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JOE PATTI’S EXPERIMENTAL GROUP | BATTIATO / PINAXA | 2014 | Universal music | 1. Leoncavallo 2. Le voci si faranno presenze 3. Klavier 4. Omaggio a Giordano Bruno 5. Come un branco di lupi 6. The implicate order 7. Nel cosmo 8. Cern 9. Nuba 10. L’isola elefante 11. Proprietà proibita | Prodotto da Franco Battiato & Pino Pischetola | VOTO: 7

Un salto nel passato per ritrovare nuove strada.

Battiato si rifugia nei suoi (ancora rivoluzionari) anni settanta per ripartire. Joe Patti’s é riprendere il camino interrotto prima che il cinghiale bianco iniziasse a correre per le radio italiche, quel cammino solo a tratti comparso tra le innumerevoli facce musicali di Franco.

E lo fa bene, togliendo quella polvere e quella stanchezza un po’ di mestiere che sentivo nelle ultime produzioni battiatesche: che spesso sembravano più un marcare il cartellino che una chiara urgenza di comunicare.

Joe Patti’s non ha la carica rivoluzionaria di “Clic”, “Fetus” o “Pollution” (tralasciando la pura sperimentazione da cuori forti di album come “L’Egitto prima delle sabbie”), che al confronto suonano ancora psicopatici, ma ha un unico grande viaggio in una stanza fatta di suoni caldi che creano una atmosfera sognante e misteriosa al tempo stesso. Con pochissime parole, spesso frammenti del Battiato passato: mai come in questo disco non sono altro che uno strumento aggiunto e non protagoniste della comunicazione.

Joe Patti’s scorre unitario per i suoi quaranta minuti, un viaggio tra suoni sintetici pronti a condurre in luoghi non comuni. Joe Patti’s permette di ritrovare il Battiato migliore, dopo che qualche granello di polvere, in questi ultimi anni, si era fermato troppo sulle sue spalle: che sia una nuova ripartenza?

Osserviamo le pareti del cervello, ormai senza finestre, e forse lo capiremo.

SEGNALATI | Leoncavallo, L’isola elefante, Proprietà proibita

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#battiato #pinaxa #joe patti's experimental group #2014

AFTERHOURS | HAI PAURA DEL BUIO? | 1996 | Mescal | 1. Hai paura del buio? 2. 1.9.9.6. 3. Male di miele. 4. Rapace. 5. Elymania. 6. Pelle. 7.Dea 8. Senza finestra 9. Simbiosi 10. Voglio una pelle splendida 11. Terrorswing 12. Lasciami leccare l’adrenalina 13. Punto g 14. Veleno 15. Come vorrei 16. Questo pazzo pazzo mondo di tasse 17. Musicista contabile 18. Sui giovani d’oggi ci scatarro su 19. Mi trovo nuovo | Prodotto da Manuel Agnelli | VOTO: 8,5

Questo é uno di quei dischi che hanno nel DNA la resistenza al tempo. Che sembrano solcare il confine tra un prima e un dopo, quale che sia il perimetro. Descrizione sintetica, trita e ritrita ma che descrive il peso che “Hai paura del buio?” ha avuto e ha ancora oggi nel panorama italiano.

É un disco pieno di cose: pieno di minuti, di canzoni , di frasi, di malattia, di suoni, di rumore, di inquietudine, di ribellione, di rabbia, di ironia. Così pieno da non avere sbadigli, da non permettersi pause,perché ogni pezzo ha in sé un’idea, la fiamma che lo rende qualcosa di meritevole. Così pieno da essere eterogeneo nelle atmosfere e nelle sensazioni, eppure così chiaramente riconoscibile e unitario. Il filo conduttore é li, chiaro a rendere tutto parte di un contorno superiore.

Pieno di canzoni, che vanno in fila senza respiro, intervallando puro rock e istinto ("Male di miele", " Veleno", "Dea", "Lasciamo leccare l'adrenalina"), ironia ("Sui giovani d'oggi ci scatarro su", "Musicista contabile"), sguardi malati e rabbiosi ("Rapace", Punto g") e momenti per sedersi e provare a guardarsi all'interno ("Voglio una pelle splendida", "Mi trovo nuovo"). In realtà tutti questi ingredienti si trovano mescolati dentro i 4 minuti di una canzone a creare uno strano amalgama pienamente centrato.

Ha la storia delle cose non capite, quando venne rifiutato da tutte le maggiori case discografiche fino ad arrivare alle orecchie della Mescal, giovane etichetta (all’epoca) indipendente, che ha avuto l’intuizione buona per entrare in un disco generazionale, che, quindi, identifica il periodo di cui fa parte.

Fatelo girare e assorbitelo: vedrete che non avrete più paura di aver paura del buio.

SEGNALATI | Rapace, Voglio una pelle splendida, Punto g

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#afterhours #hai paura del buio?#1996

Chissà se i Beatles del 2013 si sarebbero avvicinati a questo "New". (Purtroppo) solo fanta-musica: troppo cose accadute per provare solo ad immaginarlo. Ma di certo "New" è la fotografia attuale del giovane 72enne Paul, che cerca fortemente di far emergere la sua forte volontà di rimanere agganciato all'oggi: soprattuto nel vestito, le 12 tracce che sono contenute in questa stanza caratterizzata da quei led esprimono una forte contemporaneità. A cui, quasi come opposto, ma non in opposizione, si legano melodie subito riconoscibili nel trademark McCartneyano: in diversi episodi, non è difficile immaginarsi gli anni '60, Londra e i FabFour. E del resto, non potrebbe essere altrimenti.

È un disco piacevole, forse anche sorprendentemente, dato il peso che si porta appresso: quello di una carriere costellata dal macigno della storia della musica. I paragoni sono stupidi e non-sense, ma la memoria non dimentica ed è un automatismo ripensare a quello che fu: "New" è un disco che suona contemporaneo, in cui prevalgono toni vivaci, e malinconici allo stesso tempo, nel quale obiettivamente non c'è nulla fuori posto. Mancano i capolavori, ma tutte le tracce ondeggiano su un ottimo livello , con alcuni picchi, quali una "Appreciate" o una "Road/Scared" (forse il momento più intenso).

Forse il passato che aleggia su "New" porta a sottodimensionare in parte il McCartney del 2013 o è forse proprio il suo passato a dare risalto al disco e a sovrastimarlo? Io propendo per la prima ipotesi, e forse se "New" fosse stato il punto di partenza di una next big thing si sarebbe strillato al miracolo nelle copertine di mezzo mondo. Ma il passato impone i suoi vincoli, e in questo caso, visto il passato, è una fortuna: ma riconferma che Paul sa bene come lavorare le note e le parole.

SEGNALATI | Alligator, Appreciate, Road/Scared

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#paul mccartney #new #2013 #THEROCKTECA

Ritornano i ragazzi di Seattle e lo fanno con un messaggio chiaro, nel bene e nel male: puro e schietto rock, senza estemporanee spinte al futuro. "Lightning bolt" è puro Peal Jam, e in questa definizione si riassume il disco stesso: c'è tutto quello che chi ama o solamente conosce distrattamente i PJ si aspetta; di contro, non c'è nulla di diverso.

La strada è la continuazione di quella intrapresa con "Backspacer", nel confezionamento di un lavoro che non vuole esser niente di più di una collezione quanto il più possibile ottima di canzoni che, avvicinate l'una alle altre, si completano. A livello di suoni e arrangiamenti non si corre il rischio di essere stupiti.

Ma tengo a precisare: non è un male. L'"innovazione"o le "rivoluzioni" non rappresentano nulla, è la qualità intrinseca a dover prevalere: quella che rende strabiliante, per esempio, una semplice ballata folk chitarra, armonica e voce di dylaniana memoria. E prendendo tra le mani un disco dei Pearl Jam ci si aspetta esattamente quello che "Lightning bolt" è: un classico disco rock, nella solida tradizione americana che spazia tra veloci e ballata folk.

La discriminante è la qualità e l'ispirazione nella tracce raccolte, che in fin dei conti dovrebbe rappresentare l'unico criterio di valutazione. E in queste si, valutare l'unicità, la ricercatezza, quelle soluzioni che cambiano una canzone. E i PJ hanno regalato dischi classicamente pieni di innovative canzoni rock tradizionali, capolavori dalla prima nota all'ultima parola.

Che il livello rispetto a capolavori quali "Vitalogy" o "No code" sia calato nell'ultimo decennio, beh, non è un mistero e "Lightning Bolt", pur migliore rispetto alle due ultime fatiche lo conferma: non c'è qualcosa di sbagliato in questo PJ2013, tutto suona bene e curato. Semplicemente non tutto è fondamentale, non tutto è allo stesso livello.

Se si distingue una "Father's son" per testi e arrangiamenti, una "Swallowed hole" non aggiunge nulla e rimane piatta tra i solchi del vinile. In fin dei conti "Lightning bolt" però ha un andamento piuttosto regolare, rimane su una bella linea media: sono tutte buone canzoni, con poche oscillazioni, dove forse manca "il" capolavoro, quel pezzo che generalmente resiste al tempo in ogni album dei Pearl Jam.

Il lato negativo è che un buon disco come "Lightning Bolt" non può fare a meno di confrontarsi con i fratelli più grandi e la competizione è difficile da superare: in questo caso la memoria e il ricordo non aiutano.

Emerge un aspetto dall'ascolto di questa nuova fatica: la voglia di fare musica del gruppo. Si sente schiettezza, genuinità, assenza di calcoli: attacchiamo il jack e registriamo le migliori canzoni che possiamo registrare. Con la giusta dose di regole. Cuore e mestiere, verrebbe da intitolare.

E, come chiusa, forse scontata ma che vale la pena da ricordare: questi "dinosauri" dello scorso secolo, ancora oggi, pur nei paragoni spesso irriverenti con i capolavori passati, creano ancora tra la migliore musica prodotta nell'anno di riferimento. E non riesco a capire se sia una buona notizia.

SEGNALATI | Father's son, Sirens, Yeollow moon

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#Pearl Jam #lightning bolt #2013

MARLENE KUNTZ | NELLA TUA LUCE | 2013 | Sony Music | 1. Nella tua luce 2. Il genio (l'importanza di essere Oscar Wilde) 3. Catastrofe 4. Osja, amore mio 5. Seduzione 6. Adele 7. Su quelle sponde 8. Giacomo eremita 9. Senza rete 10. La tua giornata magnifica 11. Solstizio | Prodotto da Marlene Kuntz | VOTO: 8

Il talento e la capacità non si trovano solo nell'innovare o nello stupire con il mai sentito. Ma anche nel riuscire a creare un disco come "Nella tua luce", intriso di classe ed eleganza, contenuti e ricerca sonora, negli arrangiamenti e nelle soluzioni musicali.

Del resto i Marlene Kuntz non avrebbero più niente da dimostrare, a quasi 20 anni da loro esordio: riescono invece a ricordarci come, in fondo, quello che serve ad un disco è che sia formato da musica e parole di un certo lignaggio.

"Nella tua luce" è l'evidenza di quanto detto: è un disco riflessivo, che sembra accompagnarsi di un sole basso, della penombra, curato in ogni dettaglio e che offre affreschi di storie e puntelli di vita. Non banale e ricercato. Che non regala punti bassi e vanta diverse gemme al suo interno, quali "Nella tua luce", "Osja, amore mio", "Senza rete", "La tua giornata magnifica", "Solstizio".

Dischi di gruppi come i Marlene, che vantano una lunga e gloriosa storia, scontano sempre il confronto preventivo con le pietre filosofali della loro produzione: nulla potrà essere come "Catartica" o "Ho ucciso paranoia", sembra essere la condanna preventiva. Che è vero, da un lato: ogni gruppo evolve, naturalmente, e vent'anni di musica sono vent'anni di vita.

Ma dall'altro nasconde un preconcetto di inadeguatezza del nuovo: e questo finisce con il sottostimare dischi meritevoli come "Nella tua luce", che dimostrano al contrario come oggi ancora esiste, e va magari cercata con qualche attenzione in più, Musica di livello.

Si, Musica: con la maiuscola

SEGNALATI | Nella tua luce, La tua giornata magnifica, Solstizio Tweet

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#marlenekuntz #nella tua luce #2013

BLUVERTIGO | ZERO (Ovvero la grande nevicata dell’85) | 1999 | Noys-Columbia | 1. Versozero 2. Zero 3. La crisi 4. Sono=sono 5. La comprensione 6. Finché saprai spiegarti 7. Sovrapprensiero 8. Forse 9. Autofraintendimento 10. Lo psicopatico 11. Always crashing in the same car 12. Saxs interlude 13. Porno muzik 14. Niente x scontato 15. Numero 16. Punto di non arrivo | Prodotto da Morgan | VOTO: 7,5

Parlare dei Bluvertigo equivale a prendere una posizione chiara: perché il gruppo guidato da un Morgan ancora lontano dalle sbandate televisive non è di quelli tali da accettare le mezze misure. Si ama o si odia, ma non lascia indifferenti: ed è un primo importante pregio, sintomo di non banalità.

Di banalità in questo “Zero” in effetti non ce ne sono, tanto nei testi “psicotici” quanto nella musica e negli arrangiamenti, altrettanto schizofrenici e oscillanti tra rock ed elettronica. Il disco è un susseguirsi di soluzioni originali e estremamente personali di connubi tra testi e soluzioni musicali, senza restituire la spiacevole sensazione di puro esercizio di stile: “Zero” non é artefatto ed é sinceramente nato così come impresso su disco, é naturalmente originale.

E si caratterizza per una sfilata di ottime tracce, senza vere cadute di tono: anche i (pochissimi) momenti meno riusciti risultano interessanti, anche per un solo dettaglio, tanto lirico quanto sonoro. E di contro le tracce da evidenziare sono tante, con particolare menzione a “Zero”, “Sovrappensiero” ( dove appare Battiato con un cameo….e di Battiato Morgan ha ascoltato e assorbito tanto),”La crisi”, “Sono=sono”,”La comprensione” “Forse”, “Punto di non arrivo”.

Dispiace che i Bluvertigo si siano fermati qua, dopo solo tre album ( e un best) e che Morgan , dopo un ottimo album d’esordio come solista e un buon secondo lavoro ( ci torneremo) si sia lasciato deviare dalle telecamere e si sia smarrito: ritrovarsi con Andy e gli altri potrebbe rappresentare un ottimo ritorno per una musica italiana sempre più povera di idee, gusto e talento: parafrasando “Zero”, dovrebbe rappresentare un ottimo punto di non arrivo.

SEGNALATI | Zero, Sovrappensiero, Forse

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#BLUVERTIGO #ZERO #1999

Gli U2, tra alti e bassi, hanno mantenuto una caratteristica nella loro lunga storia: quella di evolversi e, in alcuni step, di rivoluzionarsi e cambiare pelle.

"The Unforgettable fire" è il primo evidente momento di questa corsa verso un nuovo orizzonte, è l'album che apre una sorta di seconda fase dei quattro ragazzi (allora, almeno) di Dublino, che poi si trasformerà nella svolta berlinese e pop (ci arriveremo, prima o poi).

Se "Boy", "October" e "War" sembrano raccontare la crescita interiore di quattro ragazzi attraverso l'evoluzione del loro suono pienamente rock , qui questo loro rock acquista atmosfera, perde buona parte di quel furore e rallenta. Si fa più buio e raffinato: notturno, perchè più sofferente. La rabbia si è trasformata in un nuovo colore: The Edge, che è il marchio sonoro degli U2, trasforma il furore che in buona parte dei precedenti album lo caratterizzava e inizia ad utilizzare la chitarra per pennellare, per tinteggiare elegantemente il suono, per disegnare.

Niente accade senza motivo e non è un caso che "Unforgettable" sia il primo risultato dell'incontro del gruppo con Brian Eno e Daniel Lanois, la cui influenza è chiara per quanto appena detto: è indubbio che la loro produzione abbia consentito di accelerare un processo di evoluzione intrinseco ma, pura ipotesi, potenzialmente più lento. La loro mano (specie di Eno) nella produzione del disco e negli arrangiamenti è riconoscibilissima.

"The unforgettable fire", come non bastasse, contiene degli autentici masterpiece. Ora, affermare che tutte le 10 tracce del disco siano pezzi da lode sarebbe esagerato, ma nemmeno così eretico: probabilmente "Indian summer sky" e "Elvis Presley and America" non sono all'altezza di capolavori quali "A sort of homecoming", "Pride", "The unforgettable fire", "Promenade", "Bad" e "MLK", ma rimangono pezzi di indubbio spessore. E quando una piccola traccia strumentale quale "4th of July" riesce a trasportati in una notte buia e misteriosa, probabilmente pericolosa, allora il cerchio è, davvero, quasi perfetto.

Come da titolo, un fuoco interiore che continua ad ardere, che non ha intenzione di spegnersi e che lotta per rimanere indimenticabile.

In questi 20 anni l'obiettivo è stato pienamente raggiunto.

SEGNALATI | Pride (in the name of love), The unforgettable fire, Bad

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#u2 #the unforgettable fire #1984

Cosa ci si poteva aspettare dall'unione di Flea, Joey Waronker, Nigel Godrich e Thom Yorke? Per quanto le aspettative potessero essere diverse, il risultato non sorprende: ovvero "Amok" è un "The Eraser" parte II, il secondo capitolo della carriera yorkeniana parallela al business core Radiohead.

Le aspettative potevano far credere in un progetto meno incentrato sull'elettronica più o meno minimalista caratterizzante, con diverse sfumature, non solo il già citato "The Eraser" (prima o poi su queste pagine) ma parte delle tante influenze dentro i Radiohead (nella sua maggiore complessità e stratificazione). In realtà "Amok" è un altro figlio della coppia Yorke-Godrich, Flea (soprattutto, vista la sua riconoscibilità come musicista) e Waronker sembrano incidere, almeno in fase creativa, in misura marginale.

Del resto gli "Atoms for peace" nascono per portare in tour proprio "The Eraser" e "Amok" è stato pensato con la volontà di ricreare live le tracce di matrice puramente elettronica che Yorke conservava in previsione di un futuro secondo album solista: è quindi chiara la matrice, e l'ascolto dell'album non lascia dubbi su chi si nasconda dietro la penna. Sono tracce che trattate dai rimanenti Radiohead si sarebbero arricchite e stratificate per costituire il fulcro di un nuovo album del gruppo: ma nulla da stupirsi, lo stampo è quello.

Ma questa modesta disamina non vuole essere una stroncatura, perchè "Amok" è un buonissimo album, che certo non porta nulla di eccezionalmente diverso al percorso Radiohead-Thom Yorke: è in realtà il passo seguente a "The Eraser", come già accennato, meno minimale, più vivo e pulsante, con una sottile voglia di distinguersi per essere più solare e, passatemi il termine, ballabile.

I pezzi del resto ci sono: da "Before your very eyes" a "ingenue", da "Default" a "Reverse Running" per finire alla title track (il momento probabilmente più intenso),Thom si conferma quella macchina musicale capace di sfornare pezzi pieni di sentimenti, spesso contrastanti e stranianti tra loro.

E' sempre una questione di aspettative: chi si aspetta un disco rivoluzionario rispetto al percorso di Thom Yorke rimarrà deluso, chi è pronto per un buon disco dopo l'altrettanto ottimo "The Eraser" (forse superiore in realtà) rimarrà ancora una volta piacevolmente avvolto dalle atmosfere oniriche e avvolgenti, capaci come d'abitudine di andare a segno e, in un certo senso, fare male.

SEGNALATI | Before you very eyes, Ingenue, Amok

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#atoms for peace #amok #2013

Il lato indisciplinato del blues, selvaggio, è un sinonimo di Rolling Stones. "Let it bleed" è una delle sacre scritture (rock) degli Stones e della grande famiglia delle sette note. "Let it bleed" è un selvaggio viaggio correndo tra rock, blues e soul.

"Let it bleed" rientra nel novero degli imprescindibili, di quei dischi che non possono rimanere nell'ombra e che non possono non essere ascoltati: qua dentro, e non è puro esercizio di stile scriverlo, trova confortevolmente spazio la storia.

Gli anni 60-70 hanno rappresentato al meglio l'amore per il fare dischi, che erano l'espressione a tutto tondo dell'arte: dalla scelta dei temi, a quella dei suoni, nella loro innovazione, all'attenzione per l'aspetto visuale che concludeva col definire l'album, con il renderlo riconoscibile: "Let it bleed" è tuttp questo. Lo è nella compattezza, nel non riempire i solchi di note per necessità, nel perfetto susseguirsi delle varie tracce, nella commistione di atmosfere diverse e contrastanti eppure unitarie, nell'immagine di quella torta pronta a distruggersi sotto l'adrenalinica spinta del rock.

"Let it bleed" è un capolavoro e lo è per 9 tracce quasi perfette, con degli inni eterni quali "Gimme shelter", "Let it bleed", "Midnight Rambler", "You can't always get what you want" capaci di trasformare in oro della semplice sabbia.

"Let it bleed" va suonato rumoroso, come si raccomanda nella busta interna: altrimenti come farebbe il blues, il rock, il soul a far sanguinare?

Sanguinate gente, sanguinate!

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#Rolling Stones #let it bleed #1969

MARK KNOPFLER | PRIVATEERING | 2012 | Mercury Records | 1. Redbud Tree 2. Haul away 3. Don't forget your hat 4. Privateering 5. Miss you blues 6. Corned beef city 7. Go, love 8. Hot or what 9. Yon two crowns 10. Seattle 11.Kingdom of gold 12. Got to have something 13. Radio city serenade 14. I used to could 15. Gator blood 16. Bluebird 17. Dream of the drowned submariner 18. Blood and water 19. today is okay 20. After the beanstalk | Prodotto da Mark Knopfler | VOTO: 7,5

Dentro quest'ultimo lavoro discografico c'è tutta l'eleganza e la serenità nel fare musica di un maestro che non ha più nulla da dimostrare, ma che ha il solo piacere a imporgli di far suonare una Stratocaster o una più gentile acustica.

"Privateering" è un lavoro rilassato, levigato, sereno, pieno di blues più acustico che elettrico, dove sono i toni lenti a prevalere sui momenti ritmati e ad essere la colonna portante del disco: nonostante la non indifferente mole di canzoni inserite, questo disco ha una leggerezza, non nei contenuti, ma nelle atmosfere, nel clima, che riesce a nascondere il pericolo di troppa carne al fuoco. E' anche vero che, paradossalmente, il taglio dei pezzi costruiti più con l'orecchio al ritmo, che da un lato avrebbe reso il tutto più monolitico, dall'altro avrebbe compattato il meglio e elevato ancora di più il livello di un disco di alta qualità.

"Privateering" non inventa nulla, né in assoluto né nella storia di Knopfler: è la naturale prosecuzione della carriera post-Dire Straits, fuori dalle logiche del mercato (ammesso che ne esista uno ancora) e dentro il solo scopo di scrivere musica. E poi, quando entra quella chitarra elettrica, quel tocco inconfondibile, è come capire che tutto è al posto giusto: non succede spesso in "Privateering", dominato più dal suono acustico ed è per questo che il trademark usato sapientemente diventa ancora più rumoroso.

In fin dei conti, il sultano dello swing è sempre qui, come non fosse passato che un giorno dal 1978. Ed è una bella certezza.

SEGNALATI | Privateering, Go Love, Bluebird

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#mark knopfler #privateering #2012

THE POLICE | ZENYATTA MONDATTA | 1980 | A&M Records | 1. Don't stand so close to me 2. Driven to tears 3. When the world is running down, you make the best of what's still around 4. Canary in a coalmine 5. Voices inside my head 6. Bombs away 7. De do do do, de da da da 8. Behind my camel 9. Man in a suitcase 10. Shadows in the rain 11. The other way of stopping | Prodotto da The Police & Nigel Gray | VOTO: 7

È considerato un album di transizione tra il prima ("Reggatta de blanc") e il dopo ("Ghost in the machine") e non è un'affermazione stonata: è un classico album da saliscendi, picchi e discese in pianure (o strapiombi, ma non è il caso).

Però è un disco che conferma quanto i Police abbiano uno strettissimo rapporto di amicizia con il ritmo, con quel loro ritmo che sporca il reggae con il pop/rock e che è un autentico marchio di fabbrica. Lo start del disco è da masterpiece: "Don't stand so close to me" , che è già materia con la quale molti gruppi potrebbero costruirsi una carriere, è solo l'antipasto alla doppietta capolavoro che rappresenta il motivo di "Zenyatta Mondatta". Doppietta che va sotto il nome delle (scegliete voi un aggettivo esagerato e inseritelo, almeno nella mente. Non voglio essere banale) "Driven to tears" e "When the world is running...", legate quasi fossero un'unica danza: basso e batteria si divertono a creare la stanza sonora per far entrare i fraseggi di chitarra e l'inconfondibile voce di Sting.

Il disco (purtroppo) non mantiene queste premesse nel suo svolgersi: alcune tracce, piacevoli, rimangono a galleggiare senza insinuarsi sotto-vena ("Canary in coolmine" è un esempio), senza però dimenticarsi di quella "De do do do, de da da da" (che a dispetto del titolo, ha un testo tutt'altro che giocoso..anzi il titolo è funzionale al suo significato) e delle due strumentali (ve ne sono tre nel disco) "Voices inside my head" e "Behind my camel". Non raggiungono quella doppietta citata poc'anzi, ma formano con essa un' ottima (e anche più) metà disco.

Ma al di là dei gusti personali, delle singole tracce, dei testi, dei suoni...è il ritmo il significato della scritta "The Police", a qualunque costo. Anche nella transizione.

SEGNALATI | Driven to tears, When the world is running down, you make the best of what's still around, Voices inside my head

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#the police #Zenyatta mondatta #1980

ELIO E LE STORIE TESE | L'ALBUM BIANGO | 2013 | Hukapan - Sony Music | 1. Televisione russa 2. Dannati forever 3. La canzone mononota 4. Il ritmo della sala prove 5. Lettere dal WWW 6. Enlarge your penis 7. Lampo 8. Luigi il pugilista 9. Una sera con gli amici 10. Amore amorissimo 11. Il tutor di Nerone 12. Reggia (base per altezza) 13. Come gli area 14. A Piazza San Giovanni 15. Complesso del primo maggio | Prodotto da Elio e le Storie Tese & MC Costa | VOTO: 6,5

Dal complessino ci si aspetta sempre tanto: l'asticella è sempre verso livelli da primati. Perché il loro dissacrante umoristico sguardo verso la società, accompagnato a quell'innato genio di muoversi tra le sette note, ha portato ad un susseguirsi di dischi, canzoni e intermezzi diventati parte del linguaggio comune e della "tradizione".

Quando l'aspettativa è alta, un buon album può non bastare a riempire completamente il gusto: in un certo senso è quello che accade con "L'album biango", che sembra solo, appunto, un buon lavoro. Ma nulla di nuovo; un altro disco di Elio, che alterna geniali intuizioni (l'arcinota e premiata "La canzone mononota") con momenti trascurabili, anche se piacevoli ("Amore amorissimo"). Come se, nonostante i 5 anni di attesa da "Studentessi", un nuovo disco è solo un qualcosa, prima o poi, da fare. Intendiamoci: "L'album biango" è curatissimo, studiato come sempre nei dettagli, ma rilascia quella sensazione da viaggio con il pilota automatico. Ci si ritrova l'Elio che tutti conoscono e questo danneggia la sensazione di originalità anche nei momenti più fuori dal coro. Gli stessi temi trattati, legati principalmente a due filoni, quello musicale e del web tra tutti, sembrano un rimescolare di quanto già detto, a volte con più efficacia ("il Rock'n roll", ad esempio), in passato.

Ma, detto questo, "L'album biango" rimane un disco di qualità, certo alterno e con qualche pausa, ma che sconta più di quanto meriterebbe il fatto di nascere figlio di una ormai discreta tradizione di geniali album: i figli d'arte non hanno mai vita facile.

SEGNALATI | La canzone mononota, Lampo, Canzone del primo maggio

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#elio e le storie tese #album biango #2013

Parafrasando il titolo, questo disco è veramente la diffusione della voce di un padrone: perché in qualche modo è da qui che Battiato conquista la musica italiana.

Profeticamente, "La voce del padrone" è la dichiarazione d'intenti per superare la sperimentazione estrema degli anni '70 (ci torneremo, prima o poi) e giocare col pop, da dominatore. E il terzo tentativo è anche quello dell'esplosione mediatica e commerciale.

Ma, attenzione: tutto questo si lega ad un disco diabolicamente perfetto. Compatto nelle sue sette tracce, scorre via senza punti bassi, senza fasi di alterna ispirazione: sono semplicemente sette pietre miliari della musica che, per la buona stella che solo in rari casi guida un cammino, si sono trovate a nascere nello stesso momento e nello stesso luogo.

Il disco è completamente anniottanta: ogni suono, ogni minuscola nota è vestita in modo tale da ricadere in quel decennio. Eppure, non suona vecchio, suona bene: perché "La voce del padrone" si identica nel suo modo di arrivare alle orecchie, è la sua carta d'identità, il semplice ascolto distratto fa riconoscere una di queste sette tracce senza nessuno sforzo. Quel suo modo di suonare ballabile e scanzonato è il marchio consegnato alla storia, il tatuaggio che lo identica senza possibilità di errore.

Il suo essere diabolico risiede tutto nell'arte di scrivere pop non come semplice foga commerciale, ma come il proseguimento del cammino sperimentale che aveva portato, negli anni 70, Battiato a diventare uno strano innovatore, spesso poco digeribile: ma, in realtà, "La voce del padrone" (così come i suoi predecessori pop, "L'era del cinghiale bianco" e "Patriots") non rinuncia a quella lezione, ma l'evolve, fondendo le riflessioni folli del Maestro con una musicalità nuova e orecchiabile. La commistione di testi folli, poetici o filosofici e della ballabile semplicità pop della musica ha creato il capolavoro e questo calamitante effetto all'ascolto.

Difficile dire se "La Voce del padrone" sia effettivamente l'album migliore di Battiato: ma non credo di poter essere smentito dicendo che questo è l'Album, scritto in maiuscolo, del Maestro, quello che, per molti aspetti, sintetizza il genio di uno dei più grandi di sempre. Per dirla meglio: l'effettivo centro di gravità permanente.

SEGNALATI | Summer on a solitary beach, Bandiera bianca, Centro di gravità permanente

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#franco battiato #la voce del padrone #1981

DAVID BOWIE | THE NEXT DAY | 2013 | Sony music | 1. The next day 2. Dirty Boy 3. The Stars (are out tonight) 4. Love is lost 5. Where are we now? 6. Valentine's day 7. If you can see me 8. I'd rather be high 9. Boss of me 10. Dancing out in space 11. How does the grass grow 12. (You will) Set the world on fire 13. You feel so lonely you could die 14. Heat (Bonus track: 15. So she 16. Plane 17. I'll take you there) | Prodotto da Tony Visconti & David Bowie | VOTO: 8,5

Dieci anni ottimamente ripagati: tanto è infatti il tempo trascorso tra l'ultima uscita del Duca e "The Next Day", che è stato per molte orecchie una botta inattesa. Qua infatti Bowie torna ad altissimi livelli, con un disco compatto, nonostante un minutaggio non indifferente e un numero di tracce non trascurabile, dove persino le bonus track meriterebbero di entrare a pieno diritto, e ufficialmente, nella tracklist del disco.

"The next day" è la voglia di ripartire, dopo un periodo non particolarmente felice, tanto dal punto di vista artistico che da quello personale. Una improvvisa sveglia dopo giornate e mesi appartati. In effetti il disco è carico di energia, di ritmo: a posteriori, il primo struggente singolo "Where we are now?" è un momento praticamente unico nel disco e fuorviante per quanto riguarda l'idea del tenore complessivo del lavoro.

Perché, come detto, l'album rimane su binari decisamente rock, oscillando tra episodi tratteggiati ora di tinte più glam, ora più pop, ora più classic, ora più sperimentali: probabilmente ogni fanatico bowiano troverà nel disco il suo Bowie preferito (tenendo conto che definire la musica di Bowie, nel suo complesso, con una sola descrizione è un'impresa assai ardua), perchè in effetti il disco sente le influenze di tutto il passato del Duca. Senza, però, cadere nel vecchio, nell'inutile ripetizione del già sentito:il merito va ad un susseguirsi di tracce senza cadute di tono, ad una bella varietà di atmosfere, ad arrangiamenti curati al dettaglio e perfettamente modellati sulla base da vestire.

Non fosse un disco con quel nome in copertina, sarebbe la "the next big thing" della musica internazionale. Invece la mestosità di David Bowie relega "The Next Day" solo ad una decisa candidatura a miglior disco dell'anno (almeno).

SEGNALATI | The stars (are out tonight), Valentine's Day, Heat

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#david bowie #the next day #THEROCKTECA

ZUCCHERO SUGAR FORNACIARI | LA SESIÒN CUBANA | 2012 | Polydor-Universal Music | 1. Nena 2. Baila (Sexy thing) 3. Un kilo 4. Never is a moment 5. Guantanamera (Guajira) 6. Cuba Libre 7. L'urlo 8. Indaco dagli occhi del cielo 9. Love is all around 10. Così celeste 11. Pana (with Bebe) 12. Ave Maria no morro (With Djavan) 13. Sabor a ti | Prodotto da Zucchero e Don Was | VOTO: 6,5

Se Adelmo ha una qualità evidente è quella di non rimanere nel sentiero tracciato, di successo, dal botto scaturito da "Blue's" e "Oro, incenso & birra" sul finire degli ormai lontani anni '80. Soprattutto con la comparsa del nuovo millennio, Zucchero ha sempre cercato di spostare l'asticella, non sempre con piena fortuna (penso a "Zu&Co." in particolare): "La Sesiòn cubana" rientra in questa ricerca di suoni e colori nuovi, in territori non pienamente usuali.

Spingersi fino a Cuba, come raccontato proprio da Zucchero, era un suo grande sogno musicale (e non), nato dopo il concerto al Cremlino del 1990 (da cui nacque, quasi per caso, "Live at the Kremlin" del 1991): un grande concerto offerto al popolo cubano, superando le enormi difficoltà di organizzazione di un evento simile in una terra che non ha nulla del necessario per gestirne uno. Il concerto dell'8 dicembre 2012 ha raggiunto l'obiettivo.

Questo disco è l'apripista, il sostegno artistico-commerciale più ampio di quel progetto, ed è frutto di serrate sedute di registrazione in terra cubana e con musicisti indigeni per ridipingere gli spartiti di casa Fornaciari con nuovi pennelli. Un intenso mese di incastro nella vita cubana.

"La sesiòn cubana" raccoglie e avvicina alcuni classici zuccheriani rivisitati in questa chiave, alcune cover che rientrano nelle atmosfere di Cuba e del ceppo folk-soul e qualche inedito. È scaturito l'ennesimo lavoro raffinato e curato, con diverse chicche che però sconta quella patina di "album di transizione" o di "quasi greatest hits" che, spesso, investe album di questo tipo. Più che altro per le nuove versioni dei brani giù noti dell'Adelmo che, pur se migliorati in diversi casi rispetto all'originale (penso ad esempio a "Cuba Libre", che è nata per questo, pur non essendo poi molto diversa; a "Un kilo; a "Indaco dagli occhi del cielo") in fin dei conti aggiungono poco al conosciuto. Mentre nelle cover vi sono festose esaltazioni di quelle atmosfere immaginate immediatamente al sentire la parole Cuba risuonare: in particolare "Nena" e "Pana" sono delle colonne sonore a festose rappresentazioni del popolo cubano, così come trovano spazio piccoli gioielli come "Ave Maria no morrò" e "Never is a moment", quest'ultima di matrice chiaramente folk. Così come i due inediti "Love is all around" e "Sabor a ti" sono pezzi di elevata fattura (piccola curiosità su "Sabor a ti": la si può definire una ripresa, cantata, di "Anna Solatia" contenuta in "Miserere", una delle tante canzoni sottovalutate contenute negli album di Adelmo). "Guantanamera", per quanto piacevole e per certi versi doverosa, non dissimula del tutto quel sapore eccessivamente evergreen che fa ormai parte del suo DNA.

Proprio la rivisitazione in salsa cuba dei classici è il lato meno incisivo del lavoro perché mancante di quella novità tale da farli apparire nuovi, finendo, come accennato, per restituire quel sapore di transizione ad un lavoro, in ogni caso, di spessore, soprattutto per il lato in cui Zucchero nasconde il già noto. Non perfettamente omogeneo forse e non coraggioso fino in fondo, probabilmente per la comprensibile paura di diventare troppo caricatura di un genere.

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#ZUCCHERO #LA SESION CUBANA #2012

THE BEACH BOYS | PET SOUNDS | 1966 | Capitol | 1. Wouldn't it be nice 2. You still believe in me 3. That's not me 4. Don't talk (put your head on my shoulder) 5. I'm waiting for the day 6. Let's go away for awhile 7. Sloop John B 8. God only knows 9. I know there's an answer 10. Here today 11. I just wasn't made for these times 12. Pet sounds 13. Caroline No | Prodotto da Brian Wilson | VOTO: 9,5

"Pet sounds" è l'album pop, per eccellenza. Uno di quei dischi che chiamare fondamentali è riduttivo, per le innovazioni della forma canzone e nella sua vestizione, per la qualità incredibile delle composizioni scaturite dalla mente di Brian Wilson (con qualche contributo sparso).

Non c'è una nota, un singolo suono, una parola fuori posto: un collage che, pur se sposta il tipico suono Beach Boys, mantiene una evidente atmosfera di un sereno tramonto estivo, uno scenario che ci vede intenti a sorseggiare qualcosa nel lungomare.

E' un disco pieno di suoni e strumenti nascosti nei solchi di un vinile, che creano un tappeto leggero, soffice, rilassante, dove è spesso l'organo a diventare il collante. Poche le chitarre, i ritmi sono diradati, il basso cerca di rimanere al suo posto. Immancabili le armonie vocali, il timbro del gruppo, che diventano quasi eteree nei momenti più leggeri.

È difficile dire altro di album fondanti come "Pet sounds" che non sia: premete il pulsante play, o meglio, abbassate la puntina del giradischi. Perché la musica non ha bisogno di altre parole, ha bisogno di riempire il mondo intorno. Qui, da "Wouldn't it be nice" a "Caroline No", di questa musica per riempire l'intorno ne abbiamo in abbondanza, quasi troppa: qualcuno potrebbe intimorirsi, abituato all'oggi.

(Piccola curiosità: "Pet sounds" nasceva con la determinazione di essere una concreta risposta alla grande spinta in avanti portata dai Beatles con "Rubber Soul" e "Revolver" e, di conseguenza, come una sana voglia di superare quei due capolavori, E a sua volta, "Sgt. Peppers" era la voglia del gruppo di Liverpool di alzare ancora di più l'asticella dopo i dirompenti suoni degli animali registrati dai ragazzi della spiaggia che avevano conquistato, tra tutti Paul McCarthy. Bei tempi)

SEGNALATI | Wouldn't it be nice, God only knows, Here today

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#BEACH BOYS #PET SOUNDS #1966

EDDIE VEDDER | UKULELE SONGS | 2011 | Universal Music | 1. Can't keep 2. Sleeping by myself 3. Without you 4. More than you know 5. Goodbye 6. Broken heart 7. Satellite 8. Longing to belong 9. Hey Fahkah 10. You're true 11. Light today 12. Sleepless night 13. Once in a while 14. Waving palms 15. Tonight you belong to me 16. Dream a little dream | Prodotto da Adam Kasper & Eddie Vedder | VOTO: 6,5

E' limitativo dire che questo è un disco solista. Perché è qualcosa di più personale di un disco solista: è un rifugio, un piccolo angolo, solitario, utilizzato per parlare con se stesso. Uno spazio senza filtri e senza maschere. Più che un disco solista, è un piccolo diario fatto di riflessioni, di paure, di amore, che cresce da dentro. Che fa dell'intimità la matrice fondamentale.

L'album è nudo: nei testi e nella musica. Che vive di un solo suono: l'ukulele, che crea quel fuoco caldo, ma ristretto, di cui Eddie ha bisogno per parlare.

Ci sono diversi bei momenti, melodie che volteggiano tra le delusioni e le speranze e nel loro tono malinconico hanno la capacità di portare sollievo. Ma ovviamente, e non poteva essere altrimenti, il suo essere monocorde si avverte: il non avere arrangiamento, il suo clima così compatto tende a far assomigliare le varie canzoni. Che, in effetti, quasi soffrono l'una vicina all'altra: come se l'essere così vicine ne faccia perdere l'unicità, nascondendo magari le "Sleeping by myself" o le "Longing to belong". Nonostante siano solo 34 minuti, sono troppi:se fosse stato un fuoco ancora più piccolo, se avesse procurato meno luce avrebbe scaldato in misura maggiore. Ma sarebbe stato un calcolo, e non racconti scritti per il bisogno di farlo.

"Ukulele song" in realtà non è un disco, non è fatto per essere un prodotto: è semplicemente nato, ed è rimasto proprio come è stato concepito: nudo.

SEGNALATI | Sleeping by myself, Longing to belong, You're true

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#EDDIE VEDDER #UKULELE SONGS #2011

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