Se for, vá na paz @seforvanapaz - Tumblr Blog

FILMES 2025

1- Uma batalha após a outra – Eua– Paul Thomas Anderson 2 -Valor Sentimental – Noruega – Joachim Trier 3- Morte e vida Madalena – Brasil – Guto Parente 4 - Mountainhead – EUA – Jesse Armstrong 5- O agente Secreto – Brasil – Kleber Mendonça Filho 6- A vida de Chuck – EUA – Mike Flanagan 7- Eddington – EUA – Ari Aster 8- Nouvelle Vague – França/EUA – Richard Linklater 9- Honey, Não – EUA/UK –: Ethan Coen 10- Bugonia – Grécia/EUA – Yorgos Lanthimos 11- A vizinha perfeita –EUA –: Geeta Gandbhir 12- Papagaios – Brasil – Douglas Soares 13- A hora do mal – EUA –Simon West 14- cinco tipos de medo – Brasil – Bruno Bini 15- A natureza das coisas invisíveis – Brasil – Rafaela Camelo16- O brutalista – EUA/Hungria – Brady Corbet 17 - O olhar misrterioso do flamingo – Chile – Diego Céspedes18- A acompanhante perfeita – EUA – Drew Hancock 19- In Motion – França – Juliette Binoche 20- Anora – EUA – Sean Baker 21- Amores materialistas – EUA – : Celine Song 22- Depois da caçada – EUA – Luca Guadagnino 23- Formula 1 - EUA – Joseph Kosinski 24 - O filho de mil homens – Brasil – Daniel Resende 25 - Foi apenas um acidente – Irã– Jafar Panahi

ADEUS A LINGUAGEM

Cinema

Diretor: Jean-Luc Godard

Ano de lançamento: 2014

Nacionalidade: França/Suíça

Eduardo nunca entendeu bem por que a Monica queria ver o filme do Godard. Gostava de novela e do esquema-escola-cinema, lembram? Viverá sem entender. Não como uma discordância, mas como uma cegueira estratégica ou uma possível incapacidade de quem já provou absinto diversas vezes e não consegue evitar a repetição da careta. Me orgulho dela aliás, e desconfio um pouco de quem diz entender de Godard. A cada experimento exerço o meu não entendimento e nenhuma excitação no mamilo. Há algo que sobra e eu não sei bem o quê. Sei da minha estranha torcida para que o cinema erre muito e se faça equivocado. Senão, qual seria o argumento para um filme assim? Minha amiga disse bem: essa louvação seria a mesma se no letreiro não soubéssemos quem é o diretor? Talvez em “Adeus à linguagem” ele tenha atirado o 3D em algum lugar da fina ironia sem apelar para o plágio das soluções. Objetos intrusos, que mexem com os enquadramentos de um jeito que nos entorta. Nada contra, mas tudo contra. Os olhos doem, porque Godard é um puto que nos pune e nos desmente, invade nossas dimensões óticas como quem provoca através de um sorriso em acrílico. Um antifilme feito da febre de rei e a fascinante ação do tédio obtuso. As cores furtivas, estupradas, talvez nos lembrem do semblante do exagero, dos moldes avançados que estragam melhorando. Aquele cão-ator-apático, o objeto-ator inexplorado, a surda garganta & toda a espinha que há além da arte em seu princípio sem nome. Uma proposta típica de uma criança que de tão desgostosa com algo, resolve piorá-lo. Um quase chato. (Atirem em mim, essa é a hora). Titio Godard é o incêndio do Sol e eu posso dizer dele o que eu quiser, acuso e assopro em acordes estrábicos. Uma afronta de quem ainda não é capaz e nem quer. De quem – conscientemente - quer não. Gosto de lidar com a minha desorganização e ao mesmo tempo poder dizer que adorei um filme, como esse: INJUSTAMENTE BOM.

A GANGUE

Cinema

Diretor: Myroslav Slaboshpytskyi

Ano de lançamento: 2015

Nacionalidade: Ucrânia

A lente persegue um azul que perfilha os diversos cenários outonais do leste europeu; são enquadramentos precisos e cruéis. Somos avisados pela única legenda que aparece no filme que o mesmo é rodado em linguagem de sinais, os personagens são surdos- mudos, a proposta é descolada, mas o que vem pela frente vai além de uma desculpa maquilada de cinema mudo. As interações, as intenções, os barulhos, os movimentos estão em modo CAPSLOCK, nossos outros sentidos parecem potencializados por um silêncio, que fala alto. Há uma gradação sutil no nível das situações, começando pela irônica cena da confraternização entre alunos e mestres e terminando com o final estarrecedor.

A cabeça ainda dói bastante, os olhos ainda sangram em memória, o estômago está depauperado. Filmes como o ucraniano “A gangue” geralmente comportam plateias altamente especializadas em levar surras do cinema. É um filme de espaços que vão se encolhendo dentro de uma perigosa delinquência em forma de internato. Por trás da superficialidade e exogenia inicial, a câmera vai nos colocando em contiguidade com um mundo soturno, cheio de corredores-portas-quartos-gavetas e mentes pontiagudas. A imprudente violência parece irradiar em progressão, uma metástase impiedosa e interminável. E não é assim que ela é?

Filmes assim doem, só que de outra forma. É um estado de letargia involuntário. Quando tudo termina, a plateia parece estar sentada na cadeira, mas a grande verdade é que estamos todos ali, jogados ao chão, nos recuperando de um pesadelo em carne viva

UM BONDE CHAMADO DESEJO

Lá vem ela, loira e pálida, trazendo da rua do passado um bonde de sinos dobrados pelo romance ideal. Blanche “sempre dependeu da bondade de estranhos”. Uma serial lover, a mulher-bandeja, a fina toalha que escorrega em sua própria entrega, chora sonhos feitos de chuva de arroz. O movimento no palco, sempre circular, o giro vital, a luz que é Sol manual e incide sob a escuridão antevendo a loucura. Toca Beirut enquanto reparo encantado nas melancores de cada figurino. Fico hipnotizado por aquele cenário que é tudo o que a mente disser. Jogar Tetris é a infância do arquiteto. Brincar de montar e desmontar. Dimensionar. Quem sabe mesmo uma casa seja muito menor do que a grandeza potencial dos seres. Rafael Gomes, esse diretor que me alimenta do pouco-muito em tantas mínimas decisões, que sempre beiram a síntese, sem o sensacionalismo de cores e elementos, faz com que a música desafie qualquer regra temporal e caia amortecida como um vestido branco moderninho. Ele que me faz ser um crítico redundante, que me obriga sempre a elogios da melhor espécie. Sabe ser diplomata do tempo, universaliza um tema, atemporaliza um contexto , faz a colagem dos ponteiros, através apenas de uma música ou uma ousada volta de skate. Remenda os flancos temporais sem que a costura denuncie um acidente repara-dor. Abusa do menos e faz com que eu me comporte em minha loucura incontida em cores. É meu diretor de teatro predileto porque sabe fazer uma informação cheia de arabescos virar uma manchete precisa a cada linha. Um dia eu tomo coragem pra ser criativo e te convido pra uma Coca-Cola. Enquanto isso, venho até aqui e daqui não passo. Eu já fui Stanley no teatro, e não soube controlar a sua/minha força, passei da conta, embriagado pela fúria covarde da soberania rústica do papel. Marlon Brando, Eduardo Moscovis, Eduardo eu. Quanta distância. O Eduardo do meio, o dessa peça, é quase uma sentença para que eu saiba como eu quero morrer. Quero morrer de arte. O Stanley do meio destila um olhar canibal, e uma postura (dês)lapidada da rigidez Kowalski. Não tenta imitar Brando, não teme a própria versão, ao invés de ser prótese, consegue desbastar sua brutalidade, coloca os pés sobre a mesa impingindo através de sua bazuca ocular. Maria Luiza Mendonça, ou apenas "Maria, a louca". Onde vende você para que eu possa comprar? Digo, comprar para ter. Sou consumista por você e sua translucidez. Enxergo-te inteira, como quem não vê neblina. O verde das veias, o coração latente de vermelho, um vermelho-abuso, uma tinta que mancha, uma atriz que é também um ateliê. Te vejo como um rascunho cheio de rabiscos caóticos, de quem prende a respiração e mergulha com elegância . Uma atriz sem fórmulas, mas que sabe de todas elas. No palco esquece estrategicamente dos arbustos intelectuais e faz com que a gente sempre se lembre de você. Não sinto saudade da Buba nem da Amanda, sinto saudade de tudo o que de você ainda virá. E quem era Virgínia Buckowki? Agora eu sei. Formidável em sua Stella, a personagem gangorra, a mulher que se contenta com a horizontal, esquecida de tudo o que de ruim existe na crueldade vertical. Atriz aorta, uma notável porção noturna no giro de estrelas do céu do palco. A conclusão, aquela rotação entre dois diferentes planetas, somos nós mundos que convivem e ao mesmo tempo giram em sentidos opostos. A discordância dos corpos em 180 graus. Ao fim, parte da plateia em prantos: suspiros de quem muito quis voltar de si e não pode. “Um bonde chamado desejo” é a peça que nos conta que nem tudo é o fim do trilho, às vezes é só o começo da solidão. De algum lugar, Tennessee Williams traga um charuto agradecendo por isso. “Há todas as espécies de amor neste mundo, exceto o mesmo amor duas vezes.” Fitzgerald

AINDA ESTOU AQUI

Cinema

Diretor: Walter Salles

Ano de lançamento: 2024

Nacionalidade: Brasil

Chegou o dia do pouso. Ainda estou aqui será exibido hoje pela primeira vez ao público brasileiro, talvez esse texto seja sobre palmas viciantes, ou 1 roteiro que jamais poderá ser escrito pelo gpt ou um cineasta que captura com sutileza o que resta da gravidade dos escombros quando a falta é a protagonista e a vida vira a própria redução de danos em 35mm. Fernanda Torres está soberana em seu acorde contido, decanta o vazio narrativo do luto inconcluso como uma úlcera falando baixo, canta para dentro a própria dor em plena suspensão psiquica. Seu acting serve de norte para as outras atuações do filme, as emoções serão preenchidas por quem assiste, Walter Salles delega o fel a plateia abafando o cri de couer enquanto duto de comoção. Religa documentos sentimentais da memória a 1 tragédia desanunciada, embaraça o senso de identidade de uma mulher entre a resiliência e o desamparo traumático, há um novelo de fragmentos que clamam pela reconexão, a memorabilia serve de colo regenerativo.Para além de um rigor acadêmico maduro, o devir é instado pela força poética de um tempo que se derrama em música e imagem, há 1 coreografia em uníssono, uma amalgama que vai orientando o sentido de continuidade em riste ao lamento, a memória vai vencendo a cicatriz sem significante, Freud chamaria de angústia sem objeto. Enquanto isso, Fernanda Montenegro não diz nada e ao mesmo tempo nos exige 1 balde para nossas gotas insistentes. Cada minima aparição é em si um viaduto essencial, um elenco meticulosamente erguido, quase 2 anos de testes, sem ânsia projetual, @leticianaveira é uma grife que nos inspira a jamais aguardar sentados pela opção ideal e faz da rua o seu banco de dados, nos lembra a diferença entre o caça e o espera talentos. Guardo para a vida aquela noite de palmas infinitas em Veneza, o choro em consenso daquela plateia e o mais curioso: mesmo dias depois da grande catarse, quando se chegava perto de alguém da equipe olhando o celular, certamente ouvia-se o barulho de vídeos com palmas em looping. A palma é compulsória, as mãos doem mas havia uma dopamina inexplicável e inebriante ali , ninguém saiu ileso dessa linda obra sobre a partilha da reinvenção.

OS 100 MELHORES FILMES DOS ANOS 10

1 . PATERSON . Jim Jarmusch

2 . PROJETO FLÓRIDA . Sean Baker

3 . BACURAU . Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles

4 . PARASITA . Bong Joon Ho

5 . ELA . Spike Jonze

6 . O FILHO DE SAUL . Laszlo Nemes

7 . UM ESTRANHO NO LAGO . Alain Guiraudie

8 . A ÁRVORE DA VIDA . Terrence Malick

9 . O FAROL . Robert Eggers

10 . ROMA . Alfonso Cuaron

11 . ELLE . Paul Verhoven

12 . A GANGUE . Myroslav Slaboshpytskiy

13 . A CRIADA . Park Chan wook

14 . LUCKY . John Carrol Lynch

15 . DIVERTIDA MENTE . Pete Docter

16 . FRANCES HA . Noah Baumbach

17 . POESIA SEM FIM . Alejandro Jodorowsky

18 . MOONLIGHT . Berry Jenkins

19 . A CASA QUE JACK CONSTRUIU . Lars Von Trier

20 . CORINGA . Todd Phillips

21 . BOI NEON . Gabriel Mascaro

22 . SPRING BREAKERS . Harmony Korine

23 . ME CHAME PELO SEU NOME . Luca Guadagnino

24 . A CHEGADA . Denis Villeneuve

25 . MISS VIOLENCE . Alexandros Avranas

26 . O MESTRE . Paul Thomas Anderson

27 . BOM COMPORTAMENTO . Benny & Josh Safdie

28 . MOONRISE KINGDOM . Wes Anderson

29 . HISTÓRIA DE UM CASAMENTO . Noah Baumbach

30 . LOVE . Gaspar noé

31 . GAROTA EXEMPLAR . David Fincher

32 . PELO MALO . Mariana Rondon

33 . TOM NA FAZENDA . Xavier Dolan

34 . DRIVE . Nicolas Winding Refn

35 . SHAME . Steve Mc Queen

36 . TUDO PODE DAR CERTO . Woody Allen

37 . CEMITÉRIO DO ESPLENDOR . Apichatpong Weerasethakul

38 . AS VANTAGENS DE SER INVISÍVEL . Stephen Chbosky

39 . CISNE NEGRO . Darren Aronofsky

40 . MELANCOLIA . Lars Von Trier

41 . MÃE . Darren Aronofsky

42 . A GRANDE BELEZA . Paolo Sorrentino

43 . MARY & MAX . Adam Elliot

44 . LA LA LAND . Damien Chazelle

45 . EM RITMO DE FUGA . Edgard Wright

46 . RELATOS SELVAGENS . Damian Szifron

47 . VISAGES VILLAGES . Agnès Varda

48 . ILHA DOS CACHORROS . Wes Anderson

49 . NINFOMANÍACA . Lars Von Trier

50 . ENTÃO MORRI . Bia Lessa

51 . CAPITÃO FANTÁSTICO . Matt Ross

52 . A BRUXA . Robert Eggers

53 . SABOR DA VIDA . Naomi Kawase

54 . AMORES IMAGINÁRIOS . Xavier Dolan

55 . EU, TONYA . Craig Gillespie

56 . MULHERES DO SÉCULO XX . Mike Mills

57 . CAROL . Tood Haynes

58 . BASTARDOS INGLÓRIOS . Quentin Tarantino

59 . BOYHOOD . Richard Linklater

60 . NÃO ME ABANDONE JAMAIS . Mark Romanek

61 . SNIPER AMERICANO . Clint Eastwood

62 . O PARAÍSO DEVE SER AQUI . Elia Suleiman

63 . A PELE QUE HABITO . Pedro Almodóvar

64 . NÓS SOMOS AS MELHORES . Lukas Moodysson

65 . ENTRE O AMOR E A PAIXÃO . Sarah Polley

66 . UM POMBO POUSOU NUM GALHO REFLETINDO SOBRE A EXISTÊNCIA . Roy Anderson

67 . ILHA DO MEDO . Martin Scorsese

68 . O LOBO ATRÁS DA PORTA . Fernando Coimbra

69 . AS AVENTURAS DE PI . Ang Lee

70 . AQUARIUS . Kleber Mendonça Filho

71 . CAPHARNAUM . Nadine Labaki

72 . CORRA . Jordan Peele

73 . ENQUANTO SOMOS JOVENS . Noah Baumbach

74 . SYNONYMES . Nadav Lapid

75 . O SOM AO REDOR . Kleber Mendonça Filho

76 . HOLY MOTORS . Leos Carax

77 . MEIA NOITE EM PARIS . Woody Allen

78 . ANNA KARENINA . Joe Wright

79 . QUE HORAS ELA VOLTA? . Anna Muylaert

80 . O LADO BOM DA VIDA . David O. Russel

81 . SOB A PELE . Jonathan Glazer

82 . GRAVIDADE . Alfonso Cuaron

83 . AMOR . Michael Haneke

84 . WHIPLASH . Em busca da perfeição

85 . O IMPOSSÍVEL . Juan Antonio Bayona

86 . O LAGOSTA . Yorgos Lanthimos

87 . CAFÉ COM CANELA . Ary Rosa e Glenda Nicácio

88 . HONEYLAND . Tamara Kotevska e Ljubomir Stefanov

89 . O LOBO DE WALL STREET . Martin Scorsese

90 . SCOTT PILGRIM CONTRA O MUNDO . Edgard Wright

91 . HAPPY END . Michael Haneke

92 . ASSUNTO DE FAMÍLIA . Hirokazu Koreeda

93 . ENTER THE VOID . Gaspar Noé

94 . NAMORADOS PARA SEMPRE . Derek Cianfrance

95 . BRANCA DE NEVE . Pablo Berger

96 . JOVENS ADULTOS . Jason Reitman

97 . ONDE VIVEM OS MONSTROS . Spike Jonze

98 . A REDE SOCIAL . David Fincher

99 . O ARTISTA . Michel Hazanavicius

100 . TAXI TEERÃ . Jahar Panahi

QUANDO EU MORRER VOU CONTAR TUDO A DEUS

Teatro

Ano: 2019

Diretor: Icaro Rodrigues / Dramaturgia: Maria Shu

Cia Teatral: O Bonde

Costumo ter um respeito a mais por todo tipo de pesquisa artística que consegue ser revolucionária sem se anunciar como tal, porque só nos avisar não basta, avisar pode ser apenas um anúncio estéril. Trago notícias sobre um espetáculo infantil impecável, de uma potência fabular furtiva aos olhos e uma iconografia tão lúcida que me obrigo a usar essa rede minha (com tantos pais, mães, artistas e pedagogos) para que as crianças (no sentido mais abrangente e adjetivado da expressão) tenham a sorte de estar diante.

E se nesse ano em que cavalgamos no abismo, o otimismo desbota, a esperança está em plena retração, enquanto amargamos um sem fim de estragos em relação aos rumos da educação, um espetáculo infantil figurasse como grande acontecimento político em todas as linhas simbólicas possíveis? Um desastre ao contrário, uma pequena via láctea gira para que os sonhos acordem antes do bicho papão, torceremos por Abul, o menino refugiado que habitou a claustrofobia de uma mala em uma travessia entre Marrocos e Espanha (história real).

‘Quando eu morrer vou contar tudo a deus’ se equilibra pelo mérito do tom, do início ao fim, uma leveza que faz voar sem cuspir cartilhas, um aproveitamento imagético impecável, a apropriação conotativa dos elementos cênicos em pleno preenchimento dramatúrgico, um jeito de dizer que metaforiza a exclusão enquanto naturaliza a inclusão. Mesmo antes da peça começar há um contraste anunciado sobre a linha de condução da pesquisa em relação ao universo infantil (sendo isso proposital ou não, parece servir muito ao que vem a seguir). Os avisos sonoros são agudamente infantilizados e chegam a parecer um deboche, uma vez que estaremos diante de uma montagem que não subestima a criança e faz com que a construção cênica passe longe daqueles equívocos que povoam majoritariamente o jeito de instruir a criticidade infantil, a partir de encenações datadas e formulações normativas.

‘Quando brigam dois elefantes quem sofre é a grama’. A dramaturgia de Maria Shu é inteira prosa-magia em seu jeito de elaborar a profundidade achando cantos cognitivos para encostar sua poesia com gosto de pudim-malva. Um texto historiador, um texto que não é apenas história mas que (de maneira quase semi-ótica) sedimenta a representatividade sem ser inofensivo ao questionamento, que consegue ser brilho em suas beiradas nos tirando a vontade de morrer.

Um coletivo de atores negros prova que tudo é melhor que Disney quando o teatro encontra o simples e abraça o rastro do infinito, depende de uma certa ambição imaginária, de uma direção que acredite em duendes, de um elenco que festeja o lúdico usando quase nada, usando a si, usando malas para dizer que uma coisa pode ser outra e então a ideia de limite parece uma invenção adulta e o chão uma desculpa para não sair do lugar.

Quero contar que faltei na balada de sábado e vivenciei a dimensão pragmática do meio dia. (Você pode vivenciar também, e tem apenas mais um domingo no Sesc Bom Retiro para isso, embora eu torça para que essa peça corra o mundo fora da mala, que ela não seja guardada ao ostracismo). É importante quando não nos sentimos impermeáveis, da pra gastar lágrimas quando a luz se apaga, porque ainda nos restam os pedidos antes que a vela desacenda, antes que o futuro nos proíba de imaginar. Concordo com Mia Couto quando diz que a lua anda devagar mas atravessa o mundo

TOM NA FAZENDA

Teatro

Ano: 2017

Diretor: Rodrigo Portella / Dramaturgia: Michel Marc Bouchard Cia Teatral: Idealizado por Armando Babaioff

A quem puder: segure esse diamante com todo cuidado. Quero dizer que 'Tom na fazenda' está em São Paulo. Repito: Tom na fazenda está em São Paulo. Ainda acho que deveria acrescentar uma terceira repetição desse aviso, porque talvez hoje chova, talvez não, mas a lama será inevitável, afinal Tom está na fazenda - mas está em São Paulo.

Vou primeiro ao clímax. Aqueles dois dançando um ritmo qualquer e agora eu sei que não precisa ser necessariamente um tango, basta ser música sem convite. O ritmo, a congruência gestual sublinhando o tesão persecutório pelo inimigo; algo que agrega um sentido relacional mais complexo ao dicionário da subjetivação. A chegada de Tom tal como um estrangeiro introduzido ao inóspito, um vagaroso movimento de contágio valida a transposição do indivíduo ao seu desejo e em consequência disso o assujeitamento dele ao outro, ao ambiente farpado - as forças de ocasião engolem a fragilidade formando um cativeiro subentendido que é também o próprio espaço-cênico.

A relação entre Tom e Francis abraça a desordem lógica (as marcações identitárias de sexualidade) e margeia um ‘folie a deux’, o transtorno que consiste em uma psicose compartilhada. Para isso precisamos do indutor e do vulnerável, de uma hierarquia tóxica e destrutiva, de um servo e um senhor e no meio disso uma neurose. É então que a encenação revela uma aula de como desmaterializar os recursos para então multiplicá-los. De como estimular a imagem sem nos dar a imagem. A imensidão dos feromônios em plena dança do quase (O quase é sempre uma zona erógena). Se um diretor é o maestro do todo, um Rodrigo Portela na direção me empolga pela sofisticação dada à retórica das imagens, e me tira a velha dúvida sobre quem agradecer pelo aluguel romântico, se ao dramaturgo ou ao diretor. Mas nessa peça, sei a quem devo agradecer e justamente por isso esse texto é absolutamente tentacular e digressivo. .

Das sutilezas mais envolventes na dramaturgia de 'Tom na fazenda' a abordagem do erotismo implícito na aversão, apostando na tensão repulsiva entre os corpos. Enquanto a razão é mais suscetível, o instintivo é tão preponderante que a interpretação-magya de Gustavo Vaz parece estruturar sentidos dormentes na plateia (falo do dormente circunstancial, das funções passivo-instantâneas do receptor da informação – nós). Não estou sentindo o cheiro, mas eu imagino o cheiro, sinto o cheiro de Francis como se a sinestesia sugerisse um preenchimento sensorial aos vãos literais dentro do meu estado de imersão. O agroboy bolsominion torna-se fetiche incômodo, aliás o prêmio Shell teve um ótimo olfato, como nem sempre.

Sinto também um enlevo confortável enquanto inquilino provisório de um acontecer teatral.Isso ao notar um cuidadoso approach de Armando Babaioff com todo o aparelho cênico. É um zelo de anfitrião, é uma energia de apropriação que também contabiliza o extra-campo. Sua presença durante toda a duração da peça pressupõe um respeito de quem mergulhou no mar dramatúrgico sem forjar a posse (o mar é sempre nosso, embora o mar não nos pertença). O semeador olha a sua árvore que agora é árvore de todos.

Vou (e preciso) dizer esse nome como se ele fosse um neologismo, no sentido de raridade, de uma atriz capaz de dar risos nervosos e da minha inveja sobre como dar risos nervosos sem que eu desconfie do exagero. Kelzy Ecard, como te vi tão pouco por aí? Outro dia te vi na novela e agora te achei de novo. (Te achei em definitivo, espero, porque tudo antes foi apenas desencontro, eu sei). E a retardatária entrada de Camila Nahri que de repente é o tom destoante (ou alívio cômico), e que me convence disso por parecer um propósito, por dizer o inglês como eu digo (um horror), e então me fazer rir dela (e de mim) e olha que eu rio cada vez menos.

Ao final, fico sabendo que o início da ideia é um encontro intermediado pelo produtor da peça.

-Babaioff, esse é o Bouchard. -Bouchard esse é o Babaioff.

E deu match.

TUDO É LINDO EM NOME DO AMOR

Teatro

2018

Direção e dramaturgia: Bruna Betito e Debora Rebecchi

Cia AL BORDE

'Você teria se apaixonado se nunca tivesse ouvido falar do amor?'

E se o lema ‘dançar conforme a música’ tivesse uma marcação de gênero subliminar e opressora? E se você assistisse uma peça que verbalmente diz tão pouca coisa e em contrapartida metralha registros que gritam sobre o universo da mulher diante da romantização do amor’? E se a pós-dramaturgia tivesse esse valor arbitrário e perturbador que só os símbolos dão conta? E se esse prefixo ‘pós’, que me soa tão irritante, também fosse trajado como indicador de continuidade de debate ao invés de atestar rejeição ao novo?’ E se a gente parasse de se deslumbrar com o engajamento pelo engajamento e instituísse que engajamento não é mera reprodução e não está isento da criticidade’? E se o discurso parasse também de se curvar ao colonialismo idiomático para buscar legitimidade?

Errar uma vez é humano, errar duas vezes é estilo. Curioso como eu acompanhava a rasura estética de vocês sem saber o que era erro. Isso é bonito, olhar para uma desconstrução e entender que tem arte ali no meio do fog, algo que foi planejado para ser inadequado, algo que sabote a representação do pleno. Isso faz de ‘Tudo é lindo em nome do amor’ uma performance de desmontagem’ ou uma ‘desmontagem performática’. Tudo é lindo em nome de um desabamento com doses picantes de sarcasmo. Um feminismo que atravessa o debate por outros ramais intuitivos e arranha nossos olhos como se coreografias fossem argumentos. É como se finalmente eu tivesse entendido porque a babá do Muppet Babies sempre aparecia da cintura para baixo.

(Oi meninas, um recadinho carinhoso meu para vocês. É sabido que em dado momento do trajeto o artista é seu próprio produtor, penso que isso também renova a concepção sobre o ofício, justifica Amanda Palmer e sua arte de pedir, faz do artista senhor e servo de seu invento, horizontaliza a altura do mundo pela necessidade que insurge no campo das negociações. Debora, amo mais que Marina Lima. Bruna, amo mais que Leila Diniz. Vocês me inspiram e me deixam aflito porque madeiras quebradas espalham farrapos pelo chão e o joelho de vocês engatinhando..../ aliás, se isso fosse de fato um questionamento vocês com certeza me diriam: foda-se <3).

Especialmente no teatro, penso que o tipo de produto político-artístico que me interessa no momento não é o que me desperta uma vontade de concordar, mas que me perfura um incômodo diante de uma nova hipótese, em seguida a absorção e transformação desse incomodo em um espaço de confronto, acolhimento e reflexão. Me tirem de tudo o que é circular ou caia na subversão ingênua. Se para muitos todo teatro é político, prefiro então a linguagem despertando para uma interação entre fronteiras antagônicas e não para um exercício de confirmação entre iguais. O artista atira e flecha no contraponto inquisitório, uma guerra acontece, guerra eu comigo, guerra eu vocês, guerra elas eu. É que confio mais na arte quando diante de mim uma guerra acontece, não precisa nem sair sangue, mas precisa ter facada ou desobediência. A grande ironia é que tudo isso é sobre o amor.

PROJETO BRASIL

Teatro

Ano: 2015

Diretor: Marcio Abreu

Dramaturgia: Giovana Soar, Marcio Abreu, Nadja Naira, Rodrigo Bolzan.

Cia Teatral: Cia. Brasileira de Teatro

É bonito quando uma peça bonita consegue ser assim. Bonita, de gravemente boa. A ousadia da aproximação, que triste isso ser uma ousadia. À flor da pele do desconforto, vários deles, a partir de algo que deveria ser confortável, mas é brasa. Eles nos roubam bactérias e tudo vai ficando muito perto, tudo se espalha dentro e fora, num sentido múltiplo de se estar, em nós. É densa, mas não perde para a própria densidade, ao contrário, cresce muito alto.

A pele é o uso da palavra, do excelente texto, desses de vender o livro no final, porque o texto é desses que tem que vender o livro no final, porque é urgente e poêmico e pó(l)êmico e cheio de inovações na semântica da forma. Marcio Abreu, esse segredinho mágico, que por acaso é sapiens-homo.

E vamos pelas lindas atuações, vamos pelos corpos e como eles se movem numa odisseia tão primitiva e sofisticada, o corpo que experimenta a nós, invasão poética ou um poema que invade? Vamos pelo silêncio e pelas palavras que continuam depois dos atores, as palavras se prolongam, como um pranto, como um silêncio, como um lamento-entre-locuções. E vamos pelas escolhas musicais ou a paleta 'econômica' e forte do cenário, as poucas cores que fortalecem a encenação, fortalecem todo o resto, o resto é o que sobra da nossa respiração. E não podemos esquecer da luz, a luz é quase um artefato sonoro, sinestésica assim. A Cia brasileira reaprende o teatro e a gente junto, a cada inesquecível peça ou sensação.

O teatro é também essa necessidade de comunicar a tentativa de comunicar. E então encosta, quando encosta, a gente fica assim, meio sem chão, flutuando num abismo em que o resgate é um sofisma pela reflexão. Não estou podendo com as palavras, dá vontade de enfeitar uma a uma. 'Projeto Brasil' é sem muito enfeite e ao mesmo tempo cheio deles, uma raridade, uma celebração que se acaba, de tão boa que é (de graça no Teatro Cacilda Becker até findi que vem). (É engraçado quando isso acontece no teatro, quando as palmas vão longe e não param, e não querem fechar o parentese, e os que param antes, não sabem muito bem o que fazer com as mãos, e voltam a bater palmas um pouco constrangidos, porque as palmas felizmente não param, ultrapassando os parênteses) não pararam até agora.

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