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Lanfranco Colombo

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Lanfranco Colombo

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Carla Cerati tra fantasia e realtà

di Etta Lisa Basaldella 

 --- Un altro anno sta per finire. Per concludere questo 2017, Gustavo Millozzi mi ha chiesto di poter ripubblicare un’intervista che feci a Carla Cerati nel 1977 nella sua casa di Via Monte Rosa.

Avevo conosciuto Carla alla ‘"Galleria Il Diaframma" in via Brera 10 a Milano: il cenacolo fondato, con grande generosità e lungimiranza, da Lanfranco Colombo, dove tutti noi fotografi ci davamo appuntamento.

Lei era vivace, provocatoria, sensibile, generosa e dura allo stesso tempo, con quegli occhi nocciola a punta di spillo sempre vigili, alla ricerca di vedere oltre e di cogliere "l’attimo fuggente", i tratti del volto segnati e decisi, la frangetta fulva a sparigliare le idee.

E’ stato un incontro di quelli che ti segnano profondamente, ti arricchiscono, dai quali esci con un’energia ed una carica di vita straordinarie, anche se gli argomenti trattati sono stati tra i più scabrosi e drammatici, ma presi in considerazione con il dovuto rispetto!

Ho reincontrato Carla Cerati, questa volta per ritrarla sulla terrazza dell’Hotel Danieli a Venezia, quando fu finalista al ‘Premio Letterario Campiello’. Era allora una fotografa affermata, che si stava facendo strada anche con la scrittura! Il suo libro aveva un taglio autobiografico e mi aveva colpita molto, perché avevo trovato nel suo stile letterario la stessa carica umana che c’era nelle sue immagini! Carla Cerati se ne è andata a solcare altri cieli nel febbraio del 2016. Quanta strada aveva percorso da quando l’avevo conosciuta!

Mi ha molto toccata il sapere che nel suo sito, aveva un blog, nel quale aveva riportato la frase conclusiva della nostra intervista del ’77.

Alla mia domanda: "Cosa provi quando riesci a fare una fotografia proprio come l’avevi pensata?"

Ha risposto: "Un’allegria folle!"….

Lei era così e mi piace riproporvela così com'era …….

                          ©Etta Lisa Basaldella, Carla Cerati, 1977

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•  Fotografa scrittrice o scrittrice fotografa? 

"L'una e l'altra - afferma Carla Cerati - Sono comunque due attività - ben precise che coesistono, ma non si fondono; é sempre l'osservazione della realtà eseguita in due modi diversi usando due mezzi diversi; la fotografia mi serve per documentare il presente, la parola per recuperare il passato".

Di origine bergamasca, Carla Cerati è cresciuta in una famiglia borghese con tutte le limitazioni che ne possono derivare: il concetto principale è che la donna sta a casa a fare la madre di famiglia, spingendo alla ribellione un carattere come il suo che, dietro ad una figura dell'apparente fragilità, cela una forza d'animo, una testardaggine, una volontà propria di chi, maturata una certa decisione, la porta avanti fino in fondo costi quel che costi.

© Carla Cerati, Ospedale psichiatrico, 1968 

E nei suoi scritti è raccontato il travaglio della sua metamorfosi personale.

"Il problema base è che la donna vive chiusa in casa e non ha alcun contatto con l'esterno, arriva ad una totale repressione culturale, ad un disinteresse, un'apatia, si sente come a San Vittore dove si sta dentro a quattro pareti e non si sa niente di quello che succede fuori. Ad un certo punto è questione di sopravvivenza, tu capisci che muori, che non senti le cose, non hai più niente da dire e allora te ne vai. Molli tutto e non pigli neanche la valigia".

Nella fotografia Carla documenta la sua analisi sociale della realtà, la sua osservazione dei comportamenti umani, partecipazione come presa di coscienza del momento storico in cui si trova coinvolta a vivere.

" Ho cominciato a fotografare nel '60, la spinta è stata nel cercare una realtà più interessante che non fosse il piccolo mondo che mi stava attorno: i bambini, gli amici. Con una Rollei che mi aveva venduto mio padre, ho avuto l'occasione di fare la fotografia di scena in una commedia di Del Buono per la regia di Enriquez al quale le mie foto sono piaciute e me le ha comperate. Per sei mesi ho frequentato un circolo fotografico, ma non l'ho trovato interessante".

© Carla Cerati, Ospedale psichiatrico, Firenze 1968 

• Quali sono i limiti, secondo te, di questi circoli che continuano a proliferare?

"I limiti sono nel fatto stesso che considerano la fotografia un hobby, con tutto quello che comporta fare una cosa per hobby: mancanza di spinte reali, dove davanti a delle difficoltà uno si ferma, c'è il lavoro vero che occupa la maggior parte del tempo per cui si possono dedicare solo i sabati e le domeniche, mentre il professionista, se gli chiedono di fare un servizio, nel momento che accetta deve realizzarlo qualsiasi siano le difficoltà che può incontrare. E poi era un hobby costoso, per cui ho pensato che doveva pagarsi da sé. Approfittando del fatto che mia figlia andava a scuola di danza, ho fotografato il saggio finale per la direttrice e con le stesse immagini sono andata da Tumiati che allora era direttore dell'Illustrazione Italiana, ne è rimasto colpito tanto da incaricarmi di fare un'inchiesta sulla scuola. E' stata la mia prima pubblicazione".

© Carla Cerati, Ospedale psichiatrico, 1968 

E poi da free-lance Carla Cerati ha cominciato a collaborare con Vie Nuove, l'Espresso… parla di queste sue esperienze con tono un po' più annoiato, chissà quante volte è stata costretta a ripetere la sua storia! Questo credo sia uno dei lati negativi della notorietà. Il suo sguardo si riaccende quando le chiedo dell'esperienza che ha fatto con Franco Basaglia a Gorizia.

"Basaglia voleva fare un libro fotografico sulle istituzioni negate. Le cose però andavano troppo per le lunghe perché nelle caserme è difficile entrare, nelle carceri impossibile, allora abbiamo deciso di farlo solo sui manicomi ed è uscito "Morire di classe". A questo punto ho cominciato a considerare la fotografia come operazione di denuncia. Era il '68. Nel '69, con le bombe di Piazza Fontana, ci è arrivata addosso una realtà politica travolgente. Di qui la mia indagine ha preso una direzione ben precisa: la strategia della tensione, i processi politici, le rivolte operaie. Tutti fatti che si potevano smentire con le parole, non con le immagini".

• Il reportage è il genere di fotografia che senti di più. Cosa cerchi nelle persone?

"Quello che non si nota a prima vista, un modo di essere che magari uno maschera dietro un atteggiamento, non so, l'angoscia, la noia, tutta una serie di collegamenti, di legami col mondo esterno che mi piace catturare. Mi diverto o soffro. Nel momento in cui ho fotografato un suicida ho avuto un grosso problema, mi dibattevo con me stessa per decidermi. Pensavo: allora faccio l'avvoltoio, il paparazzo. Quale indiscrezione entrare nella vita privata della gente. Ma uno dice: allora è inutile che faccia questo mestiere. Da un lato non vorresti varcare il limite che ti separa dalla vita degli altri, poi però ti lasci prendere dall'aggressività. Sai, anche nei manicomi c'erano dei malati che non volevano farsi riprendere, era chiaro che facevo una violenza, pur avendo la convinzione di fare una violenza che serviva loro".

• Ti senti realizzata nell'aver scelto questo lavoro?

"Vivere del mestiere che ti piace credo sia il massimo della realizzazione. Comunque mi sento realizzata anche quando scrivo malgrado che finora non è che mi abbia dato da vivere".

© Carla Cerati, Ospedale psichiatrico. Parma, 1968 

• Ma che tipo di personaggio è il fotografo?

"E' un matto, un matto in libertà. Alle volte penso veramente di essere pazza: l'altra notte alle 5 mi ha preso il raptus di mettermi a stampare dei 50x60, che non dovevo consegnare a nessuno, da dei negativi che avevo lì da tempo e che mi piacevano da morire. Tu capisci, all'improvviso metti delle enormi bacinelle con grande scomodità in una piccola camera oscura. Chissà perché? non potevo farlo l'indomani?!". E' una domanda affermazione che non attende risposta questa. Più che rivolgerla a me, è come se parlasse con se stessa in tono scanzonato. Gesto consueto, meccanico, che inconsciamente dà sicurezza, continua ad accendersi una sigaretta dopo l'altra, puntandomi addosso quel suo sguardo da cerbiatta, si passa una mano sul caschetto di capelli ramati, si liscia la frangia da adolescente che le copre la fronte, sorride di un sorriso dolce di una persona che ha raggiunto un suo equilibrio al di là delle problematiche della vita.

• Cosa provi quando riesci a fare una fotografia proprio come l'avevi pensata?

"Un'allegria folle".

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Questo articolo è stato già pubblicato il 24 marzo 1977 sulla rivista “7 Giorni Veneto”.

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Il Tempo e la Fotografia

di Gustavo Millozzi

Sarà colpa dell'età (si sa che più si invecchia più si critica e più si è insofferenti a cose che prima non ci davano alcun fastidio) ma mi accorgo (e ciò mi dispiace) che non condivido più certi modi di esprimersi fotograficamente ed in special modo alcuni interrogativi, che non hanno in definitiva alcuna speranza di una esauriente risposta, quali "dove va la fotografia?" o trattazioni che annunciano "nuove strade per la fotografia" che rischiano di ripiegarsi su loro stessi.

Mi vengono in mente i dibattiti di Verbania del lontano 1969 - che vedevano schierarsi da una parte i fotoamatori (definiti in dispregio "quelli delle pecore") ed i fotografi più impegnati (a loro volta schedati come "quelli del sociale") - ai quali avevo attivamente partecipato assieme a Michele Ghigo, Lanfranco Colombo, Ando Gilardi, Angelo Schwarz, Vladimiro Settimelli, Italo Zannier, ed a tanti altri importanti nomi della cultura fotografica, e devo ammettere, oltre ad un certo "revisionismo" su alcune mie posizioni di allora, che ben poco è oggi cambiato anche se l'evoluzione tecnica della fotografia (ma quanto ciò ha poi giovato al suo linguaggio?) ha compiuto passi da gigante.

                                                                             Verbania 1969

Sono spesso accusato di esser troppo critico specialmente nei confronti di nuovi (non solo giovani) autori e di non facilitare così il loro inserimento nell'ambito fotoamatoriale: pertanto sempre più spesso mi astengo non solo dal commentare ma anche di intervenire a riunioni.

La domanda che, a mio avviso, ci si deve porre è: quale scopo hanno i circoli fotografici nel 2016? E' cambiato il loro senso e la loro funzione rispetto  agli anni passati?

La circolazione "compulsiva" delle immagini su telefonini e sui social-network con i suoi "like" ha usurpato il posto alle serate di serio confronto tra amici, giovani e vecchi fotografi, e quindi i circoli hanno perduto il loro ruolo formativo?

Per "mantenere" i soci dobbiamo solo lodare le loro immagini e non più confrontarci anche con critiche, magari dure, ma sempre rispettose e costruttive?

E' vero che oggi mal vien sopportata, e forse considerata anche inutile, la critica in quanto, con il possesso di attrezzature dotate di sofisticati automatismi che ne facilitano l'uso pure ai neofiti, si riescono ad ottenere fotografie con risultati standardizzati soddisfacenti dal lato tecnico, ma ciò non deve portare i loro autori alla convinzione di aver già le capacità che devono essere, a mio giudizio, in possesso da chi vuol esser considerato buon fotografo. La fotografia, non dimentichiamolo mai, è un'arte e, come tale, non è solo tecnica.

Negli anni d'oro del Circolo Fotografico La Gondola di Venezia, ove, nel lontano 1958 ebbero la bontà di concedermi a far parte, le dure critiche ed i suggerimenti dell'ottimo fotografo Paolo Monti venivano da tutti accettati, e non solo dagli ultimi arrivati, ma anche da autori già affermati quali Gianni  Berengo Gardin, Fulvio Roiter, Bepi Bruno, Sergio Del Pero e tanti altri) e venivano colti come contributo fondamentale alla comune crescita.

Senza dubbio anche la conoscenza della stampa in camera oscura dava un buon apporto ad una seria formazione, ma non per questo voglio oggi affermare la necessità di tale pratica e pertanto negare il grande apporto che la fotografia digitale ci ha offerto. Credo che la pellicola e la sua stampa avessero il grande pregio di farci aspettare i risultati, che dessero all'autore il tempo per riflettere, di fare "slow photography" come, nel mangiare, lo "slow food": recuperare le materie prime e prenderci il tempo giusto, la necessaria pazienza, per gustarle e per farle decantare.

E' chiaro però che l'uso delle macchine fotografiche analogiche, ancor più se totalmente meccaniche senza automatismi, è stato allora fondamentale per conoscere tutte le possibilità del mezzo per cui, senza voler - diversamente a quanto hanno fatto alcuni miei colleghi - prendere alcuna posizione integralista in difesa della pellicola fotografica, considero più che necessario che pur in questi giorni, nell'uso del digitale, e non solo all'inizio, ci si avvalga ancora dell'impostazione manuale lavorando a priorità di tempi o di diaframmi cercando di dimenticarne l'esistenza di quella in automatico.

Anche la ormai inveterata abitudine di eseguire un'infinità di scatti sul medesimo soggetto, favorita dal loro zero costo, non fa che aumentare la difficoltà di selezionarne quindi il migliore (lo sarà poi veramente?) per cui un occhio esercitato ed una maggior attenzione e conoscenza del mezzo saranno più efficaci di tanti inutili tentativi. Ancora una volta pazienza!

(da http://gioschiavinato.tumblr.com/)

Sono per di più divenuto insofferente ad un certa carenza culturale ed alla superficialità (malgrado la buona volontà e capacità di chi li conduce e che fa del suo meglio per dare giuste impostazioni) che impera nei circoli sia nell'ambito figurativo, sia per l'indifferenza verso una formazione di base, secondo me indispensabile, con la conoscenza della storia della fotografia (gli incontri di tale tipologia sono sempre meno frequentati).

Viene privilegiata troppo spesso una fotografia che definirei "voyeuristica", che ritengo abbia ben pochi sbocchi, oppure di solo impatto cromatico (con spregiudicato impiego di una post-produzione con l'intento, senza riuscirvi, di  dar corpo ed interesse a scatti che nulla esprimono) a discapito di un impegno "contenutistico" più utile ad esprimere un'idea (specie con costruzione di "portfolio") ed alla formazione di una "personalità fotografica". Anche i concorsi fotografici (specie quelli organizzati all'estero a solo e chiaro scopo di riscontro economico) e la corsa alle ammissioni e relativi punteggi contribuiscono a tale abitudine.

Forse saranno i tempi che cambiano, forse il fatto che non si riesce più a parlare lo stesso linguaggio tra chi, con anni di esperienza, guarda da lontano in prospettiva e chi si affanna in un presente senza profondità?

Ma questo mio sfogo, forse eccessivamente pessimistico (e mi auguro chiaramente che il tempo mi dia torto) sarà solo dovuto a gratuite esternazioni legate al mio gran numero di anni, o ci sarà almeno un pochettino di vero?

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Sifest 2015

Parte prima

di Carlo Maccà

Il SIFEST di Savignano sul Rubicone è un forte richiamo per tutti gli amanti italiani della Fotografia almeno dal Centro Italia in su. Gli eventi estemporanei -si svolgono in tre giorni (quest'anno dall'11 al 13 settembre),  ma seguirli sistematicamente richiederebbe un'attività frenetica. Meglio limitarsi ad assistere ai più "istruttivi", come la lettura dei "Portfolio in Piazza", e dedicare più tempo alle mostre, magari con una seconda visita nelle due settimane in cui restano aperte. E fare un commento più meditato almeno su alcune di queste

Lettura portfolio (Lettrice Alessandra Capodacqua)

L'immagine-manifesto dell'evento viene dalla mostra Gulu Real Art Studio,esposta in una galleria che porta il nome di Lanfranco Colombo (+ marzo 2015), padre nobile  della manifestazione. Consiste in una lunga serie di piccole stampe (150, credendo a chi ha riportato il conto sul registro visitatori!) raccolte da Martina Bacigalupo dal cesto dei rifiuti di un fotografo Nigeriano. Per ricavare ritratti da documento d'identità, costui fotografa la figura intera, seduta, poi ritaglia il volto e cestina il resto. Giusta la considerazione che solo, o soprattutto, i volti portano espressioni stereotipate. Ma così accostati in una lunga fila senza apparente selezione questi foglietti (comunque ben incorniciati) appartengono, più che alla fotografia, alla categoria degli "objects trouvés" di tradizione surrealista. Se invece si tratta di ricerca concettuale, beh, Naomi Leibovitz si accontentava di 4(x4) immagini.... (si veda più avanti). Altro significato avrebbe, forse, una selezione dedicata al linguaggio delle mani, alle quali i soggetti fotografati concedono spontaneità d'atteggiamento, e quindi autenticità d'espressione. L'autrice (www.martinabacigalupo.com), ora presente anche in Sguardi di Donna a Venezia, Casa dei Tre Oci, sa fare di meglio che lavori ludici.

Gulu Real Art Studio

Di Felice Beato (Venezia 1832 - Firenze 1909), il fotografo (anglo)italiano dell'800 più importante in ambito internazionale, erano esposte una ventina di stampe all'albumina colorate a mano del periodo giapponese: sue? dell'atelier? degli epigoni della cosiddetta "Scuola di Yokohama" (come farebbe pensare il titolo della mostra: Felice Beato e la Scuola di Yokohama)? le indicazioni mancavano. La mostra  di Piazzola sul Brenta (2011-12) sembrava lasciare meno dubbi. Comunque, c'è ancora molto da imparare sia dalla delicata perfezione della tecnica, sia dalla naturalezza ottenuta con soggetti singoli o in gruppi in posa per esposizioni di tre secondi (pur brevi per quei tempi): in posa, ma tutt'altro che "belle statuine"..

Di Larry Fink:molti conosceranno già il volume Composizione e Improvvisazione, edito da Aperture per una collana didattica e già tradotto in italiano. Qui si potevano vedere in 2 località diverse e distanti sia un ricco insieme d'immagini recenti, sia un numeroso gruppo tratto dal lavoro giovanile con cui il fotografo "all american" si è affermato. Le immagini di "The Vanities. Hollywood parties 2000-2009", , in mostra in centro città, sono assolutamente perfette, se vogliono rappresentare il vuoto assoluto di quei personaggi che si animano veramente solo quando recitano (almeno quelli che sanno fare qualcosa di più che esibirsi). L'altra serie,"The Beats" sulla seconda generazione beat, con cui Fink  convisse per qualche tempo a partire dal 1958, era esposta a Villa Torlonia di San Mauro Pascoli (in realtà "a Ca' del Diaul": un'ora per riuscire a individuare il percorso per la villa e poi, nella confusione d'una manifestazione di MB gran fondo, i sotterranei dov'era ospitata la mostra). Chi, nei decenni successivi, è stato coinvolto nello spirito di quel tempo, probabilmente lo avrebbe ritrovato più facilmente in stampe vintage che nelle leccatissime stampe 100% professionali esposte.

Fra le installazioni negli spazi pubblici, era veramente godibile "How to be a / amateur / wedding / war / wildlife / conceptual / portfolio / published / contemporary / kitsch / (ecc)  photographer in four lessons"del belga Thomas Vanden Driessche: illustrazione spiritosa, ironica, pungente, incisiva e anche cinica (o masochista) dei pallini (e delle perversioni) della categoria. L'opera consiste in un taccuino che per ogni pagina contiene un How to be (Come diventare....), costituito da una striscia di 4 foto da cabina automatica, ciascuna delle quali è affiancata da un testo dattiloscritto (le 4 lezioni). Nel formato originale è stata pubblicata a stampa e presentata ad Arles. Qui erano esposte, sotto forma di grandi poster, 16 delle pagine. Si veda qui sotto, come esempio, il poster colle 4 lezioni di How to be a conceptual photographer accostato all'opera della famosa maestra d'arte concettuale a cui la rispettiva "lesson 4". fa riferimento.

Thomas Vanden Driessche: How to be a conceptual photographer in four lessons

Naomi Leibowitz, dalla serie "Photobooth project".

Il programma delle mostre offriva la possibilità di confrontare fra di loro le'opere prime di tre fotografi giovani in tempi, luoghi e ambienti diversi: "The Beats" (1958) di Larry Fink, citato sopra; "Iran 1978" di Gabriele Basilico;   "A Period of Juvenile Prosperity / Tones of Dirt and Bone" (2004-2014) di Mike Brodie. Ma a questo confronto, e a pochi altri autori, si dovrà dedicare altro spazio.

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Grazie Signor Lanfranco !

di Orietta Bay

 Di Lanfranco Colombo nel mondo della fotografia si è sempre tanto parlato, ma in questi giorni, come era prevedibile, i ricordi, gli aneddoti, i saluti e la commozione per la sua scomparsa hanno riempito le pagine dei principali quotidiani e dei più importanti social network quale conferma che è stato molto di più di quello che lo abbiamo considerato mentre lo avevamo tra noi.

Mi sembra giusto pertanto non ritornare su quella parte del suo percorso che lo ha visto sempre protagonista e in prima linea, di cui lo stesso Lanfranco Colombo ci ha reso edotti nel suo ultimo libro “Lanfranco Colombo – Fotogrammi di una vita”, ma partire da quelli che si possano definire gli anni della pienezza, nella quale ha assaporato la gioia di sentirsi riconosciuto “speciale” per tutto ciò che era riuscito a realizzare non solo in campo fotografico ma anche sportivo e di relazioni umane. Gli anni in cui nominare Lanfranco Colombo voleva dire “Buona Fotografia” e “Grandi progetti”.

Quando io l’ho conosciuto, un poco più di vent’anni fa, la sua avventura a il Diaframma si stava per concludere e anche tutta quella meravigliosa parte che lo aveva visto protagonista delle vicende di quasi un trentennio di storia fotografica. Ci stavamo avvicinando a grandi passi ad un cambiamento epocale, alla svolta decisiva dell’era digitale.

Tutti lo sappiamo Lanfranco Colombo era sempre un poco avanti era uno scopritore di valori, un curioso delle cose e della vita, un entusiasta per ogni progresso. Si comprò subito una compatta e con gioia infantile si riproponeva di diventare un esperto di tecnologia digitale perché diceva che per giudicare bisogna conoscere e saper fare.

Lui sognava sempre in grande, le sue proposte cuturali-fotografiche erano ogni volta di ampio respiro e di elevata profondità. Aveva uno sguardo attento, non voleva perdere qualche talento per strada perché non gli aveva dedicato attenzione. Era un grande comunicatore, godeva nel raccontare, nell’interagire con chi incontrava. Non amava i giri di parole, il suo era un ascolto che andava sempre all’essenziale.

Era un leone e come mi ha ben sottolineato il suo caro amico Giancarlo Illiprandi, in una sua e-mail di pochi giorni fa, spesso un leone ruggente, perché era nato e si sentiva un Capo. A capo di un filo al quale tutti si potevano, volendolo fare, attaccare. Lui quel filo non lo ha lasciato mai senza portare tutti nel luogo della festa.

Ha creduto nella bellezza della vita e delle persone. Era esigente ma se intravvedeva una speranza di successo, un guizzo creativo, non lesinava approvazioni, anzi incoraggiava, cercava di stimolare. A tutti quelli che lo hanno conosciuto ha dato consigli e ai più tanti offerto opportunità. Lo ha fatto all’inizio del suo percorso creando il Diaframma ma anche inventandosi la pedana al Sicof, vivacizzando con la sua direzione artistica numerosi Festival di fotografia, dando il là alla lettura portfolio, che oggi ha assunto in Fiaf, grazie alla lungimiranza di Fulvio Merlak, con Portfolio Italia, valore nazionale. Quello di Colombo è stato un crescendo di aperture interessanti, non si è mai seduto ad aspettare, ha agito. Qualche volta ha avuto critiche, ma gli inciampi gli sono venuti dall’entusiasmo a volte trasbordante, talora non compreso e sostenuto. Non possiamo non ricordare la portata, nel campo anche amatoriale, dell’esperienza milanese da Giovenzana (fine anni ’90 primi anni 2000) e la travolgente esperienza della Mostra “I Maestri della Fotografia” (2005) organizzata dalla Fondazione 3M, grazie al forte impegno di Antonio Pinna Berchet, al Museo Peggy Guggenheim di Venezia con la curatela di Roberto Mutti, per arrivare all’oggi e l’ideazione di Penisola di Luce a Sestri Levante (2006). Stava definendo in questi giorni, con Roberto Montanari (suo alter ego in questa avventura) le ultime sfumature per quella che sarà la nona edizione. Di Sestri Levante si era innamorato e aveva con gli amministratori, prima il dott. Andrea Lavarello e poi la dott.ssa Valentina Ghio, attuale Sindaco, una collaborazione fruttifera e apprezzata da tutti. Anche a Genova dove da dieci anni viveva (dal suo matrimonio con Giuliana Traverso) non aveva vissuto senza cercare spazi dove dar voce a chi sapeva “Scrivere con la luce” intessendo collaborazioni con Palazzo Ducale e Palazzo Rosso. Il dott. Luca Borzani, il Dott. Pietro Da Passano e i loro collaboratori così come la Dott. Elisabetta Papone hanno con piacere accettato le sue proposte, regalando a Genova la prestigiosa Mostra “Il Miramondo”di Fosco Maraini insieme alla Fondazione Lanfranco Colombo e il Gabinetto G.P. Viessieux e in collaborazione con la Fondazione 3M quella di Giovanni Verga e Ghitta Garrel.

Amava i giovani con i quali cercava interazioni. In ambito genovese lo ha supportato con passione il Prof. Giancarlo Pinto invitandolo più volte a tenere conferenze presso l’Ateneo genovese (Facoltà di Architettura) durante le quali i ragazzi accorrevano entusiasti e uscivano entusiasmati dal suo carisma propositivo. Il suo telefono squillava spessissimo. I più lo volevano incontrare per proporgli in visione i loro lavori, desiderosi di confrontarsi con il suo giudizio critico e trovare suggerimenti. Tanti si sono interessati alla sua vita che è stata molte volte tesi di Laurea.

Un continuo impegno e tanta gioia. Capire e sentire che la fotografia, che lui tanto amava, era diventata passione di tanti, lo riempiva di soddisfazione. Era come se questo gli facesse capire che veramente ce l’aveva fatta!

Fino all’ultimo ha regalato pensieri e idee. Diceva che il suo periodo buono erano le quattro del mattino. In quelle ore prima dello svegliarsi del giorno, raccontava, nascevano i germogli di quello che avrebbe voluto realizzare

.Aveva ancora moltissimi sogni nel cassetto. Con lui ho parlato tanto, soprattutto ho cercato di ascoltare perché era una fonte inesauribile. L’ultimo suo desiderio era quello di farsi conoscere meglio come fotografo.  La sua fama era molto più forte come mecenate. Aveva in animo di pubblicare ancora un libro nel quale raccontare, con più profondità, alcuni rapporti umani che nella sua biografia erano rimasti un poco in ombra.

Per il primo desiderio siamo già in partenza: Venerdì 1° maggio 2015 si inaugurerà a Rapallo presso il Castello una Mostra che lo vede tra i protagonisti. Siamo solo alla partenza. Lui ha aiutato tanti a realizzarsi e noi adesso vogliamo fare altrettanto.

Abbiamo tanto contato su di Lui, ora certo Lui potrà contare su di Noi.

La sua Luce continuerà a brillare e a indicarci la strada.

 GRAZIE SIGNOR LANFRANCO!