para decir esto es que musicalmente esta muy bien hecho, la cantidad de instrumentos utilizados es enorme y todos se escuchan en una completa armonía, ademas de utilizar algunos muy extraños como el robotito danés o incluso cosas que no son instrumentos. El único pero que le puedo poner a este Unplugged es el que se usaron sintetizadores, cosa que rompe con la mística.

En fin, si no conocen estos conciertos, búsquenlos, ya que son sinónimo de calidad en las versiones recreadas. Los últimos que han salido son el de Placebo y Enrique Bunbury, artistas que sabemos nos entregan contenido de calidad.

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Covers

Por definición, un cover es la versión de una canción hecha por un artista diferente al que la grabo originalmente.

Desde el inicio de la música se han hecho covers, las razones pueden variar, ya sea por querer hacer lo mismo que un artista al que se admira, porque es más fácil que componer canciones propias, porque te gusta la canción o simplemente por diversión. Así como se han hecho covers de muchísimas canciones por muchísimas razones, también todas las personas que tocan algún instrumento han hecho covers. Entre las canciones que todos los guitarristas se saben porque empezaron a tocar con ellas están: Smells Like Teen Spirit de Nirvana, Enter Sandman de Metallica (menos el solo) y Seven Nation Army de The White Stripes, entre otras.

En últimos años, a las bandas en México les ha dado por repudiar los covers y negarse rotundamente a hacerlos; ¿cual es la razón? probablemente tiene que ver con que todas las bandas inician tocando covers, así que al hacer uno sienten que estan haciendo algo menor a lo que sus “grandes capacidades como músicos” pueden lograr.

Sin embargo, dentro de la música en ingles, hay una incontable cantidad de covers, desde los que son horrible y duele oírlos, hasta los que son una delicia y suenan mejor que la canción original; a veces, estos llegan a ser más famosos que las canciones originales como I Will Always Love You de Whitney Houston (estoy seguro que ni siquiera sabían que era un cover). 

Actualmente, en youtube podemos escuchar covers con una calidad impresionante de bandas o personas que no pueden considerarse “famosas” más allá de la pantalla como Voice Avenue o One Night Only, así mismo, en el canal de BBC Radio 1 podemos encontrar a artistas famosos haciendo covers de otros artistas, covers que comúnmente se escuchan bastante bien.

En fin, yo pienso que poder re-interpretar una canción y adaptarla a tu estilo musical habla en realidad de que tan buen músico eres y , por lo tanto, los covers deberían ser una herramienta más en el arsenal de los artistas.

¿Han escuchado algún cover que les guste mas que la canción original? ¿Que covers han hecho ustedes?

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Hype Latino

Cada año, en el Foro Sol de la ciudad de México se realiza el festival más grande de música  y cultura iberoamericana, llamado “Vive Latino”.

El festival inició en el año de 1998 y fue toda una sorpresa, ya que era el primer festival a gran escala que se hacia en el país. Después de las 17 ediciones por las que ha pasado el festival, ha tenido a grandes exponentes de los diferentes géneros de habla hispana, entre los que han pasado: Paquita la del Barrio, Los Caligaris, Molotov, Cafe Tacvba entre otros. En sus últimas ediciones también han participado grupos anglosajones, tales como Interpol y The Vaccines. Lo cual nos trae al tema en cuestión ¿En que se ha convertido el Vive Latino?

El llamado “festival iberoamericano de cultura musical”, en los últimos años ha dejado de ser completamente iberoamericano con el afán de atraer a más personas. Pudiéramos decir que los organizadores insisten en traer a bandas que no son de Iberoamerica porque no existe algún escenario así de masivo para ellas; sin embargo, existe el Corona Capital, festival organizado por esta misma razón.

Desde la aparición del festival “Corona Capital”, los festivales en México han levantado un “hype” tal que la música ya no es la protagonista de estos mismos. Los Festivales se han convertido en una gran pasarela para pseudo-hipsters cheleros.

Esta tendencia no dejo pasar por alto al Vive Latino, el cual también la sufrió. Después de, por varios años, ser un festival para “la banda” en donde se reunían los diferentes grupos contra culturales del país, el Vive Latino se ha convertido en un punto de encuentro de adolescentes con dinero y gusto por las modas fuera del “Mainstream”.

Podemos hablar también de la manera en la que los espectáculos ofrecidos por las bandas han aumentado en calidad y como las bandas de España y otros lugares poco considerados para el festival se han visto cada vez más presentes.

Sin embargo no nos cansamos de seguir el “hype” que genera este festival y veremos que bandas se presentaran para el 2016, ya que el cartel se presentara el 30 de Noviembre de este año. Otra razón para quejarse del “hype” de “el Vive”

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