Take Me Where The Gold Is

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Ill and Noise

Ch-ch-ch-changes, Bowie once said. Take Me Where The Gold Is or Gold Music Magazine has been a huge part of my life but due to studying and working full-time I’ve Iet slide one of my greatest pleasures: writing. And especially writing about my favourite new music. At the turn of the year, I’m re-starting a new music blog together with my best friend: please welcome ILL AND NOISE.

We’re two twenty-somethings trying to make sense of this weird and wonderful world - one song at a time.

You’re welcome to join us on our musical journey through time and space over at

http://illandnoise.tumblr.com

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Review: ‘Plastic Propaganda’ von Plastic Propaganda

Es ist noch gar nicht so lang her, da wurde Hamburg aufmerksam auf diese Aufkleber: schwarz-weiße Gesichter wie Schattenrisse und darüber kreischendes Neonpink – da war es, das pinke P; und es war unübersehbar und überall. Plastic Propaganda, junge Hamburger Punkband, machen ihrem Namen alle Ehre. Nun ist es so weit in Propaganda-Stadt, ihr gleichnamiges Debütalbum in 500er-Erstauflage, 77 Stück auf pinkem Vinyl, erscheint am morgigen Freitag. Stürmisch, gegen den Wind, den Strom der modernen Mediengesellschaft, die Polizeigewalt im Rücken. Zuckende Gitarren in den Ohren, düstere Aussichten für die Generationen von morgen – in einer Welt aufzuwachsen, die ihre Seele verkauft hat. 

Man erinnere sich an die Dystopie “Hunger City“, erdacht von David Bowie im Jahr 1974, die gleichsam utopische Wahnvorstellung war, von einer Welt, die sich selbst liebt und sich selbst zerstört. Nicht ohne Grund flammt dieser Vergleich auf: Plastic Propaganda erzählen in ihren dreizehn Songs von einer bewegten schwarz-weißen Gesellschaft, wie Schachfiguren auf einem Schachbrett voller vorausgedachter Handlungen. Doch sie erzählen auch von einer bewegenden neonpinken Gesellschaft, die protestiert, die befestigten Pfade der Bequemlichkeit verlässt und neue Barrikaden aus dem Schutt reaktionärer und hemmender Ansichten errichtet. Dort stehen sie nun, auf Bergen aus Schutt und Asche – der Anbeginn einer neuen Zeit?

Plastic Propaganda üben Kritik mit einem Augenzwinkern an dieser Zeit aus, in der nichts mehr für sich selbst steht; alles wird vermarktet, verkauft, in leuchtende Aushängeschilder der Moderne umgewandelt. Das sind die Reklametafeln dieser Stadt – Gewalt auf den Straßen, Polizisten mit Schlagstöcken im Konfettiregen. Die Gesellschaft ist geprägt von Langeweile. Aber auch die zunehmende Bedrohlichkeit unserer Zeit wird thematisiert. Alles wird vorgeschrieben, Gebrauchsanweisungen für das Leben inklusive. Im Grunde greift Plastic Propaganda’s Debüt die Thematik von Stanley Kubrick’s “A Clockwork Orange” auf. Die Gesellschaft ist indoktriniert, das Individuum innerhalb dieser Gesellschaft ist zu keiner eigenständigen Persönlichkeitsentwicklung fähig, „Zeitungen dieser Stadt bilden meine Meinung“ (“Menschen dieser Stadt“).

Plastic Propaganda haben etwas mitzuteilen, geben der oft sprachlosen, weil in Monotonie versunkenen, generationsübergreifenden Lethargie-Gesellschaft eine Stimme; oder besser gesagt, vier Stimmen, die den Zuhörer motivieren werden, die eigene Stimme zu nutzen, um das System oder das allgemeine Denken zu verändern. Sie greifen den künstlerischen sowie musikalischen DIY-Charakter von 1977 auf, dem Jahr, welches den Punk hervorbrachte. Und in ihrer Musik muss man gar nicht lang suchen nach den Einflüssen von damals: The Clash, The Damned, The Jam scheinen allgegenwärtig zu sein. Herausfordern wollen Plastic Propaganda, dazu motivieren, etwas zu bewegen. Das ist gute Musik, ehrliche Musik. Man kann förmlich sehen, wie die Fassaden der Wohlstandsgesellschaft bröckeln, stürzen und die Wahrheit zum Vorschein kommt.

Wie sagen sie selbst so schön: „Für künstlerischen Ausdruck, gegen das Zerreden; für echte Überzeugung, aber niemals ohne Augenzwinkern. Weder Schwarz noch Weiß, sondern Neonpink.“ Morgen ist alles Pink: Pünktlich zu ihrem Album-Release zeigen Plastic Propaganda erstmalig ihr Albumcover, das jetzt noch strengster Geheimhaltung unterliegt. An alle Monotonie-Getriebenen, die ausbrechen, alle Schwarz-Weiß-Denker, die in Pink umdenken, alle Punker, die den Geist von 1977 neu entdecken wollen, an alle Menschen dieser Stadt: Morgen, am 24. April ab 21:30 zelebrieren Plastic Propaganda die Initiation ihres Debütalbums mit einem Release-Konzert und lassen es hinaus in die Welt. 

Plastic Propaganda auf Facebook.

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Review: The Reverb Conspiracy Volume 3

Das europäische Label Fuzz Club Records und die amerikanische The Reverberation Appreciation Society haben in ihrer dritten Kooperation The Reverb Conspiracy Volume III, ein Sammelwerk bestehend aus fünfzehn Songs der spannendsten europäischen Psych-Bands, zusammengestellt. Die Zusammenstellung soll dabei wie ein Filter wirken, welcher die Essenz der europäischen Underground-Szene einfängt, um diese für die Ewigkeit festzuhalten. Seit 2012 steht Zusammenarbeit von Fuzz Club Records und The Reverberation Appreciation Society für einen exakten Katalysator der Underground-Szene des alten Kontinents.

Vielleicht ist The Reverb Conspiracy Volume III jenes Kulturgut, welches Musikwissenschaftler in hunderten von Jahren in den Händen halten werden, um die musikalische und damit kulturelle Vergangenheit zu rekapitulieren. Die europäische Psych Nouveau Szene muss viel weiter gefasst werden als die Definition von Psych, die wir kennen. Längst weist der Begriff nicht mehr nur auf verworrene psychedelische Klänge hin, sondern wird inspiriert von verschiedensten Elementen aus Blues, Folk, Rock ‘n‘ Roll, Stoner, Kraut Rock, Electronica und Noise. Die musikalische Zusammenstellung enthält Songs von Lola Colt, Goat, Singapore Sling, The Oscillation und vielen weiteren europäischen Psych-Künstlern, denen es gelingt mit Klängen Kunstwerke zu malen.

The Reverb Conspiracy Volume III führt dem Zuhörer einen der momentan wichtigsten gesellschaftspolitischen Wandel vor Augen: die Diversität. Heutzutage kann man wieder vom Aufblühen der einstigen musikalischen Nischenkultur sprechen. Die verschiedenen Bands auf dem Sammelwerk zeigen jeweils eine andere Facette des Psych. New Candys‘ leiten ihren Song Meltdown Corp. mit Tamburin-Klängen ein, bevor sie zu einer Art Stoner Desert Psychedelic Rock übergehen. Goat’s fabulöses Hide From The Sun ist neu von Multiinstrumentalist und Gründer von The Brian Jonestown Massacre, Anton Newcombe, gemischt worden.

The Reverb Conspiracy Volume III liegt einem Zauber zugrunde, welcher den Zuhörer in eine Welt fernab aller bekannten Pfade lockt. Das Album endet mit dem epischen Song As We’ve Been As One von Francois Sky featuring Jeff Levitz. Ineinander verwobene tranceartige Sitar-Melodien, ein musikalisch sanftes und zugleich eindringliches Donnergrollen. Die Stille nach dem Ende ist laut und leise zugleich. Das Doppelalbum The Reverb Conspiracy Volume III erscheint am 25. Januar und ist limitiert auf 1200 weiße Vinyls und 1000 CDs, erhältlich online bei Fuzz Club Records.

The European label Fuzz Club Records and the American The Reverberation Appreciation Society are set to release The Reverb Conspiracy Volume III, a compilation consisting of fifteen songs of the most exciting European Psych bands, in their third collaboration. The compilation is intended to act as a filter, which captures the essence of the European underground scene for eternity. From its beginning in 2012, the cooperation between Fuzz Club Records and The Reverberation Appreciation Society stands for an exact catalyst of the underground scene of the old continent.

Perhaps The Reverb Conspiracy Volume III is the cultural asset, which musicologists will hold in their hands in hundreds of years to recapitulate the music-wise and with that cultural past. The European Psych Nouveau movement must be broader than the definition of Psych we know. The term is no longer exemplary for abstruse psychedelic sounds, but is inspired by various elements of Blues, Folk, Rock 'n' Roll, Stoner, Kraut Rock, Electronica and Noise. The compilation features songs by Lola Colt, Goat, Singapore Sling, The Oscillation and several other European Psych artists who manage to paint abstracts with sounds.

The Reverb Conspiracy Volume III makes the listener visualise one of the most important current socio-political changes: diversity. Nowadays one can speak of a rise of the former musical niche culture. Each band on the compilation shows a different facet of Psych. New Candys' initiate their song Meltdown Corp. with a tambourine sound before they continue with their Stoner Desert Psychedelic Rock. Goat's fabulous Hide From The Sun has been remixed by multi-instrumentalist, founder and mastermind of The Brian Jonestown Massacre Anton Newcombe.

The Reverb Conspiracy Volume III is based on a magic spell, which takes the listener away into a world of hitherto unknown paths. The album ends with the epic song As We've Been As One by Francois Sky featuring Jeff Levitz; interwoven trance-like sitar melodies, a musical gentle yet powerful rolling thunder. The silence after the album came to an end is loud and quiet at the same time. The double album The Conspiracy Reverb Volume III will be released on January 25th and will be limited to 1200 numbered copies, white vinyl with gate-fold cover. On top of that, there will also be 1000 CDs available online at Fuzz Club Records.

For the third time, the cover was created by iconic Icelandic artist and band member of Dead Skeletons, Jon Saemundur, aka Nonni Dead.

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Review: 'The Tower Of Foronicity' by Singapore Sling

Singapore Sling’s neues Album The Tower of Foronicity muss interpretativ betrachtet werden. Singapore Sling haben einen Ort erschaffen, Foronicity nennen sie ihn. Er ist düster, es lässt sich nur erahnen, dass die gesamte Infrastruktur dieser mystischen Stadt über Schallsequenzen funktioniert. Foronicity ist ein Ort voller Denker und Redner, allen voran Henrik Björnsson, der Sänger von Singapore Sling. Eine Utopie der Düsternis, des Psych und des Shoegaze. Fast erwartet man einen unaufgeregten Agent Cooper auf einer nebelverhangenen Landstraße: „Diane, entering the town of Twin Peaks, five miles south of the Canadian border, twelve miles west of the state line. I've never seen so many trees in my life.“

Aber was in Foronicity das Auge des Betrachters und des Zuhörers auf sich lenken wird, ist der Turm von Foronicity, der schier endlos in die Höhe ragt, Nebel umspielt die Spitze, dunkle Halluzinationen plagen die Turm-Bezwinger. Vielleicht ist alles ganz anders. Henrik Björnsson selbst beschreibt Foronicity als ein Phantasie-Wort, inhaltlich zusammengesetzt aus den Wörtern Lächerlichkeit und Unglück. Ich denke an David Bowie’s Hunger City, in welcher fahle Gestalten durch die Straßen wandeln, verfolgt von den Diamond Dogs. The Tower of Foronicity ist ein spannendes Album, dunkel und tiefsinnig. Hätte Singapore Sling’s Musik Farben, so trüge sie ein Gewand aus warmen Laubtönen, schwere Vorhänge würden die Fenster von Foronicity verdecken, Menschen würden mit geschlossenen Augen tanzen, mit schwingenden Armen.

Singapore Sling haben sich im Jahr 2000 in Reykjavik zusammengetan, The Tower of Foronicity ist ihr siebtes Album. Ihre Songs erinnern an The Cramps, sie besitzen eine ebenso geheimnisvolle Anziehungskraft wie The Brian Jonestown Massacre. Vielleicht sind die zarten Klaviertöne, welche sich in Careful (I_m evil) unter die dunklen Post-Punk-Sequenzen mischen, die besonders herausragenden auf ihrem neuen Album. The Tower of Foronicity ist ein Album, welches emotionale Gedächtnisinhalte des Zuhörers zum Vorschein bringt. Wenn ich die Augen schließe, befinde ich mich in Foronicity, der Stadt mit dem endlosen Turm. Nicht jeder Band glückt es, ihre Musik zu visualisieren. Singapore Sling beschwören eine ganze Welt herauf.

Singapore Sling's new album The Tower of Foronicity must be considered interpretively. Singapore Sling have created a new place; they call it Foronicity. It is dark, one can only guess that the entire infrastructure of this mystical city works on sound sequences. Foronicity is a place full of thinkers and speakers, led by Henrik Björnsson, the singer and mind of Singapore Sling. It’s a utopia of gloom, of Psych and shoegaze. One almost expects an unhurried Agent Cooper on a foggy highway: "Diane, entering the town of Twin Peaks, five miles south of the Canadian border, twelve miles west of the state line. I've never seen so many trees in my life."

But what will call the eye of the beholder’s and the listener’s attention in Foronicity is the tower of Foronicity that soars seemingly endless, hugged by clouds and fog. Dark hallucinations are plaguing the tower-slayer. Maybe everything is completely different. Henrik Björnsson himself describes Foronicity as a made-up word composed of the words ridiculousness and adversity. I think of David Bowie's Hunger City, in which pale figures walk through the streets, followed by the Diamond Dogs. The Tower of Foronicity is an exciting album, dark and profound. If Singapore Sling's music would have colours, it would wear a garment of warm foliage tones, heavy curtains would cover the windows of Foronicity, people would dance with her eyes closed and their arms swinging.

Singapore Sling was formed in Reykjavik in 2000, The Tower of Foronicity is their seventh album. Their songs are reminiscent of The Cramps, they have an equally mysterious attraction as The Brian Jonestown Massacre. The delicate piano sounds that mingle in Careful (I_m evil) under the dark post-punk sequences are particularly impressive in the context of their newest album. The Tower of Foronicity is an album that brings emotional memory contents of the listener into focus. When I close my eyes, I am in Foronicity, the city with the endless tower. Not every band succeeds to visualize their music. Singapore Sling evoke a whole new world. The Tower of Foronicity came out on Fuzz Club Records on November 15th 2014 and is available now in their store.

Singapore Sling on Facebook.

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Retrospective: The Garden // Prinzenbar

Wyatt und Fletcher Shears, dunkelblond und hellblond, Bassist und Drummer, Hedi Slimane's Musen, Punk-Rock-Koryphäen aus Kalifornien wollen sich nicht kategorisieren lassen. The Garden sind die unbescholtenen Könige ihres eigenen geheimnisvollen Königreichs. Fremde Wesen existieren dort, man würfelt mit dem Tod um sein Leben, rudert über einsame Gewässer, wird von mysteriösen Maskenmenschen verfolgt – Vada Vada nennen sie das und es ist viel mehr als nur eine Musikrichtung, es ist ein Kosmos voller Geheimnisse, welche nur von ihren Königen gelüftet werden können.

Während der Tag des 15. Dezembers 2014 seinem Ende entgegen blickt, beginnt eine spannungsreiche, energetische Nacht in der Prinzenbar in Hamburg. Als Support treten The Morphinettes aus Hamburg auf und bringen erstaunlich britische Musik auf die Bühne. Desert Wave nennen sie das und genauso hört sich das an. Nach ihrem Auftritt tanzen weiße Lichtpunkte über die stuckverzierten Wände, steinerne Engel blicken mit allwissenden Augen auf die Zwillinge, die soeben die Bühne betreten haben. In der Prinzenbar geht ein Raunen durch die Menge, die Bühnenpräsenz der Shears-Brüder ist greifbar, die Atmosphäre spannungsgeladen und intensiv.

Hypnotisierend ist das, was The Garden auf die Bühne bringen, sie ergänzen sich gegenseitig in ihren Bewegungen, springen umher, klettern auf Boxentürme – die Herren ihrer eigenen Utopie. Wobei dieser Begriff im Vadaverse keinen Nutzen hat. „I am a woman“, ruft Wyatt und die sonst so hermetische Abgrenzung der Geschlechter ist plötzlich bedeutungslos. Fletcher springt über sein Schlagzeug, kurz herrscht eine andächtige Stille im Raum. Die Luft füllt sich mit elektronischen Hip Hop Beats aus Wyatt’s Mobiltelefon und dem eindrücklichen Sprechgesang der Zwillinge.

Mit seinem schwarzen Ledermantel und den weißblonden Haarspitzen ähnelt Fletcher dem Vampir Spike aus der Serie Buffy, während Wyatt so aussieht, als könne er den einzigen Jungen im Hexenzirkel aus dem Film The Craft darstellen. Avantgarde strahlen die Zwillinge aus, immer mit einem wissenden Funkeln in den Augen; ein verheißungsvoller Schimmer, dass noch viel mehr Unerklärliches in der Welt vor sich geht, als wir ahnen. The Garden stellen ihre neue 7‘‘-Single Surprise vor. Keiner ihrer Songs ist länger als zwei Minuten, manchmal bemerkt man das Ende des einen erst, wenn Wyatt zum nächsten Refrain ansetzt.

Der vielleicht surrealste ihrer Songs ist Vada Vada, zwanzig Sekunden lang und den Zuhörer in vollkommener Fassungslosigkeit zurücklassend; zweifelnd, ob die letzten zwanzig Sekunden wirklich passiert sind. The Garden sind Entertainer, Träumer, Futuristen mit progressiven Ideen, Ansichten und Texten. Es ist schwer, Menschen nicht zu kategorisieren. Aber wenn es glückt, werden The Garden die uns bewusste Wahrnehmung umkrempeln. Man muss lediglich offen für alles sein.

Wyatt and Fletcher Shears, dark and light blonde twins, bass player and drummer, Hedi Slimane's muses, punk rock luminaries from California do not want to be categorized. The Garden are the eminently respectable kings of their own mysterious kingdom. Alien beings exist there, one dices for one's life with the Death, rowing over lonely waters, followed by mysterious people in disguises – they call it Vada Vada and it is much more than just a genre, it is a cosmos full of secrets that can only be revealed by their kings.

While the 15th of December 2014 is drawing to an end, an exciting, energetic night in the Prinzenbar in Hamburg begins. The support band The Morphinettes from Hamburg stage striking British music. Desert Wave they call it, and it exactly sounds like that. After their performance, white dots of lights glide over the stucco walls, stone angels with knowing eyes glance down at the twins, who have just entered the stage. In the Prinzenbar a murmur goes through the crowd, the stage presence of the Shears Brothers is palpable, the atmosphere is intense and full of suspense.

The Garden are hypnotic performers, they complement each other in their movements, jumping around, climbing on towers made of speakers - the masters of their own utopia. Although this term has no relevance in the Vadaverse. "I am a woman," calls Wyatt and the otherwise hermetic distinction between the sexes is suddenly meaningless. Fletcher jumps over his drum kit; there is a short reverent silence in the room. The air is filled with electronic Hip Hop beats from Wyatt's phone and the impressive chanting of the twins.

With his black leather coat and the light blonde hair-ends Fletcher is similar to the vampire Spike from the Buffy series while Wyatt looks more like someone who could totally fit in into the coven from the film The Craft as the only guy. The twins radiate Avantgarde, always with an aware glint in their eyes; a promising clue that much more inexplicable in the world is going on than we realize. The Garden brought their freshly squeezed 7'' single Surprise consisting of the songs Surprise and This Could Build Us A Home. None of their songs is longer than two minutes, sometimes you notice the end of one song only when Wyatt attaches to the next chorus.

Perhaps the most surreal of their songs is Vada Vada which is lasting twenty seconds, leaving the listener in complete bewilderment; doubtful whether the last twenty seconds were really happening or not. The Garden are entertainers, dreamers, futurists with advanced ideas, views and lyrics. It is hard not to categorize people. But if you succeed, The Garden are going to turn your conscious perception upside down. Just be sure to have an open mind.

(Photos by © Naima J.)

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Radar: Hinds (fka Deers)

Die Zeiten der Girlgroups sind vorbei. Stilisierte die Gesellschaft in den Neunziger-Jahren die Girlgroups noch zu jugendlichen Ikonen, sind sie heutzutage vor allem ein gnadenloses Beispiel für Kommerzialisierung, Züchtung und  hohe Chartplatzierungen. Der Begriff der Girlgroup bleibt bis heute bestehen und mit ihm eine unangenehme Begleiterscheinung: die Degradierung der Frau zu einem mädchenhaft sexualisierten Nabokov-inspirierten Zeugnis der Unterhaltungsindustrie. Die Girlgroup ist tot. Hinds sind keine Girlband und erst Recht keine Girlgroup.

Nicht, weil der Begriff abgewetzt oder aus einer anderen Zeit entsprungen ist. Hinds, das sind vier junge Frauen aus Madrid, die sich viel lieber als Band bezeichnen – schließlich dürfen die Männer das auch, ohne sofort als Boyband abgestempelt zu werden. Denn schließlich geht es darum, was man macht und das ist Musik. Hinds krempeln das moderne Musikbusiness um, machen großartigen Sechziger-Jahre Lo-Fi Garage Rock, mit musikalischen Vorbildern wie Thee Oh Sees, Ty Segall und Mac DeMarco im Hinterkopf.

Trippy Gum oder Castigadas en el Granero heißen ihre Songs und handeln von Spaß, Gin und Gedankenspielen um das wilde Leben. Deers tragen Latzhosen und essen Pizza in ihren Videos, tanzen auf Tischen. Eben Dinge, die Frauen tun, wenn man von den idealistischen ikonischen Standbildern der Frau in der patriarchalischen Unterhaltungsbranche absieht. Im Video ihres Songs Castigadas en el Granero von ihrer neuen Single Barn spielen sie mit dem männlichen Image der Rockmusik.

Aus Carlotta Cosials, Ana Garcia Perrote, Ade Martín und Amber Grimbergen werden Cole, Brendon, Tim und Mark, vier Jungs mit fast identischer Arbeitskleidung – Boyband mal anders, schließlich ist das Musikbusiness ein hartes Pflaster. Hinds‘ Musik ist wie ein frischer Wind, wie Sonne, Strand und Meer mit einem Hauch Sechziger-Jahre-Nostalgie für unser Gemüt. Und vielleicht auch ein enthusiastischer Appell an uns, nicht alles ganz so ernst zu nehmen. Raise your pizza slices to one of the best bands around!

The days of girl groups are over. In the Nineties girl groups were stylised by society. Not anymore. These days, girl groups are considered to be a pitiless example for commercialisation, artificial breeding and high chart positions. The concept of the girl group lasts up until now and involves an unpleasant side effect: the degradation of the woman to a girly sexualised Nabokov inspired product of show business. The girl group is dead. Hinds are not a girl band and even less a girl group.

Not because the idea is scuffed or arisen from a different time. Hinds, these are four young women from Madrid, who like to call themselves a band much rather – after all that’s what men do and dare without directly being branded as a boy band. In the modern entertainment industry it’s all about what you do and in that case it’s music and that should be the thing to talk about. Hinds rejig music business, make superb Sixties inspired lo-fi garage rock, with music-wise paragons like Thee Oh Sees, Ty Segall and Mac DeMarco at the back of their minds.

Their songs are called Trippy Gum or Castigadas en el Granero and deal with fun, being drunk, gin and scenarios of the wild life. Deers wear dungarees and eat pizza in their videos while dancing on tables. Exactly the things women do if one ignores the idealistic and iconically fixed images of the woman in the paternalistic entertainment industry. In the video of their song Castigadas en el Granero from their newest single Barn they play with the still masculine image of rock music.

Carlotta Cosials, Ana Garcia Perrote, Ade Martín and Amber Grimbergen turn into Cole, Brendon, Tim and Mark, four boys with almost identical workwear – boy band somehow different, after all music business is a rough environment. Hinds’ music is like a breath of fresh air, like sun, sea and sand with a touch of Sixties nostalgia for a wild and cheerful mind. And maybe it’s an enthusiastic appeal to us to not taking everything too seriously. Raise your pizza slices to one of the best bands around!

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Review: 'Beautiful & Damned EP' by The Underground Youth

Sanfte Klangwellen spülen an einen imaginären Strand, Wirbelstürme aus Elementarteilchen. Dem menschlichen Auge entgehen Welten. The Underground Youth aus Manchester haben eine EP namens Beautiful & Damned veröffentlicht. Flüsternde Stimmen wie Geister aus einer anderen Sphäre. Klanggestalten visualisiert, projiziert auf eine dreidimensionale Leinwand. The Underground Youth machen sich eben diese dreidimensionale Leinwand zu eigen, projizieren Visionen von Dunkelheit und Stille darauf. Das ist Shoegaze, Post-Punk, die Intensität der frühen Cocteau Twins. Atmosphärisch dichte Melodien, eindrückliche Gitarrenklänge, dazu Craig Dyer’s dunkle melodische Stimme.

Beautiful & Damned, eine Hommage an F. Scott Fitzgerald’s zweite Novelle The Beautiful and Damned, die von Liebe erzählt, von Dekadenz und den Tücken der hohen Gesellschaft. The Underground Youth lassen sich inspirieren von der Poesie der Dunkelheit, von dem Schattenspiel vergangener Tage, der Ambivalenz der Schönheit. Die Beautiful & Damned EP besteht aus vier Songs: dem einleitenden Behind, untermalt mit Synth-Klängen, elektronischen Vibrationen, wie helle Tropfen auf gläsernem Untergrund.

„Can’t you see, what you mean to me, I try to show you all the time. We could slip into the night and leave it all behind”, singt Craig Dyer in Behind, bevor die Klangwellen die Wahrnehmung umspülen und wir nur noch unserem Gehör vertrauen dürfen. Ein binaurales Meeresrauschen, danach Stille. Damned enthält eine Prise flirrender, orientalischer Töne, düsterer Dark-Wave-Sounds und das geisterhafte Stimmengewirr von Kindern. Ihre Single Naked erzählt von Verletzlichkeit. Und ganz gleich ob es sich um physische Nacktheit oder um Ausgeliefertsein handelt, das Gefühl ist greifbar. Produziert wurde ihre neue EP in ihrem eigenen Studio mit der Hilfe von James Shillito.

„The shadow of the devil […] he climbs into me“, heißt es in Shadow. Vielleicht ist dies der düsterste Song ihrer EP, vielleicht der intensivste. Für einen Moment die Welt in Negativ-Projektion wahrnehmen durch vier herausstechende Songs. The Underground Youth haben eine EP veröffentlicht, die durch viele Eigenschaften besticht: ihre Nähe zur musikalischen Vergangenheit, zum Shoegaze der späten Achtziger und frühen Neunziger, zum Post-Punk der frühen Achtziger Jahre. An all die Post-Punker von damals, gefangen in ihren Träumen, Beautiful & Damned ist eine Einladung, einen Schritt ins musikalische Jetzt zu wagen, denn es gibt sie auch hier, die Träumer.

Mellow sound waves wash up against an imaginary beach, tornadoes of elementary particles. Associations with pictures of a hazy wilderness come up in my mind’s eye. The human eye sometimes fails to capture alien worlds. The Underground Youth from Manchester have released an EP called Beautiful & Damned. Whispering voices like ghosts from another sphere. Sound frames are visualized and projected on a three-dimensional silver screen. The Underground Youth appropriate the idea of the three-dimensional screen to project their own visions of darkness and silence onto it. Their music is inspired and shaped by shoegaze, Post-punk, the intensity of the early Cocteau Twins. Ambient melodies, impressive guitar sounds, Craig Dyer’s dark melodious voice.

Beautiful & Damned, an homage to F. Scott Fitzgerald’s second novel The Beautiful and Damned, which relates to love and decadence and the pitfalls of the high society. The Underground Youth get their inspiration from the poesy of gloom, from the shadow play of bygone days, from the ambivalence of beauty. The Beautiful & Damned EP consists of four songs: the introductory Behind, accompanied by synth sounds, electronic vibrations like light drops on a crystalline ground.

„Can’t you see, what you mean to me, I try to show you all the time. We could slip into the night and leave it all behind”, Craig Dyer sings in Behind right before the sounds wash around our senses and we can only trust our hearing. The song ends with a binaural sound of the sea and then silence. Damned consists of a pinch of shimmering, oriental tones, sombre dark wave sounds and the phantasmal mutter of children’s voices. Their single Naked tells of vulnerability. And no matter if it’s a question of physical nakedness or helplessness, the feeling is catchable. The EP was produced in their own home studio with the help of producer James Shillito.

“The shadow of the devil […] he climbs into me“, it is said in Shadow. Maybe Shadow is the darkest song of their EP, maybe the most intense. While listening to these four songs, the listener is able to perceive the world as a photographic negative. The Underground Youth have released an EP that impresses with many features: the musical affinity to the shoegaze of the late Eighties and the early Nineties, to the Post-punk of the early Eighties. To all the Post-punkers from thence, trapped in their dreams, Beautiful & Damned is an invitation to venture a step into the musical here and now, because one can still find the dreamers by listening closely.

The Underground Youth on Facebook.

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Glimpse: Black Honey unveil their secret

Black Honey sind zurück. Vor einem Monat haben sie ihr drittes Demo The Taste veröffentlicht. The Taste gleicht einem kosmischen Sternenschauer, der sich über uns ergießt und uns in vollkommener Sprachlosigkeit zurücklässt. Ihr Sweet Taste of Darkness, wie sie ihren Sound nennen, findet sich auch in ihrem neuen Song. Noch immer scheinen Black Honey nicht Teil dieser Welt zu sein. Zumindest hüteten sie akribisch das Geheiminis um ihre Identität – bis vor einer Woche rätselhafte Bilder durch die Sphären der mobilen Kommunikation auf mein eigenes Endgerät gerieten.

Bis dato war es in ihrem Fall auch erst einmal gar nicht so wichtig oder essentiell, zu wissen, wer sich hinter dem geheimnisvollen Namen verbarg. Der schwarze Honig floss über unsere Augen und wir verlernten, zu sehen. Was wir von nun an wahrgenommen haben, war das eigentlich Wesentliche, denn das ist schließlich für die Augen unsichtbar. Doch je länger man wartet und hofft, es möge noch eine Nachricht den Weg zu uns finden, noch ein Geheimnis gelüftet werden, desto hauptsächlicher und essentieller erscheint uns unsere Neugier. Nachdem nun also der Trieb der Neugier über die menschliche Vernunft der Geduld gesiegt hat, ist es so weit: Black Honey haben ihr Geheimnis gelüftet.

Nachdem wir uns in den vergangenen Monaten in ihrer Musik verloren, das Hören zu unserem wichtigsten Sinn wurde, gesellt sich nun das Sehen dazu und wir sind in der Lage, beide Sinne zusammenzuführen und das Gesamtbild zu betrachten. Der 24. Oktober ist ein schicksalsbestimmender Tag: Black Honey veröffentlichen einen neuen Song namens Bloodlust und treten am Abend im Nowhere Man Café in Brighton auf. Exciting things are happening.

Black Honey are back. A month ago they released their third demo song The Taste. The Taste is akin to a cosmic meteor shower which bursts out over our heads and leaves us in total dumbness. Their sweet taste of darkness, that’s how they call their sound, characterises their newest song as well. Black Honey continue to be a part of a different galaxy, other-worldly. At least they’ve kept the secret of their identities meticulously - until exactly one week ago when mysterious pictures found their way to my mobile phone through the outer space of mobile communication.

In their case it maybe wasn’t important or essential to know who hid behind that mysterious name to date (although I’m sure that all listeners were rather curious). The black honey coursed over our eyes and we forgot how to see. What we perceived from that moment on was the essence, because the essence is hidden from the eyes. But the longer you wait and hope for another message to find its way to your mobile phone, for another secret that would be unveiled, the more principal and essential appears our curiousity. After the human urge of curiousity has won over the human prudence of patience, the time has come: Black Honey have unveiled their best kept secret.

After months of listening to their magical music in which the hearing developed to our most important sense, the vision attended the hearing. And suddenly we are able to combine both senses and look at the total picture. October the 24th is a fateful date: Black Honey will release a new song called Bloodlust and gig at the Nowhere Man Café in Brighton in the evening. Exciting things are happening. If you want to come to Black Honey's secret show on Friday, text them: 07578 533359.

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Review: 'Colour It In' by Splashh

Splashh sind zurück. Und sie sind elektronischer geworden. Doch noch immer trägt ihre Musik die unverkennbar sanften Farben, welche auch ihr außergewöhnliches Debütalbum Comfort von 2013 prägten. Die in London ansässigen Splashh, die Prinzen des pastellfarbenen urbanen Strandkönigreichs, machen flirrenden Shoegaze-Pop. Ihr neuer Song und zugleich der erste kurze Blick auf ihr neues Album, heißt Colour It In. Amerikanische VHS-Filmsequenzen, leuchtend bunte Retro-Bilder und Comicstrips werden kunstvoll unterbrochen von Slogans wie „Exciting things are happening!“ und „In living color“.

Splashh nähern sich musikalisch an Bands wie die frühen My Bloody Valentine an und behalten trotzdem ihre unabhängige Slacker-Art bei. Slacker-Shoegazer könnte man sie nennen, die Prinzen des Strandkönigreichs. Colour It In kommt in ungewöhnlicher Shoegaze-Surf-meets-Lo-Fi-Manier daher. Das zu ihrem Surf Grunge gehörende Meer hat die Band Splashh nicht glatt geschliffen. Unter den Wellen sind sie funkelnde Steine mit Ecken und Kanten geblieben und das ist es, was ihre Musik so spannend macht.

„Wot a night“, sagt das Video zu Colour It In und dem kann man nur zustimmen: Splashh machen die Nacht zum Tag und zu einem überschäumenden Ereignis, bei dem man viel mehr erleben möchte, als bloß auf seine Schuhe zu starren – dem Shoegaze zum Trotz. Mit einem Splashh nutzen sie die Einflüsse der 90er und bringen Brandungswellen in die ebenen Shoegaze-Sphären. „Life“, titelt das Video. Wir sind dafür verantwortlich, wir sollten es ausmalen.

Splashh are back. And they have become more electronically. But their music is still coloured with the same unmistakable smooth colours that have characterised their sublime début album Comfort back in 2013 as well. The London-based Splashh, the princes of the pastel-coloured urban beach kingdom, make shimmering shoegaze pop. Their new song and likewise first glimpse at their sophomore album is called Colour It In. American VHS film sequences, vibrant gaily coloured retro pictures and comic strips are artfully interrupted by slogans and sentences like “Exciting things are happening!” and “In living color”.

Splashh musically approach bands like the early My Bloody Valentine and yet stick to their own independent slacker sound. Slacker shoegazer, one could call them, the princes of the beach kingdom. Colour It In is clad in particular showy shoegaze surf meets Lo-Fi clothes. Their surf grunge’s associated sea hasn’t cut smooth Splashh. Under the waves they are still sparkling crystal stones with minds of their own. That’s what makes their music so thrilling.

“Wot a night”, tells the video of Colour It In and one has to fully agree with that: Splashh burn the candle at both ends and turn the night into an effervescent happening whereby the listener wants to experience more than just gazing at his shoes – in defiance of shoegaze. With a loud splashh they make use of the influences of the 90s and introduce big surging billows to the smooth shoegazing spheres. “Life”, headlines the video. We are responsible, we should colour it in.

Splashh on Facebook.

(Photo: Errol Rainey)

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The Absurdism of Reality - An Interview with NEØV

Soon after the Reeperbahn Festival I meet up for a virtual talk with Anssi Neuvonen, the vocalist of the Finnish shoegaze newcomer band NEØV. What makes NEØV’s music so remarkable is the collision of different instruments with the contrasting soft sound of Anssi’s voice which is accompanied by thrilling trumpet solos. Hopeful melodies, dreamy, almost spherical sounds and shoegazy guitars form the basis of NEØV’s music. Their music equals to an ebullient wave full of importance and power that takes the audience far away – into a distant land where the listener is fully connected to his senses.

NEØV are about to explore international waters. After their gig at Reeperbahn Festival they are going to play in London tomorrow at the Ja Ja Ja Club Night under the slogan A Nordic Affair. It’s true: NEØV are one of the most fascinating modern bands. After having released their début album called Orange Morning back in 2013, their follow-up Dominique, including their new single The Rain People, is about to see the light of the day in early 2015. Prepare yourself for a new perspective on how life could be if you listen to your inner voice and read the interview with Anssi below.

Would you give me a short introduction of yourselves – what are the essential things the audience should know about NEØV?

We are a five-piece from Eastern Finland. There are two brothers as a core of our music. We build landscapes with a lot of instruments. Our second album Dominique is about to see the daylight in early 2015.

How would you describe your music visually?

Climb up to the nearest vantage point. To me, visually, our music is a mixture of the vastness and the small details you can see from there.

You started writing and making music in the late 90s. What was your creative process back then and how has it changed?

Yes, Samuli and I have been playing together since we were little kids. Of course we learnt to play cover songs and write pastiches at first. Originality is a funny thing because everyone has it but it takes a lot of work to realize it. I can say we’re on our own now.

What was your biggest aspiration when you were younger and what is it nowadays?

Since we’ve started focusing on our music for real, the biggest aspiration has been around making of the music. That has been the only way for us. If you look for approval from anywhere else than your own within, you see disappointments as double and not even good things can feel good because you have lied to yourself during the making process. So, our biggest aspiration has always been to find our own path and follow it.

Do you write more from instinct or from strategy? Feel it out or think about it more?

Interesting question! Writing process with every song is different, but in general I’d say it’s good to feel it first and think about it later. Usually I have an idea about how the song should feel like and then I keep on asking the questions from that feeling.

What is the most beautiful you have ever seen or perceived with other senses? Does it have an effect on your music?

There are moments when you lift slightly above the everyday madness and that’s beautiful. Usually those moments find their way in the songs, sooner or later, sadly or happily.

What are your most relevant musical and non-musical influences?

With musical influences we have been very open-minded. What has been relevant for us is accepting the constant change and trying to understand it. I’m a Proust reader so that is a big non-musical influence for me.

Have you always known what sound you wanted to achieve as NEØV?

Yes and no. With a single song or even an album, somehow you feel what it’s going to be. But it would be dangerous to plan that kind of things in advance.

What is particularly Finnish about your music?

We come from the corner of Europe and we can’t deny it – and I also think we should not try to hide it. Nationalities are absurd in their own way and I don’t feel we’re doing some sort of particular Finnish thing here. We are just who we are.  

As she’s the album title of your follow-up, can you tell me who Dominique is music-wise? How would you describe her personality?

Dominique is a character that has inspired the whole album. I still keep asking myself if there are different Dominiques or just a single one that is stuck in my head and I’m projecting it on different people. In the songs I’m trying to sort it out.

What can we expect from NEØV in the months leading to your highly anticipated second album Dominique?

We just arrived back home from Reeperbahn Festival. It was great to be there. Tomorrow we’re going to London, UK to play our first ever show there. Also, we’re playing at Lost In Music in Tampere next month. You could expect to hear something from the album before it will be released as a whole.

What does nobody know about NEØV until now?

That might have something to do with our name because even I don’t have an intellectual idea what it’s all about! I found that combination of letters from my notes two years ago and it looked so fascinating that we instantly felt right to use it for something. Of course it has something to do with Samuli’s and my last name – Neuvonen. It is a visual name. By the way, an old zen-like German man asked me at Reeperbahn Festival what NEØV actually means and I said: “It’s full of absurdism.” And he replied: “Just like reality?” I can tell we had a long and good conversation!

Thank you very much for the interview, Anssi!

(Photos by © Naima J.)

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Reeperbahn Festival: The Crystal Ball of Future Music

Wie die Zeit vergeht. Auf einmal färben sich die ersten Bätter in einem kräftigen Orange und die Nachwehen des Sommers bescheren uns die letzten sonnigen Tage, bevor der Herbst anbricht. Zu dieser Zeit, wenn sich der Himmel abends golden färbt und Musiker aus aller Welt über Hamburgs berühmt-berüchtigte Reeperbahn wandeln, weiß man: die Zeit ist wieder gekommen, es ist das Reeperbahn Festival. Auf den Straßen von Hamburgs verwinkeltem Kiez begegegnet man Touristen, Oktoberfest-Flüchtlingen, Schnapsleichen, Junggesellenabschiednehmern und tausenden Festival-Afficionados und Musikern von überall her. Das Spannende am Reeperbahn Festival ist die musikalische Vielfalt und das große Augenmerk, das auf internationale Newcomer gelegt wird.

Zum Glück ist Musik für den Zuhörer vor allem eins: subjektive Wahrnehmung und Trigger für positive Emotionen. Da ist es auch fast gar nicht mehr schlimm, ein paar Konzerte verpasst zu haben, die ich mir gerne angesehen hätte – Jaakko Eino Kalevi, Childhood und Esben & The Witch. Aber man kann nicht alles und jeden sehen, das würde das Festival auch viel weniger spannend machen. Über die überfüllte Große Freiheit zu rennen, sich durch Menschenmassen zu schlängeln und schließlich außer Atem, aber überglücklich und etwas zu spät bei den auserwählten Konzerten anzukommen und es irgendwie fertig bringen, trotz allem in der ersten Reihe zu stehen – was wäre ein Festival ohne ein paar praktische Überlebenstipps und etwas Dreistigkeit.

Das Reeperbahn Festival gehört den Neuentdeckungen, dem Austausch mit anderen Musikliebhabern und dem fast akribischen Suchen nach neuen musikalischen Geheimtipps. Vielleicht lässt sich dessen eigentliche Bedeutung aber am besten mit einem Glückskeks vergleichen: man weiß nie, welche Weisheit einen erwartet, aber durch einen verzwickten kosmischen Zufall passt sie fast immer wie angegossen zum eigenen Leben – man muss nur nach dem passenden Glückskeks suchen. So ließen wir uns also treiben und öffneten so manchen Glückskeks, der eben dies hielt, was er versprochen hatte: zahlreiche Glücksmomente. Meine Festival-Highlights auf einen Blick,  von denen man in Zukunft noch viel hören wird.

Superfood

Superfood aus Birmingham spielen am Freitag im pünktlich zum Reeperbahn Festival eröffneten Molotow, dessen mit Schallplatten geschmückte Decke aussieht wie die des Plattenladens aus dem Film Pretty In Pink. Bloß ist hier alles in gedecktem Rot gehalten und Superfood passen sich auf diese unhabhängige Grunge-Pop Art und Weise an den Raum an. Superfood beginnen mit der Leadsingle TV von ihrer Mam EP. Der Song beginnt mit einem rhythmischen Gitarrenintro. „I can never sleep without a TV on“, singt Dominic Ganderton und man möchte ihm zustimmen, denn sind wir so nicht alle irgendwie?

Dominic singt von Reizüberflutung und die Band erschafft eine musikalische Slacker-Ode, wie man sie nicht besser hätte erzählen können. In der Mitte ihres Sets stellen sie ihre neue Single Moodbomb vor. Das Molotow ist voller Menschen und auch vor der vorderen Glasfront stehen Schaulustige und sehen sich das Funken sprühende Spektakel im Inneren an. Superfood beweisen, dass sie mit ihrer jugendlichen Energie und ihrem grungèsquen Sound jeden Raum für sich einnehmen – und wenn nötig sogar die Decke zum Einstürzen bringen können, aber das ist eine andere Geschichte. Hamburg wird sich an Superfood erinnern und das schon deshalb, weil dieses Food wirklich super ist.

NEØV

Am Samstag-Mittag mache ich mich auf den Weg zum Spielbudenplatz, passiere mittelalterlich gekleidete Touristengruppen, um schließlich zum ersten Mal an diesem Tag die finnische Band NEØV spielen zu sehen. NEØV verzaubern das Publikum während ihres Akustik-Sets mit ihrer Musik aus Dream-Pop- und Shoegaze-Elementen. Am Mittag spielen sie drei Songs: Laketown, ihre neueste Single The Rain People und Mellow, eine Ode an den Shoegaze der frühen 90er. Getragene, eindrückliche Melodien gepaart mit Anssi Neuvonen’s ausdrucksstarker und sehnsuchtsvoller Stimme und Antti Hevosmaa’s durchdringenden Trompetensoli ergeben ein klangliches Kunstwerk, welches mich für einen Moment vergessen lässt, dass um uns herum der Alltagsverkehr und die ganz normale Welt herrschen.

Träumerische Synthesizer-Klänge werden dem Abend zuteil. NEØV spielen im Clubheim St. Pauli, im Schatten des Bunkers auf dem Heiligengeistfeld. Es ist warm, fast dunstig im Raum, die Wände sind holzgetäfelt. Die Zuschauer scheinen die Hitze zu absorbieren und NEØV beginnen zu spielen; die Wärme wird in Energie umgewandelt und das Clubheim ist für einen Moment ein perfekter kleiner Kosmos. Projektionen von sanften Wellen bewegen sich über das Ensemble;  der fast psychedelisch hoffnungsvolle Purismus von NEØV’s in blaues Licht getauchter Bühnenshow ist überwältigend.

Ich weiß nicht, mit welchem meiner Sinne ich ihren Auftritt wahrnehmen soll – es ist ein besonderes Erlebnis. Visuell gleicht der Raum nach einer Weile einer glitzernden Unterwasserwelt. NEØV erschaffen etwas Großes, das ich nicht benennen kann, dessen Präsenz man aber spürt, sobald man langsam in die leuchtend blauen Tiefen unter der durch Musik erzeugten Wasseroberfläche gesunken ist. Ein Auftritt, der nachhallt wie ein Echo und an den ich mich noch erinnern werde, wenn ich meinen Enkelkindern von der guten alten Zeit erzähle.

Blaue Blume

Der Weg zum nächsten Auftritt kommt mir vor wie der wahrgewordene und etwas veränderte Song Autobahn von Kraftwerk. „Wir rennen, rennen, rennen auf der Reeperbahn“. Aber mit etwas Durchsetzungskraft und gutem Willen werden wir schließlich direkt vor die Schwelle des legendären Indra gespült, dort, wo die Beatles zum ersten Mal in Hamburg auftraten. Doch nun sollen Blaue Blume aus Kopenhagen dort spielen. Der Club ist voller Zuschauer und die dunstig-dumpfe Luft breitet sich auch hier langsam aus. Jonas Smith’s Falsetto nimmt den Raum ein, sein Blick gleitet in die Ferne, während er in lieblichen Melodien singt.

Blaue Blume’s Sound rollt über das Publikum wie eine gigantische Welle aus rotem Licht, explosive Basslines und Gitarrenriffs peitschen wie ein musikalischer Gewittersturm durch den dunstigen Raum. Blaue Blume erschaffen eine musikalische Intensität, welche das Publikum sprachlos zurücklässt. Ihr Set beginnen sie mit ihrem Song Birthday, um schließlich am Ende mit ihrer Single In Disco Lights aufzuwarten und den Auftritt mit einer lawinenartigen Performance von New Year’s Eve zu beenden.

Das Molotow gab während des Reeperbahn Festivals sein eigenes kleines Festival, das am Donnerstag mit Bands wie den Dänen Gäy und den Hamburgern Abramowicz und am Freitag mit Fuck Art, Let’s Dance! aufwartete. Gäy’s Set ist kurz, aber prägnant und jedes der Bandmitglieder verkörpert einen anderen Modestil: von Nick Cave über English Schoolboy bis zum Popper scheint annähernd jede modische Dekade Band-intern vertreten zu sein. Bei Abramowicz’s Auftritt ist die Molotow-Bar übervoll und das verwundert auch gar nicht, denn die Hamburger Punk-Rock-Band ist ein wunderbares Beispiel für Hamburger Musik jenseits der oft zitierten Hamburger Schule – sie machen ihr eigenes, ziemlich gutes Ding.

Fuck Art, Let’s Dance! stellen unter anderem ihr neues Album Atlas vor und die Band passt in diese ganz bestimmte energetische Clubatmosphäre, wie sie nur das Molotow, wenn auch an neuem Standort, bieten kann. Das Reeperbahn Festival mit seinen fast unbegrenzten Möglichkeiten und der Diversität an vielseitigen Bands und Musikern ist ein popkulturelles Erlebnis, das man nicht so schnell wird vergessen können. Und das ist auch gut so. „Wo ist die Euphorie?“, fragt Paul Pötsch von der Band Trümmer, die ebenfalls im Rahmen des Festivals aufgetreten ist. Die Euphorie kann man letztlich nur in sich selbst finden, aber der Weg hin zur Euphorie ist Musik.

How time flies. Suddenly the leaves change their colours to a bold Orange and the aftermath of summer brings us the last sunny days before autumn. At that time, when the sky turns golden and musicians from all over the world stroll along the infamous Reeperbahn, one knows: the time has come, it’s Reeperbahn Festival again. On the streets of Hamburg’s labyrinthine red light district one can meet tourists, Oktoberfest escapees, drunken bodies, stag nights and thousands of festival afficionados and musicians from all quarters. What is fascinating about the Reeperbahn Festival is the musical diversity and the big attention that is shifted on international newcomers.

Fortunately music is first of all one thing for the listener: subjective perception and a trigger of positive emotions. For that reason it could be worse than missing sets of wonderful musicians like Jaakko Eino Kalevi, Childhood and Esben & The Witch. One can’t even think about seeing everyone and everything live at Reeperbahn Festival – there’s too much to see. Being able to watch every single band play would also knock out the allure of discovering something new and unexpected. Running along the crowded street Große Freiheit, wiggling through crowds of people, finally arriving pumped out but entirely happy rather late for the selected concerts and somehow managing to stand in the front row despite everything – what would a festival be without a couple of effective survival tips and a certain amount of risk and audicity.

The Reeperbahn Festival is there for new musical discoveries, the exchange of musical insights with other music afficionados and the almost meticulous search for new musical indsiders tips. Maybe its actual meaning can be compared to a fortune cookie: you never know what wisdom is inside, but by a cosmic fluke it fits to your life like wax almost always – you only have to search for the right one. So we drifted and opened some metaphorical fortune cookies that kept their promises: we experienced wonderful moments of happiness. Get a glimpse of my festival highlights below.

Superfood

Superfood from Birmingham play on Friday in the punctually reopened Molotow. The ceiling that is decorated with various records looks like the one from the record store in the film Pretty In Pink. Everything is low-keyed in all possible shades of red – Superfood fit into the scenery in ways that only a youthful independent grunge pop band could do. They begin their set with the leadsingle TV from their Mam EP. The song starts with a rhythmic guitar intro. “I can never sleep without a TV on”, sings Dominic Ganderton and I really want to agree with him, because aren’t we all like that?

Dominic sings about overstimulation from the media and the band creates a musical slacker ode to the first mass medium which nobody could have done better and more accurate. In the middle of their set they unveil their newest single Moodbomb. The Molotow is full of people and even in front of the huge window behind the stage bystanders are watching and listening to the sparkling spectacle inside. Superfood prove that they can fully occupy a room with their youthful energy and their grungèsque sound – and if necessary they would even break the ceiling, but that’s another story. Hamburg will remember Superfood not least because this food is indeed super.

NEØV

On Saturday noon I hit the road to the Spielbudenplatz, pass medieval dressed tourist groups to finally see the Finnish band NEØV live for the first time this day. NEØV put a spell on the audience with the help of their shoegaze and dream pop music during their acoustic set. They play three of their songs: the catchy single Laketown, their newest release The Rain People and their shoegazy ode Mellow. Solemn impressive melodies are coupled with Anssi Neuvonen’s expressive and longingly voice and Antti Hevosmaa’s thrilling trumpet solos that result in a soundwise masterpiece of art. And for one moment I forget about my earthly daily routine outlying my head and the dominating traffic all around us.

Dreamy synthesizer sounds are part of NEØV’s evening show. NEØV play in the Clubheim St. Pauli, the club house of the infamous football club, among the shades of the huge bunker on the Heiligengeistfeld. It’s warm and almost dizzy inside, the walls are wood-panelled. The audience seems to absorb the heat while NEØV begin to play; the heat is transformed to energy and for a moment the Clubheim is a perfect little cosmos. Projections of mellow waves move slowly over the ensemble; the nearly psychedelic hopeful purism of NEØV’s stage show which is bathed in blue light is overwhelming.

I don’t know with which one of my senses I should perceive their gig – it’s a once in a lifetime experience. After a while the room equals to a blue glimmering underwater world visually. NEØV create something great I can’t name, but its presence can be sensed easily immediately after the audience has sunk into the vibrant blue depths of the ocean of sounds. I would even tell my grandchildren about this gig that resonates like an echo when I'll tell about the good old days.

Blaue Blume

The route to the next gig seems to be the song Autobahn by the German band Kraftwerk came true. “We run, run, run on the Reeperbahn”. But with a bit of self-assertion and goodwill we are directly washed up on the doorstep of the infamous Indra, the club where the Beatles played first in Hamburg. But now Blaue Blume from Copenhagen are going to gig here. The club is full of spectators who are curious about the band’s extravaganza. The hazy stifling air diffuses slowly. Jonas Smith’s falsetto takes up much space, his eyes are pointed towards a faraway place, while he sings in smooth melodies.

Blaue Blume’s sound descends upon the audience like a giant wave of red light, explosive basslines and guitar riffs that beat through the smoky club like a musical thunderstorm. The Danish band Blaue Blume creates a musical intensity which leaves the audience speechless. Their set begins with their song Birthday to come up with their catchy single In Disco Lights to finally end their performance with the song New Year’s Eve.

During the Reeperbahn Festival the Molotow hosted its own little free club festival that thrilled with bands like the Danish Gäy and Abramowicz from Hamburg on Thursday and Fuck Art, Let’s Dance! on Friday. Gäy’s set is short but memorable and each band member seems to represent a different fashion style: from Nick Cave via English schoolboy through to popper – every fancy decade is represented band internal. During Abramowicz’s gig the Molotow Bar is overcrowded. That’s no wonder: the Hamburg punk rock band is a brilliant example for music from Hamburg distal the much-cited Hamburger Schule – they paddle their own fairly good canoe.

Fuck Art, Let’s Dance! unveil their new album Atlas live. They fit into the special energized Molotow atmosphere. The Reeperbahn Festival with its boundless possibilities and the diversity of multi-talented bands and musicians is a pop cultural experience I won’t ever get off my mind. And that’s a good thing. “Wo ist die Euphorie? [Where’s the euphoria?]”, Trümmer’s Paul Pötsch asks in the same-named song. In the end we have to search for euphoria inside ourselves – but the road to euphoria is paved with music.

(All photos by © Naima J.)

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Review: 'Cellophane' by King Gizzard & The Lizard Wizard

Das erste Mal, als ich den Namen King Gizzard & The Lizard Wizard hörte, erwartete ich eine Trash-Pop-Band, die entweder Waldhörner, Rasseln oder Tamburine als musikalische Untermalung ihrer Songs benutzen würde, um schlussendlich mit überlebensgroßen Reptilienmasken um ein Lagerfeuer zu tanzen. Ich erwartete ausnahmslos alles. Da überraschte es mich auch nicht, dass King Gizzard & The Lizard Wizard in dem Video zu ihrer Single Cellophane rote Gewänder tragen, opulenten Schmuck um den Hals und den Kopf tragen und vor einem psychedelischen Hintergrund Mundharmonika-Soli spielen. Aber ihre Musik ist mitnichten Trash-Pop oder Trash-Irgendwas; King Gizzard & The Lizard Wizard machen Garage Psychedelic vom Feinsten.

Und wieder einmal kommt der Gedanke auf: in Australien muss etwas im Wasser sein, dass solch großartige Musik dort entsteht. Vielleicht ist der Lizard Wizard eine spirituelle höhere Macht, eine externe Kraft. Jedenfalls sagt am Anfang des Videos zu Cellophane eine Stimme im Fernseher: „It represents a spiritual connection between people and God“, bevor man schließlich dazu aufgefordert wird, eine 3D-Brille aufzusetzen, um in ein psychedelisches VHS-Lavalampen-Land im Fernseher zu gleiten. Wüsste ich es nicht besser, ich würde prophezeien, dass das Fernsehen unsere Zukunft maßgeblich prägen wird. King Gizzard & The Lizard Wizard’s neues Album I’m In Your Mind Fuzz wird am 31. Oktober diesen Jahres veröffentlicht. Vielleicht sollte ich an diesem Tag den Fernseher einschalten und vorsichtshalber meine 3D-Brille aufsetzen.

The first time I heard about King Gizzard & The Lizard Wizard, I expected a trash pop band using bugles, rattles and tambourines for the background music of their songs, to finally dance around a bonfire with larger-than-life reptile masks. I expected almost everything. Therefore I was not surprised at all that King Gizzard & The Lizard Wizard are wearing full length red robes and opulent gold jewellery around their necks and heads and playing harmonica solos in front of a psychedelic background in the video of their new lead single Cellophane. But their music isn’t trash pop or trash-anything at all. King Gizzard & The Lizard Wizard make garage psych at its finest.

And once again an idea strikes me: there must be something in the water in Australia; Australia’s the undisputed queen of brilliant psychedelic music. Maybe the Lizard Wizard is a spiritual higher power, an external energy. Anyway, at the beginning of the video to their song Cellophane a TV voice tells the audience: “It represents a spiritual connection between people and God”, before we are all invited to put on our 3D glasses to glide into a psychedelic VHS (3D) lava lamp land inside the television. If I didn’t know better, I’d predict that television will affect our future significantly. King Gizzard & The Lizard Wizard’s forthcoming album I’m In Your Mind Fuzz will be released on the 31st of October. Maybe I should switch on the telly on Halloween and put on my 3D glasses to be on the safe side.

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King Gizzard & The Lizard Wizard on Bandcamp.

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Radar: Blaue Blume

Spricht man von der Blauen Blume, meint man das zentrale Symbol der Romantik. Sie steht für die Liebe, die Sehnsucht, für das Streben nach Unendlichkeit. In Zukunft wird man die Bedeutung der Blauen Blume weiter fassen müssen. Unter dem Radar: Blaue Blume aus Kopenhagen in Dänemark. Die Stimme von Leadsänger Jonas Smith erinnert an den Falsettgesang der 70er-Jahre. Blaue Blume führen die Romantik ihrer Namensgeberin fort, kombinieren sie mit verträumten Rock- und Pop-Elementen und Electronica-Sounds. Weiche Töne wechseln sich ab mit süßen Gitarrenriffs – eine flirrende Mixtur aus 70er-Jahre-Fragmenten und der Erinnerung an Nächte in dunstig blauen Zeitraffern, in denen man nach dem Mond greifen wollte.

Man möchte sich von der Musik davontragen lassen, sich in sie hinein fallen lassen, sich mit geschlossenen Augen in vollkommener musikalischer Sicherheit wiegen. Das stilgebende Gitarrensolo in ihrem Song Conventional Dreams (Our House) mündet in einem Sturm aus verschiedensten Instrumenten und dem Falsett von Jonas Smith. Und in diesem Augenblick ist man bereit, zu glauben, dass im Leben alles möglich ist. Hinausrennen, sich vom Wind forttragen lassen. Blaue Blume haben im Juni ihre EP Beau & Lorette veröffentlicht, die aus fünf Songs besteht, die den Zuhörer zum Ende hin für alles um ihn herum sensibilisieren.

„Open your eyes“, hört man dort. Und sehen tut man nichts als eine Explosion aus Farben und die altbekannte Repeat-Taste des Plattenspielers, während man auf dem Rücken liegt und sich vorstellt, die Zimmerdecke wäre der weit entfernte Sternenhimmel. Blaue Blume bieten eine musikalische Erfahrung, die diese ganz spezielle skandinavische Stimmung für sich neu interpretiert – Sehnsucht spielt dort eine Rolle, Hoffnung und Romantik. Sucht euch einen Ort, der weit ist; einen Ort, der den Boden bilden kann für die Vollkommenheit dieser musikalischen Arrangements, zu denen man alleine Walzer tanzen und alles Gute in Erinnerung behalten möchte.

When talking about the Blaue Blume, one means the central symbol of the Romantic era. It stands for love, longing and the striving for infinity. In the future, you will need to expand the significance and concept of the Blaue Blume. Under the Radar: Blaue Blume from Copenhagen in Denmark. Lead singer Jonas Smith’s falsetto reminds me of the shimmering Seventies. Blaue Blume continue the Romantic period of their namesake by combining it with dreamy Rock and Pop elements and Electronica sounds. Tender tones alternate with sweet guitar riffs - a gleaming mix of Seventies fragments and memories of nights in hazy blue fast motions in which you wanted to reach for the moon.

One wants to get carried away by their music, falling into it, swaying with eyes closed in perfect musical security. The essential guitar solo in their song Conventional Dreams (Our House) opens out into a storm of different instruments and the falsetto of Jonas Smith. Just at that moment one is willing to believe that anything in life is possible. Running outside, getting carried away by the wind. Blaue Blume have released an EP called Beau & Lorette back in June. The EP consists of five songs that sensitise the audience of everything around it towards the end.

"Open your eyes", it is said in Conventional Dreams (Our House). And there’s nothing to see but an explosion of colours and the familiar repeat button of the record player while lying on your back and imagine the ceiling would be the starry sky. Blaue Blume create a musical experience that reinterprets this very special Scandinavian mood - longing, hope and romance play a decisive role in it. Seek out a place that is vast; a place that can form the base for the perfection of these musical arrangements, where you can waltz on your own and treasure all the best.

Blaue Blume on Facebook.

Blaue Blume on Soundcloud.

(Photo: Daniel Schriver)

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Radar: NEØV

Es gibt sie – die musikalische Utopie. In welcher die Himmel weit sind, unendlich. In welcher die Farben unerschöpflich sind; fluoreszierend und changierend in der Ewigkeit. Musik kreiert einen Raum, der fernab von all dem ist, was uns Erdenwesen physisch bekannt ist. Unter dem Radar: NEØV, die Band um die Brüder Anssi und Samuli Neuvonen aus der Seestadt Kuopio in Finnland. NEØV erschaffen einen Raum, der uns die Zeit vergessen lässt, unsere irdische Existenz außerhalb. Einen Raum, in dem wir nur unsere Essenz selbst sind. Unterwasserwesen in der Mitte der Welt. Vielleicht ist es der Raum direkt unter der Wasseroberfläche; dort schweben wir mit offenen Augen, über uns Reflexionen von weißen Sonnenstrahlen auf den Wellen.

NEØV’s Musik muss mit Bildern und Assoziationen beschrieben werden, um das Gefühl einzufangen, das den Zuhörer in eine Wolke dunstigen Lichts und urvertrauter Sicherheit hüllt. Der glücklichste Ort auf Erden ist zugleich ein melancholischer Ort; ein Platz, an welchem es nichts gibt als Empfindung und Sein; ein vollkommener Ort. NEØV haben diesen Ort in Worte gefasst, in Melodien, Bilder. Ihre Musik könnte eine allumfassende Antwort auf die Marcel-Proust-Frage nach dem vollkommenen irdischen Glück sein. Die zarten Klänge von NEØV’s Songs und die Stimme von Sänger Anssi Neuvonen lassen zurückdenken an Cocteau Twins, den Shoegaze der späten 80er- und frühen 90er-Jahre.

Cocteau Twins erschufen damals einen Platz zwischen Erde und Atmosphäre, der ein vollkommen neues Bewusstsein entfachte. NEØV entführen in den unendlich weiten glitzernden Raum unter der Wasseroberfläche. Ihre Musik trägt Gene des Shoegaze, des Dream-Pop und des Psychedelic. NEØV leiten den Zuhörer in eine Welt aus Trompetenmelodien, träumerischen Synthesizer-Sounds und zarten Gitarrenklängen, in welcher jeder Atemzug mit Walgesängen und gedämpften Unterwasserklängen untermalt ist. In ihrem Song Daydream City, der ebenfalls eine interessante visuelle Interpretation bietet, singt Anssi von der Vergänglichkeit eben jener vollkommenen irdischen Glückmomente: „And I can’t come back“.

Die nordischen Länder haben ein ganz eigenes musikalisches Geheimnis, das irgendwo tief in den Wäldern und Seen liegt. Es ist die Weite, die Balance zwischen Melancholie, Sehnsucht und Hoffnung, welche die gesamte Stimmung von NEØV’s Songs prägen. Im letzten Jahr veröffentlichten sie bereits ihr Debütalbum Orange Morning, das mit einer Vielfalt von verzauberten Mondscheinmelodien und Walhymnen einhergeht. Ein impressives Album, das sich anhört wie ein musikalisches Drachenwesen aus einer Welt, die wir noch nicht kennen. NEØV arbeiten momentan an ihrem zweiten Album Dominique, das Anfang nächsten Jahres erscheinen soll. Kiitos musiikista.

There really is such a thing as a musical utopia. In which the skies are vast and endless and the colours are exhaustless; fluorescent and chatoyant. Music creates a space far from everything the earthly creatures are physically familiar with. Under the Radar: NEØV, the band around the brothers Anssi and Samuli Neuvonen from the laketown Kuopio in Finland. NEØV create a place which makes us lose track of time and forget about our earthly existence outlying our heads. It’s a zone in which we’re nothing more than our essences floating around; underwater beings in the middle of the world. Maybe it’s the space right under the water surface. Up there we are in limbo swimming with open eyes. Above us we see reflexions of white sunbeams on top of the mellow waves.

NEØV’s music has to be described with pictures and associations to capture its mood and emotions that wrap the listener in a cloud of hazy light and dizzy basic trust. The most fortunate place on earth is a melancholic place at the same time; a place where’s nothing but feeling and being; an ideal place. NEØV have put this place into words, melodies and pictures. Their music could be an all-embracing answer to the Marcel Proust question about the ideal earthly bliss. The interaction of the tender sounds of NEØV’s songs and the vocals of singer Anssi Neuvonen remind me of Cocteau Twins, the Shoegaze of the late Eighties and the early Nineties.

Back then Cocteau Twins have created a space between earth and atmosphere that aroused an entire new consciousness. NEØV take the listener away to the iridescent endless space under the surface of the water. Their music carries genes of Shoegaze, Dream Pop and Psychedelic. NEØV guide the listener into a land made of trumpet melodies, dreamy synthesizers and tender guitar tones in which every breath is accompanied by whale songs and muted underwater sounds. In their song Daydream City, which has an interesting visual interpretation as well, Anssi sings about the caducity of those earthly moments of happiness: “And I can’t come back”.

The Nordic countries have their very own musical secret that lies somewhere deep in the forests and lakes. It’s the vastness and the balance between melancholia, longing and esperance that characterise the mood of NEØV’s music. In the last year they have released their début album Orange Morning which is accompanied by a variety of moonlight melodies and whale hymns. It’s an impressive album that sounds like a foreign dragon creature we haven’t heard of before. At the moment NEØV are in the studio recording their following album Dominique which is set to be released next year. Kiitos musiikista.

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(Photo: Appu Jasu)

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Reeperbahn Festival Faves: What's Buzzin', Cuzzin?

Das Reeperbahn Festival, das vom 17. bis zum 20. September stattfindet, naht und mit ihm ein Schwarm von interessanten neuen Bands, die einen Abstecher zu unserer Seite des Horizonts machen. Das Hamburger Festival auf einer der berühmtesten Straßen der Welt ist das deutsche Äquivalent zum SXSW Festivals in Austin, Texas. Eine Riege von außergewöhnlichen internationalen Künstlern spielt in Turmzimmern, in dunklen Kellergewölben, zwischen blutroten Wänden inmitten von musikbegeisterten Hamburgern und Zugereisten. Das Reeperbahn Festival lässt sich mit der Intensität des Halley’schen Kometen vergleichen: ein Festival wie ein Leuchtkörper, das mit strahlenden, besonderen Musikereignissen einhergeht und auf das man, wenn es nicht anders geht, sogar sechsundsiebzig Jahre warten würde.

Oder man macht es so wie Ernst Jünger und es gelingt, den Kometen zweimal betrachten zu können. Glücklicherweise ist Musik nicht vergänglich und ein positiver Effekt des einundzwanzigsten Jahrhunderts ist der unbegrenzte Zugriff auf Musik. Und wo sonst sollte man besser auf neue Musik aufmerksam werden als auf Konzerten? Die Intensität zwischenmenschlicher Interaktionen ist auch in der Musik nicht wegzudenken. Meine Lieblingsbands des diesjährigen Reeperbahn Festivals kommen aus verschiedensten Genres: Dark Wave, Ghostjazz, Indie, Pop, Psychedelic, Rock, Shoegaze, Dream Pop, Surf Doom, Punk und Pop Punk. Musik sollte für sich sprechen. „What’s buzzin‘, cuzzin?“ ist ein amerikanischer Fünfziger-Jahre-Slang für „What’s new?“. Und weil diese Musik für sich spricht, sei nur so viel gesagt: eine Playlist voller musikalischer Neuentdeckungen und Geheimtipps. This mix will make you go ape!

Hamburg’s next big thing is the Reeperbahn Festival which will take place from 17th to 20th September. The festival is accompanied by a swarm of interesting new bands from all over the world who are visiting for a walk on the wild side and to broaden our horizons. The Reeperbahn Festival is the German equivalent to SXSW Festival in Austin, Texas. A number of extraordinary international artists play in towers, in dark basement vaults, between blood red walls in the middle of music loving Hamburgers and friends. The Reeperbahn Festival is comparable with the Halley’s Comet: a festival like an illumant that goes along with bright and special music events. A festival I would wait for even seventy-six years. Just in the unlikely event that there isn’t another chance to see my favourite bands live. But trust me, there’s always another chance. Just in case you gave up already. Stop it.

Or maybe you should do what Ernst Jünger did and you succeed in seeing the comet (or the festival/bands) twice. Fortunately music isn’t fleeting like time (but nevertheless madness takes its toll sometimes). A positive effect of the 2000s is the infinite access to music. And where else could you become aware of music better than at a festival which is specified for newcomers? The intensity of interactions between people is important for the music itself. My Reeperbahn Festival favourites have their musical origins in many different genres: Dark Wave, Ghostjazz, Indie, Pop, Psychedelic, Rock, Shoegaze, Dream Pop, Surf Doom, Punk and Pop Punk. Music should always speak for itself. “What’s buzzin’, cuzzin?” is an American 50s slang term for “What’s new?”. And because this music speaks for itself, I just want to tell you that this is a playlist full of new music discoveries and personal tips. This mix will make you go ape!

[takemewherethegoldis]

Propaganda Superpower - Ein Interview mit Plastic Propaganda

An einem Sommerabend treffe ich mich zu einem Gespräch mit der Hamburger Punkband Plastic Propaganda. Die Band sitzt auf einer Treppe neben der Hamburger Punkrockkneipe Kraken. Während es langsam dunkler wird, sprechen Plastic Propaganda über ihre Musik, über Punk generell, die zunehmende Kommerzialisierung der Jugendkultur und die bevorstehende Produktion ihres Debütalbums. Plastic Propaganda haben etwas zu sagen, daran besteht kein Zweifel. Sie schreiben Texte, die in den Gesamtkontext nicht nur dieser, sondern auch jeder anderen Großstadt projiziert werden können.

Die Rede ist von Songs, die nicht bloß dahinvegetieren wie so vieles im popkulturellen Malstrom der Musikindustrie, vielmehr von solchen, die gesellschaftskritische und politische Aussagen treffen, vom Aufbruch und vom Ausbruch erzählen. Wie titelte ich einmal? „Wenn jedwede andere Art von Propaganda aussehen und sich anhören würde wie diese, ich würde sie liebend gern verbreiten, so ist es schließlich Musik, die ein Zeichen setzt, Wahrheiten ausspricht.“ Dem kann ich noch heute voll und ganz zustimmen. Und in diesem Sinne, Vorhang auf für die Propaganda Superpower!

Hey, würdet ihr euch kurz vorstellen?

Julian: Hallo, wir sind Plastic Propaganda. Ich bin Plastic Propaganda.

Pablo: Nein, bist du nicht!

Julian: Die anderen haben nichts zu sagen. (kollektives Gelächter)

Könntet ihr ein paar Worte zu eurer Bandgeschichte sagen?

Julian: Pablo und ich hatten vorher so eine Schrammelpunkband, oben auf dem Dachboden. Da hab ich noch Schlagzeug gespielt und er hat schon immer Gitarre gespielt, seitdem ich ihn kenne. Und damals haben wir unsere Punkpubertät damit verbracht. Und irgendwann haben wir das dann aufgegeben. Das war, glaube ich…

Pablo: Ende 2010 haben wir angefangen.

Julian: Ende 2010 haben wir angefangen.

Nina: Und 2012 habt ihr aufgehört.

Julian: Ja, Sommer 2012 haben wir aufgehört und wollten dann was Eigenes machen und haben dann erstmal bei Pablo im Kinderzimmer geübt. Wir haben vorher auf Deutsch gesungen und getextet und wollten dann mal auf Englisch texten und haben uns darauf geeinigt, dass wir uns eher an den älteren Bands orientieren wollen von 1977.

Nina: Eigentlich kann man das so gar nicht sagen. Mittlerweile war das einfach so der Musikgeschmack, den irgendwie alle hatten.

Pablo: Ich kann auch nichts anderes spielen.

Julian: Er kann auch nichts anderes spielen (Pablo lacht). Zwischendurch haben wir auch ein bisschen Straßenmusik gemacht, um warm zu werden.

Klingt gut. Wo denn so? Ich hab euch immer verpasst.

Julian: Mönckebergstraße oder unten bei den Landungsbrücken. Und ich wollte auch nicht mehr Schlagzeug spielen, sondern ich wollte Gitarre spielen. Meine ersten Griffe hat Pablo mir dann auch mehr oder weniger gezeigt. Ja, dann ging es langsam los und dann haben wir 2012 angefangen, zusammen Musik zu machen. Nina kam dann dazu.

Nina: Wir haben ja zu dritt geprobt und ich hab früher Geige gespielt und ich konnte sonst nur Gitarre spielen und weil Julian dann aber darauf bestanden hat, dass er jetzt Gitarre spielen will, habe ich gesagt, probier ich das mal mit dem Bass. So haben wir dann da zusammen im Kinderzimmer gesessen bei Pablo.

Pablo: Mit Kaffee und Kuchen von Omma.

Nina: Und dann haben wir versucht, uns einen Schlagzeuger zu suchen, was ein kleiner Prozess war.

Pablo: Und dann hab ich irgendwann über Bandcamp Johann ausgegraben. Ich wusste nicht, was ich kriege und jetzt haben wir den.

Und seid ihr alle zufrieden? Ihr dürft jetzt nichts Falsches sagen!

Julian: Ja, auf jeden Fall. Ich liebe ihn.

Nina: Na!

Und du, Johann, bist du auch zufrieden?

Johann: Nö, ich find Punk scheiße, ich bin nur hier um zu saufen. (kollektives Gelächter)

Julian: Dann findest du also Punk doch gut!

Ich würde zu gerne wissen, wie euer Bandname eigentlich entstanden ist.

Julian: Spontan...

Pablo: …in der S-Bahn.

Nina: Wir waren auf dem Weg zu unserem ersten Auftritt…

Pablo: Wollen wir jetzt die Geschichte erzählen oder die spannende Geschichte mit Inhalt?

Nina: Beide? Also, wir waren auf dem Weg zu einem Auftritt in einem Zirkuszelt und hatten noch keinen Namen und dann haben wir uns einen Namen überlegt in der Bahn. Und jetzt darfst du das mit Inhalt erzählen!

Pablo: Nina hatte sich Plastic ausgedacht, weil wir halt das Gefühl hatten, dass das irgendwie aussagekräftig ist, weil das viel ist, was dich täglich umgibt und dann wollte ich unbedingt ein zweites Wort, was mit einem P anfängt, einfach, damit es ein bisschen zackig klingt und dann haben wir die ganze Zeit überlegt und überlegt und dann trafen wir Julian da, wo wir uns verabredet hatten und er meinte: „Ja, dann können wir uns auch Plastic Propaganda nennen.“ Und dann guckten wir drei uns an und dachten so: „Mensch, das ist ganz gut.“

Nina: Mensch, das ist ganz gut (lacht).

Pablo: Und letztlich ist das auch eine inhaltliche Aussage, die wir ganz spannend finden, weil das letztendlich so ist, wie Propaganda funktioniert. Propaganda selbst hat ja keinen Inhalt, sondern wird einfach immer zu dem geformt, was sie bezwecken soll. Das hat auch keine eigene Form, keine eigene Identität und ist daher formbar wir Plastik.

Nina: Mit Plastic war es auch so. Wir hatten ja zu dem Zeitpunkt schon ein bisschen angefangen mit ein paar Songs. Wir haben ja eigentlich nichts Poltisches, das sind ja eigentlich eher gesellschaftskritische Texte.

Pablo: Beobachtend.

Nina: Ja, beobachtend. Das, was wir uns unter dem Wort Plastic vorgestellt haben, über sowas haben wir gerade kurz davor geredet und deshalb meinte ich, dass ich Plastic ganz gut finde, weil ich glaube, dass es für uns etwas ist, das uns viel beschäftigt hat.

Pablo: Und über das Plastic sind wir auch schnell zu dem Pink gekommen, weil Pink für uns einfach die Plastikfarbe ist.

Das klingt nach einem guten Prozess. Wie würdet ihr Leuten, die euch nicht kennen, eure Musik beschreiben?

Julian: Klingt nach Plastic Propaganda.

Johann: Wir sind nicht gut, aber laut.

Ihr seid gut. Bestätigung aus erster Hand.

Pablo: Punk. Einfach im besten Sinne.

Nina: 77er-Punk.

Julian: Punk, wie er sein sollte: kreativ und sehr eigen.

Pablo: Plattitudenfrei. Bescheuert.

Nina, du hast ja selbst schon angesprochen, dass ihr gesellschaftliche Songs macht und besonders aufgefallen ist mir das in Sell My City und das passt natürlich auch momentan besonders gut in den „Geld frisst Stadt“-Kontext der Esso-Häuser.

Pablo: Ja. Obwohl der Text eigentlich uralt ist.

Julian: Den kannst du eigentlich auf jede Großstadt beziehen. Im Grunde hat es uns zu dem Zeitpunkt einfach angekotzt, weil wir eine Wohnung gesucht haben und dann haben wir gedacht, okay, dann schreiben wir eben einen Song über Gentrifizierung.

Habt ihr mittlerweile eine Wohnung gefunden?

Nina: (lacht) Ja.

Pablo: Wir proben nicht mehr im Kinderzimmer und ich muss auch nicht mehr ins Kinderzimmer zurück (lacht).

Nina: Doch, manchmal. Wenn du dich schlecht benimmst, dann schick ich dich in dein Zimmer.

Was würdet ihr sagen, sind denn die Alben, die euch dazu gebracht haben, Musik machen zu wollen.

Pablo: Das ist, glaube ich, nicht die richtige Frage…

Julian: Das ist so viel!

Nina: Pablo, bei dir kann man einfach sagen: The Clash.

Pablo: Gut, aber ich hab angefangen Musik zu machen, bevor ich die überhaupt kannte. Ich mache Musik mit anderen Leuten seitdem ich fünfzehn bin. Das war damals eine Schülerband. Wie das halt so ist und wie man halt so anfängt, wenn man von nichts eine Ahnung hat. Und dann über den Verlauf bin ich auf die ganze Musik gestoßen. Also relativ spät eigentlich. Es gibt ja Leute, die sagen dann, sie kannten das alles mit zwölf, aber ich hab so mit fünfzehn, sechzehn angefangen.

Nina: Also, bei mir war das so, ich hab, als ich ganz klein und noch in der Grundschule war, angefangen, Geige zu spielen und hab das auch ungefähr neun oder zehn Jahre gemacht. Da hab ich dann eigentlich nur klassische Musik gespielt. Für mich war Musik irgendwie schon immer meins und hab dann aber einfach später gerade als die beiden dann noch ihre Band hatten, die zugegebenermaßen sehr schlecht war (Pablo und Julian lachen), gesagt, mich würde eher die Musik interessieren, die ich selbst auch privat gerne höre und das war dann eben zu dem Zeitpunkt schon eher Punk und deshalb haben wir das dann gemacht.

Pablo: Aber du wolltest eigentlich eher auf unsere Lieblingsalben hinaus, oder?

Ich hör alles gerne, wirklich.

Pablo: Das Schöne an Inspirationen ist, die wechseln ständig. Es gibt Songs, die verstehst du einfach noch nicht, wenn du sie das erste oder zweite Mal hörst und dann irgendwann wächst du in sowas auch rein.

Julian: Ich wollte eigentlich immer Gitarre spielen wie The Edge von U2, schon als kleines Kind. Meine Eltern haben mich mit U2 penetriert, aber ich hatte eigentlich nie den Mut, mir die Gitarre zu nehmen. Punk hat mir eigentlich erst den Mut gegeben, zu sagen: „Scheiß drauf. Ich mach das jetzt einfach, weil ich Bock darauf hab.“

Also würdet ihr auch sagen, das ist Punk für euch. Einfach mal das machen, was ihr immer machen wolltet.

Julian: Ja, in jedem Fall.

Pablo: Aber das kannst du halt auch wieder nicht so festmachen. Punk ist ein Widerspruch.

Julian: Punk ist ein Prozess.

Interessant. Was würdet ihr sagen, sind so eure persönlichen nicht-musikalischen Einflüsse?

Julian: Metal (kollektives Gelächter). Ich glaube, darauf können wir uns eigentlich festlegen. Johann, du findest Metal auch scheiße, oder?

Nina: Ich glaube, das ist die einzige Musikrichtung, wo wir uns alle vier einig sind, dass wir sie scheiße finden. Ansonsten ist das bei uns immer unterschiedlich. Es gibt immer was, was ein paar mögen oder nicht mögen und ein paar sehen das anders.

Johann: Es gibt auch geile Metal-Sachen.

Pablo: Da fängt’s schon wieder an.

Nina: Mach’s nicht kaputt!

Pablo: Wir sind sehr stark vom Diskurs und von der Diskussion beeinflusst, glaube ich. Das ist superschwierig, du bist halt auch immer drin im Einfluss. Ich glaube, wenn dich etwas beeinflusst und du das in Worte fassen kannst, ist der Einfluss schon verarbeitet, weil du dann nicht mehr drinsteckst. Andererseits kannst du auch immer sagen, dass Punk sehr viel beeinflusst. Aber Bücher sind ein guter Einfluss.

Johann: Zwischenmenschlichkeit und sowas.

Pablo: Es gibt auch so viel, was diese gewisse Geisteshaltung vorantreibt, mit der du dann irgendwann auch auf Punk stößt und was damit überhaupt nichts zu tun hat.

Nina: Ich glaube, es geht ja jetzt da auch nicht nur um Punk, sondern was uns ansonsten beeinflusst hat.

Pablo: Science-Fiction-Trash. Star Wars ist wichtig.

Johann: Die komplette Wahrnehmungsschiene, alle Sinne.

Pablo: Ja, alles. Wir sind von allem beeinflusst, von vorne bis hinten. Stimmt ja auch irgendwie. Jeder ist von allem beeinflusst.

Julian: Und vor allem sind wir die absolute Mehrheit.

Pablo: Von was?

Julian: Von uns.

Pablo: Wir sind vier von vier, das ist eine absolute Mehrheit (lacht).

Ihr könntet mit dem Wahlspruch eine Partei gründen. Obwohl, ihr wollt ja gar nicht so sehr politisch sein, oder?

Julian: Wir wollen einfach nicht so bierernst sein, sondern wollen eher kreativ damit umgehen und kreative Denkanstöße geben.

Nina: Also ich sehe uns eher als gesellschaftskritisch an, aber das hat ja auch immer alles eine politische Seite. Das ist alles auch einfach eine Sache der Auslegung. Ich würde uns nur so einfach nicht als politische Band abstempeln, einfach, weil ich finde, dass das sehr schnell zu genau zu so etwas wird: zu einem Stempel. Was man so aushängen kann. Das finde ich einfach zu schade, weil es so viele Seiten gibt, so viele Meinungen.

Pablo: Ich glaube, am Ehesten wollen wir einfach undogmatisch sein. Das ist sehr prägnant und treffend.

Nina: Am Ende möchten wir auch immer das aussagen, was uns gerade in dem Moment beschäftigt und betrifft und das kann alles sein. Das kann auch politisch sein, muss es aber nicht.

Ein guter Denkanstoß. Ich würde gerne nochmal auf die Gesellschaftskritik zu sprechen kommen. Wenn es eine Sache gäbe, die ihr an der Gesellschaft ändern könntet, welche wäre das? Nehmen wir beispielsweise die jetzige junge Generation, die Jugend von heute, wie man so schön sagt.

Julian: Sie abschaffen.

Pablo: (lacht) Nein, Herdendenken.

Nina: Andersherum, würde ich sagen. Sie sollen mehr selbst denken. Sich selbst mehr hinterfragen.

Johann: Mündigkeit fördern.

Nina: Einfach, dass mehr Leute Sachen weniger ernstnehmen.

Pablo: Und nicht einfach so hinnehmen.

Nina: Eben einfach mal über Sachen nachdenken und sich dann am Ende selber eine Meinung bilden, ob das nun letzten Endes das ist, was die Mehrheit denkt oder nicht, das ist mir egal, solange man selbst einfach mal darüber nachgedacht hat.

Pablo: Du kannst heutzutage auch schon unglaublich viel personalisieren, was dir gegeben wird. Jeder hat heute die Möglichkeit, sein Leben über seine „Tracklist bei Spotify“ zu personalisieren oder alle Apps auf seinem Smartphone so abzustimmen, dass man das Gefühl hat, dass das alles personalisiert ist. Aber das sind alles Möglichkeiten, die dir gegeben werden. Man muss sich selber seinen eigenen persönlichen Freiraum erkämpfen und dabei auch alles hinterfragen und auch sich selbst. Das ist wichtig, das ist gut. Heute ist das ein bisschen wenig. Sollst du auch einfach heute gar nicht mehr.

Es gibt diesen stetigen Überfluss, der uns dazu bringt, dass wir uns eingeengt fühlen.

Julian: Ja, vor allem ist das auch so, dass es die Leute bequem macht und selbst in der Punk-Szene ist es so, dass viele Leute einfach nur konsumieren. Möglichst viel Bier trinken, sich möglichst krass abschießen. Das ist überall so, das unterscheidet dich eigentlich nicht von dem normalen Schützenfestgänger. Aber mal kreativ sein, da haben einige Leute vielleicht zu wenig Mut für oder wie gesagt, sind zu bequem.

Pablo: Da bist du dann wieder beim Herdenverhalten.

Nina: Ich glaube, das ist überall so. Ich finde, das hat auch überhaupt nichts mit Subkulturen zu tun, weil das einfach überall so ist, dass die meisten Leute sich früher oder später eine Rolle suchen, in die sie fallen. Egal, ob das dann das eine oder das andere ist. Das kann ja auch jemand sein, der sagt, er sei jetzt total Punk. Das findet man überall. Das ist ein allgemeines Problem, das man nicht nach Subkulturen sortieren kann.

Ich finde, das ist wieder mal ein guter Gedanke. Kommen wir wieder zu Plastic Propaganda: was war denn euer bester Auftritt? Der euch am besten in Erinnerung geblieben ist?

Julian: In Potsdam (lacht). Das war ein Wochenende und wir hatten am Freitag in Berlin gespielt und am Samstag sollten wir in Potsdam spielen und eigentlich dachten wir, Berlin wird richtig geil. So das erste Mal in einer Großstadt spielen…

Pablo: Also einer noch größeren Stadt.

Julian: …Und bei Potsdam dachten wir so: „Na, mal gucken, was das wird.“

Nina: „Nehmen wir mal mit.“

Julian: Berlin war dann Katastrophe irgendwie. Wenig Leute da, Scheiß-Sound, Dauer-Feedback, also Rückkopplung. Dann waren wir also ziemlich gerädert von dem Abend und dann am nächsten Tag haben wir auf diesem Festival in Potsdam gespielt, beim La Datscha.

Pablo: Das ist ein besetztes Haus-Projekt, die haben da fünf Jahre Besetzung gefeiert oder irgendwie ein Besetzungs-Jubiläum. Kleiner Laden, direkt an einem See gelegen.

Nina: Die haben das untere Stockwerk umgebaut, dass man da einen Bühnenraum hat. Da haben die regelmäßig Konzerte gemacht.

Pablo: Kleiner Raum, ebenerdig, es war gerammelt voll. Wir sind durch ein paar Umstände an dem Abend dann Headliner geworden und vorher hatten zwei sehr energetische, aber dann doch irgendwie langsame Bands gespielt und die Leute wollten dann einfach ausrasten und dann kamen wir an und waren mit unserem Sound für die genau richtig. Wir standen direkt im Publikum drin, es gab, wie gesagt, keine Bühne. Und wenn du direkt vor den Leuten stehst und dann durchdrehen kannst, ist das schon geil. Vor allem hab ich da das erste Mal gemerkt, dass die Leute angefangen haben, mitzusingen.

Julian: Die kannten uns ja gar nicht!

Nina: Das Witzige war wirklich, dass da keine einzige Person dabei war, die uns schon mal gesehen oder gehört hatte. Die kannten uns gar nicht. Die Leute sind so abgegangen, das hatten wir hier noch nie, dass wirklich ein Raum mit fünfzig Leuten mitspringt und mitgröhlt und einfach mitmacht – mit vollem Programm! Das war so gut.

Julian: Das hängt aber, glaube ich, auch damit zusammen, dass das Publikum in Hamburg einfach anders auf Konzerte geht.

Das stimmt. Wie oft habe ich das schon miterlebt. Sagt mal, für was lohnt es sich, zu kämpfen?

Pablo: Für dich selber.

Julian: Ja, wollte ich auch gerade sagen.

Pablo: Sonst ist alles verloren. Wenn du nicht für dich selber kämpfst, ist alles verloren.

Es gibt nichts anderes?

Pablo: Absolut nichts anderes.

Wo bleibt da die Romantik?

Julian: Das Ding ist, nur, wenn du dich selber liebst und schätzt, kannst du auch andere Menschen lieben.

Nina: Jeder hat ja irgendwie andere Träume und Vorstellungen und wenn einen etwas ganz Bestimmtes glücklich macht, dass man für andere Leute tun kann, womit man anderen Leuten auch helfen kann, kann es letztlich auch das sein. Aber am Ende, finde ich, läuft es auf das hinaus, was einem selber am Wichtigsten ist

Pablo: Selbst, wenn du ein großartiges, romantisches Ideal für soziale Gerechtigkeit hast, ist das irgendwann ein Dogma. Und du kannst dich an so einem Dogma auch wunderbar zerreiben. Aber wenn du für dich selber klargekriegt hast, was du wirklich selber machen möchtest, dann bist du auch irgendwann in der Lage, dich auf Andere wirklich einzulassen.

Julian: Das seh ich genauso.

Ich hab von eurer bevorstehenden Albumproduktion gehört.

Pablo: Am 15. September geht’s los, da sind wir dann in Berlin mit Smail von den Shocks und mit dem nehmen wir dann über zwei Wochen mit allem Drum und Dran unser erstes Album auf. Analogproduktion, richtig schön altmodisch. Wir haben mit dem um Ostern herum angefangen, ein bisschen zu arbeiten. Das hat richtig gut geklappt, sehr viel Spaß gebracht und wir freuen uns darauf, weil wir überhaupt keine Ahnung haben, von nix (kollektives Gelächter). Das ist unser gemeinsames Erstes Mal mit vier Leuten. Auch eine Leistung.

Wollt ihr schon irgendwas über euer Album sagen?

Pablo: Es wird gut…hoffentlich! Wir wollen dafür auch einfach alles selber machen, das Artwork und überhaupt. Das soll auch einfach alles, was wir gut finden, an Ausdruck und an Ton, fassen. Wir wissen selber noch gar nicht, wie das wird.

Nina: Wir haben uns auch noch gar nicht endgültig für alle Songs entschieden. Wir haben ein Grundgerüst, aber sind immer noch ein bisschen am Rumüberlegen. Uns ist einfach nur wichtig, dass wir das letzten Endes zum größten Teil alles selber gemacht haben. Dass das von vorne bis hinten für uns stimmt. Deshalb wollen wir das auch unbedingt auf Vinyl haben, nicht auf CD. Damit es für uns rund ist.

Pablo: Der größte Moment dieser Plattenproduktion wird sein, wenn ich die Platte zum ersten Mal auf meinem eigenen Plattenspieler auflegen kann und dann dieses Knistern höre.

Julian: Widerliches Schwein!

Pablo: Ja, widerliches, selbstverliebtes Schwein (lacht).

Das passt irgendwie alles in den Do-It-Yourself-Zeitgeist.

Pablo: Echt, ist das gerade Zeitgeist, ist das gerade cool? Stimmt, diese ganzen DIY-Hardcore-Kids. Das ist schon wieder so traurig: man lässt die Kids eben das haben, aber trotzdem kommt das noch von den großen Instanzen und das wird so vorgegaukelt. Das ist so gekaufte Individualität.

Wo wir schon bei dem Thema sind: Gibt es ein momentanes Phänomen, über das ihr euch besonders aufregt, das euch beschäftigt?

Pablo: Es gibt zu viel, über das man sich trefflich aufregen kann, das ist doch das Schöne daran. Festgefahrenheit ist schlimm. Wenn du dir irgendwann deine Festung gebaut hast und da auch nicht mehr rauskommst und dich irgendwann einfach nicht mehr bewegst, weder vor noch zurück.

Julian: Richtig verloren fühle ich mich eigentlich auf so Herdenveranstaltungen. Also hier in Hamburg gibt es ja mittlerweile jedes Wochenende eine Massenveranstaltung.

Pablo: Der Schlagermove ist scheiße!

Julian: Gerade so viele Menschenmassen, das stresst mich ungemein.

Pablo: Dieser Herdentrieb.

Julian: Manchmal nervt mich auch diese Großstadt einfach.

Back to the roots, ab auf’s Land.

Pablo: Bloß nicht! Das finde ich zum Beispiel richtig zum Kotzen, so bürgerliches Kleinspießertum.

Julian: Da fällt man dann halt echt raus.

Pablo: Gut, aber sobald dich das Dorf erst mal richtig schön kaputt gemacht hat und dich zwingt, am Stammtisch zu sitzen, ist es mit der Individualität auch vorbei.

Nina: Ich finde, darum geht es auch gar nicht. Mein Gedanke ist auch nicht, um jeden Zweck rauszustechen und aufzufallen, sondern am Ende des Tages einfach das zu machen, was mir Spaß macht. Wenn das dann halt irgendwas ist, was raussticht, dann ist das so, wenn nicht, dann nicht. Das ist mir dann auch egal. Ich finde nur Leute affig, die sich einfach nur danach richten, was besonders auffällig ist und je nachdem, was gerade Norm ist, das Gegenteil machen, bloß um aufzufallen. Das finde ich albern.

Pablo: Wenn jemand Bock hat, einen Stammtisch zu organisieren und darin voll aufgeht, dann soll er das machen. Sitzen und einfach nur ausharren, das ist hart. So ein Dulli-Dasein.

Julian: Ein duseliges Dulli-Dasein.

Pablo: So vor sich hinvegetieren und nichts machen und selber auch gar nicht wissen, was man möchte.

Julian: Sein Leben zu verschwenden, das finde ich immer schade.

Pablo: Obwohl es so viele Leute gibt, die sagen, dass wir unsere Zeit verschwenden (lacht).

Julian: Das hab ich wohl überhört…

Aber das geht doch auch irgendwie gar nicht, zu meinen, Anderen vorschreiben zu müssen, was sie tun oder lassen sollen.

Pablo: Siehst du, da haben wir schon wieder was, worüber man sich aufregen kann. Wunderbar. Und Leute, die sich über alles aufregen, zum Kotzen! (kollektives Gelächter)

Kenn ich ja gar nicht.

Nina: Punks finde ich auch eklig.

Pablo: Ja, ekelhaftes Scheißpack.

Julian: Und Leute, die ihre eigene Platte hören würden, die sind noch furchtbarer.

Soll eure Platte eigentlich eine besondere Farbe haben? Soll sie pink sein?

Pablo: Ja, wir überlegen, ob wir eine kleine Auflage Pink hinkriegen. Das wär schon cool.

Ich möchte unbedingt noch auf eure persönlichen Helden zu sprechen kommen. Wenn ihr euch jemanden aussuchen könntet, mit dem ihr euer Bier trinken würdet, wer wäre das und was würdet ihr diesen Jemand fragen?

Pablo: Ich würde ein Bier mit Joe Strummer trinken! (Nina lacht)

Irgendwie hab ich das gewusst.

Nina: (Pablo lacht) Das hat jeder gewusst.

Pablo: Bin ich etwa so berechenbar geworden? Scheiße. Ach, ich würde auch gerne mal ein Bier mit Hermann Hesse trinken, aber ich glaube, der trank eher Wein.

Ich würde auch sagen, eher Weißwein als Rotwein. Wo wir schon dabei sind.

Pablo: Ian Curtis wär auch mal spannend.

Julian: Das könnte aber anstrengend werden.

Pablo: Ja, stimmt. Aber man darf sich auch einfach an Helden nicht so aufhängen. Man braucht sowas einfach irgendwann eine gewisse Zeit lang, aber dann irgendwann muss man auch den Schritt machen, sowas zu hinterfragen (Nina lacht). Hör auf zu lachen! Mit wem würdest du denn gerne mal einen trinken gehen?

Nina: Ich weiß nicht, ich bin nicht so festgefahren auf eine Person.

Pablo: Johann, was ist mit dir?

Johann: Wahrscheinlich Richard D. James.

Pablo: Wer ist das?

Johann: Der macht elektronische Musik und mit dem würde ich gerne einen trinken gehen.

Und was würdest du ihn fragen?

Johann: Ob er so apathisch ist, wie er wirkt.

Pablo: Ich würde mich auch gerne mal mit Johann unterhalten.

Johann: Ja, ich mich auch. (kollektives Gelächter)

Nina: Ich glaube, bei mir wäre das Tim Burton. Ich kann mich da aber nicht so festlegen.

Pablo: An Johnny Rotten würde ich mich nicht ran trauen, der würde mich verarschen.

Julian: Da würde auch kein vernünftiges Gespräch zustande kommen.

Pablo: Manchmal sind auch die Gespräche mit den Leuten von denen du überhaupt nichts erwartest, die spannendsten.

Julian: Kim Jong-un! Mit dem würde ich gerne mal ein Bier trinken gehen, das könnte witzig werden.

Was steht denn so in Zukunft bei euch an außer der Albumproduktion? Irgendwelche weiteren Auftritte? War nicht sogar mal von London die Rede?

Pablo: Stimmt, ja! Irgendwie müssen wir das auch nochmal anpeilen.

Julian: Aber so konkret steht jetzt erstmal nichts an außer dem Album. Mal gucken, vielleicht kommt noch was dazu.

Pablo: Ich hab noch zwei Bands aus Berlin so ein bisschen am Wickel, The About Blanks und Gulag Beach. Dann wollen wir nochmal nach Aachen fahren zu den Nazi Dogs, mit denen nochmal spielen, weil das Spaß gemacht hat. Aber sonst…

Nina: Ja, London vielleicht nächstes Jahr auf dem Rebellion.

Pablo: Stimmt, Rebellion haben wir auch noch irgendwie in der Leitung! Also ganz viel, da kommt halt auch immer wieder was dazu.

Stellt euch vor, dieses Interview ist eine Möglichkeit, etwas zu sagen, was ihr der Öffentlichkeit noch nie zuvor gesagt habt. Was wäre das?

Pablo: Ich glaube, weise letzte Worte kriegst du aus uns nicht raus. Das Weise musst du rausdestillieren.

Nina: Ich weiß, dass ich nichts weiß.

Julian: Oi! (kollektives Gelächter)

Pablo: Belassen wir’s dabei!

Dann würde ich sagen, das waren die weisen Abschlussworte. Vielen Dank für das Interview und viel Glück in der Zukunft!

(Photos: Svetlana Grigorieva)

[takemewherethegoldis]

Radar: Flamingods

Unter dem Radar: Flamingods. Ihre Musik ist wie ein Tempel. Indisch angehauchte Melodien, Trommelwirbel, fernöstliche Gesänge. Bei Flamingods wird Musik zu einer spirituellen Erfahrung. Exotisch, möchte man meinen, aber dafür müsste man ihre Musik zuerst geographisch einordnen. Und ist es nicht Musik, welche die Grenzen von Raum und Zeit aufhebt, um ein Land fernab von allem Irdischen zu erschaffen? Flamingods sind Kamal Rasool, Charles Prest, Sam Rowe, Karthik Poduval und Craig Doporto, ansässig in London und Bahrain. Und es ist nicht bloß ein Gerücht, dass sich die Musiker bei der Produktion ihres neuen Albums Hyperborea nicht zur selben Zeit im selben Raum aufgehalten haben.

Gitarrensaiten werden lediglich hauchzart angeschlagen, man hört flüsternde Stimmen. Chilenische Regenmacher werden vermischt mit einem Sound, der an tibetische Klangschalen erinnert, mit japanischen Sakuhachi-Flötentönen in wallenden orientalischen Gewändern. Was dabei entsteht, ist ein binaurales Klangerlebnis auf mehreren Ebenen. Flamingods‘ Musik schmückt sich, sie hüllt sich in bunte Farben. Musik kann Erfahrung sein. Schließt man die Augen, scheinen alle Sinne mit Wahrnehmung beschäftigt zu sein. In Garden Of Indra ihres Albums Hyperborea hört man lachende, spielende Kinder. Es scheint fast so, als hätten aus allen Himmelsrichtungen kommende Erdrutsche eine neue Wirklichkeit, die eigentliche Wirklichkeit, zum Vorschein gebracht.

In dieser Wirklichkeit ist der Mensch als Ego nicht das Zentrum aller Dinge, alles ist ausgerichtet auf Beobachtung und Wahrnehmung – der Mensch ist seine Sinne, körperlos schwebend durch diese schöne neue Welt. Flamingods‘ Songs, die wie ein Zusammenspiel von allem Wesentlichen wirken, tragen bedeutungsvolle Titel. Vimana, Götterfahrzeug in der indischen Mythologie, südindischer Tempel oder Thron der Götter. Ein Song, viele Bedeutungen und Interpretationsmöglichkeiten. Manyara, namensverwandt mit einer Region Tansanias, ist auch klanglich afrikanisch angehaucht, ein geerdeter Trommelrhythmus wird begleitet von einem Hufgetrappel aus hölzernen Instrumenten.

Himiko, die erste japanische königliche Herrscherin und zugleich der dritte Song auf Hyperborea, scheint eine Ode der Vielfalt an eine starke Frauenfigur zu sein. Musik muss verschiedene Wege der Interpretation bieten und Flamingods‘ Musik tut dies in jedem nur möglichen Sinne. Sind Flamingods nun flammende Götter oder Flamingo-Götter? Einfach die Augen schließen und das erste Bild akzeptieren, was in den Sinn kommt. Hyperborea ist nicht bloß die sagenumwobene Insel der Schwäne aus der griechischen Mythologie, es ist ein großartiges Album voll von Diversität, Interkulturalität, dem ein oder anderem unmöglich erscheinenden klanglichen Wunder und mit Sicherheit einer der gelungensten kreativen Beiträge zur (musikalischen) Integration.

Under the Radar: Flamingods. Their music is like a temple. Melodies with an Indian touch, rataplans, Far Eastern vocals. Flamingods make music which is almost spiritual. Exotic, one would suppose, but therefor one has to do a geographical classification. But fortunately music annuls the borders of space and time to create a land far from earth and earthly pleasures. Flamingods are Kamal Rasool, Charles Prest, Sam Rowe, Karthik Poduval and Craig Doporto based in London and Bahrain. And it’s not just a rumour that they have written their new album Hyperborea without ever having stayed in the same room at once while producing.

Guitar strings are strummed tenderly, one can hear whispering voices. Chilean rainsticks are mixed with a sound that reminds me of Tibetan singing bowls, with Japanese Sakuhachi flutes in wavy Oriental robes. What develops is a binaural sound experience on multiple levels. Flamingods’ music adorns itself; it wraps itself in chequered colours. Music can mean an experience. If you close your eyes, all your senses seem to be busy with cognition and perception. In Garden Of Indra on their album Hyperborea one can hear laughing and playing children. It almost seems as if there were landslips coming from all different cardinal directions that uncovered fiction and unearthed the truth and substantiality.

In this new reality people as egos aren’t the centres of everything any longer; everything is geared towards notice and perception – the human being is its senses, discarnate pending through this brave new world. Flamingods’ songs appear like an interaction of all the basics. They bear meaningful titles. Vimana, the first song on Hyperborea, stands for mythological flying palaces in Sanskrit, temples and shrines and the palace of an emperor or a supreme monarch. One song, multiple meanings and options of interpretation. Manyara, namesake of a region in Tanzania, has a music-wise African touch as well. A grounded drum rhythm is accompanied by a heavy pounding of wooden instruments.

Himiko was Japan’s first shaman queen and is the third song of Flamingods’ exciting new album at the same time. Himiko seems to be an ode to this strong female leader. Music should offer different options of interpretation and Flamingods’ music seems to offer all of them at once. Well, are Flamingods flaming gods or are they Flamingo gods? We’ll probably never know. But in the meantime you should just close your eyes and accept the first picture which comes to your mind. Hyperborea isn’t just the legendary island of swans in Greek mythology, it’s a bodacious album full of diversity, interculturality, one or two or even more impossible appearing tonal miracles and certainly one of the most successful creative contributions to (music-wise) integration.

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Flamingods on Bandcamp.

(Photo by Elle Hardwick)