SALÓN

A salon is a gathering of people under the roof of an inspiring host, held partly to amuse one another and partly to refine the taste and increase the knowledge of the participants through conversation

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Agnès Pe/Claudia Rebeca Lorenzo Curated by Neme Arranz//// Julio 2018

Una operaria. Una operaria sindicada. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche a comienzos de verano. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche a comienzos de verano del año 2009. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche a comienzos de verano del año 2009 con Lady Gaga sonando por los cascos de su iPod. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche a comienzos de verano del año 2009 con Lady Gaga sonando por los cascos de su iPod. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche a comienzos de verano del año 2009 con Lady Gaga sonando por los cascos de su iPod que piensa que esta vez sí. Una operaria sindicada supervisando la extrusión de un chicle de color rosa en una fábrica del extrarradio madrileño durante el turno de noche a comienzos de verano del año 2009 con Lady Gaga sonando por los cascos de su iPod que piensa que esta vez sí, que Bad Romance sacará de su cabeza Dragostea Dintei.

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Aunque ambas son amigas y transitan un mundo de referencias comunes, la forma en que las artistas Agnès Pe y Claudia Rebeca Lorenzo abordan sus respectivas prácticas es bien distinta. Si Pe desarrolla sus proyectos en torno a investigaciones concretas, estando la formalización de las mismas enteramente al servicio de la idea a comunicar, Lorenzo hace del proceso y la materialidad de las piezas principio y fin de su trabajo. Así, en la exposición que nos ocupa hay una aproximación a la escultura desde posiciones que podríamos considerar antagónicas. Las esculturas de Agnès Pe son ready-mades que la artista interviene únicamente para insertar amplificadores que programa con playlists (que son a su vez ready-mades inmateriales, pues se trata de compilaciones encontradas en internet). Las piedras y macetas que aquí vemos son usadas generalmente en hostelería para poner música en el exterior de forma discreta, siendo la intención que los reproductores queden mimetizados en el paisaje y pasen desapercibidos. En el contexto expositivo, no obstante, estos objetos se ven re-significados como esculturas que operan como soporte de los temas musicales sobre los que se interesa la artista, temas hiper-radiados que a menudo participan del síndrome de la canción pegadiza, y que a su vez han sido utilizados repetidamente por diversos ejércitos como instrumento de tortura con prisioneros de guerra. Esta llamémosla "escultura por accidente" contrasta con la que conforma la obra de Lorenzo. Reivindica ésta la autonomía material y significante de las formas, la potencia del gesto puro. Sin remitir a un contenido simbólico concreto, sus intervenciones ocupan el espacio desbordándose por el mismo sin respetar los límites que deberían/podrían contenerlas. cabeza FRENTE cabeza; suelo, techo, pared. Su experimentación técnica y espacial la acerca así a otros escultores con los que comparte la metodología del "ir haciendo" para posteriormente reflexionar sobre lo hecho. Dice Lorenzo que sus dibujos tienen condición de escultura, y sus esculturas condición de dibujo. A mí esto me remite a Oteiza y su recordatorio de que "arte" y "trampa" son en euskera la misma cosa, y me lleva de vuelta a Agnès con sus piedras y sus macetas de mentira, un kitsch infinito y reconfortante capaz quizás de engañar a los humanos, de engañar hasta a los pájaros.

Texts by Neme Arranz

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ELEPHANT IN THE ROOM

ELEPHANT IN THE ROOM

Kat Medina//Kristoffer Ardeña

Curated by Kristine Guzmán y Sara Miguélez

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SALÓN

C/ Guillermo Rolland 3 1º I

Jueves 23 de noviembre de 2017 a las 20:00 H

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MANERAS / Oh, how we need a new language to go with our new bodies! *

Esther Gatón curated by Beatriz Ortega Botas

Getxoarte 2017 Salón booth

17-19.Nov/2017

“El skin grafting es una técnica de injerto dermatológica mediante la que el tejido sano de una zona del cuerpo es trasladado a una zona con tejido dañado. La protagonista de la reciente novela de ciencia ficción de Lidia Yuknavitch — *The Book of Joan: A Novel (2017)— se hace, en un futuro post-apocalíptico, toda una experta del skin grafting, que ha dejado ya de ser una mera técnica médica para convertirse en un ejercicio artístico en el que no solo se trasladan pieles de un cuerpo a otro, sino que se marcan, se queman, se dibujan y estiran. En el catastrófico año 2049 que describe la novela —asolado por el control sobre los cuerpos, la exclusión de lo femenino y el dominio falocentrista del lenguaje—, esta práctica de injerto y marcado tiene un sentido político de rebelión creativa. Si, en el régimen totalitario de signos de la novela, todo, hasta las experiencias corporales, están mediadas por el lenguaje, el potencial creativo y transformador del skin graftingradica en la posibilidad de encarnar ese mismo lenguaje, aplicando su maleabilidad y capacidad de cambio al estrato material de la realidad, a pieles y cuerpos.

El paradigma lingüístico que ha dominado las humanidades durante las últimas décadas entendió el lenguaje como limitante y posibilitador a la vez —abierto a variaciones en las representaciones de la realidad—; el skin grafting, en The Book of Joan: A Novel, se vincula a la crítica feminista y al giro materialista, dirigiendo el impulso creativo y renovador a la propia realidad material y no solo al consenso discursivo en el que ésta se aprehende. Sin embargo, es el carácter poético y sensual de la técnica del skin grafting lo que permite llevarla algo más lejos. El injerto y el trabajo con las superficies materiales se presenta como una práctica que atiende a la capacidad de dar forma y registrar las interacciones materiales que se reconocen de manera sensible. En el año 2049, cuando ha dejado de existir la posibilidad de desear y de relacionarse de manera afectiva, el tropo poético practicado en los cuerpos, en tanto productor de un habla figurada no literal, es una manera de esculpir deseo y de modelar las sensaciones.

                    Existe ya una figuración no verbal que se da en nuestros cuerpos: fibras y nervios se comportan de manera poética dando forma a la reacción sensible al entorno —“alegorizando”, “metaforeando” y “traduciendo”, dan cuenta de ese contacto con el mundo en un verdadero acto de poiesis corporal, de creación. Desde el arte, lo poético es habla formada —un ejercicio de materialización de tropos que, más allá de la inscripción y la representación, atiende a la aparición de formas a partir de relaciones materiales.

                    En el trabajo de Esther Gatón, la sensualidad de los injertos se propaga en la técnica artesanal. Materialidades dispares se acercan unas a otras, acortando distancias en un juego trópico de seducción en el que las formas orgánicas y óseas aparecen como reacción al entorno al tiempo que se devuelven como estímulo, colocándose y tomando posición en una historia material de circunstancias presentes y pasadas. Skin grafting:transplantes poéticos de materia marcada y reactiva, habla figurada y pieles que se vuelven tropos. Enrojececidas, pulidas y arrugadas, con hematomas y cicatrices supurantes, contraídas y esmaltadas, las superficies materiales son también símil e hipérbole de lo que las rodea. Beatriz Ortega Botas, 2017 

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HIPOACUSIA

Las piezas reunidas por Juan Diego Tobalina tienen en común que trabajan con los sonidos que circulan en un entorno personal: sonidos del cuerpo, sonidos del ambiente, sonidos de objetos domésticos. Y trazan un mapa sonoro donde se mezcla la imaginación y la memoria. Estas piezas son también exploraciones en instancias discretas del sonido. Darle volumen a aquello que no está en nuestro centro de atención supone re ordenar la jerarquía social que organiza la audición. Ingresar al universo de Hipoacusia es escuchar un mundo personal construido a partir de las relaciones entre lo que se desea y lo que existe, entre lo que se inventa y lo que está dado. Imitar los sonidos de la naturaleza (del mar, de los pájaros) es una forma de volver a ese momento de descubrimiento de lo que conocemos como música. Es también una manera de señalar la huella de nuestro paso por el mundo. Hipoacusia es un proyecto sobre la obsesión de escuchar, como goce estético y como forma de conocimiento. Escuchar aquello que puede extenderse desde el rumor del mar hasta el sonido de la inspiración y espiración registrado en 50 cassettes.  Desde los sonidos de los loros silvestres que escaparon del zoológico y se adaptaron al ecosistema urbano hasta la transcripción visual a una partitura de unas piezas sonoras de noise. Desde las descripciones de los sonidos en un video mudo hasta las marcas dejadas por un diapasón. Escuchar e imaginar. La obsesión por escuchar es lo que lleva a Juan Diego Tobalina a dotar de condición de dispositivo sonoro a estos objetos que tiene a su alcance. Y estos no sólo generan sonido, sino también recuerdos, traen a la mente un lugar y un tiempo personal. Las piezas se movilizan entre lo que se recuerda y lo que se inventa. Escuchar es aquí una forma de crear. Escuchar es definir un horizonte. Y eso es lo que establece Hipoacusia, unas condiciones y circunstancia específicas,  para que estos sonidos hogareños nos digan más, nos hablen más.

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TENDER BUTTONS Una exposición con obras de Fran Meana y Madalina Zaharia Curada por Cristina Ramos y Alfredo Aracil Inauguración Viernes 15 de septiembre de 19:30 a 23:30 Abierto Sábado 16 y Domingo 17 de 17:00 a 21:00 Performance a las 18:00 los dos días///////////////////// Salón C/ Guillermo Rolland 3, 1º I 28013 Madrid

“Act so that there is no use in a center”

Gertrude Stein, Tender Buttons

En el verano de 1912, durante unas vacaciones en España, Gertrude Stein comenzó a escribir una serie de poemas cortos sobre objetos discretos y pequeños eventos. Detalles en apariencia insignificantes, en tanto que cotidianos y exiguos, parte de una rutina a menudo invisible, como la que acontece cuando las vacaciones se escurren entre compras, paseos, comidas y charlas. Aunque la intención de elaborar poemas a partir de tales motivos no fue algo especialmente radical, es con la publicación de Tender Buttons que Stein desarrolla un tipo de escritura no-normativa donde las palabras y las cosas se quiebran como moléculas flotando en el espacio, en el vacío repleto de una gramática descosida. Dividido en tres secciones - Objetos, Comida y Habitaciones - el libro nos ha servido como vehículo para plantear otros modos de hacer en la práctica artística y curatorial. Ejercicio expositivo, aunque también experimento de traducción conjunta y pregunta por la afectividad que atesora el campo del trabajo artístico, este proyecto es fruto de una intensa discusión a cuatro bandas. Una conversación intermitente que data de principios de 2017, cuando empezamos a pensar de qué manera el método de Stein anticipa una forma de sensibilidad micro, y cómo se pueden establecer vínculos subjetivos con el mundo sin pasar por los modelos y las formas dominantes. Escalas, patrones, un tipo de geometría amorosa que nace del reflejo del cuerpo proyectado en la mente o cómo un pequeño gesto puede desencadenar otro más grande. Y cómo no, la influencia del cubismo en el hacer de Stein. Todos estos temas han aparecido en nuestra investigación en común. Aunque quizás uno de los conceptos clave, sobre todo para abordar la propuesta de Fran Meana, ha sido la mecanización de la mirada. El modernismo produce una serie de operaciones de corte que no sólo revelan nuestra manera de integrar el mundo, la mirada y el lenguaje como algo construido, sistemático y repetitivo, sino como una fuerza maleable que puede ser puesta en circulación con otras intenciones. Por medio de una fan-fiction no autorizada Fran Meana revisa los distintos modos de producción industrial y social de la fábrica de Sargadelos desde su nacimiento a principios del siglo XX hasta la actualidad. Una operación que se apoya en las posibilidades de la tecnologías de fabricación digital para desarrollar ejercicios de recombinación material y formal inspirados en la inusual gramática de Stein. Trama especulativa, al menos en su primera fase, para un proyecto que aglutina distintos intereses bajo un ritmo de incesantes transformaciones de soporte y registro. Pero situado todo el tiempo en la distintiva arquitectura de Salón, tanto en su diseño espacial - sus puertas, sus paredes y sus suelos - como en aquello que hace único a un lugar para exponer que es, de hecho, una casa para todos aquellos que lo visitan. De nuevo, Stein resuena en nuestro intento de construir un espacio para vivir dentro de otro espacio ya habitado. Reunidos en la fragmentación que propone el libro, finalmente, hemos armado un proyecto que antepone la idea de “variación” a la noción de “tema”. Decisión a posteriori que se fundamenta en cómo nos ha afectado el proceso de lectura durante estos meses. Precisamente las obras que Madalina Zaharia presenta parten de la idea del leer como labor. Un proceso que también pasa por el cuerpo, donde comisario y artista funcionan como sinónimos. El esquema formal para su performance nace, así, de dos lecturas distintas de un mismo capítulo del libro. Por un lado el texto subrayado y por otro el que no lo está. Ambas partes tratadas con los elementos intrínsecos del acto de leer: entonación y ritmo. De igual modo, Zaharia ha traducido y descrito visualmente la colaboración entre nosotros disponiendo varios elementos en un diagrama que ilustra el proceso de interacción. Aunque de una forma no literal, oscurecido por formas abstractas y por la presencia de un misterioso cuadro que bien podría formar parte de un escenario de novela modernista. El ejercicio de lectura comparada que hemos hecho los curadores, traduciendo por separado del inglés a español y luego de vuelta al idioma original para producir aberraciones y sin sentidos que alterasen el sentido del texto, sirve para subrayar cómo hemos concebido la relación entre obras y artistas en este proyecto: no desde la flexibilidad en tanto que límite o marcador, sino como una invitación a hacer y deshacer, donde la imaginación opera como una fuerza plástica y contagiosa que permite adquirir un sinfín de cuerpos y materialidades. Biografías Fran Meana es un artista asturiano que vive y trabaja en Londres. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo (2006) y ha obtenido el título de Máster (MFA) en Piet Zwart Institute, Rotterdam (2012). Ha participado en exposiciones como Arqueologías del Futuro, Laboral, Gijón, ES (2016); 1.000 Horsepower, Can Trinxet, Hospitalet, ES (2016); Labour, Motion and Machinery, TENT, Rotterdam, NL (2015); Go with the Flow, SixtyEight, Copenhagen, DK (2015); Machines for Hardrock, Avalanche, London, UK (2015); Percussive Hunter, Akbank Sanat, Istanbul, TR (2015); Feel the Discourse, Guest Projects, London, UK (2015) and Reasoning Well with Badly Drawn Figures, Nogueras Blanchard, Madrid, ES (2014). Su trabajo ha contado con el apoyo de becas y premios como LABjoven-Los Bragales (2016), ACE (2017) Mondriaan Fonds (2013), Stichting Promotieprijs & Piet Zwart Institute (2012), HSP Huygens NUFFIC (2011), y forma parte de las colecciones de instituciones como Artium, CGAC y Nomas Foundation. En la actualidad prepara nuevos proyectos para Assembly Point, London, UK (2018) y Generaciones 2018, Madrid (2018). También colabora con el Koestler Trust (http://www.koestlertrust.org.uk/) como tutor. Fran Meana trabaja con escultura, video, texto e instalación, reposicionando restos industriales bajo nuevos modos de producción. Utilizando una combinación técnicas analógicas y digitales, sus proyectos responden a episodios históricos específicos y exploran su potencial para establecer nuevas formas y asociaciones. www.franmeana.com Madalina Zaharia creció en Rumania donde estudió en la Universidad de Bellas Artes de Bucarest tras lo cual se trasladó a Londres para estudiar en la Byam Shaw School of Art y en el Royal College of London, graduándose en 2012. Exposiciones recientes incluyen: Debt. (solo), London (2017); The Staging of an Exhibition, Ivan Gallery (solo), Bucharest (2016); Say What? ASC Gallery, London (2016); Identify Your Limitations, Acknowledge The Periphery, Vitrine Gallery, London (2016); Bench, Tintype, London (2016); London Open 2015, Whitechapel Gallery, London; Feel the discourse!, Guest Projects, London (2015); Hidden in plain sight, Norwich University of the Arts Gallery, Norwich (2015); LOOKING LONDON, TALKING TOKYO, window installation at Tintype, London (2015); A Leap of Faith, The Living Room, London (2015); The Forgotten Pioneer Movement, District Kunst und Kulturforderung, Berlin (2014); A well furnished room, Ingrid Projects, (solo) London (2014). El trabajo de Madalina Zaharia se preocupa por la narración y renarración de ideas, con la reiteración continua e inquebrantable de consideraciones y asociaciones. Centrándose en la relación entre lenguaje y diseño, su práctica explora la inevitable insuficiencia entre recuerdo y representación. Zaharia está interesada en el proceso inestable de traducir una idea a una forma, en el cambio que se da entre un concepto y su encarnación. Cada pieza es un actor con un conjunto de acciones y representaciones prescrito, un personaje en la investigación de la artista, una actriz vestida con todos sus objetos y deseos. www.madalina-zaharia.com Cristina Ramos es una comisaria y escritora asturiana afincada entre Londres y Berlín. A raíz de sus estudios en Restauración y Conservación de escultura, Ramos se interesó por la relación intrínseca entre materia y concepto lo que llevó a cursar un Máster en Comisariado de Arte Contemporáneo en la London Metropolitan University en colaboración con la Whitechapel Gallery en Londres, donde ha estado viviendo durante los últimos cinco años. Exposiciones recientes incluyen Interlude for a Summer Night, parte del festival Art Night, Londres (2017); Companion Planting, una exposición cuyo espacio expositivo fue un huerto urbano, Londres (2017); A Grecian Solitude, una exposición de pinturas de Tomás Piza, Addaya Centre d'Art Contemporani (Mallorca, 2017); John in a Cage, un tributo al compositor americano John Cage, Chalton Gallery (Londres, 2016). En 2014, Ramos fundó la galería Window Space, parte de la London Metropolitan University, presentando un proyecto artístico individual cada mes incluyendo los artistas John Henry Newton, Alice Anderson, David Osbaldeston, Wouter van der Hallen y Eva Fábregas. Ramos contribuye regularmente con el magazine This is Tomorrow y ha sido comisionada para escribir ensayos y textos expositivos. cristinaramosdesk.tumblr.com Alfredo Aracil es curador e investigador. Tras cursar el Máster oficial en el Centro de Estudios del Museo Reina Sofía en 2011, actualmente está completando el Programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, en Buenos Aires. Recientemente, Aracil ha presentado en la Sala de Arte Joven de Madrid el proyecto ganador del certamen "Se busca comisario": Apuntes para una psiquiatría destructiva. En él se estudia la historia y el presente de la enfermedad mental desde posturas estéticas y políticas. Estos últimos años ha curado proyectos expositivos y públicos para festivales, galerías, espacios independientes e instituciones. Entre otros, cabe destacar Hiperobjetos (2014), en el COAM de Madrid; Lo que se sabe y lo que se intuye (2015), el Centro Conde Duque Madrid; Reunión de hechos (2015), Galería Slowtrack de Madrid dentro el marco del festival a3bandas de Madrid; Tener que sentir. Colección Los Bragales (2016), en el CAI de Gijón o la serie Universo_Vídeo (2014-2016), en LABoral Gijón, centro de arte donde fue responsable de proyectos hasta 2016. Colabora con diversas revistas Nudo, El Estado mental, Otra parte o Atlántica XXII. http://www.alfredoaracil.net/ Tender Buttons ha sido producida con el apoyo de Salón, la Fundació Lichter Alaró y Addaya Centre d’Art Contemporani.

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¿Cuánto del espacio es espacio?

Nicolás Lamas (Lima 1980) Comisariada por Francesco Giaveri y Tiago de Abreu Pinto A partir de diferentes ejes de investigación, Nicolás Lamas (Lima 1980), plantea constantemente relaciones entre elementos procedentes de diversos contextos, que interactúan dentro de un nuevo sistema de referencias. Su método de trabajo puede ser entendido como una serie de ejercicios especulativos que desestabilizan las estructuras de nuestra lógica a través de diferentes procedimientos. Ya sea a través de gestos sutiles o construcciones más complejas, sus piezas generan continuos choques entre elementos heterogéneos que cohabitan en un nuevo escenario. En Salón, Lamas reformula la experiencia con el espacio a través de una serie movimientos y dislocamientos que reformulan las funciones de los objetos que yacían previamente en este lugar.

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Poppositions 2017 “Don’t Agonize, Organize!”

ING Art Center, Brussels

20-23 April 2017

Human Being. I am the Others and the Others are Me

Momu & No Es

Curator: Alejandro Alonso Díaz

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Heterología Limeña

Armando Andrade Tudela

Curaduría: Tiago de Abreu Pinto y Francesco Giaveri

Febrero 2017           

Agradecimientos: Galería Elba Benítez, Madrid

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Heterología Limeña///Armando Andrade Tudela///Curaduría: Tiago de Abreu Pinto y Francesco Giaveri///Febrero 2017

En la exposición se exhiben tres pulcros archivadores con centenares de imágenes dejadas previamente en el suelo de su estudio, donde siempre ocurren cantidad de procesos físicos. Al poco tiempo, Por eso, en las imágenes hay algo somático pero también fantasmagórico. Somático en tanto que el resultado final (material) son imágenes que han sido llevadas al limite de su resistencia. Al tenerlas dando vueltas por el estudio han sido expuestas a todo tipo de ‘rastros’- desde manchas de solvente, escayola, concreto, pigmento hasta inscripciones hechas por mi utilizando materiales educativos como resaltadores y markers. Por lo tanto, las imágenes son la manifestación material de síntomas psíquicos en relación al contenido de las imágenes estos documentos se mancharon de escayola y demás materiales que circularon por su lugar de trabajo, dibujando así, aleatoriamente, capas residuales de un 'hacer' de procesos destinados a otras piezas, resultados de otros experimentos. El espectador, mirando estas imágenes, se encuentra motivado a construir relatos que emanan una intensa carga narrativa e histórica – desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Algunas desprenden humor y juego, otras seriedad y Y fantasmagóricos porque las imágenes son solo visibles detrás de una patina de materiales y acciones diversas. El hecho de estar 'detrás' las convierte en imágenes afectadas, sustituidas, desprovistas o similar. Por eso creo que no funcionan del todo como documentos sino como transparencias. No se mucho que es lo que esto quiere decir, pero tiene que ver con ese estatuto incuestionable del documento versus las imágenes que vemos, donde lo que predomina es una serie de imágenes 'documentales' que han sido intervenidas de manera extraña. Como dije, en algunos casos la actividad misma del estudio ha afectado las imágenes, en otros casos lo he hecho yo directamente. Mi intención era que no se pueda saber cuando fue uno y cuando fue lo otro y que las imágenes existan dentro de esa ambigüedad academicismo; aparecen individuos de toda clase como curas, políticos, militares, estudiantes y profesores. Los archivadores concurren a configurar un mundo autónomo, casi una comunidad aglutinada por los sedimentos que ahí se sucedieron, moldeando una identidad precisa aunque cambiante que sigue absorbiendo los residuos de un mundo en rápida y constante mutación (…) el título de la expo sea Heterología Limeña. El termino 'heterología' lo utilizó Georga Bataille en referencia a la dialéctica entre apropiación y excreción (si no me equivoco, lo utiliza para desestabilizar nociones de lo sagrado). En breve, Bataille incluye dentro de los procesos de apropiación- basados en el equilibrio entre el autor y aquello que es apropiado- la variable de la excreción para desestabilizar la dirección de lo apropiado. Y así liberarlo de las 'grandes narraciones' estructurales/hegemónicas o algo así. Excreción, irritación, estrés, etc., todas estas ideas tienen un lugar en este trabajo a veces de manera evidente otras de manera más oscura (en estas imágenes se ven a muchísimas personas que han sido importante en la creación de las narraciones hegemónicas modernas del Perú. Frente a la colección de imágenes intervenidas hay 4 ‘piedras’ de acero inoxidable. El dialogo genera una tensión que plantea interrogantes hacia conceptos como el ser-en-común y la coexistencia (hay muchísimas imágenes el los archivadores donde vemos gente produciendo o discutiendo la practica escultórica. Es casi como un sub-género dentro de la narración. Otros sub-géneros son el travestismo - hay varias imágenes de hombres posando como mujeres-, la educación católica, exhibiciones anuales,  etc. En fin, una historia menor que emite señas fantasmagóricas).

 Texto de Francesco Giaveri y Tiago de Abreu Pinto con insertos de Armando Andrade Tudela

Agradecimientos: Galería Elba Benítez, Madrid

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Sergio Verastegui Pellejos Sueltos Curadoría de Francesco Giaveri y Tiago de Abreu Pinto

Inauguración: 17/09/2016

Yakov Petrovich Goliadkin se detiene en el muelle Fontanka a observar un desconocido. Nota algo familiar en su cara y, sin otro motivo, empieza a seguirle. El extraño toma la dirección de su casa. La misteriosa figura se detiene frente a la puerta, su criado le abre y le deja pasar. Goliadkin le sigue trepidante ya casi corriendo; sin despojarse del sombrero le sigue por el pasillo y se detiene en el umbral de su habitación.

Finalmente, “el desconocido estaba sentado en su propia cama, sin quitarse el gabán y el sombrero; y con una ligera sonrisa, frunciendo levemente el entrecejo, le dirigía un amistoso movimiento de cabeza. El señor Goliadkin quiso gritar, pero no pudo; protestar de alguna manera, pero le fallaron las fuerzas. Se le erizó el cabello y se desplomó exánime del horror que sentía. ¿Y cómo no? El señor Goliadkin había reconocido enteramente a su amigo nocturno. Su amigo nocturno no era otro que él mismo, el propio señor Goliadkin, otro señor Goliadkin, pero absolutamente idéntico a él... En una palabra, su doble…” (1).

La inquietante circunstancia de la novela El Doble de Dostoievski nos pareció un preludio apropiado para la disección del trabajo del peruano Sergio Verastegui (Lima, 1981). El artista propone experimentar con la cognición y la percepción en este proyecto pensado para Salón y titulado Pellejos Sueltos. Organiza una vuelta por matices inquietantes de lo aparentemente familiar. Se podría decir que todo lo que estaba destinado a permanecer oculto, sale ahora a la luz. La extrañeza de formas ya vividas deja flotar libremente su carga de significados.

Como por el extraño caso del ‘gorila invisible’ (2), esta exposición apunta a lo que se disimula desplazando la atención del espectador. Los cuadrados blanco y negro de los azulejos del suelo de Salón se han multiplicado en forma de despojos. Trozos de tejidos esparcidos y acumulados.

El término ‘persona’ en su origen remitía a la ‘máscara’. Es solo a través de la máscara que el individuo adquiere un rol y una identidad en el mundo. Así, para los romanos, el individuo era identificado por un nombre que expresaba su pertenencia a una estirpe definida e identificable por la máscara de cera de un antepasado que se conservaba en el atrio de casa. Paulatinamente, la persona es reducida a su ‘personalidad’ aquella que le representa en los dramas sociales (3). Por otro lado, “ponerse la máscara de un animal es una manera de enfrentarse a la locura, de actuar contra el destino” (4).

Verastegui duplica el suelo del espacio expositivo de una forma que emula y se camufla, sin embargo no se reduce a la superficie sino que abre intersticios en una estratificación infinita que reclama atención. Sus máscaras no ocultan sino que invitan a mirar detenidamente los materiales, interrogando sus historias y sus huellas. Goliadkin en un momento en la novela, en conversación con el oficial Antón Antonovich, desarrolla la cuestión fundamental del proceso perceptivo, ya que “no es rara la gente que lleva máscara, y que hoy día es difícil reconocer al hombre que se oculta tras ella” (5). Así como es difícil toparse con un gorila en una cancha de baloncesto y aún más complicado es tratar de adivinar quién está detrás de la máscara del gorila y por qué no juega a la pelota sino que trata desesperadamente de llamar la atención de un espectador al que solamente le preocupa contar.

Verastegui bucea entre formas cuyas funciones efímeras se repiten cambiando sutilmente de piel según las circunstancias. De este modo, intenta circunscribir una situación precisa a través de materiales que va produciendo o recolectando. Vemos objetos efímeros y urgentes contenedores de significados culturales amplios. Artefactos que configuran un periplo cuyo itinerario parece no acabarse nunca, una aventura que pasa continuamente de un azulejo negro a uno blanco y viceversa.

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(1) Fiodor M. Dostoievski, El Doble, traducción Juan López-Morillas, Alianza, Madrid, 1985, p. 27

(2) En el célebre experimento psicológico, realizado por Daniel J. Simons y Christopher F. Chabris, se pide observar un vídeo donde dos equipos, uno vestido de blanco y otro de negro, se pasan la pelota. El espectador tiene que contar el número de pases que los jugadores del equipo con camiseta blanca efectúan entre ellos. Finalizado el vídeo, se pregunta al espectador si se ha percatado de que había un gorila entre los jugadores. El resultado suele ser que casi menos de la mitad percibe al gorila que salta entre los jugadores de los dos equipos. Afortunadamente, la mayoría de los participantes suele acertar el número de pases realizados. Según Simons: “cuando más te concentras en lo que esperas ver, menos probable es que veas lo inesperado. (…) Existe una cantidad ilimitada de información en el mundo, pero nuestra capacidad para atender a la información es bastante limitada. Si estás limitado en el número de cosas a las que puedes prestar atención y la atención es la puerta de acceso a la consciencia, solo puedes ser consciente de un subconjunto limitado de lo que hay ahí fuera”. Daniel J. Simons citado en http://www.xatakaciencia.com/psicologia/lo-limitado-de-nuestra-atencion-ni-siquiera-somos-capaces-de-ver-un-gorila

(3) Giorgio Agamben, Desnudez, Adriana Hidalgo, Buenos Aires, 2011, p. 67

(4) VVAA, Peter Fischli David Weiss. ¿Son los animales personas?, MNCARS [Cat Expo], Madrid, 2009, p.67

(5) El Doble, op. cit, p.41

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Camille Tsvetoukhine: The Splash Room

8pm, Friday 24th June 2016 Salon, Madrid In collaboration with Emma and Matadero Madrid

http://www.draw-it.fr/porfolio/

http://www.e-m-m-a.org/

http://www.mataderomadrid.org/ficha/5401/emma.html

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SOME ASTRONOMERS KEPT A DISTANCE

Curated by: Alejandro Alonso Diaz

Artists: David Ferrando Giraut, Andrea Zucchini

May 2016

Some astronomers kept a distance is a self-contained intervention by artists Andrea Zuchini and David Ferrando Giraut. In the context of Salón, the installation unfolds as a total environment examining the tautologies of potential universes, whether real or fictitious, and the impact they might have on human behaviour.

In his 1584 ground-breaking work ‘’On the Infinite Number of Possible Worlds’’, Italian Dominican friar, philosopher, mathematician, poet, and astrologer Giordano Bruno went even further in his cosmological speculation than the then novel Copernican model. He proposed that the stars were just distant suns surrounded by their own exoplanets and raised the possibility that these planets could even foster life of their own. He also insisted that the universe is in fact infinite and could have no celestial body at its "center. He saw that our sun was not only not the center, but that it orbited in a galaxy and that that was not the end of the story. There could be no end.

While stating his visionary theories, Bruno also explored notions of non-objective thinking such as magic. Magic, which is generally understood, as the mastery over the physical, spiritual and divine forces in the world is under Giordano’s light a quasi-empirical phenomenon. His notion of the magic is far from an irrational comprehension of the natural and he rather identifies it as the ability to perceive or recognize the set of natural relationships that arise within the realm of the fantastic. That is, that magical practices are based on his previously developed theory of the links. Thus, the magician must pay strong attention to the fields of the imagination, as imagination is the gateway to all the affections with the potential to affect living beings.

In order to achieve this linkage there are three basic factors:

- Active power of the agent.

- Passive power of the subject (a disposition or aptitude of non-resistance).

- The appropriate circumstances of time and space.

The links are never eternal because they occur in a moving world, so not all of them can link to something under the same circumstances.

According to Bruno there exist three entrances in order to develop these links:

- Eyesight, through the appropriate forms and gestures.

- Sound: through voices and speeches.

- The mind/imagination.

Those links are established through the senses. From the first contact when they are perceived; then the marriage, that is when it begins to develop a sense of the things that came via the senses, and finally the link when attraction takes place. Therefore the manipulator must be aware at all times that in order to attract one or more individuals, should consider the full range of interests subject to bewitch. For this reason, any sort of rational or irrational speculation requires having a more than partial knowledge of the subject, as otherwise the link wouldn’t take place.

Bruno’s speculative theories respond to the three levels of reality in his ontological states: the divine world and the physical world are connected through fantasy; so magic is nevertheless, the middle step in the process from sensitivity to cognition. In a similar way, Some astronomers kept a distance takes the viewer on an erratic spatial tour through the limits of physics and rationality. Through an environment where inanimate items and animate representations exist on the same level with neither of these categorically different species taking the upper hand, the project is a exploratory journey into our human share in the world which is made visible by confronting us with the most primary limits of the human comprehension.

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SOME ASTRONOMERS KEPT A DISTANCE

Un proyecto comisariado por Alejandro Alonso Díaz para Salón

Con David Ferrando Giraut y Andrea Zucchini

26 y 27 de mayo de 2016.

::Inauguración 26 de Mayo, de 19 a 23h::

Durante el evento, Andrea Zucchini realizará una lectura de su texto ``Foresight by Earth’’

Some astronomers kept a distance es una intervención multimedia con trabajos de Andrea Zuchini y David Ferrando Giraut. En el contexto de Salón, la instalación se despliega como un ecosistema total en el que se plantean tautologías de posibles universos, ya sean reales o ficticios, así como el impacto que su existencia tendría en la condición humana.

Considerando la conexión entre el visionario ensayo de 1584 ''Del universo infinito y los mundos'', escrito por el fraile dominico, filósofo, matemático, poeta y astrólogo italiano Giordano Bruno y su exploración paralela de conceptos ‘’no objetivos’’ como la magia, el proyecto lleva al espectador a través de un viaje irregular por los límites de la física y la racionalidad. Generando un ecosistema en el que objetos inertes y representaciones animadas existen al mismo nivel,

Some Astronomers Kept a Distance es una exploración de nuestro participar humano del mundo, el cual se hace visible al enfrentarnos con los límites más primarios de nuestra comprensión.

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Curated by Alejandro Alonso Díaz

With David Ferrando Giraut and Andrea Zucchini

26th and 27th of May, 2016.

::::Opening 26 May, 7 to 11pm::::

Presenting Andrea Zucchini’s reading performance ``Foresight by Earth’’

Some astronomers kept a distance is a self-contained intervention by artists Andrea Zuchini and David Ferrando Giraut. In the context of Salón, the installation unfolds as a total environment examining the tautologies of potential universes, whether real or fictitious, and the impact they might have on human behaviour.

Paying attention to the 1584 ground-breaking work ‘’On the Infinite Number of Possible Worlds’’, by Italian Dominican friar, philosopher, mathematician, poet, and astrologer Giordano Bruno, and its connection to Bruno’s parallel exploration on non-objective concepts such as magic, the project takes the viewer on an erratic spatial tour through the limits of physics and rationality. In an environment where inanimate items and animate representations exist on the same level with neither of these categorically different species taking the upper hand, the project is a exploratory journey into our human share in the world which is made visible by confronting us with the most primary limits of the human comprehension.

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POPPOSITIONS 2016

THE

WRONG SIDE

21 - 24 April 2016

Opening Thursday 21 April from 12pm LaVallée, Molenbeek (Brussels)

The Present is a Slow Vibration of the Existence (curated by Alexis Callado Estefanía)

Artists:

Abdul Vas (Venezuela, 1986), Jimena Kato Murakami (Peru, 1979), Momu & No Es (Spain/Switzerland, 1982/1979)

The artistic proposal that brings together these artists (Jimena Kato, Abdul Vas, Momu and No Es) deals with the possibility of exploring fragile balance and ambiguous zone of the art experience in perceptions of temporal and spatial oscillation in the existence.

Jimena Kato  group of work created within a process-based exercise, for which she uses materials specific to the construction of architectural maquettes. These fragile and unstable works plays with gravity and preconceived spatial perceptions as a first vector and they reveal themselves as the beginning of a construction of a primary structure, an awning or a tepee. The use of slats, of lengthened shapes and soft and flexible materials enhance the graphic aspect of the works. Through her artworks, she offers an alternative perception to the viewer when it comes to considering conventional values of space and specific materials to the construction, thereby creating alternate journeys and narratives of thought.

Abdul Vas works of art are tributes to the band AC/DC. All his energy is focused on extolling, celebrating and expressing his gratitude to the legendary Australian hard rock group. The music of brothers Malcolm and Angus Young fills the him with a limitless surge of energy; an intense excitement experienced only by an unconditional fan. Through his absolute commitment defies oscillations of existence by creating a complex system where time and space are reduced to a shrill vibration. By adopting various techniques and a considered approach, Abdul creates a shared universe. He depicts a scene comprising an infinite number of signs and references that effectively point to the contemporary

Momu & No Es explore living and engaging in a world where tangible reality easily merges with a digital environment in which all elements carry equal weight. Highway consists of a video installation that induces the viewer into a trance. He is taken on a journey guided by the Highway Agency, and immersed in an alternative cosmos that the highway is leading him into. The road leads into a digital world of an empty constructed landscape with wavy patterns in the sky, road signs, Photoshop backdrop, stock-image people turning into flowers, makeup tutorials, soap bubbles, glass cleaner that is very functional for transparency, computer folders saved by giant hands from the water as only some of the elements that the passenger encounters. References are made to the road and the different ways in which we experience contemporary reality as a road trip. The project is composed by stringing images and audio together to draw a mental journey with the aim to create a reflection on the space we occupy when we circulate, and reinterprets the codes involved during the movement and interaction with others in the displaced space. For Poppositions, the artists presents an instalation made of two car glasses with reflective stickers of typical road signs, warnings, hallmarks of what the driver transports, or bumper stickers as trophies of the countries and places visited, nightclub logos, stickers of trademarks to stickers indicating the convictions and values of the driver, inspired by the aesthetic and sensuous pleasures of the digital realm. Are preconceived artistic ideas the obstacle of another way of perceiving space and time? How long  can be modified  the human existence thank to the artistic experience who change the focus of perception? It is this questions that we use as starting point of this proposal that primarily revolves around perception and visions of the images and materials. 

Text by Alexis Callado Estefanía

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AFTER/DEPOIS/SEGUN Un proyecto de Cristina Garrido, Bruno Moreschi y Marta Ramos-Yzquierdo para Salón 25 y 26 de febrero de 2016 ¿Cuándo empieza una obra? ¿Cuándo termina? ¿Cuándo se formaliza? ¿Cuándo se materializa? ¿Cuándo circula? ¿Cuándo se distribuye? ¿Cuándo se redistribuye? La reflexión entre Cristina Garrido, Bruno Moreschi y Marta Ramos-Yzquierdo –dos artistas y una comisaria– comienza al plantear cual sería la diferencia entre el trabajo de un artista y la de un curador al afrontar la creación y/o producción en el medio artístico a través de las estrategias de apropiación. Pensar en los límites, si es que existen, de cada ámbito de acción les llevó a preguntarse también sobre las fronteras de la obra en si misma así como aquellas que pudieran determinar su relación con el público, e indefectiblemente, sobre los mecanismos de valoración que se ejercen en el sistema arte y en la sociedad. Con este punto de partida, decidieron trabajar desde una acción conjunta en tres ámbitos principales: seleccionar / crear, apropiarse / compartir, intervenir / circular. En abril de 2015 Garrido, Moreschi y Ramos-Yzquierdo comenzaron a enviarse - desde Madrid, São Paulo, Buenos Aires y Helsinki - archivos digitales, documentos (con pasajes de Jean-Yves Jouannais, Jorge Luis Borges, Boris Groys, Orson Welles, Joan Fontcuberta, Alain Badiou, Jan Mukarovsky, Andrea Fraser, Hito Steyerl, Robert Smithson, Luis Camnitzer, Nestor García Canclini, Jens Hoffmann o Dorothea von Hantelmann, entre otros) y objetos, elegidos por cada uno y remitidos a los otros para ser intervenidos (sabiendo que la no intervención sería también una acción posible), creándose una sinergia de intercambio y reflexión en red entorno al “pensamiento” como generador de acción artística. Desde entonces, están creando un conjunto de lecturas y gestos, donde la apropiación, la copia y la intervención son los motores de dicho pensamiento, y que serán también el centro de la propuesta en Salón. EL GESTO DE LA COPIA COMO METÁFORA El ejercicio (¿la exposición?) tendrá lugar en Salón a fines del mes de febrero en Madrid, coincidiendo con la 35º edición de la feria de arte contemporáneo ARCO. La características del propio lugar determinan el desarrollo del proyecto: no un espacio expositivo per se, sino un lugar de producción diaria de artistas que decidió ser abierto en momentos específicos para la creación de una alternativa independiente de exposición, circulación y encuentro de obras y artistas (generadores ambos de ideas).

La propuesta de presentación de esta circulación de pensamientos activada en el grupo y en el espacio, será por tanto también una apropiación que retome el espíritu de los artistas conceptuales de fin de los años sesenta y setenta y los usos experimentales de la fotocopia, el trabajo con archivos, la creación de redes y el cuestionamiento de los límites del objeto arte y del sistema en el que se inserta. El artista mexicano Felipe Ehrenberg decía “NO HAY ESCUSAS, si tienes una idea y una fotocopiadora puedes producir tu obra”. Siguiendo su lema, que podría ser aplicado también a la dinámica de Salón desde sus inicios, y fijando la importancia en la preponderancia del pensamiento – ya sea escrito o visual – a la hora de reflexionar sobre el hecho artístico y la capacidad de la libre circulación, cuestionando la necesidad de la existencia de los límites y fronteras en las que se desarrolla la actividad hoy en día. Las obras, intervenidas o no a tres, junto a selección de textos, imágenes y obras de otros artistas invitados, así como cualquier documento que quiera ser sumado libremente durante el desarrollo de la propuesta, serán puestas a disposición del público para poder reproducirlo en una máquina fotocopiadora, pensando también en las formas digitales de reverberación contemporáneas, como las plataformas de comunicación en internet (e-mail, Instagram, Facebook, Twitter…).

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Tegmark Gathering

Salón + Alimentación 30

Supermarket Independent Art Fair, Stockholm

Curator:

Bernardo Sopelana

Artists:

Rubén M. Riera

Clara Sánchez Sala

Maya Saravia

Juan Diego Tobalina

Recently, some gravitational waves caused by the singularity named Big Bang, have been detected by a group of international scientists, which deform space-time explaining that there are multiple universes parallel to ours. The M theory, one of the most innovative theories on this subject identifies 11 dimensions in total. The cosmologist Max Tegmark (Sweden, 1967) has been the one who has made a taxonomy for this universes in four different levels, beyond the observable universe by humans.  

Tegmark Gathering is a show of two parallel universes that belong to the city of Madrid: Salón and Alimentación 30, converging into a single space-time: the art fair Super Market. It is this singularity (a point in space-time in which the curvature of space-time becomes infinite) where diverse physical appearance belonging to different artistic latitudes get together: Spain, Guatemala and Peru.

A gathering of four artists as the four levels of Tegmark: Rubén M. Riera (Spain, 1983) his work questions the different models of representation through painting; Clara Sanchez Sala (Spain, 1987) develops connections between scientific and technological data from a poetic point of view; Maya Saravia (Guatemala, 1984) reveals, through drawing, abstractions on a flat surfaces and Juan Diego Tobalina (Peru, 1982) fluctuates between showing and hiding the intermittently reality through site-specific interventions.

Tegmark Gathering is a curatorial project by Bernardo Sopelana.

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