SOMETHING YOU SHOULD KNOW

ARTISTES, PRODUCTRICES ET PRODUCTEURS AUJOURD'HUI.

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GRISELDA POLLOCK

Vendredi 14 juin à 18h (heure de Paris)

Friday June 14th 2024, 6pm (Paris time)

@ MSH, 16 – 18 RUE SUGER, 75006 (métro Odéon ou St – Michel)

Griselda Pollock est l’une des figures les plus impressionnantes de celles qui, depuis les années 1980, ont révolutionné l’histoire de l’art en la soumettant au questionnement féministe. Bien au-delà de la question désormais classique du « canon » de l’histoire de l’art, c’est à une réélaboration radicale du cadre même de la discipline, informée par la théorie politique, la psychanalyse et l’anthropologie, qu’elle a consacré une vingtaine d’ouvrages qui sont aujourd’hui considérés comme incontournables parmi lesquels Vision and Difference: Feminism, Femininity and the Histories of Art (1988), Differencing the Canon: Feminist Desire and the Writing of Art's Histories (1999), Encounters in the Virtual Feminist Museum: Time Space and the Archive (2007), After-Affects I After-Images: Trauma and Aesthetic Transformation in the Virtual Feminist Museum (2013). Au fil des années 2000, Pollock a déployé un riche programme de recherche, à la fois personnel et collectif, sur le trauma, la représentation après la Shoah, la mémoire et le cinéma. Charlotte Salomon and the Theatre of Memory, publié en 2018, se situe à la convergence de ces deux perspectives. Professeure à l’université de Manchester (1974-1977) puis à celle de Leeds (à partir de 1977), Pollock a dirigé le Centre for Cultural Analysis, Theory and History (CATH) de l’université de Leeds. En 2020 elle a obtenu le plus prestigieux prix international pour les sciences humaines, le prix Holberg "pour ses contributions révolutionnaires à l'histoire de l'art féministe et aux études culturelles". En 2023, traçant les grandes lignes d’une approche entièrement renouvelée de l’historiographie, elle a dirigé un volume d’études consacrées à Helen Rosenau, historienne de l’art et de l’architecture, autrice du pionnier Woman in Art : From Type to Personality (1944). Aujourd'hui paraît enfin en français le classique des classiques, sa première intervention féministe dans l’histoire de l’art, Maîtresses d’autrefois. Femmes, Art et Idéologie qu’elle publia avec Rozsika Parker en 1981.

[EN] Giselda Pollock is one of the most impressive figures among those who, since the 1980s, have revolutionised the history of art by subjecting it to feminist questioning. Far beyond the now classic question of the art-historical “canon”, she has devoted some twenty books to a radical re-elaboration of the very framework of the discipline, informed by political theory, psychoanalysis and anthropology. These include Differencing the Canon: Feminist Desire and the Writing of Art's Histories (1999), Vision and Difference: Feminism, Femininity and the Histories of Art (2003), Encounters in the Virtual Feminist Museum: Time Space and the Archive (2007), After-Affects I After-Images: Trauma and Aesthetic Transformation in the Virtual Feminist Museum (2013). Over the 2000s, Pollock deployed a rich, personal, and collective program of research on trauma, representation after the Shoah, memory and cinema. Charlotte Salomon and the Theatre of Memory, published in 2018, lies at the convergence of these two perspectives. Professor at the University of Manchester and then at Leeds University, Pollock directed the Centre for Cultural analysis, Theory and History at Leeds University. In 2020, she was awarded the most prestigious international prize for the humanities, the Holberg Prize “For her groundbreaking contributions to feminist art history and cultural studies”. In 2023, outlining an entirely new approach to historiography, she edited a volume of studies devoted to Helen Rosenau, art and architecture historian and author of the pioneering Woman in Art: From Type to Personality (1944). Todday, the classic of classics, Old Mistresses: Women, Art and Ideology, her first feminist intervention in history published with Rozsika Parker in 1981, is finally published in French.

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Séminaire conçu et organisé par Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici et Natasa Petresin-Bachelez et soutenu par la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte

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MARK FRANKO

Lundi 29 avri 2024 à 19h (heure de Paris)

Monday April 29th 2024, 7pm (Paris time)

@ MSH, 16 – 18 RUE SUGER, 75006 (métro Odéon ou St – Michel)

Mark Franko est un historien de la danse de réputation internationale. Il a renouvelé notre compréhension de la danse baroque autant que de la performance et de la chorégraphie du XXe siècle dont il a étudié particulièrement les relations avec le champ politique et la constitution des collectifs. Depuis Dancing Modernism/Performing Politics en 1995, il a publié Dance as Text: Ideologies of the Baroque Body traduit en Français par les Éditions de l’Éclat sous le titre La danse comme texte : Idéologies du corps baroque ; The Dancing Body in Renaissance Choreography: Kinetic Theatricality and Social Interaction (2022) ; The Work of Dance: Labour, Movement and Identity in the 1930s (2002) ; Martha Graham in Love and War : The Life in the Work (2012 )et, en 2020, The Fascist Turn in the Dance of Serge Lifar: Interwar French Ballet and the German Occupation. Il est aussi le co-éditeur de Acting on the Past: Historical Performance Across the Disciplines (2000). En 2018 une anthologie de ses écrits a été publiée par Routledge : Choreographing Discourses: A Mark Franko Reader qui permet de retrouver les nombreux articles qu’il a publiés dans Discourse, PMLA, The Drama Review, Res: Anthropology and Aesthetics, Theatre Journal… Mark Franko est professeur de Danse et président du département des Arts du Théâtre de l’Université de Californie, Santa Cruz. Mais Franko a aussi poursuivi une carrière de danseur et de chorégraphe, d’abord (1964-1969) dans le cadre du Studio for Dance, à New York, un bastion précoce de la danse post-moderne auquel il a consacré un livre, Excursion for Miracles: Paul Sanasardo, Donya Feuer, and Studio for Dance. Avec sa propre compagnie, NovAntiqua, fondée en 1985, il a travaillé le répertoire classique autant que la restitution des danses du Bauhaus par exemple. Son œuvre de chorégraphe a obtenu le soutien du National Endowment for the Arts, the Harkness Foundation for Dance, the Getty Research Center for the History of Art and the Humanities, the Zellerbach Family Fund and the New Jersey State Council on the Arts. NovAntiqua s'est produite au J. Paul Getty Museum (Malibu), au Berlin Werkstatt Festival, à la de la Torre Bueno Award Ceremony (Lincoln Center, New York), au Mueée d'Art de Toulon, à l'Opéra de Montpellier,au Lincoln Center Out-of-Doors Festival, aux Princeton University Theater and Dance Series, au Haggerty Art Museum (Milwaukee), et le ODC Theatre San Francisco.

[EN] Mark Franko is an internationally renowned dance historian. He has renewed our understanding of Baroque dance as much as of twentieth-century performance and choreography, whose relations with the political field and the constitution of collectives he has studied in particular. Since Dancing Modernism/Performing Politics in 1995, he has published Dance as Text: Ideologies of the Baroque Body, translated into French by Éditions de l'Éclat as La danse comme texte: Idéologies du corps baroque; The Dancing Body in Renaissance Choreography: Kinetic Theatricality and Social Interaction (2022); The Work of Dance: Labour, Movement and Identity in the 1930s (2002); Martha Graham in Love and War: The Life in the Work(2012 )and, in 2020, The Fascist Turn in the Dance of Serge Lifar: Interwar French Ballet and the German Occupation. He is also the co-editor of Acting on the Past: Historical Performance Across the Disciplines (2000). In 2018, an anthology of his writings was published by Routledge: Choreographing Discourses: A Mark Franko Reader, which brings together the many articles he has published in Discourse, PMLA, The Drama Review, Res: Anthropology and Aesthetics, Theatre Journal... Mark Franko is Professor of Dance and Chair of the Department of Theatre Arts at the University of California, Santa Cruz. But Franko has also pursued a career as a dancer and choreographer, first (1964-1969) with New York's Studio for Dance, an early bastion of post-modern dance to which he dedicated a book, Excursion for Miracles: Paul Sanasardo, Donya Feuer, and Studio for Dance. With his own company, NovAntiqua, founded in 1985, he has worked on the classical repertoire as well as the restitution of Bauhaus dances, for example. His choreographic work has been supported by the National Endowment for the Arts, the Harkness Foundation for Dance, the Getty Research Center for the History of Art and the Humanities, the Zellerbach Family Fund and the New Jersey State Council on the Arts. NovAntiqua has appeared at the J. Paul Getty Museum (Malibu), the Berlin Werkstatt Festival, the de la Torre Bueno Award Ceremony (Lincoln Center, New York), France's Toulon Art Museum, the Montpellier Opera, Lincoln Center Out-of-Doors Festival, the Princeton University Theater and Dance Series, the Haggerty Art Museum (Milwaukee), and ODC Theatre San Francisco.

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MIRA ASRININGTYAS & DITO YUWONO

Lundi 29 janvier 2024 à 19h (heure de Paris)

Monday January 29th 2024, 7pm (Paris time)

@ MSH, 16 – 18 RUE SUGER, 75006 (métro Odéon ou St – Michel)

Mira Asriningtyas est curatrice et autrice, Dito Yuwono artiste et curateur. Ensemble ils forment depuis 2011 le collectif curatorial LIR, basé à Yogyakarta—un collectif en perpétuel remaniement au fil de sa réflexion sur la responsabilité curatoriale et dont l’activité se déploie dans toute l’Asie du Sud-Est, aux USA et en Europe. “Curated by LIR”, une suite d’expositions, proposées à Yogyakarta, Jakarta, Kaliurang, New York et Tapei entre 2018 et 2023, retrace ce parcours curatorial que jalonnent "Crossing Ecotones - Mountains Seen; No Mountain Being", "Rhinolophus Sinicus", "Worship to Power » ou "Dream Express: Personalized History of Mysticism"

“Of Hunters and Gatherers“, un projet au long cours associe, à l'occasion d’une exposition, de colloques et d’un site web dédié, plusieurs institutions artistiques du sud-est asiatique situées à Chiang Mai (Thailande), Bandung (Indonésie), Ho Chi Minh City (Vietnam). Le projet s’est constitué à partir d’une marche du collectif avec deux artistes invité·e·s au pied du mont Merapi, et sur les routes qui longent le bas Mekong, à la frontière de la Thailande et du Laos.

Mais chacun·e a développé une pratique personnelle. Mira, qui a terminé en 2017 (au De Appel Art Center à Amsterdam) un projet de recherche sur les modalités décoloniales et polycentriques des apprentissages et de la connaissance, a été la commissaire de nombreuses expositions et de plusieurs programmes de séminaires et colloques au De Appel Art Center (Amsterdam); Stedelijk Museum (Amsterdam); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin); KKF (Yogyakarta); ISCP (New York); MAIIAM Contemporary Art Museum (Chiang Mai); Our Museum (Taipei) entre autres. Elle a publié de nombreux articles et essais dans des revues, catalogues, magazines internationaux comme PARSE Journal ou comme Stedelijk Studies. En 2017 Mira a lancé le projet “900mdpl“ à Kaliurang, un village situé au pied du Mont Merapi qui aborde dans toute leur complexité les enjeux post-coloniaux, environnementaux, politiques et mémoriels que la fragilité sismique de la région et les éruptions de ce volcan très actif viennent dévoiler sur un mode spectaculaire et dans l’urgence. Dito travaille les mêmes thèmes dans son œuvre d’artiste qui donne une attention prioritaire à la mémoire collective, à l’inscription des vies singulières dans l’histoire, à l’urgence environnementale —une attention toujours ancrée dans des pratiques site -specific. Il a été l’invité de The Northern Centre for Contemporary Art (NCCA) Darwin (Australie), Ruangrupa (Jakarta); Jatiwangi Art Factory (Indonesie); GOLEB & Het Wilde Weten (Pays-Bas); TIFA Working Studios (Inde); et Collectif BONUS (Nantes). Son travail a été exposé dans de nombreux centres d’art aux États-Unis (Herbert F. Johnson Museum of Art), en Europe (Festival de la Photo, Arles, 2017), en Indonésie… Il est depuis 2020 le co-directeur de Ruang MES56 et a été le commissaire du premier Festival International de Photographie à  Jogja en 2023, “Mengukur Panjang dan Lebar Sebuah Bingkai” (A Strategy to Measure a Frame).

En 2024 Mira et Dito ont été nommé·e·s directeu·rice·s du CEMETI- Institut for Art and Society.

[EN]

Mira Asriningtyas is a curator and author, Dito Yuwono an artist and curator. Together they have formed the Yogyakarta-based curatorial collective LIR since 2011, a collective that is constantly reshaping itself as they reflect on curatorial responsibility, and whose activity extends throughout Southeast Asia, the USA and Europe. "Curated by LIR", a series of exhibitions proposed in Yogyakarta, Jakarta, Kaliurang, New York and Tapei between 2018 and 2023, retraces this curatorial journey that includes "Crossing Ecotones - Mountains Seen; No Mountain Being", "Rhinolophus Sinicus", "Worship to Power" and "Dream Express: Personalized History of Mysticism".

"Of Hunters and Gatherers" is a long-term project that brings together several Southeast Asian art institutions in Chiang Mai (Thailand), Bandung (Indonesia) and Ho Chi Minh City (Vietnam) for an exhibition, colloquia and a dedicated website. The project grew out of a walk by the collective and two guest artists at the foot of Mount Merapi, and on the roads along the lower Mekong, on the border between Thailand and Laos.

But each has developed a personal practice. Mira, who completed a research project on decolonial and polycentric modalities of learning and knowledge at the De Appel Art Center in Amsterdam in 2017, has curated numerous exhibitions and several seminar and symposium programs at the De Appel Art Center (Amsterdam); Stedelijk Museum (Amsterdam); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin); KKF (Yogyakarta); ISCP (New York); MAIIAM Contemporary Art Museum (Chiang Mai); Our Museum (Taipei) among others. She has published numerous articles and essays in international journals, catalogs and magazines such as PARSE Journal and Stedelijk Studies. In 2017 Mira launched the "900mdpl" project in Kaliurang, a village at the foot of Mount Merapi, which addresses in all their complexity the post-colonial, environmental, political and memorial issues that the region's seismic fragility and the eruptions of this highly active volcano come to reveal in a spectacular mode and in a hurry. Dito works on the same themes in his work as an artist who gives priority attention to collective memory, the inscription of singular lives in history, and environmental urgency, always anchored in site-specific practices. He has been invited by The Northern Centre for Contemporary Art (NCCA) Darwin (Australia), Ruangrupa (Jakarta); Jatiwangi Art Factory (Indonesia); GOLEB & Het Wilde Weten (Netherlands); TIFA Working Studios (India); and Collectif BONUS (Nantes). His work has been exhibited in numerous art centers in the United States (Herbert F. Johnson Museum of Art) in Europe (Festival de la Photo, Arles, 2017), in Indonesia... Since 2020 he has been the co-director of Ruang MES56 and curated the first International Photography Festival in Jogja in 2023, "Mengukur Panjang dan Lebar Sebuah Bingkai" (A Strategy to Measure a Frame).

In 2024 Mira and Dito were appointed directors of CEMETI- Institut for Art and Society.

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Sheelasha Rajbhandari & Hit Man Gurung

Mardi 12 décembre 2023 à 17h (heure de Paris)

Tuesday December 12th 2023, 5pm (Paris time)

Co-commissaires de la 17e Biennale Jogja 2023 et de Colomboscope 2024 / Co-curators for 17th Biennale Jogja 2023 and Colomboscope 2024

Sheelasha Rajbhandari (née en 1988) est une artiste et une curatrice opérant partir de Katmandou. Ses travaux s'appuient sur une lignée de féminités incarnées et spéculatives pour remettre en question le positionnement des femmes à travers le temps, les paysages et les cosmologies. Sa pratique incite à réfléchir au-delà de la conception néolibérale du temps, afin de décentrer les structures patriarcales qui perpétuent les cycles d'extraction industrielle et d'épuisement individuel. Pour elle, l'art consiste à créer un espace pour l'action collective. Ce questionnement alimente sa récente approche artistique et curatoriale qui recompose les notions d'indigénéité, de genre, de valeur et de productivité. Elle a été co-commissaire de la Triennale Katmandou2077, du Pavillon du Népal à la Biennale de Venise (2022), de "Garden of Ten Seasons" à Savvy Contemporary, Berlin (2022) et de "12 Baishakh", Bhaktapur (2015) aux côtés de Hit Man Gurung. Son installation textile a été exposée au Museum of Art and Design de New York (2022) et au Footscray Art Center de Melbourne (2022). Son installation dans l'exposition itinérante " A beast, a god and a line " (2018-2020) a été présentée à Para Site, Hong Kong ; TS1, Yangon ; Museum of Modern Art, Varsovie ; Kunsthall, Trondheim ; et MAIIAM Contemporary Art Museum, Chiang Mai. Elle a également été artiste en résidence au Bellas Artes Projects (2019) et au Para Site (2017). Elle a en outre exposé au Weltmuseum Wien (2019) et à la Triennale de Katmandou (2017). Dans le cadre de son collectif, elle a participé au Dhaka Art Summit (2020) et à la Biennale de Sydney (2020). Elle est également cofondatrice d'ArtTree Nepal, un collectif d'artistes, et d’un espace artistique, Kalā Kulo.

Hit Man Gurung (né en 1984) est un artiste et un curateur basé à Katmandou. Ses diverses pratiques s'intéressent au tissu des mobilités humaines, aux frictions de l'histoire et aux échecs des révolutions. Bien qu'ancrés dans l'histoire récente du Népal, ses travaux démêlent un réseau complexe de liens de parentés et d'extractions à travers les géographies qui soulignent l’exploitation inhérente au capitalisme. Ces récits tournent autour des expériences vécues par les migrant·e·s, pris·e·s entre une industrie transnationale déshumanisante fondée sur le travail, et un État-nation apathique. Il invoque en outre les méthodologies et épistémologies indigènes pour reconfigurer dans ses fondements la praxis artistique contemporaine. Il a été co-commissaire de la Triennale de Katmandou2077 (2022), du Pavillon du Népal à la Biennale de Venise (2022), de "Garden of Ten Seasons" à Savvy Contemporary, Berlin (2022) et de "12 Baishakh", Bhaktapur (2015), aux côtés de Sheelasha Rajbhandari. Il a également cofondé ArtTree Nepal, un collectif d'artistes, et l’espace artistique Kalā Kulo. Il a participé à des expositions à SAVVY Contemporary, Berlin (2020) ; Biennale de Sydney (2020) ; Artspace Sydney (2019) ; Weltmuseum Wien (2019) ; Kathmandu Triennale (2017) ; Yinchuan Biennale (2016) ; Para Site, Hong Kong (2016) ; Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Brisbane (2015-16) ; et Dhaka Art Summit (2014, 2016, 2018, 2020).

[EN] Sheelasha Rajbhandari (b. 1988) is an artist and curator based out of Kathmandu. Her works draw upon an embodied and speculative lineage of femininities to question the positioning of women across time, landscapes, and cosmologies. Her practice is a provocation to reflect beyond neo-liberal conception of time in order to decenter patriarchal structures that perpetuate cycles of industrial extraction and individual exhaustion. For her, art-making is about making space for collective action. This questioning feeds into her recent artistic and curatorial approach that recompose notions of Indigeneity, gender, worth, and productivity. She co-curated the Kathmandu Triennale 2077, Nepal Pavilion at Venice Biennale (2022), ‘Garden of Ten Seasons’ at Savvy Contemporary, Berlin (2022) and ’12 Baishakh,’ Bhaktapur (2015) alongside Hit Man Gurung. Her textile installation was exhibited at Museum of Art and Design; NewYork (2022), Footscray Art Center; Melbourne ( 2022). Her installation in the traveling exhibition “A beast, a god and a line” (2018-2020) was presented at Para Site, Hong Kong; TS1, Yangon; Museum of Modern Art, Warsaw; Kunsthall, Trondheim; and MAIIAM Contemporary Art Museum, Chiang Mai. She has also been an artist in residence at the Bellas Artes Projects (2019) and Para Site (2017). She has furthermore exhibited at Weltmuseum Wien (2019); and Kathmandu Triennale (2017). As a part of her collective, she has been a part of Dhaka Art Summit (2020) and Biennale of Sydney (2020). She is also the co-founder of ArtTree Nepal, an artist collective and Kalā Kulo, an arts initiative.

Hit Man Gurung (b. 1984) is an artist and curator based in Kathmandu by way of Lamjung. Gurung’s diverse practice concerns itself with the fabric of human mobilities, frictions of history, and failures of revolutions. While rooted in the recent history of Nepal, his works unravel a complex web of kinships and extraction across geographies that underscore the exploitative nature of capitalism. These narratives revolve around the lived experiences of migrants caught between a dehumanizing transnational labor-based industry and an apathetic nation-state. He furthermore invokes Indigenous methodologies and epistemologies to fundamentally reconfigure contemporary artistic praxis. Gurung is one of the curators for 17th Biennale Jogja 2023 and Colomboscope 2024. He was co-curator for the Kathmandu Triennale 2077 (2022), Nepal Pavilion at Venice Biennale (2022), ‘Garden of Ten Seasons’ at Savvy Contemporary, Berlin (2022) and ’12 Baishakh,’ Bhaktapur (2015) alongside Sheelasha Rajbhandari. He has also co-founded ArtTree Nepal, an artist collective and Kalā Kulo, an arts initiative. He has participated in exhibitions at SAVVY Contemporary, Berlin (2020); Biennale of Sydney (2020); Artspace Sydney (2019); Weltmuseum Wien (2019); Kathmandu Triennale (2017); Yinchuan Biennale (2016); Para Site, Hong Kong (2016); Asia Pacific Triennial of Contemporary Art, Brisbane (2015-16); and Dhaka Art Summit (2014, 2016, 2018, 2020)

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BANI KHOSHNOUDI

Jeudi 6 juin 2023 à 19h (heure de Paris)

Thursday June 6th 2023, 7pm (Paris time)

D’origine iranienne, Bani Khoshnoudi (née à Téhéran) immigre aux États-Unis à l'âge de deux ans, pendant la révolution iranienne de 1979. Elle fait des études d’architecture, de photographie et du cinéma à l’Université du Texas à Austin puis suit, en 2008, le Independent Study Program du Whitney Museum (New York). Son travail, marqué par le déracinement, et le déplacement, explore l’exil, la modernité et ses violences, la mémoire et l’invisible. Alors qu’elle creuse dans ses films, documentaires et fictions,—« Transit » (2005), « A People in the Shadows » (2008), « The Silent Majority Speaks » (2010-14), « Luciérnagas » (2018)—des couches d’histoire et des expériences en relation avec les migrations mondiales, les nomadismes et les luttes historiques pour la liberté, ses photographies et installations travaillent aussi les textures et les traces de ces histoires, l’architecture et les ruines, les empreintes humaines sur la terre. Son film « The Silent Majority Speaks », interdit au Liban et considéré comme « offensant pour le régime iranien », a fait partie de l’exposition , “Soulèvements" (Georges Didi-Huberman/Jeu de Paume, Paris), et a été nommé par la programmatrice et critique française, Nicole Brenez, comme l'un des dix films essentiels du siècle. En 2014, elle a collaboré avec les cinéastes Harun Farocki et Antje Ehmann sur leur projet "Labor in a Single Shot" à Mexico. Le travail de Bani Khoshnoudi a été exposé dans de nombreuses institutions,  notamment le Centre Georges Pompidou et la Fondation Cartier (Paris), l’ ICA Londres, la Haus der Kulturen der Welt (Berlin), le Musée Universitaire d’Art Contemporain et le Musée El Eco (Mexico), la Fundaçao Serralves (Porto), le Musée d’Art Contemporain (Zagreb). En 2009, elle s’est installée à Mexico City où elle continue à travailler aujourd’hui, ainsi qu’en France En 2022 elle a reçu le Herb Alpert Award in the Arts dans la catégorie Film/Vidéo.

[EN] Filmmaker and visual artist, Bani Khoshnoudi was born in Tehran and immigrated to the United States in 1979 during the revolution. She studied architecture, photography and cinema at the University of Texas at Austin, and then continued her studies at the Independent Study Program of the Whitney Museum in New York. Her works, inhabited by displacement and uprooting, explore themes of exile, modernity and its effects, memory and the invisible. While her documentary and fiction films – ‘Transité (2005), ‘A People in the Shadows’ (2008), ‘The Silent Majority Speaks’ (2010-14),’ Luciérnagas’ (2018)- dig into the layers, stories and experiences related to global migrations, nomadisms and historical struggles for freedom, her photographs and installations also work with the textures and traces of these stories; architecture and ruins, human imprints on the earth.

Her most well known film, the documentary essay ‘The Silent Majority Speaks’, was banned in Lebanon in 2014 and considered as “offensive to the Iranian regime”. This political fresco about 100 years of political revolt in Iran was included in Georges Didi-Huberman’s exhibition book, ‘Uprisings’ for the Jeu de Paume Museum in Paris, and was named by French curator and critic, Nicole Brenez, as one of ten essential films of the century. In 2014 she collaborated with filmmaker Harun Farocki and Antje Ehmann on their project “Labor in a Single Shot” in Mexico City.  Bani’s work has been shown at the Centre Pompidou, ICA London, Fondation Serralves in Porto, Fondation Cartier, MUAC Museum of Contemporary Art and Museo El Eco in Mexico City, and the Museum of Contemporary Art Zaghreb, among others.  In 2009, she moved to Mexico City and continues working there today while splitting her time between Mexico and France. In 2022, Bani was awarded the

Herb Alpert Award in the Arts

in Film/ Video.

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MAJD ABDEL HAMID

Jeudi 4 mai 2023 à 19h (heure de Paris)

Thursday May 4th 2023, 7pm (Paris time)

Majd Abdel Hamid est un artiste palestinien. Il est né à Damas en 1988 et vit actuellement entre Beyrouth et Paris. Il est diplômé de l'Académie d'art de Malmö (2010) et de l'Académie internationale d'art en Palestine (2007-2009). Il a produit des installations et des vidéos et, depuis une dizaine d’années, il a surtout réinvesti des artisanats dits traditionnels, comme la broderie et le point de croix, afin de figurer les conflits ultra-contemporains avec lesquels il vit. Il travaille les tensions entre le temps de l’actualité et le temps de la fabrication matérielle de ses pièces, qu’il appelle des « sculptures de longue durée », auxquelles il consacre des centaines d’heures. Majd Abdel Hamid dit vouloir fabriquer de la beauté malgré ou contre l’horreur politique. Des expositions monographiques lui ont été consacrées : Muscle Memory au Centre d'Art Contemporain de Glasgow  (2022) ; 800 meters and a corridor, gb agency, Paris (2022) ; A Stitch in Time, Fondation d'Entreprise Hermès, Bruxelles (2021). Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions collectives, dont Memory Sews Together Events That Hadn't Previously Met, Sharjah Art Museum, Sharjah ; Splendid Isolation, SMAK, Ghent ; La Beauté du Diable, Frac Franche-Comté, Besançon (2022) ; Répare, Reprise, Cité Internationale des Arts, Paris, (2021) ; Heartbreak, Ruya Maps, Venise et Touché !, Beirut Art Center, Beyrouth, (2019) ; à Krognoshuset Lund en Suède (2016), à IVAM (Valence) et au Centre culturel Halil Saakini en Palestine (2018). Il a participé à plusieurs résidences et ateliers internationaux, notamment March Project (Sharjah Art Foundation, 2015), Former West (Berlin 2013) et Truth is Concrete (Graz, 2012). Majd Abdel Hamid est actuellement en résidence à la Cité Internationale des Arts (où il a déjà été résident, en 2009).

[EN] Majd Abdel Hamid is a Palestinian artist, born in 1988 in Damascus; he currently lives between Beirut and Paris. He studied at the Palestine Academy of Art from 2007 to 2009 and graduated from the Malmö Academy of Art in 2010.

He creates installations and videos and he has reinvested since a decade so- called traditional crafts such as embroidery, in order to represent the ultra- contemporary conflicts with which he lives and works on the tensions between the time of current events and the time of the material fabrication of his pieces, « long duration sculptures », as he says, devoting hundreds of hours to each of his embroideries, Majd Abdel Hamid says he wants to make beauty despite of— and against political horror.

Majd Abdel Hamid solo exhibitions include ‘Muscle Memory’, CCA: Centre for Contemporary Arts, Glasgow; ‘800 meters and a corridor’, gb agency, Paris (2022); ‘A Stitch in Time’, Fondation d’Entreprise Hermès, Brussels  (2021) Majd Abdel Hamid’s work has been featured in numerous group exhibitions, including ‘Memory Sews Together Events That Hadn’t Previously Met’, Sharjah Art Museum, Sharjah; ‘Splendid Isolation’, SMAK, Ghent; ‘La Beauté du Diable’, Frac Franche-Comté, Besançon (2022); ‘Répare, Reprise’, Cité Internationale des Arts, Paris, (2021); ‘Heartbreak, Ruya Maps’ ,Venice; ‘Touché! (gesture, movement, action)’ ,Beirut Art Center, Beyrouth(2019) ; at Krognoshuset Lund in Sweden (2016),at IVAM Valencia and the Halil Saakini Cultural Center in Palestine (2018).

He has taken part in several international residencies and workshops, including March Project (Sharjah Art Foundation, 2015), Former West (Berlin, Germany, 2013) and Truth is Concrete (Granz, Austria, 2012). Hamid is currently in in residence at the Cité Internationale des Arts in Paris, where he was a resident in 2009.

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Séminaire conçu et organisé par Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici et Natasa Petresin-Bachelez et soutenu par la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte

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FRED MOTEN

Jeudi 17 février à 21h (heure de Paris), Auditorium de la Cité internationale des Arts

Thursday February 17th, 2021 at 9pm (Paris time), Auditorium at Cité internationale des Arts

Captation / Recording: click here

Fred Moten est l'un des plus importants poètes américains contemporains, ainsi que théoriciens culturels reconnus. Né en 1962, il explore la théorie critique, les black studies, la littérature américaine contemporaine et les études sur les performances au fil de nombreux textes et publications. Professeur au département de Performance Studies de l'université de New York, Tisch School of the Arts, Fred Moten est notamment le co-auteur de Les Sous-communs – Planification fugitive et étude noire paru en 2013 et dont la traduction en français paraît en ce début 2022.

À l’occasion du lancement du livre Les sous-communs, planification fugitive et étude noire – traduction collective de l’ouvrage The Undercommons publié par les éditions Brook - dans le cadre de la programmation proposée par Elsa Vettier (commissaire en résidence à la Cité par le biais du programme “Cité internationale des arts & Centre national des arts plastiques”) à la Maison Populaire de Montreuil et sa participation au festival Sons d’hiver, la Cité internationale des arts invite Fred Moten à lire les textes de son nouveau recueil de poèmes à paraître prochainement, Perennial Fashion (Presence Falling).

[EN] Fred Moten is one of the most important contemporary American poets and cultural theorists. Born in 1962, he has explored critical theory, black studies, contemporary American literature, and performance studies in numerous texts and publications. Professor in the Department of Performance Studies at New York University's Tisch School of the Arts, Fred Moten is notably the co-author of The Subcommons - Fugitive Planning and Black Study, published in 2013 and translated into French in early 2022.

On the occasion of the launch of the book Les sous-communs, planification fugitive et étude noire - a collective translation of the book The Undercommons published by Brook Editions - as part of the programme proposed by Elsa Vettier (curator in residence at the Cité through the "Cité internationale des arts & Centre national des arts plastiques" programme) at the Maison Populaire de Montreuil and its participation in the Sons d'hiver festival, the Cité internationale des arts invites Fred Moten to read from his forthcoming new collection of poems, Perennial Fashion (Presence Falling).

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JENNY POLAK & DREAD SCOTT

Lundi 14  juin 2021 à 19h (heure de Paris) Monday June 14th, 2021 at 7pm (Paris time)

Ce séminaire se tiendra exceptionnellement lundi

This session will take place on Monday

Bonjour à vous !

Nous vous espérons en bonne santé, vous et vos proches, où que vous vous trouviez.     Le séminaire aura lieu en ligne via Zoom https://zoom.us/j/93489592509?pwd=V0xJRmN4U0pLamRvbFRWTDhEcURPdz09 ID de réunion : 934 8959 2509 Code secret : 572311 Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom https://zoom.us/j/93489592509?pwd=V0xJRmN4U0pLamRvbFRWTDhEcURPdz09 Session ID : 934 8959 2509 PW : 572311

L'art de Jenny Polak réinvestit l'espace domestique comme une arène politique et incite son public à devenir le protagoniste de l'activité artistique dans l'espace public ainsi redéfini. Elle a recourt à  une gamme variée de médias pour réaliser des projets adaptés au site et à la communauté, des installations architecturales, des dessins, des marques et objets commémoratifs et toujours amplifier l'écho des demandes de justice sociale. Une histoire familiale liée à la migration et des études d'architecture l'ont amenée à travailler sur les formes de coopération entre  citoyens et non- citoyens et sur les politiques pénale et carcérale menées aux USA. Son entreprise fictive, Design For The Alien Within, imagine des structures hypothétiques pour les personnes en butte à l'hostilité des pouvoirs publics. Jenny Polak est diplômée en architecture (Université de Cambridge) et en art (St. Martins School of Art, Londres) et titulaire d'un MFA (School of Visual Arts). Elle a été boursière du Whitney Independent Study Program et a exposé aux États-Unis et au Royaume-Uni. Elle a créé des projets spécifiques pour le Socrates Sculpture Park, le Griffiss International Sculpture Garden, Exit Art, le Lower East Side Tenement Museum et la Soap Factory de Minneapolis, entre autres.

Dread Scott est un artiste interdisciplinaire dont l'art incite les spectateurs à réexaminer les idéaux de la société américaine. En 1989, leSénat américain a interdit son œuvre et le président Bush l'a déclarée"honteuse" en raison de son utilisation transgressive du drapeau américain. Dread a fait l’objet d’une  « cause célèbre » auprès de la Cour Suprême desUSA pour avoir défié la nouvelle loi protégeant le drapeau américain en en brûlant un exemplaire sur les marches du Capitole à Washington. Ses œuvresont  été exposées au Whitney Museum, au MoMA/PS1, au Walker Art Center, dans desgaleries et au coin des rues.  En 2021, il a reçu une bourse John Simon Guggenheim et a également reçu des bourses de l'Open Society Foundations et de United States Artists. Artnet.com a désigné sa performance de 2019, Slave Rebellion Reenactment, comme l'une des œuvres d'art les plus importantes de la décennie.

Dread Scott est actuellement en résidence de recherche à Kadist Paris.

[EN] Jenny Polak's art reimagines domestic space as a political arena and gathers people to create together in public space. She uses a range of media to make site and community responsive projects, architectural installations, drawings and useful commemorative objects, always amplifying demands for social justice. Family history of migration and her studies in architecture drive her work about citizen/non-citizen collaborations and abusive prison and detention policies. Her fictional firm Design For The Alien Within creates hypothetical structures for people dealing with hostile authorities. Polak has degrees in Architecture (Cambridge University) and in Art (St. Martins School of Art, London,) and an MFA (School of Visual Arts.) She was a fellow at the Whitney Independent Study Program and has exhibited across the US and UK. She has created site-specific projects for Socrates Sculpture Park, Griffiss International Sculpture Garden, Exit Art, The Lower East Side Tenement Museum, and the Soap Factory, Minneapolis among others.

Dread Scott is an interdisciplinary artist who’s art encourages viewers to reexamine ideals of American society. In 1989, the US Senate outlawed his artwork and President Bush declared it “disgraceful” because of its transgressive use of the American flag. Dread became part of a landmark Supreme Court case when he and others burned flags on the steps of the Capitol. His work has been exhibited at The Whiteny Museum, MoMA/PS1, The Walker Art Center, and in galleries and on street corners.  He is a 2021 John Simon Guggenheim Fellow and has also received fellowships form Open Society Foundations and United States Artists. Artnet.com highlighted his 2019 performance, Slave Rebellion Reenactment, as one of the most important artworks of the decade.

Dread Scott is presently welcome at Kadist Paris for a research residency.

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ZDENKA BADOVINAC

Mardi 1er juin à 19h (heure de Paris) Tuesday June 1, 7PM (Paris Time)

Ce séminaire, initialement prévu en janvier, se tiendra exceptionnellement mardi 

This session, initially scheduled in January, will take place on Tuesday 

Bonjour à vous !

Nous vous espérons en bonne santé, vous et vos proches, où que vous vous trouviez.     Ce séminaire aura lieu en ligne via Zoom https://zoom.us/j/99126592518?pwd=S0R3aCtjRFdCRmxyWkJVckxVR0RDZz09 Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom https://zoom.us/j/99126592518?pwd=S0R3aCtjRFdCRmxyWkJVckxVR0RDZz09

Jusqu’à une date très récente, Zdenka Badovinac, curatrice, historienne d’art, critique, avait refondé, reconstruit et accompagné la Moderna galerija de Ljubljana. Elle a en effet dirigé cet établissement muséal (aujourd’hui composé de deux sites : le Musée d'art moderne et le Musée d'art contemporain Metelkova) depuis 1993, peu après l'effondrement de la Yougoslavie communiste, les débuts de la guerre dans les Balkans, et la fondation d’une Slovénie indépendante.  Son travail institutionnel s’est efforcé de mettre en lumière les processus difficiles de redéfinition de l'histoire en parallèle avec les héritages des avant-gardes en ex-Yougoslavie et plus largement dans l’Europe de l’Est. L’espace concret du musée a également servi de plate-forme pour instaurer un dialogue avec les scènes artistiques contemporaines internationales.  

La première exposition de Zdenka Badovinac à aborder ces questions a été “’Body and the East : des années 1960 à nos jours“ (1998). Elle est également à l'origine de la première collection d'art d'Europe de l'Est, “Arteast 2000+“. Parmi ses projets récents, les plus importants ont  été consacrés à “NSK from Kapital to Capital : Neue Slowenische Kunst : An Event of the Final Decade of Yugoslavia“, Moderna galerija Ljubljana, 2015 (puis au Van Abbemuseum, Eindhoven, 2016 ; Garage Museum of Contemporary Art, Moscou, 2016 ; et au Museo Reina Sofía Madrid, 2017) ; “NSK State Pavilion », 57ème Biennale de Venise, 2017, avec Charles Esche ; “L’héritage de 1989. Étude de cas : La deuxième exposition de documents yougoslaves“, Moderna galerija, Ljubljana, 2017, en collaboration avec Bojana Piškur ; “Hello World. Revising a Collection“, Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin, 2018 ; “Sites of Sustainability Pavilions, Manifestos and Crypts , Moderna galerija, Ljubljana, 2018-2019 ; “Créatures célestes : Ni humain ni animal“, Musée d'art contemporain Metelkova, Ljubljana, co-commissariat avec Bojana Piškur, 2018.

Zdenka Badovinac est à l’origine du réseau L’internationale qui associe, autour de sept musées européens (MG+MSUM (Ljubljana, Slovenie) ; Museo Reina Sofía (Madrid,Espagne) ; MACBA (Barcelona,Espagne) ; M HKA, (Antwerp, Belgique) ; MSN (Warsovie, Pologne), SALT (Istanbul & Ankara, Turquie), Van Abbemuseum (Eindhoven, Pays Bas), une constellation d’institutions à travers le monde dans le cadre d’un projet critique et internationaliste qui se présente comme une alternative aux stratégies hégémoniques propres à la “Globalisation». Internationale Online est la plateforme critique de ce contre projet institutionnel.

Zdenka Badovinac a été commissaire slovène à la Biennale de Venise de 1993 à 1997, en 2005 et 2017 et commissaire autrichienne à la Biennale de Sao Paulo en 2002. Elle a également été présidente du CIMAM, 2010-2013. En décembre 2020, le nouveau gouvernement de droite slovène l'a contrainte à quitter son poste de directrice de la Moderna Galerija de Ljubljana, dans un geste qu'elle a qualifié d'"absolument politique". (2021)

[EN] Zdenka Badovinac is a curator and writer who served from 1993-2020 as Director of the Moderna galerija in Ljubljana, comprised since 2011 of two locations: the Museum of Modern Art and the Museum of Contemporary Art Metelkova. In her work, Badovinac highlights the difficult processes of redefining history alongside different avant-garde traditions within contemporary art.

Badovinac’s first exhibition to address these issues was Body and the East: From the 1960s to the Present (1998). She also initiated the first Eastern European art collection, Arteast 2000+. One her most important recent projects is NSK from Kapital to Capital: Neue Slowenische Kunst: An Event of the Final Decade of Yugoslavia, Moderna galerija, 2015 (traveled to Van Abbemuseum, Eindhoven, 2016; Garage Museum of Contemporary Art, Moscow, 2016; and the Museo Reina Sofía Madrid, 2017); NSK State Pavilion, 57th Venice Biennale, 2017, co-curated with Charles Esche; The Heritage of 1989. Case Study: The Second Yugoslav Documents Exhibition, Moderna galerija, Ljubljana, 2017, co curated with Bojana Piškur; Hello World. Revising a Collection, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin, 2018; Sites of Sustainability Pavilions, Manifestos and Crypts, Moderna galerija, Ljubljana, 2018-2019; Heavenly Beings: Neither Human nor Animal, Museum of Contemporary Art Metelkova, Ljubljana, co-curated with Bojana Piškur, 2018.

Zdenka Badovinac is at the origin of the international network L'internationale, which brings together seven European museums (MG+MSUM (Ljubljana, Slovenia); Museo Reina Sofía (Madrid, Spain); MACBA (Barcelona, Spain); M HKA, (Antwerp, Belgium); MSN (Warsaw, Poland), SALT (Istanbul & Ankara, Turkey), Van Abbemuseum (Eindhoven, The Netherlands), a constellation of institutions around the world in a critical and internationalist project that presents itself as an alternative to the hegemonic strategies of "Globalization". Internationale Online is the critical platform of this institutional counter-project.

Badovinac was Slovenian Commissioner at the Venice Biennale from 1993 to 1997, 2005 and 2017, and Austrian Commissioner at the Sao Paulo Biennial in 2002 and the President of CIMAM, 2010-2013. (2019). In December 2020, she was forced by Slovenia’s new right-wing government from her post as director of Ljubljana’s Moderna Galerija in a move she described as "absolutely political." (2021)

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Séminaire conçu et organisé par Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici et Natasa Petresin-Bachelez et soutenu par la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte

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MOUNIRA AL SOLH

Mercredi 12 mai 2021 à 17h (heure de Paris) / 18h (heure de Beyrouth)

Wednesday May 12, 2021, 5pm CET/ 11am EST

Bonjour à tous.tes ! Nous vous espérons en bonne santé, vous, vos proches, où que vous vous trouviez.    

Le prochain séminaire aura lieu en ligne via Zoom Exceptionnellement à 17h (heure de Paris)

https://zoom.us/j/98322876671?pwd=MGtTUXlLbTljUTQvK3NxTVBlNjNSUT09 ID de réunion : 983 2287 6671 Code secret : 710909

Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. Our next seminar will take place online via Zoom At 5 pm (Paris Time)

https://zoom.us/j/98322876671?pwd=MGtTUXlLbTljUTQvK3NxTVBlNjNSUT09 ID de réunion : 983 2287 6671 Code secret : 710909

C’est depuis Beyrouth que Mounira Al Solh (qui y est née en 1978 et qui partage son temps, entre le Liban et les Pays-bas) a répondu à l’invitation du séminaire. Mounira Al Solh a étudié la peinture à l’université libanaise de Beyrouth (1998 – 2001) puis les beaux-arts à l’Académie Gerrit Rietveld d’Amsterdam (2003 – 2006) avant de devenir résidente de la Rijksakademie à Amsterdam (2007 – 2008).

Sa pratique interdisciplinaire intègre vidéos et installations vidéo, le dessin et la peinture, la broderie et la broderie collective, les gestes performatifs et l'édition secrète. Elle est à l'origine du magazine collaboratif et permanent NOA (Not Only Arabic). Maniant l’ironie et l’introspection, ses œuvres s’attachent à narrer les troubles politiques passés et actuels au Moyen-Orient, les différentes positions des femmes dans le monde arabe, les empilements d’exils, de fantasmes et de langues, l’évitement politique comme stratégie de survie, le comptage des heures en langue arabe, etc. Son travail a été présenté de façon internationale, dans le cadre d'expositions collectives, notamment au Wiels à Bruxelles en 2020/21, au Carré d’Art Musée d’art contemporain de Nîmes à Nîmes, à la Documenta 14 à Athènes et à Kassel, à la Biennale de Venise, au New Museum ou à l'Ashkal Alwan à Beyrouth. Elle a présenté des expositions personnelles, notamment au Musée Picasso/la Chapelle à Vallauris, au Van Abbe Museum d'Eindhoven, à l'Art Institute de Chicago, au Mathaf, Qatar, à Jameel Art à Dubaï, à la galerie Sfeir-Semler de Beyrouth et à l'Institut d'art contemporain Kunst-Werke de Berlin.

Mounira Al Solh a enseigné en tant que tutrice invitée au programme de maîtrise de St Joost aux Pays-Bas (2018), et de 2019 à 2021, en tant que professeure invitée pour l’atelier de performance et multimédia à l'école d'art de Kassel en Allemagne.

[EN] Mounira Al Solh (born in 1978, in Beirut (Lebanon) lives in the Netherlands and in Lebanon. She is a visual artist with an interdisciplinary practice embracing video and video installations, drawing and painting, embroidery and collective embroidery, performative gestures and secretive publishing, and she initiates her collaborative and ongoing NOA (Not Only Arabic) magazine. Al Solh’s work is telling stories of past and current political unrests in the Middle-East, the various positions of women in the Arab world, layers of exile, fantasy and language(s), escaping the political as a survival strategy, counting the hours of the day in the Arabic language and so on. Al Solh studied painting at the Lebanese University (Beirut) from 1998 to 2001, and Fine Arts at the Gerrit Rietveld Academy (Amsterdam) from 2003 to 2006. She was than Research Resident at the Rijksakademie (Amsterdam) in 2007 and 2008. Her work has been shown internationally, in group shows such as at Wiels in Brussels 2020/21; Centre Carré D’art in Nîmes, Documenta 14 in Athens and Kassel, the Venice Biennale, the New Museum, Ashkal Alwan in Beirut. She has had solo representations namely, at Musée Picasso- la Chapelle, Vallauris; Van Abbe Museum in Eindhoven; the Art Institute in Chicago, Mathaf in Qatar, Jameel Art in Dubai, Sfeir-Semler Gallery in Beirut, and Kunst-Werke Institute for Contemporary Art in Berlin. In 2018 Al Solh was teaching as a visiting tutor at the St Joost Masters program in the Netherlands, and in 2019 until 2021 as a guest professor for the performance and multimedia class in Kassel Art School in Germany.

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DENETH PIUMAKSHI WEDAARACHCHIGE

Mercredi 10 mars 2021 à 18h (heure de Paris)

Wednesday March 10, 6pm (Paris time)

Nouvelle procédure Bonjour à tous.tes ! Nous vous espérons en bonne santé, vous, vos proches, où que vous vous trouviez confiné·es.     Ce séminaire aura lieu en ligne via Zoom. Voici le lien pour nous rejoindre : https://zoom.us/meeting/register/tJ0sd-ihpjkoH9Hs_28DMw-DrcVgNavNSScH ID de réunion : 976 5914 7466 New procedure Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom. Here is the link to join: https://zoom.us/meeting/register/tJ0sd-ihpjkoH9Hs_28DMw-DrcVgNavNSScH ID of session : 976 5914 7466

Née en 1980 à Kurunegala (Sri Lanka), Deneth Piumakshi Wedaarachchige vit dans les Alpes françaises et travaille entre le Sri Lanka, la France, la Suisse et l'Allemagne. Diplômée (beaux-arts) de  l'Académie de design de Colombo (Sri Lanka), elle a bénéficié d’un échange - étudiant·e·s avec l'Université des arts de Katmandou (Népal.) Elle fut la première artiste contemporaine sri-lankaiseà être sélectionnée et invitée comme résidente à la Cité internationale des arts (Paris). Composées de voix, de vidéos, de photographies, de sculptures, de peintures sur “cheetah”, textiles imprimés traditionnels sri-lankais, et de broderies sur différentes surfaces, ses œuvres tissent toujours le passé et le présent de stratifications cachées. Ses intérêts se concentrent sur l'enchevêtrement culturel et politique de la Ceylan coloniale au cours des 18ème et 19ème siècles, sur la diaspora sri-lankaise en Europe, ses générations de cultures mixtes, ses identités, sur l'avenir des personnes indigènes, sur les histoires inédites des femmes employées de maison au Moyen-Orient et des femmes et des enfants dans les zones de guerre. Sa pratique artistique se situe sur la crête étroite qui distingue et associe art et activisme, ainsi la performance "Votre foi est dans votre main" qui associe le corps, l'identité et les souvenirs à la poésie et à la résistance. Elle travaille actuellement sur un projet de livre de photos à partir de recherches sur la cartographie de la “caravane ceylanaise” exhibée dans des expositions ethnologiques au 19ème siècle en Europe. Son travail est représenté par la galerie Gandy à Bratislava.

[EN] Born in 1980 in Kurunegala, Sri Lanka. Lives in the French Alps and works between Sri Lanka, France, Switzerland and Germany. Diploma in fine arts at the Academy of Design, Colombo, Sri Lanka & student in exchange at the Kathmandu Art University, Nepal. She was the first Sri Lankan contemporary artist to be selected and invited by Institut Français and the City of Paris for the art residency Cité internationale des arts, Paris. Her multidisciplinary works with voices, videos, photography, sculpture, painting on traditional Sri Lankan ‘cheetha’ textiles and embroidery on different surfaces always carries past and present through hidden layers. Her interest focuses on forgotten colonial entanglement of European countries in Ceylon during the 18th and 19th century, Sri Lankan diaspora in Europe, mixed culture generations, identity, indigenous future, untold stories of Women domestic workers in the Middle East and Women and children in War zones. Her artistic practice runs along a thin line which separates art and activism; it is her intend to play with that tension. For example performance work ’Your Faith is in your hand’ : a performance that brings body, identity, memories together with poetry and resistance. She is currently working on a research based photo book project on mapping the Ceylonese caravan that was exhibited at the Ethnological exhibitions in the 19th century in Europe. Her works are represented by Gandy Gallery, Bratislava.

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FABIANA EX-SOUZA

Mercredi 10 février à 18h (heure de Paris)

Wednesday February 10, 6pm (Paris time)

Nouvelle procédure Bonjour à tous.tes ! Nous vous espérons en bonne santé, vous, vos proches, où que vous vous trouviez confiné·es.     Ce séminaire aura lieu en ligne via Zoom. Voici le lien pour nous rejoindre : https://us02web.zoom.us/j/82287700250 ID de réunion : 822 8770 0250 New procedure Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom. Here is the link to join: https://us02web.zoom.us/j/82287700250 ID of session : 822 8770 0250T

Fabiana Ex-Souza est une artiste-chercheuse afro-brésilienne, née De Souza à Belo Horizonte en 1980. Elle vit et travaille à Paris. Questionnant les récits dominants de l’histoire à partir de sa condition de femme noire diasporique, elle incarne ses interrogations sur le monde à travers plusieurs dispositifs associant la performance et la vidéo, la photographie ou la peinture.  Cherchant à faire lien de façon réelle avec les enjeux de son existence, l’artiste devient Ex-Souza, revendiquant le deuil d’une origine effacée et en même temps, questionnant ce poids quotidien de porter un nom de famille hérité de ceux qui ont asservi ses ancêtres au Brésil, pendant l’esclavage. Dans sa pratique artistique, elle [s']investit [de] la notion de ‘corps-politique’ pour soulever des questions sur la réactualisation des archives, les réparations, la transmission et sur les processus de transmutation de ce que l'artiste appelle « des objets fantômes ». Fabiana Ex-Souza poursuit actuellement un Doctorat Arts Visuels et Photographie à l’Université Paris VIII – avec la bourse de l’institution CAPES/Brésil. En 2020 elle est une des lauréates du Prix AWARE/CNAP : « La vie bonne ». 

[EN] Fabiana Ex-Souza is an afro-Brazilian artist and researcher based in Paris. She holds a Master’s degree in Arts with a research focus on Afro Brazilian Contemporary Art. With the support of a scholarship from the CAPES-Brazil institution, Ex-Souza is currently pursuing a PhD in Visual Arts and Photography at Paris VIII University. Fabiana was born De Souza in Brazil in 1980. She embodies her interrogations about the world through performance and video, photography or painting.  Seeking to make a connection with the stakes of her existence, the artist has changed her name to become Ex-Souza. She thus claims the mourning of an erased origin and at the same time, questioning the daily weight of bearing a family name inherited from those who enslaved her ancestors in Brazil. Ex-Souza therefore situates her 'political body' by questioning the dominant history from its existential condition.

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ZDENKA BADOVINAC

Dernière minute : séminaire reporté Nous sommes au regret de devoir reporter la séance avec Zdenka Badovinac à une date ultérieure. Le grand nombre de vos demandes d'inscription pour cette séance prouve l'attention chaleureuse que suscite la démarche de Zdenka. Nous souhaitons qu'en cette période de turbulences et de tension, il témoigne publiquement de notre solidarité.

Urgent: Session postponed We regret that we have to postpone the meeting with Zdenka Badovinac to a later date. The large number of applications we received for this session proves the warm attention that Zdenka's approach has received. We wish that in this period of turbulence and tension, it publicly testifies to our solidarity.

Mercredi 27 janvier à 18h (heure de Paris)

Wednesday January 27, 6pm (Paris time)

Bonjour à vous ! Nous vous espérons en bonne santé, vous, vos proches, où que vous vous trouviez confiné·es.     Ce séminaire aura lieu en ligne via Zoom Le nombre de places étant limité, Il est nécessaire de s’inscrire préalablement : [email protected] Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom The number of attendees is limited, please register at this address if you wish to attend: [email protected]

Jusqu’à une date très récente, Zdenka Badovinac, curatrice, historienne d’art, critique, avait refondé, reconstruit et accompagné la Moderna galerija de Ljubljana. Elle a en effet dirigé cet établissement muséal (aujourd’hui composé de deux sites : le Musée d'art moderne et le Musée d'art contemporain Metelkova) depuis 1993, peu après l'effondrement de la Yougoslavie communiste, les débuts de la guerre dans les Balkans, et la fondation d’une Slovénie indépendante.  Son travail institutionnel s’est efforcé de mettre en lumière les processus difficiles de redéfinition de l'histoire en parallèle avec les héritages des avant-gardes en ex-Yougoslavie et plus largement dans l’Europe de l’Est. L’espace concret du musée a également servi de plate-forme pour instaurer un dialogue avec les scènes artistiques contemporaines internationales.  

La première exposition de Zdenka Badovinac à aborder ces questions a été “’Body and the East : des années 1960 à nos jours“ (1998). Elle est également à l'origine de la première collection d'art d'Europe de l'Est, “Arteast 2000+“. Parmi ses projets récents, les plus importants ont  été consacrés à “NSK from Kapital to Capital : Neue Slowenische Kunst : An Event of the Final Decade of Yugoslavia“, Moderna galerija Ljubljana, 2015 (puis au Van Abbemuseum, Eindhoven, 2016 ; Garage Museum of Contemporary Art, Moscou, 2016 ; et au Museo Reina Sofía Madrid, 2017) ; “NSK State Pavilion », 57ème Biennale de Venise, 2017, avec Charles Esche ; “L’héritage de 1989. Étude de cas : La deuxième exposition de documents yougoslaves“, Moderna galerija, Ljubljana, 2017, en collaboration avec Bojana Piškur ; “Hello World. Revising a Collection“, Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin, 2018 ; “Sites of Sustainability Pavilions, Manifestos and Crypts , Moderna galerija, Ljubljana, 2018-2019 ; “Créatures célestes : Ni humain ni animal“, Musée d'art contemporain Metelkova, Ljubljana, co-commissariat avec Bojana Piškur, 2018.

Zdenka Badovinac est à l’origine d réseau L’internationale qui associe, autour de sept musées européens (MG+MSUM (Ljubljana, Slovenie) ; Museo Reina Sofía (Madrid,Espagne) ; MACBA (Barcelona,Espagne) ; M HKA, (Antwerp, Belgique) ; MSN (Warsovie, Pologne), SALT (Istanbul & Ankara, Turquie), Van Abbemuseum (Eindhoven, Pays Bas), une constellation d’institutions à travers le monde dans le cadre d’un projet critique et internationaliste qui se présente comme une alternative aux stratégies hégémoniques propres à la “Globalisation». L’Internationale online est la plateforme critique de ce contre projet institutionnel.

Zdenka Badovinac a été commissaire slovène à la Biennale de Venise de 1993 à 1997, en 2005 et 2017 et commissaire autrichienne à la Biennale de Sao Paulo en 2002. Elle a également été présidente du CIMAM, 2010-2013. En décembre 2020, le nouveau gouvernement de droite slovène l'a contrainte à quitter son poste de directrice de la Moderna Galerija de Ljubljana, dans un geste qu'elle a qualifié d'"absolument politique". (2021)

[EN] Zdenka Badovinac is a curator and writer who served from 1993-2020 as Director of the Moderna galerija in Ljubljana, comprised since 2011 of two locations: the Museum of Modern Art and the Museum of Contemporary Art Metelkova. In her work, Badovinac highlights the difficult processes of redefining history alongside different avant-garde traditions within contemporary art.

Badovinac’s first exhibition to address these issues was Body and the East: From the 1960s to the Present (1998). She also initiated the first Eastern European art collection, Arteast 2000+. One her most important recent projects is NSK from Kapital to Capital: Neue Slowenische Kunst: An Event of the Final Decade of Yugoslavia, Moderna galerija, 2015 (traveled to Van Abbemuseum, Eindhoven, 2016; Garage Museum of Contemporary Art, Moscow, 2016; and the Museo Reina Sofía Madrid, 2017); NSK State Pavilion, 57th Venice Biennale, 2017, co-curated with Charles Esche; The Heritage of 1989. Case Study: The Second Yugoslav Documents Exhibition, Moderna galerija, Ljubljana, 2017, co curated with Bojana Piškur; Hello World. Revising a Collection, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin, 2018; Sites of Sustainability Pavilions, Manifestos and Crypts, Moderna galerija, Ljubljana, 2018-2019; Heavenly Beings: Neither Human nor Animal, Museum of Contemporary Art Metelkova, Ljubljana, co-curated with Bojana Piškur, 2018.

Zdenka Badovinac is at the origin of the international network L'internationale, which brings together seven European museums (MG+MSUM (Ljubljana, Slovenia); Museo Reina Sofía (Madrid, Spain); MACBA (Barcelona, Spain); M HKA, (Antwerp, Belgium); MSN (Warsaw, Poland), SALT (Istanbul & Ankara, Turkey), Van Abbemuseum (Eindhoven, The Netherlands), a constellation of institutions around the world in a critical and internationalist project that presents itself as an alternative to the hegemonic strategies of "Globalization". The Online International is the critical platform of this institutional counter-project.

Badovinac was Slovenian Commissioner at the Venice Biennale from 1993 to 1997, 2005 and 2017, and Austrian Commissioner at the Sao Paulo Biennial in 2002 and the President of CIMAM, 2010-2013. (2019). In December 2020, she was forced by Slovenia’s new right-wing government from her post as director of Ljubljana’s Moderna Galerija in a move she described as "absolutely political." (2021)

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Séminaire conçu et organisé par Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici et Natasa Petresin-Bachelez et soutenu par la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte

[sysk-ehess]

ULRIKE OTTINGER

Mercredi 21 octobre à 19h (heure de Paris)

Wednesday October 21, 7pm (Paris time)

Bonjour à vous ! Nous vous espérons en bonne santé, vous, vos proches, où que vous vous trouviez confiné·es.     Ce séminaire aura lieu en ligne via Zoom Le nombre de places étant limité, Il est nécessaire de s’inscrire préalablement : [email protected] Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom The number of attendees is limited, please register at this address if you wish to attend: [email protected]

C’est d’abord à Constance (Allemagne), où elle ouvrit très jeune un atelier, puis à Paris, où elle vécut entre 1962 et  début 1969,  qu’Ulrike Ottinger a reçu sa formation intellectuelle et artistique. Artiste proche des nouvelles figurations narratives, elle étudia les techniques de la gravure dans l’atelier de Johnny Friedlaender tout en assistant à des conférences, notamment de  Claude Lévi- Strauss, Louis Althusser et Pierre Bourdieu. Elle écrit son premier scénario Le double tiroir mongol en 1966. De retour en Allemagne de l'Ouest, elle fonde avec l’Université de Constance le filmclub visuell en 1969, en même temps que la galerie et maison d’édition galeriepress (présentant entre autres Wolf Vostell, Richard Hamilton, David Hockney).  Avec l’actrice et figure lesbienne Tabea Blumenschein, elle réalise son premier film en 1972-1973, Laoocon et fils. Installée à Berlin en 1973 elle tourne un documentaire sur le happening Berlinfever-Wolf Vostell. Après avoir célébré le retour sur la scène berlinoise de la grande performeuse, mime et danseuse des années 1920 Valeska Gert (L’enchantement des marins bleus, 1975), Ottinger fait de Tabea Blumenschein la figure-culte de Madame X (1977). On la retrouve dans deux des films de la Trilogie berlinoise, composée de Aller jamais retour (1979), Freak Orlando (1981) et Dorian Gray dans le miroir de la presse à scandale (1984). Filmée dans les ruines industrielles de la ville, cette trilogie réunit Magdalena Montezuma, Veruschka von Lehndorff, Eddie Constantine, Kurt Raab, Peer Raben et bien sûr Delphine Seyrig. Celle-ci jouera son dernier rôle dans le merveilleux Johanna d’Arc of Mongolia réalisé en Mongolie en 1989. 

La collaboration entre Delphine Seyrig et Ulrike Ottinger est l’un des points forts de l’exposition Muses Insoumises/Defiant Muses (curatrices : Nataša Petrešin-Bachelez et Giovanna Zapperi), qui s’est tenue jusqu’au 17/7/20 au Reina Sofia de Madrid. En plus des fictions, Ulrike Ottinger a consacré de longues périodes à la recherche pour ses films documentaires qui l’ont menée en Chine (de China. The Arts-The People (1985)’ jusqu’à Exile Shanghai (1997)), ou en Europe du Sud-Est (dont Southeast Passage, 2002, montré à la Documenta 11 d’Okwui Enwezor en 2002). Ottinger s’attache à filmer le Berlin d’après la chute du mur, tourne également à Vienne  (Prater, 2007), en Corée (L’armoire de mariage coréenne, 2009) ou au Japon (Under Snow, 2011). Elle s’engage sur les traces d’Adalbert von Chamisso et des explorateurs des 18-19e siècles filmant durant trois mois dans le détroit de Bering (L’ombre de Chamisso, un film de 12h, et une exposition à la Bibliothèque nationale de Berlin). Entre 2017 et 2019, elle a réalisé son Paris Calligrammes, film présenté actuellement à Paris après une exposition à la HKW de Berlin.     Les films d'Ulrike Ottinger ont été montrés, entre autres, dans les festivals de Toronto, Amsterdam, Moscou, Londres, Montréal, Jérusalem et Rio de Janeiro. Ils ont fait l’objet de rétrospectives dans le monde entier, notamment à la Cinémathèque française et au Centre Pompidou à Paris, au Museo Reina Sofia de Madrid, au MoMA de New York et au Center for Contemporary Art de Tel Aviv. Ils ont également reçu de nombreux prix, dont le prix du public à Montréal et celui de la critique de cinéma allemande. En 2011, Ottinger a reçu le prix Hannah Höch pour l’ensemble de sa carrière et l’Université Concordia de  Montréal l’a nommée docteure honoris causa pour les beaux-arts en 2018. Elle a également été invitée en tant que jurée aux Oscars 2019. Travaillant pour le théâtre (Elfriede Jelinek, Olga Neuwirth, …) dont elle conçoit les décors, Ulrike Ottinger s’identifie non seulement comme artiste, peintre, cinéaste, mais aussi comme scénariste, directrice de la photo, créatrice de costumes et photographe. Elle a collecté et publié une archive visuelle (Bilderarchiv) en 2005 et réalisé un atlas-collage de quarante ans de productions visuelles (Floating Food, 2011). Plusieurs expositions récentes, dont à la n.b.k. de Berlin en 2011, ont permis de revenir sur son travail des années 1960, célébré aujourd’hui dans l’exposition collective SHE-BAM POW POP WIZZ ! Les amazones du Pop au Mamac de Nice.

La galerie Eric Mouchet à Paris présente actuellement l’exposition Ulrike Ottinger, Aller toujours retour et le film Paris-Calligrammes est au programme des cinémas Reflets-Médicis et Luminor à Paris.

[EN] Ulrike Ottinger was born in Konstanz in 1942. She lived in Paris from 1962 to 1969 as a painter and photographer, where she also wrote her first film script Die mongolische Doppelschublade. Graphic works originated at the Atelier Friedländer. She returned to Germany in 1969, where she founded the filmclub Visuell in cooperation with the Universität Konstanz and the galeriepress (in which she presented Wolf Vostell, Allan Kaprow, R. B. Kitaj, Richard Hamilton, David Hockney).  

Her first film, Laocoon and Sons, made in collaboration with Tabea Blumenschein, was recorded in 1971-1973. In 1973 she moved to Berlin and filmed the Happening-documentary Berlinfever – Wolf Vostell. It was followed by The Enchantment of the Blue Sailors in 1975 with Valeska Gert, and by Madame X – An Absolute Ruler in 1977, which was an international success. Work on the Berlin Trilogy, Ticket of No Return, (Bildniseiner Trinkerin,1979),  Freak Orlando (1981) and Dorian Grey in the YellowPress (Dorian Grey im Spiegel der Boulevardpresse, 1984) began in 1979. She was able to win Delphine Seyrig, Magdalena Montezuma, Veruschka von Lehndorff, Eddie Constantine and Kurt Raab, as well as the composer Peer Raben for these  works, which were filmed in industrial wastelands and alienated urban landscapes.

The collaboration between Delphine Seyrig and Ulrike Ottinger was part of the exhibition Defiant Muses (curators : Nataša Petrešin-Bachelez & Giovanna Zapperi) at the Museo Reina Sofia in Madrid

In addition to fictional films, Ulrike Ottinger also devoted herself to documentary film. Intensive and comprehensive research characterizes all her films from China. The Arts – The People (China. Die Künste – Der Alltag, 1985) to Exile Shanghai (1997), from Southeast Passage (2002, exhibited at Okwui Enwezor’s Documenta 11) to Prater (2007), from The Korean Wedding Chest, to Under Snow filmed in the Japanese Snow Country Echigo. For her film Chamisso’s Shadow (2016) Ulrike Ottinger travelled for three months along the Bering Sea, tracing the paths taken by the great 18th and 19th C explorers. This is her longest documentary to date (12 hours); the accompanying exhibition took place in the National Library in Berlin.

Ottinger's most recent film, Paris Calligrammes, premiered in the spring of 2020 and in Paris on October 6. Both her films and her photographic work have been shown in numerous retrospectives and exhibitions, including at the Venice Biennale (1980), at the Cinémathèque française, Paris (1980, 1982), at the Museum of Modern Art, New York (2000, 2004), as well as the Centre Pompidou, the Sammlung Goetz. Her Hannah-Höch-Award 2011 was accompanied by a retrospective including her paintings at the nbk,Berlin (2011 12) and her worldimages were shown at the kestnergesellschaft in Hannover (2013).

In Paris, the Eric Mouchet Gallery is currently presenting an exhibition: Ulrike Ottinger, Go Always Return.

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ESZTER SZAKÁCS ET NAEEM MOHAIEMEN

Mercredi 8 juillet juin à 18h (heure de Paris)

Wednesday July 18, 6pm (Paris time)

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« Solidarity Must Be Defended…but at what cost? »

Le séminaire exceptionnel d’Eszter Szakács et Naeem Mohaiemen est dédié à leur anthologie commune ‘Solidarity Must Be Defended’. Cette anthologie est consacrée aux solidarités transnationales dans le champ des arts visuels pendant la Guerre Froide, et sera publiée en août 2020 (conjointement par tranzit.hu (Budapest) – Van Abbemuseum (Eindhoven) – SALT (Istanbul) — Tricontinental (Delhi) – Asian Cultural Center (Gwangju)). Cette anthologie propose une célébration de la solidarité transnationale, sans ignorer la difficulté à incarner cette proposition. Eszter Szakács est curatrice, autrice et chercheuse à Budapest. Elle travaille au sein de l'organisation tranzit.hu à Budapest depuis 2011, où elle publie le magazine international en ligne Mezosfera. Elle également co-dirigé la publication de Imagination/Idea: The Beginning of Hungarian Conceptual Art-The László Beke Collection, 1971 (Budapest, Zurich: tranzit.hu, JRP|Ringier, 2014) ;  elle est commissaire du projet de recherche collaboratif "Curatorial Dictionary". En 2018, elle a organisé à tranzit.hu la première hongroise de Deux rencontres et un enterrement (Naeem Mohaiemen, 2017). Elle est membre de l'équipe curatoriale de l'initiative OFF-Biennale Budapest. Sa pratique s'articule autour des questions d'internationalisme, des méthodes de résistance culturelle, des relations entre l'Europe de l'Est et le Sud global, ainsi que de la recherche sous forme d'exposition. Naeem Mohaiemen est un artiste combinant films, dessins, sculptures et essais dans ses recherches sur l'utopie socialiste, la décolonisation incomplète, la malléabilité des frontières, les inexactitudes mémorielles et la décomposition de la cellule familiale. Ses projets prennent souvent leur origine dans les deux repères postcoloniaux du Bangladesh (1947, 1971) et rayonnent ensuite vers des alliances transnationales improbables et instables (réseaux de mercenaires libanais, pirates de l'air japonais…). Naeem est l'auteur de Midnight's Third Child (Nokta, à paraître), de Prisoners of Shothik Itihash (Kunsthalle Bâle, 2014), et (avec Lorenzo Fusi) de System Error: War is a Force that Gives us Meaning (Sylvana, 2007). Lauréat d’une bourse Guggenheim (2014 : film-vidéo) et finaliste du prix Turner (2018), il est actuellement chercheur Mellon à l'Université de Columbia (New York), et chercheur principal au Lunder Institute of American Art (Maine).

[EN] This seminar by Eszter Szakács and Naeem Mohaiemen is dedicated to their common anthology project, Solidarity Must Be Defended…but at what cost? (Publication due : August 2020). It brings together projects on gestures and alignments within the visual arts around transnational solidarity during the Cold War. The point of departure for this anthology is a special issue of Mezosfera magazine (“Refractions of Socialist Solidarity”) edited in Budapest by Szakács in dialogue with Mohaiemen’s three-channel film Two Meetings and a Funeral (2017). This anthology proposes that transnational solidarity is always worth celebrating, but also extremely difficult to inhabit. (Publishers: tranzit.hu (Budapest) – Van Abbemuseum (Eindhoven) – SALT (Istanbul) — Tricontinental (Delhi) – Asian Cultural Center (Gwangju). Eszter Szakács is a curator, editor, and researcher in Budapest. She works at the contemporary art organization tranzit.hu in Budapest since 2011. At tranzit.hu she is co-editor of the online international art magazine Mezosfera, co-editor of the book IMAGINATION/IDEA: The Beginning of Hungarian Conceptual Art—The László Beke Collection, 1971 (Budapest, Zurich: tranzit.hu, JRP|Ringier, 2014), and she curated the collaborative research project Curatorial Dictionary. In 2018, she organized at tranzit.hu the Hungarian premiere of Two Meetings and a Funeral (Mohaiemen 2017). She is a curatorial team member of the civil initiative OFF-Biennale Budapest. Her practice revolves around questions of internationalisms, methods of cultural resistance, relations between Eastern Europe and the Global South, as well as the exhibitionary form of research. Naeem Mohaiemen is a visual artist who combines films, drawings, sculptures, and essays to research socialist utopia, incomplete decolonization, malleable borders, unreliable memory, and the decaying family unit. His projects often start from Bangladesh’s two postcolonial markers (1947, 1971) and then radiate outward to unlikely, and unstable, transnational alliances: Lebanese mercenary networks, Japanese hijackers, or a Dutch academic. He is author of Midnight’s Third Child  (Nokta, forthcoming) and Prisoners of Shothik Itihash (Kunsthalle Basel, 2014); and co-editor (w/ Lorenzo Fusi) of System Error: War is a Force that Gives us Meaning (Sylvana, 2007). Naeem was a Guggenheim Fellow (2014: film-video) and a Turner Prize finalist (2018). He is currently Mellon Research Fellow at Columbia University, New York, and Senior Research Fellow (non-residential) at Lunder Institute of American Art, Maine.

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CECILIA PAVÓN

Mercredi 17 juin à 19h (heure de Paris)

Wednesday June 17, 7pm (Paris time)

Bonjour à vous ! Nous vous espérons en bonne santé, vous, vos proches, où que vous vous trouviez confiné·es.     Ce séminaire aura lieu en ligne via Zoom Le nombre de places étant limité, Il est nécessaire de s’inscrire préalablement : [email protected] Hello Everyone! We hope you and your loved ones are well and safe. This seminar will take place online via Zoom The number of attendees is limited, please register at this address if you wish to attend: [email protected]

Née à Mendoza, Argentine, en 1973, Cecilia Pavón, poète, traductrice et artiste, est diplômée en littérature de l’Université de Buenos Aires, où elle vit depuis 1992. En 1999, elle a co-fondé avec Fernanda Laguna le centre culturel,  galerie et maison d’édition "Belleza y Felicidad“ qui a fait connaître toute une génération d’artistes argentin·e·s. Cecilia Pavón a publié de la poésie et des nouvelles en Argentine, au Mexique, au Brésil et au Chili, dont une anthologie, parue en 2012 sous le titre “Un hotel con mi nombre“ (“Un hotel avec mon nom“).  Parmi ses autres publications, “27 poemas con nombres de persona“ (2010), “La crítica de arte“ (2016), “Querido libro“ (2018), “Once Sur“ (2015), et les recueils de nouvelles “Todos los cuadros que tiré“ (2020), “Los sueños no tienen copyright“ (2010) et “Pequeño recuento sobre mis faltas“ (2015). Elle a fondé en 2019 l’espace "Microcentro. Poetry Office", entièrement dédié aux lectures de poésie ; elle est aussi traductrice de l'anglais et de l'allemand vers l'espagnol, notamment de textes de Chris Kraus, Werner Schroeter, Diedrich Diederichsen, Ariana Reines et Dorothea Lasky. “Bonbons à l'anis“ qui parait cette année, est son premier recueil co-publié en français par Brook et Varichon & Cie. 

[EN] Cecilia Pavón was born in Mendoza, Argentina, in 1973. She holds a B.A. in Literature from the University of Buenos Aires. In 1999 she cofounded the independent art space and small press "Belleza y Felicidad" where a whole generation of later famous argentinian artists showed for the first time. She has published poetry and short stories in Argentina, México, Brasil and Chile. In 2012, she published her collected poetry under the title “Un hotel con mi nombre“ (A Hotel With My Name). Her other publications include the poetry collections “27 poemas con nombres de persona“ (2010), “La crítica de arte“ (2016), “Querido libro“ (2018), “Once Sur“ (2015), and the short-story collections “Todos los cuadros que tiré “(2020)n-,“ Los sueños no tienen copyright “(2010) and “Pequeño recuento sobre mis faltas“ (2015). Selections of her work have been published in English by Sand Paper Press and Scrambler Books. She works as a literary translator from German and English into Spanish. She has translated Chris Kraus, Werner Schroeter, Diedrich Diederichsen, Ariana Reines, and Dorothea Lasky, among others. Since 1992, she has lived in Buenos Aires. In 2019 she founded "Microcentro. Poetry Office", a space dedicated exclusively to poetry readings in Buenos Aires dowontown. This year "Bonbons a l'anis,“ an anthology of ther work, will appear in French at Brook and Varichon & Cie.

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ELFI TURPIN

Mercredi 27 mai à 18h (heure de Paris)

Wednesday May 27, 6pm (Paris time)

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Elfi Turpin est curatrice. Elle dirige depuis 2013 le Centre Rhénan d'Art Contemporain – CRAC Alsace à Altkirch en France. Au travers d’expositions, de publications et de pratiques discursives collectives, elle collabore dans une grande proximité avec les artistes et les publics autour de projets spécifiques qui engagent de longs temps d’expérimentation et d’échanges. Elle enchevêtre depuis 2013 au CRAC Alsace une variété d’expositions structurant le centre d’art qui se transforme avec elles. Par exemple : Le couteau sans lame et dépourvu de manche ( 2019), Le jour des esprits est notre nuit, avec la curatrice Catalina Lozano (2019), Edit Oderbolz: Water Your Garden In the Morning (2019), Armando Andrade Tudela: Working And Then Not Working (2018), Jarbas Lopes: e’a’u’  (2017), Natalie Czech: One Can't Have It Both Ways And Both Ways Is The Only Way I Want It (2016), Musa paradisiaca: Alma-bluco (2015), Sophie Nys: Ein Tisch ohne Brot ist ein Brett (2015), Daniel Steegmann Mangrané: Animal que no existeix (2014), Der Leone Have Sept Cabeças, avec la curatrice Filipa Oliveira (2014), Elisabetta Benassi: Smog a Los Angeles (2013), Susan Vérité, des méthodes (2013). Pour ce séminaire, Elfi Turpin aimerait partager et questionner des méthodologies, préoccupations et actions situées dans un centre d’art, qui est lui-même situé dans une petite ville dans le sud du Haut-Rhin à quelques pas des frontières suisse et allemande, et aujourd’hui très affectée par l’épidémie. 

[EN] Elfi Turpin is a curator. Since 2013, she is the director of Centre  Rhénand'Art Contemporain – CRAC Alsace, Altkirch, France. Through writings, exhibitions and discursive practices, she collaborates with artists and audiences on very specific projects engaging long-term researches and exchanges. Conceived as a collective process, the exhibitions she has curated at CRAC Alsace are entangled with one another. As such, each exhibition both structures and transforms the art center: ‘The Knife Without a Blade That Lacks a Handle’ (2019); ‘Le jour des esprits est notre nuit’, in collaboration with Catalina Lozano (2019), ‘Edit Oderbolz: Water Your Garden In the Morning (2019); ‘Armando Andrade Tudela: Working And Then Not Working’ (2018); ‘Jarbas Lopes: e’a’u’(2017); ‘Natalie Czech: One Can't Have It Both Ways And Both Ways Is The Only Way I Want It’ (2016); ‘Musa paradisiaca: Alma-bluco’ (2015); ‘Sophie Nys: Ein Tisch ohne Brot ist ein Brett’ (2015); ‘Daniel Steegmann Mangrané: Animal que no existeix’ (2014); ‘Der Leone Have Sept Cabeças’, in collaboration with Filipa Oliveira (2014); ‘Elisabetta Benassi: Smog a Los Angeles’ (2013); ‘Susan Vérité, Methods’ (2013), among others.

Elfi Turpin would like to engage this seminar in sharing and questioning methodologies, concerns, and practices situated in an art centre, itself situated in a small town in the south of the Haut-Rhin, a few steps away from the Swiss and German borders, and today very much affected by the pandemic.

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Séminaire conçu et organisé par Patricia Falguières, Elisabeth Lebovici et Natasa Petresin-Bachelez et soutenu par la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte