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“Tiny Toons Adventures: ACME All Stars”. Era por abajo Buster Bunny…

Durante la década de los 90, Sega y Súper Nintendo encararon una guerra de consolas de las que ya no se ven. Solo ellas dos hegemonizaban el mercado, y había que decidirse. No tengo dudas que en Argentina ganó Sega, dado que el precio de la SNES y de sus juegos era más elevado, además de conocer solo dos personas con dicha consola en mi vida (o vivo en una ciudad pobre, o me juntaba con gente con bajos valores adquisitivos, pero como sea, solo dos entre más de 50 personas). Pero a nivel mundial, el ganador fue la SNES. Y no era para menos: Donkey Kong Country y Super Metroid barrieron con la competencia al presentar gráficos y jugabilidad diferentes.

No obstante, se repartieron buenos golpes ambas consolas, cada una con sus exclusividades. Y si nos ponemos a hilar finos en ellas, encontramos rarezas. Para Sega, uno de los títulos propios fue el curioso “Tiny Toons Adventures: ACME All Stars”, un juego donde esos recordados personajes de la década del 90 se dedicaban a los deportes, lejos de su versión de NES donde había que pisar enemigos como cualquier aventura en 2D de la época. ¡Señor juez, cuando usted lo disponga!

PRÓLOGO: ¿QUÉ CARAJO ES UN TINY TOON? DEDICADO A LOS MÁS JÓVENES

Muchos de los que pisan los 30 como yo, pueden decir “¿hay necesidad de explicar eso?”. Y la respuesta es “si, viejo de mierda”. Porque quizás el tiempo no nos haga ver un detalle no menor: la serie de los Tiny Toons duró de 1990 a 1995. Poco tiempo para estar tan inmortalizada en la mente de algunos. De 1990 a 1992 se emitieron las 3 temporadas de la serie, que serían algo más de 100 capítulos. Luego la serie se cancela para dar paso a Animaniacs. De 1992 a 1995, salió algún que otro especial, al estilo película corta, y ya en ese año, se dio el cierre definitivo.

La idea de la Warner era un robo simple: una nueva generación de los famosos Looney Toons (que no era más que versiones infantiles/adolescentes de los clásicos Bugs Bunny, Pato Lucas, etc.) vivían en Ciudad Acme y aprendían a ser graciosos como sus predecesores. La serie funcionaba bien y fue un éxito, sobre todo porque ese paso de generaciones tenía un sentido: todos sabíamos que era un Looney Toon, pero generacionalmente un chico iba a sentir empatía con esas nuevas versiones que aprendían de las anteriores. Un golpe de márketing realmente eficiente. Era ver a Buster Bunny que era como… un Bugs Bunny chico… ¿genial, no? No, la verdad que no, pero bueno, sigamos…

Y como toda serie de la Warner, iba a tener su aterrizaje en el mundo de los videojuegos. Del 91 al 93 salieron 7 juegos para las consolas NES, SNES y Sega. Todos de aventuras, y similares entre ellos. Pero el éxito de la serie también repercutiría en el éxito de ventas. Obviamente, en la época de los 16 Bits las cosas eran distintas: hoy suele ser común que los juegos basados en series o películas fallen y viceversa. Pero en aquellos tiempos, un éxito de la televisión ganaba dinero fácilmente en los videojuegos, sobre todo teniendo en cuenta que sin ver videos en internet, había que comprarlo para saber como era. Y te la tenías que comer te llevabas un chasco…

1994, LAS DOS VERSIONES

En 1994 SNES y Sega en plena batalla, apelaron a una misma idea: los Tiny Toons tienen que ser deportistas. No obstante, los caminos fueron diferentes. Super Nintendo sacó “Tiny Toon Adventures: Wacky Sports Challenge”. El juego se basaba en estos personajes llevando a cabo una serie de diferentes deportes, pero de corte olímpico. Y como todos sabemos, las Olimpiadas nos importan un carajo. Este intento de deportes olímpicos en los videojuegos ya había visto la luz en un juego de NES sobre Barcelona 92. Fue pintoresco, pero no iba a funcionar con estos personajes de la Warner. Amén de eso, la consola daba para mucho más que un juego con unos gráficos bastantes flojos. Si bien a los norteamericanos les importa el medallero olímpico, a gran parte del mundo no. Verlos hacer salto en alto con gráficos dudosos, era sencillamente bajonero.

Además, 1994 era momento de algo más grande: el mundial de fútbol, que se llevaba a cabo justamente en la Meca del odio al fútbol, Estados Unidos. Un juego con deportes olímpicos tiene que venderse en plena olimpiada, de lo contrario, será condenado al fracaso.

El 20 de mayo de 1994 Konami saca para Sega Génesis “Tiny Toons Adventures: ACME All Stars”, donde los desarrolladores percibieron que los gustos de la gente trascienden a los límites de baseball y “fútbol americano” estadounidense, por lo que crearon un producto no solo acorde con la fiebre de “soccer” (palabra de mierda) de norteamérica, sino del resto de los países en general. En este round, Sega ganaba claramente.

GANEN O MUERAN

“Tiny Toons Adventures: ACME All Stars” es uno de los títulos que más me llaman la atención hasta hoy. Lejos de esos clásicos donde Buster agarraba zanahorias y pisaba enemigos a lo Súper Mario, ahora él y el resto de los personajes se verían en competencias de distintos deportes. Buster Bunny, Babsy Bunny, el Pato Plucky, Hamton J. Cerdo, Max Montana, Elvira Duff, Shirley McLoon, Fifi La Fume, Coyote Calamidad, y Dizzy Terremoto eran los personajes seleccionables para llevar a cabo 5 competencias: fútbol, básquet, carrera de obstáculos, bowling, y el Montana Hitting o “pegarle al topo”. Cinco sencillos pero conocidos juegos que a la mayoría de la gente le gusta, a diferencia de un salto en alto o alguna de esas cosas que solo servían para que EE.UU. y la URSS se sacaran chispas.

El juego constaba de dos estilos. El libre, donde uno elegía cualquiera de las disciplinas y armaba su equipo a gusto, o el modo historia, donde debíamos seguir en un orden las competiciones, casi siempre sin poder elegir los miembros del equipo, y con un hilo conductor que le daba un sentido (el cual ya ni me acuerdo para ser sinceros).

FÚTBOL Y BASQUET

El fuerte del juego iba definitivamente por este lado. A quien no le gusta el fútbol, le gusta el básket, o viceversa (y al que no le gusta ninguno de los dos, no sé, que agarre una muñeca). En ambos podíamos seleccionar como iba a ser nuestro equipo y el rival, y además, el lugar donde lo haríamos.

En cuanto al fútbol, los equipos eran de 4. Se seleccionaba al arquero, y a los otros 3 que los ubicábamos en diferentes puntos de la cancha (izquierda, centro, o derecha, más eficaz que Bielsa). Efectivamente, era un arcade y no un simulador de fútbol, lo cual le sacaba seriedad pero… ¿quién iba a buscar eso en un juego de los Tiny Toons?

Los controles eran simples: con uno se pateaba, con otro se tiraba el centro, y con el otro era el súper movimiento. El tiro al arco solía ser gol en 3 o 4 ángulos, dependiendo casi siempre de un rebote que iba a dar el arquero para convertir. En mi experiencia, un tiro cruzado desde la línea lateral al arco o uno de lejos en línea recta al palo, era lo más eficaz. Los centros tenían dos maneras de resolverse. O esperábamos que la pelota bajara y metíamos un cabezazo (solo había que apretar el A que era el botón del tiro al arco), o saltábamos (apretando el B que era el centro, pero había que hacerlo cuando se sabía que estábamos manejado el receptor del centro) y en el aire hacíamos una chilena que agujereaba literalmente la red. En ocasiones, la pelota quedaba picando y si a la carrera intentábamos patear, un cabezazo al ras del piso era un tiro violento que sacaba al arquero de combate.

Justamente, ese era otro detalle. Efectivamente no estábamos frente al FIFA o el Winning Eleven. Robar una pelota se hacía mediante darle una murra al rival. Nada de quite limpio: piñas, patadas, empujones. La víctima solía ser el arquero, quien generalmente terminaba en el piso con estrellas en la cabeza dejando el arco solo (algo que pasaba también con el resto de los jugadores). De ahí que cada personaje tuviera su barra de energía: cuando bajaba, terminaba en el piso, previo a que se notara que corría más lento y fallaba en pases y definiciones. Pero además, esa barra servía para el movimiento “súper”. Apretando el C, cada personaje ejecutaba un movimiento propio. Buster corría llevándose puesto todo y pateando de forma tal que el arquero quedara inconsciente y fuera gol. Max Montana pelaba un auto en pleno estadio para atropellar y tirar un disparo incontenible. Calamity Coyote sacaba uno de sus tantos inventos que aplastaba jugadores y hacía otro disparo fuerte. En fin, cada uno con un movimiento que era casi un gol cantado.

El básquet no se diferenciaba tanto en la jugabilidad. Piñas, patadas y movimientos “súper” pero ahora adaptados para este deporte para ahora, equipos de 3 jugadores. Obviamente contaban dobles y triples, pero el detalle de las volcadas y grandes saltos que terminaban en robos aéreos de pelota.

Para que los juegos no sean monótonos, podíamos elegir entre 5 escenarios con su propia dinámica. Para empezar, estaba el estadio, el cual se llevaba a cabo un partido normal. Luego estaba el bosque, donde los cardos del piso te hacían tropezar si no los veías. Algo similar en el callejón, donde tanto arco como aros de básquet eran rústicos, y las manchas de aceite complicaban jugar. Un escenario al estilo oeste parecía más tranquilo excepto por los caballos que te daban una buena patada en los dientes si llegabas cerca de la línea final, y barriles que te tiraban cada tanto. Y por último, la habitación de Max Montana, el multimillonario. No solo unos trenes eléctricos de juguete te podían arruinar un ataque, sino que nunca sabíamos cuanto valía un gol en el fútbol, o un doble o triple en el básquet. Después de hacer cualquiera de esas cosas, una ruleta te indicaba cuanto valía lo que habías hecho. Podía ser 5, podía ser nada. El detalle de cinco lugares distintos le daban mucha variación al juego, haciendo que pasara mucho tiempo antes de sentirlo repetitivo.

LOS OTROS DEPORTES

Tres tipos de juegos más completaban el titulo, pero a diferencia del resto, no se podía elegir con quien jugar (jugador 1 siempre era Buster Bunny) y tampoco el lugar.

La carrera de obstáculos era sencilla: había, como cualquier juego de este estilo, que apretar continuamente un botón. Pero a esta altura, ya nos podemos imaginar el estilo de obstáculos. Desde plataformas que nos tiraban más adelante, hasta piedras y paredes que nos perjudicaban, pasando por paquetes que se pisaban para un premio a un castigo. No importaba que tan bueno podías ser, la suerte era la que decidía.

El “Montana Hitting” era el típico “pegarle al topo”. El jugador y 3 más, con martillos de goma, tenían que pegarle a la mayor cantidad de Max Montana que pudieran. Sencillo… o no tanto con las bombas que te caían.

Pero sin duda, el mejor de estos 3 era el bowling. Para ser un juego de sega estaba muy bien armado. Desde elegir la dirección hasta en donde pararnos, la velocidad y, obviamente, acertar el momento exacto de apretar el botón. Podían pasar semanas hasta que ganaras un partido. Cuando el tiro iba muy bien dirigido, algo solía suceder: se multiplicaban las bolas (¡ja!), explotaban los pinos, o la bola giraba para barrer con todo (o casi siempre, de los pocos bugs que recuerdo, la pelota podía girar y dejar un pino en pie) con los cuales era un “strike”. O a veces no pasaba nada, y era un “strike” igual. Al igual que los otros dos minijuegos, era un enfrentamiento entre cuatro. Posiblemente, junto al fútbol y el básquet, el más entretenido.

CONCLUSIÓN

Tiny Toons ACME All-Stars es una joya del Sega Génesis. Obviamente, si uno buscaba un juego serie de fútbol iba a ir al FIFA o al ISS Pro Deluxe (aunque este tampoco era un simulador sino un arcade, y en algún momento hablaremos del asunto). Lo mismo con un juego de básquet. Sin embargo, el título funcionó.

Lo simple y por momentos bizarro lo hacían bastante divertido. Lo absurdo de no saber en determinados estadios cuanto podía valer un gol, romperle la cara al rival para sacarle la pelota y hacer una volcada, explotar pinos de bowling, todo era parte de una propuesta distinta para encarar un juego de deportes con personajes de moda de la época. Algo que otras sagas han hecho y mucho más cerca en el tiempo.

Buen juego del que uno no se cansaba rápido dada la variedad de escenarios y deportes. ¿Por qué triunfó frente a la propuesta de SNES? Sencillo: ¿quién paga por fuera de EE.UU. y algunos países más para jugar al baseball? Pocas veces Sega superó a la Super Nintendo… aunque después se comería una paliza. Como las que se comería Nintendo cuando Sony le hizo frente. Pero esa es otra historia.

#retro #sega #tinytoons #snes

Alone In The Dark: terror en diskettes de 3 1/2

Mezclar el terror con la acción es un clásico en los videojuegos. Si hay que hablar de esto, algunos van a nombrarme sagas como Resident Evil y Silent Hill. Yo iría más atrás: Viernes 13 en 8-bits me llenó el culo de preguntas provocó más de un susto. Hoy por hoy, Siren, Dead Space, F.E.A.R. son ejemplos del renacer del terror en los juegos de esta generación. Una extraña moda de aventuras gráficas en primera persona como la saga Penumbra, el Outlast o la versión de Ju-On donde la gracia es no morir de un paro cardíaco, le dieron otra vuelta de tuerca al asunto.

Los argumentos son el fuerte. El ya nombrado Silent Hill incursionó en el terror psicológico como nunca nadie lo había hecho antes. En el 1 y el 3, “El Culto” es el protagonista de la historia, mientras que en el 2, la ciudad manifestando nuestros sentimientos nos hizo embarrar los calzoncillos, llegando al 4 o “The Room”, donde Sullivan hacía su inolvidable presentación. Todo mientras Resident Evil nos paseaba del T-Virus, al G, a las esporas en una aldea de España alrededor de un culto manejado por un deforme y un enano.

Pero todos ellos tienen un padre, algo viejo, desconocido por sus nietos, internado en un geriátrico, y reconocido en las nuevas generaciones por secuelas que no llegaron a ser ni la mitad de su primera parte: Alone In The Dark.

ARMANDO LOS POLÍGONOS

En 1992 la ya extinta Infogrames empezó a trabajar con un motor gráfico poligonal que permitía crear un personaje en 3D que se desplazara sobre una imagen fija. La diferencia gráfica entre el personaje y el fondo era enorme. No obstante, para la época fue una revolución.

Una pequeña demostración de un hombre de bigotes desplazándose por un desván convenció a todos en la empresa que debía ser la piedra fundamental para un videojuego. El problema era uno: ¿Qué argumento ponerle? El ático era aterrador (casi tanto como una cara poligonal), por lo cual, una historia oscura debería desarrollarse. Y si de historias oscuras se trata, solo hay un nombre que garantiza conseguirlo: Lovecraft. El padre del llamado “terror cósmico” podría sentar las bases para hacer un argumento que, mezclado con una jugabilidad novedosa, pateara el tablero en el mercado. Solo 400.000 dólares fueron necesarios para desarrollar la idea. Basicamente, nada.

EL PIANO, EL TIO, Y EL ÁTICO

El juego era novedoso desde el inicio, ya que podíamos elegir entre dos. Uno era el detective Edward Carnby, un viejo con bigotes que recordaba a cualquier nacionalista católico argentino de principios de siglo, con un traje verde, moño verde y chaleco rojo que encajaba menos que un palestino en Tel Aviv. Experto en arte, religión y cuestiones paranormales (nunca médico, como quieren la madres), es contratado para ir a una mansión llamada Derceto, donde su antiguo dueño se suicidó ahorcándose, para inspeccionar un piano en el ático. Y como todos los que van a ver un piano, se llevó una .38 en la cintura (ustedes no entienden lo peligroso que son los pianos antiguos).

La otra opción era Emily Hartwood, sobrina de Jeremy Hartwood, el antiguo propietario de Derceto que emuló a una piñata colgándose del techo, para saber más sobre las causas del suicidio de su tío, dado que hay cosas de esa decisión que no le cierran. A la hora de elegirla, su look era una réplica involuntaria de Eva Perón, para que, al pasar al juego, no sepamos si se pintó los labios o hizo un tributo al Guasón. No está armada como Edward, por lo cual era un motivo suficiente para no elegirla.

Ambos empiezan en el ático de la mansión, donde seremos recibidos por dos monstruos que, si somos despiertos, podemos evitar pelear con ellos utilizando objetos. Así empieza la aventura en esta mansión de Luisiana en 1924. M

LOS PROBLEMAS DE DERCETO. ALGO MÁS QUE HUMEDAD EN EL TECHO

Si nos dábamos cuenta que Edward debía inspeccionar el piano, y hacíamos exactamente eso, nos encontrábamos con una carta:

Ya vienen. He liberado fuerzas infernales y tendré que pagar por ello. Derceto es presa del diablo. El sol acaba de ponerse. Ellos encontrarán mi cuerpo pero no tendrán mi alma. Me imagino la rabia del maestro y el terror en los corazones de sus esclavos. Oigo sus pasos. Quizá alquien entienda lo que he hecho.

Que Dios me perdone.

Adios

Jeremy Hartwood

Esa carta era toda una declaración: estábamos hasta los huevos en peligro. Porque sin saberlo, Derceto no estaba exactamente abandonada…

RECOMIENDO QUE SI NO QUIEREN LEER EL SPOILER, PASAR A LA SIGUIENTE SECCIÓN. NO LLOREN QUE LES AVISÉ

Lo poco que sabemos es que Jeremy se ahorcó aterrorizado. Y para completar la historia, debemos ir recorriendo la mansión y buscando documentos, libros, y viejos pergaminos.

Aunque complicada y dejando cabo sueltos, es atrapante. Jeremy investigó sobre esa mansión hasta la obsesión post muerte de su padre, Howard Hartwood. Derceto tiene una historia siniestra. Fue fundada en 1818 en Luisiana por Eliah Pickford, algo más que una desgracia humana según las fuentes. Las crónicas describen como hizo construir esa mansión, más un sistema de túneles que conectaba con unas cuevas que ya existían, pero de las que se sabía muy poco. En 1862, Pickford muere en circunstancias extrañas durante la guerra civil: un texto explica como intentó drogar al capitán Norton, miembro de “La Unión” (el bando antiesclavista de la guerra civil), mientras este lo baleaba, todo mientras Derceto ardía por un incendio de los Confederados (bando esclavista del sur). Norton cuenta como los esclavos de la plantación de Pickford saltaban a las llamas, gritando de dolor, solo para salvar a su amo.

Howard Hartwood compra la mansión y la restaura. Conocía la historia de dicha zona, y estaba obsesionado por aquellos túneles. Esa obsesión lo llevó a la muerte. Jeremy, su hijo, desconocía la historia, pero a través de pesadillas sabía que algo no andaba bien. Y es que Pickford aún seguía debajo de la mansión, con otra forma. Su alma era inmortal tras un pacto con Cthulu, su maestro. Un pacto que le dio la inmortalidad. Una inmortalidad que llevaba tres siglos y que le permitió ser el pirata más sangriento del siglo XVII, bajo el nombre de Capitán Pregtz. Solo esperaba el momento para revivir en un nuevo cuerpo. Jeremy se negaba a que sea el suyo y se suicidó. Pero no es menor el detalle que no solo no pudo frenar la maldición, sino que la liberó. Pickford/Pregtz espera y se manifiesta a través de Derceto. Solo quedamos nosotros como la última posibilidad que el pirata inmortal no triunfe, y no reviva a Cthulu.

SE ACABÓ EL SPOILER, VOLVÉ A LEER MAMASA LLORONA

JUGABILIDAD

La jugabilidad hoy por hoy es espantosa, pero en la época fue un boom. Nuestros personajes podían ejecutar 4 golpes (Emily tiraba patadas con una pollera encajada, algo incómodo). Al margen, algunas armas de fuego como pistolas y escopetas nos daban una mano. También alguna que otra arma blanca podía ayudar, pero no tanto. Sea cual sea el ítem, se podía arrojar al enemigo para, por lo menos, retrasarlo.

Era tosco y los movimientos costaban. Muchas veces, apuntábamos el arma sin saber exactamente a donde, solo para constatar que tirábamos 4 tiros al aire antes de acertarle al enemigo. Si, adivinaron… las balas no abundaban, lo cual daban ganar de descargarse con la computadora.

Pero esa parte de acción se completaba con momentos donde la reflexión era necesaria. Un ejemplo era darse cuenta que vaciar un cargador de .38 sobre un monstruo parado no servía, y leer la historia de Medusa que habíamos agarrado minutos antes, para resolver el problema a través de objetos que encontrábamos. El famoso “vagabundo” de la biblioteca era inmortal… o casi, si leíamos bien un libro sobre un artefacto bastante sádico. ¿Un cuadro de un indio te tira flechas y otro hachas? Lea amigo, no le voy a contar como pasar todo el juego. Esto fue una verdadera revolución, dado que daba nacimiento al género “survival horror”: acción y puzles para sobrevivir. Marca registrada del Resident Evil y, en menor medida, Silent Hill.

Los enemigos eran igual de feos que nosotros. Yo no dudaría en que los zombies fueron fuente de inspiración para Calamardo. Cierto tipo de bichos deformes nos saltaban por la ventana, que eran una mezcla de “Coraje, El Perro Cobarde” con Chernobyl. No obstante, eran aterradores, más si aparecían de la nada después de leer tranquilamente un libro.

Otra característica era la lámpara. Necesitaba aceite y servía para iluminar varios lugares más que necesarios. Quedarse sin aceite significaba estar entregado a una muerte poco feliz. Es destacable ya que este concepto de alumbrar habitaciones fue una novedad. Además servía para……. Mejor no lo cuento.

La exploración era la base del juego. Cada rincón ocultaba algo, cada artefacto tenía un uso, cada libro contaba una historia necesaria para avanzar. Una revolución para el año 1992.

LA INSPIRACIÓN EN LOVECRAFT

Dijimos al principio que Lovecraft era la base esencial. En efecto, si bien la historia de Pickford y los Hartwood son propias del juego, la insistencia con los mitos de Chutulu (o como carajo se escriba) son constantes. Entre los libros, dos destacan. El primero es “Fragmentos del libro de Abdul”. La primera oración dice:

En la vieja ciudad de la muerte R'lych, Cthulhu sueña y espera. En el pozo del tiempo, el innombrable espera. Lo que no está muerto, espera eternamente. R'lyeh, tus bloques de piedra sellan el ritual que engendra el miedo.

Cthulhu fhtagn

Taech

Para quienes no están familiarizados, Abdul es Abdul Alhazred, conocido como el “árabe loco”, autor del famoso Necronomicón. Todo esto es una invención de Lovecraft (de hecho, según el autor, una copia del libro estaba en la biblioteca de Buenos Aires y alguien quiso hacer una broma). Luego de escribir ese libro, Abdul es devorado por un “monstruo invisible”. R'lych o R´ley es la ciudad donde acuática donde espera Cthulhu, y que ese libro no hace otra cosa más que… despertarlo.

Otro texto es “De Vermiis Mysteriis”, el más recordado por los jugadores del Alone in the Dark. Es una invención de Robert Bloch, discípulo de Lovecraft. Cuando lo abramos leeremos lo siguiente:

Ludwig Prinn

De vermis

Mysteriis

In nomine invocatoris, si non

sanctificatus es, cave.

De vermis mysteriis non absolvo follem

legendum fatum et eum versus: "tibi,

magnum innominandum signa

stellarum nigrarum et..."

Lecturas extrañas y en latín no hacían más que desesperar. Pero al margen de eso, ¿por qué los cito? Sencillo: uno te lastima y el otro te mata. Pero no voy a decir cual, ni donde leerlos para que no pase. Al fin y al cabo, perdería la gracia. El hecho de tener enemigos relacionados con especie de anfibios, es otro toque “lovecraftiano”. Lo mismo para un gusano gigante conocido como “chthoniano”.

En fin, una historia con varias aristas interesantes, con base en Lovecraft, un autor que inspiró varios juegos por sus mitos que rozan lo traumático.

LAS SEGUNDAS PARTES NO SON BUENAS. Y LAS TERCERAS MENOS

Este juego fue un éxito rotundo. Pero lo que lo siguió fue un tanto decepcionante.

En 1993 sale Alone In The Dark 2. Para no dar muchas vueltas, se lo resumo así: post Derceto, Carnby tiene que ir a una casa en Hells Kitchen a rescatar una nena llamada Grace Saunders que está a manos de un pirata llamado Jack “Un Ojo” (no, no es joda). Ya no hay Lovecraft. Ahora se recurre al vudú, donde enfrentaremos a zombies que se visten, se arman y atacan como gangsters de 1940. Claramente, como agarrarse a tiros con la CGT. Fue un claro ejemplo de cómo tirar al carajo todo el esfuerzo de la primera parte.

¿Pero creen que no puede empeorar? Yo les digo que sí: 1994 sale la tercera parte. Si no alcanzaba tener que pelear contra zombies gangsters, ahora era el turno de zombies vaqueros… algo que solo salió bien con el Red Dead Redemption. Aparentemente, en el rodaje de una película del oeste, donde utilizaban un antiguo pueblo fantasma como set, algo pasa y todo se pudre. Ah si, hay que rescatar a una tal Emily Hartwood… ¿Era actriz? No sé ni me importa. Solo lo jugué porque venía en una revista por $10 de la época de la convertibilidad. Para el caso, había que enfrentarse a cosas como John Wayne y Clint Eastwood pero zombies (y seguramente, menos racistas).

Tanto el 2 como el 3 utilizaban el mismo motor gráfico que el 1. Mientras la segunda parte utilizaba excesivamente las armas de fuego, la tercera parte se inclinaba más por los acertijos. Ninguno tuvo el equilibrio del primero, y por sobre todo, ninguno daba miedo. Dos juegos totalmente prescindibles.

Llegado el 2001 y tras el boom del Resident Evil y otros como Parasite Eve I y II, Dino Crísis, y otros de similar estilo, se decidió que las nuevas generaciones debían jugar al padre de todo. Pero claro, había que adaptarse a la PSX y la Dreamcast. Por eso, sale “Alone In The Dark: The New Nightmare”. No obstante, sufrió una transformación muy grande. La trama ya no era la misma. Estaba Derceto, y podíamos elegir a un Carnby bastante más joven. El otro personaje era Aline Cedric. Íbamos a la Isla Sombra tras la desaparición de un amigo, pero un aterrizaje forzoso nos hacía ir a parar dicha mansión. Pese a varias críticas, el juego era realmente bueno. Una nueva historia que rondaba la vida de la familia Morton, excelentemente armada y muy atrapante, mas sustos y un ambiente decentemente terrorífico, daban por resultado un título que se reivindicaba de los otros dos intentos de juegos.

En el 2008 salió una nueva entrega. Pero sería necesaria una entrada aparte para… ¿explicarlo? Se pudre la momia en Central Park. Quédense con eso y juéguenlo.

SURVIVAL HORROR ERAN LOS DE ANTES

El Alone In The Dark marcó un camino que fue seguido por varios juegos que marcaron historia. Lamentablemente, más historia que él. La deuda para con este juego es inmensa.

Lamentablemente, quedará sepultado. Para dar un ejemplo, lo jugué por primera vez a los 13 años, en 1999, gracias a que me vino en un compilado de más de 100 juegos para D.O.S. Pero tan solo por la curiosidad y mi afición a explorar lo retro. Una obra maestra tan brillante que no será jugada por las nuevas generaciones, a no ser que de una vez por todas, se decidan a hacer un remake, y no un reinicio de cero.

Para terminar, quiero rendir homenaje a todos aquellos que descubrimos como matar al jefe final sin una guía en mano. La dificultad era tan grande y la respuesta tan estúpida, que sin miedo a equivocarme, solo 1 de 10 lo hicimos. Y no nos dieron premio por eso.

#pc #retro #aloneinthedarck #survivalhorror

THRILL KILL: ENANOS, NINFÓMANAS Y CENSURA

Venimos de hablando del Mortal Kombat, juego que sin dudas sentó el primer precedente de violencia y escándalo en los videojuegos. Sin embargo, salió y hasta hoy siguen sus secuelas, que con lo explícito del gore, dejan al primero como un juego de Sonic.Para 1998, salía su cuarta parte (y veníamos del 1, 2, 3, UMK3, MK Trilogy y Mithologies). Sumado a eso, hablamos del Blood, que había tenido en 1997 el curioso honor de ser el FPS más violento hasta el momento. Es decir, para 1998 la violencia en los videojuegos no parecía ser algo discutible: estaba y quedaba bajo responsabilidad de los padres comprar esos juegos o no.

O eso se creía… Hubo un grupo de gente que le dio una vuelta de tuerca al asunto, y encontró como asquear más a algunos. Lamentablemente, entre los que se impactaron, estarían sus censores.

DESARROLLO, HISTORIA Y CENSURA

Paradox fue una compañía que existió hasta el 2008 (nota: no tiene nada que ver con ese grupo de hackers que veíamos en más de un juego subtitulado de forma pirata como el Residente Evil 3, u otros que había que elegir Pal o NTSC como Parasite Eve 2) y que entre sus hitos, figuraba el Blackthorne de 1994. Según se cuenta, tenían pensado un muy bizarro juego de básquet, pero a mitad del desarrollo cambiaron totalmente de idea, y utilizaron los recursos para crear un juego de pelea que innovara. Y la idea que tuvieron fue muy interesante.

A diferencia de casi todos, el juego sería todos contra todos, entre 4 luchadores, en un escenario delimitado por 4 paredes, donde sería imposible escapar de la dinámica. Que no sea un 1 contra 1 era algo que llamaba mucho la atención. Otra cosa nunca antes vista era que los personajes entraban con la barra de energía vacía, y este se llenaba a lo largo del combate. Una vez que la barra se llenaba, el jugador entraba en un estado de rabia en bajo el cual tenía que atar a uno de los luchadores restantes, lo que provocaría una sub-fatality dependiendo del botón que se tocara.

Al quedar dos luchadores, se repetiría esta secuencia, pero ahora el luchador entraba en estado de “Thrill Kill”, y se ejecutaba un movimiento final que provocaba la muerte del otro. Estaba la posibilidad de esquivar tanto la rabia como el estado final del contrincante, lo cual era difícil pero no imposible. Era entretenido esconderse atrás de otro, o desesperante quedar arrinconado, sin escapatoria. El argumento y el nivel de violencia serán detallados más adelante.

Con todo esto, el juego parecía que tendría un considerable éxito. Paradox había hecho presentaciones públicas del juego donde la gente podía probarlo. Las críticas, si bien ponían mucho énfasis en la violencia, fueron buenas. Los desarrolladores vieron que el material era prometedor, y se pusieron a dar los retoques finales, ampliando música, escenarios y más movimientos. Pero cuando se aproximaba el momento del lanzamiento, todo se cayó.

El juego sería distribuido por Virgin Interactive, quien había dado el visto bueno y no se había escandalizado para nada, pero en 1998 esta compañía de desmembró. La parte que operaba en EE.UU. fue adquirida por Electronic Arts, la que iba a encargarse de distribuir todos los juegos que iba a lanzar Virgin. Pero esta nueva compañía fue tajante: el juego jamás vería la luz. Tenían miedo que la empresa se viera perjudicada con semejante producto. Pero la cosa fue más allá, casi al borde del ridículo. Acclaim y Activisión se enteraron de esto, y salieron a competir entre ellos para que E.A. les cediera el juego, pero éste se negó, sin dar explicaciones. Y no solo no permitieron que otro lo comprara, sino que Paradox NUNCA COBRÓ EL DINERO DEL DESARROLLO. La furia de Paradox fue tan grande, que hizo algo que posibilitó que hoy pudiéramos hacer esta entrada: lo filtró anónimamente por internet. Estaban tan contentos con lo que habían logrado, que no dejarían que el juego quedara oculto, aunque significara hacerlo gratuitamente. Sucesivas versiones fueron apareciendo, hasta llegar al Thrill Kill: Full Uncensored Version.

¿Pero que hizo Paradox para que en 1998, después de 5 juegos de Mortal Kombat, Blood, Resident Evil, Silen Hill, y tantos otros donde la violencia era constante, lo censuraran?

EL INFIERNO SE GESTA EN LA TIERRA

La trama del Thrill Kill era más o menos la siguiente: la diosa Marukka gobierna en el infierno (eviten chistes machistas), y estaba tan al pedo aburrida, que tuvo una idea macabra. Diez luchadores se enfrentarían a muerte por una nueva oportunidad de volver al mundo de los vivos. Pero los protagonistas no serían luchadores profesionales, karatecas, ninjas… serían 10 aberraciones de la sociedad, maníacos enfermos que ganaron su lugar en el infierno por ser lo peor de lo peor. Algo así como una interna política en Argentina. Los personajes tenían historias y características morbosas, más un golpe final (nota: cuando progresaron las actualizaciones, se ampliaron la cantidad de fatalities, pero solo hablaremos de las originales)

-Belladona: probablemente la más polémica. Era una mujer que peleaba con un palo de electrochoques en la mano, y cualquiera prenda de su indumentaria era de tintes sexuales (mucama con portaligas, es ropa sado de cuero, etc). Gemía constantemente, y tenía movimientos en los que su feminidad tenía un papel importante. Ella era un bibliotecaria tranquila que descubrió a su marido con su hermana. Después de matarlos a los dos, se suicida electrocutándose en la bañadera. Ahora la excita matar, al punto de hacerla tener orgasmos en plena batalla. Su golpe final original constaba de meter la picana por la garganta y dar descargas hasta que el cuerpo reviente. De volver a la vida, se dedicaría al sado, con resultados mortales

-Cleetus: desagradable por donde se lo mire. Cleetus Radley es el estereotipo de “redneck”, es decir, el campesino sureño de Estados Unidos que solo tiene amor por su granja, escopeta, y una botella de alcohol que diga “XXX”. No, no somos racistas. Lo desagradable pasa porque es un Hannibal Lecter de clase B; un caníbal grotesco. Cleetus pelea con una pierna, pero ajena… Según su historia, muere luego de contraer una enfermedad por comer carne cruda. ¿Su golpe final? Nos come, ¿qué esperaban? Sería preferible que no gane el torneo, porque de revivir nos hace guiso.

-Dr. Faustus: Gabriel Faustus fue un cirujano plástico de Los Ángeles que se dedicó a desfigurar a sus pacientes… cuando no podía matarlos, obviamente. Pero su locura fue más allá del daño ajeno, provocando que él mismo se deformara injertándose una mandíbula de hierro, al estilo trampa para osos. Eso lo llevó a una infección que le provocó la muerte. Por desgracia, su mandíbula lo acompañó al infierno, junto con un bisturí. En su golpe final hace gala del poder de la mandíbula sobre nuestra cabeza. De ganar, seguirá atendiendo. Obviamente, no por IOMA o cualquier otra prepaga.

-The Imp: la bizarreada del juego encuentra su nivel máximo en este personaje. Billy B. Tattoo es un empleado de gobierno de 36 años con “complejo de Napoleón”, forma fina para no decir “enano” y que nos censuren. Tal era su trauma que se cortó las piernas y se puso dos zancos, lo que lo lleva a morir (y si…). En el infierno, mantiene las piernas y se lleva los zancos para no quedar desparejo con el resto. Las distintas vestimentas son tan bizarras como el personaje: de diablo con zancos, sadomasoquista con zancos… bueno, se entendió. En su golpe final, nos atraviesa uno de los zancos por la boca. De revivir, su sueño es ser presidente. Sí, presidente.

-Mammoth: la bestia del juego. Su nombre en la tierra era Franklin Peppermint, pero su apodo era Mammoth por su tamaño. Solía ser un trabajador postal, pero un día fue despedido, y en un ataque de ira, mató a jefes y compañeros, para después suicidarse. Era tanta la ira, que en el infierno adoptó una forma aberrante, mezcla de simio y humano, gigante, con dos brazos que son el doble de cualquier luchador. Su golpe final consiste en partir al enemigo de una piña. De revivir, va a terminar de descargar su ira con la sociedad. Y es comprensible. Es una representación de un fenómeno estadounidense llamado “Going Postal”, que hace referencia a perder la cordura en el trabajo, y tuvo su origen en una matanza de un correo postal en 1986.

-Oddball: si lo bizarro se resumía en The Imp, lo psicópata del juego puede resumirse en este personaje. Raymand Raystack trabajaba para el FBI buscando a los peores criminales, y cuando les daban pena de muerte, estaba en primera fila para ver sus ejecuciones. El trabajo lo volvió loco, al punto en que uno de sus ayudantes tuvo que balearlo antes que lo atacara. En el infierno, su falta de cordura es excelentemente representada: pelea con chaleco de fuerza. Si se cambia la vestimenta, en vez de chaleco, presenta una falta de brazos muy morbosa. La cuestión es que solo pelea con las piernas y la cabeza. O su pelvis: te pone en 4 patas y te pega por atrás con los genitales (pero con la ropa puesta, tranquilos). El golpe final consta de pisarnos la cabeza hasta que reviente. Si revive, puede ser parte de la policía bonaerense sin ningún problema.

-Tormentor: William J. Whitefield fue en la tierra un pésimo juez. O eso es lo que la gente creía. Se caracterizaba por dejar libres a asesinos y violadores, aún cuando todas las pruebas indicaban que eran culpables. Pero al otro día, los criminales desaparecían. Lo que nadie sabía era que estaban capturados en la casa del juez, siendo torturados hasta la muerte. Se lo encontró culpable de 2 muertes, y sospechoso de otras 52. En el infierno, se viste como más le gusta: con un traje y capucha de inquisidor (o como sadomasoquista, que a esta altura queda claro el gusto sexual de Paradox). Porta dos cadenas con las que hace su golpe final: una decapitación. De revivir, seguirá con sus prácticas judiciales poco ortodoxas.

-Violeta: segundo personaje femenino del juego. Violeta es una adolescente que supo ganarse fama en el mundo del espectáculo como “freak” de circo, dada su habilidad de contorsionista. Un día, un degenerado quiso entrar a violarla a su camarín, pero no tardó en quebrarle el cuello. Curiosamente, el la única persona que podríamos considerar inocente del juego y no se explica el porqué de ir al infierno. Tampoco se sabe mucho sobre su muerte, solo que se rompe la médula espinal en una contorsión. Utilizará sus habilidades para partirnos al medio como golpe final. De revivir, Violeta se convertiría nuevamente en ídola juvenil.

A estos luchadores, se le agregan dos sub jefes que se podían desbloquear pasando el juego.

-Caín: un pirómano que al ir al infierno hace del fuego parte de su cuerpo, y con la habilidad de manipularlo. Lo que se destaca es que sus distintas vestimentas son una progresiva llama que lo envuelve, hasta la posibilidad de ser un esqueleto que arde. Murió en uno de sus propios incendios. Su golpe final es hacer de nosotros una pila de cenizas. De revivir, seguirá con lo mismo. No tiene muchas aspiraciones en la vida.

-Judas: la deformidad más grande del juego. En realidad, son dos hermanos siameses… pero unidos por la cintura. Poco se sabe de porqué está en el infierno y cuál es su historia. Mientras uno usa las manos para caminar, el otro las usa para pelear, e intercambian roles. Ante cada victoria, chocan los 5 entre ellos. Claramente, una deformidad digna de una pesadilla. Como golpe final, ellos se encargan de hacer con el otro lo que no pueden hacer con ellos: separarlos por la cintura. Ni imaginemos que algo así reviva.

Como jefe final, nos encontraremos con Marukka, un demonio milenario que controla ese infierno tan particular. Marukka tiene una forma que mezcla un vampiro con un diablo, pudiendo elevarse con dos grandes alas, y golpear con una fuerza sobrenatural. Si pasamos el juego en la dificultad más alta, podemos desbloquearla y jugar con ella. Su golpe final es mordernos el cuello y sacarnos la cabeza.

A los golpes finales, hay que agregarle las 4 sub-fatalities, que se llevan a contra los luchadores que mueren en 1er y 2do lugar: cuando la barra de rabia se llena, podemos utilizar cualquiera de los 4 botones de golpe para asesinar al personaje. Así, tenemos la opción de arrancarle la cabeza, estamparlo contra la pared de un golpe y dejarlo pegado, partirle el cuerpo entero en pedazos, y darle un gancho que estampe el cuerpo contra el techo, pero que solo veremos cómo cae la sangre. Estos 4 movimientos son iguales para todos los personajes. Solo al último que quede, le haremos el movimiento final.

ESCENARIOS: EL INFIERNO EN LA TIERRA, O LA TIERRA EN EL INFIERNO

Los escenarios fueron un punto fuerte. Para que 10 psicópatas se maten sin miramientos, era necesario lugares adecuados, y los desarrolladores consiguieron darle la ambientación adecuada. Las peleas se llevarán a cabo en lugares similares a la tierra, pero con cambios. Un baño público destrozado, con una pintada que dice “el infierno está en la tierra”. Una morgue totalmente ensangrentada. Un callejón sucio de noche. La habitación de un manicomio con las paredes salpicadas de sangre. Cloacas casi demoníacas. E incluso, dentro de una cárcel. El concepto fue acertado. No se trataba de recrear un infierno con lava, demonios, y todo ese tipo de cosas que uno imagina. Los escenarios cotidianos (o no tanto) generaban el agregado morboso para una lucha donde 10 escorias sin nada que perder tendrían que arrancarse la piel si querían volver a vivir. Más allá de los decorados, el escenario siempre era un cuadrado ordinario, y la pelea se delimitaba en 4 paredes. Un espacio muy chico que invitaba a pelear si o si, y no permitía escaparse de lo que estaba pasando.

JUGABILIDAD

La jugabilidad era una locura: 4 personajes luchando al mismo tiempo generaba incertidumbre constante. Podían ser los 3 contra nosotros, o dos peleas simultáneas hasta que alguno quisiera unirse en un 2 contra 1, mientras el restante iba a buscar venganza. Al quedar 3, era lógico que solo se podía dar un 2 contra 1, por lo cual lo mejor que se podía hacer era rezar. Pero esta dinámica de juego que fue tan original, chocó contra algo: el modo historia. Éste se componía de una cantidad de peleas fija. Pero de a 4 personajes por pelea, y siendo 8 más dos sub jefes, era imposible no repetir las peleas. Por lo cual, todo consistía en un conjunto de combates con luchadores al azar que obviamente se repetirían. En el caso de Caín, lucharíamos con él y dos más, pero con Judas y Marukka, la pelea sería 1 a 1. Pese a eso, el juego entretenía, y mucho, dado que las peleas tenían un nivel de incertidumbre grande, y eran desafíos constantes. Por el resto, nada del otro mundo: dos botones de piña, dos de patada, uno para bloquear y otro para agacharse.

VERSIONES

Argentina fue un terreno perfecto para el Thrill Kill. Nunca supe cómo fue en otros países, sin embargo, nunca conocí una Play Station 1 que no estuviera chipeada. Eso permitía que las casas de videojuegos vendieran por $5 pesos cada uno (tanto cuando eran 5 dólares como post devaluación). Obviamente, todos los juegos eran truchos, y siendo así, el Thrill Kill se vendió como un juego más. Sin embargo, uno dependía de la versión que el dueño de local le haya comprado al pirata de turno. La primera vez que lo jugué era una versión a medias. Esta implicaba que el movimiento final sea solo uno que se hiciera automáticamente. Además al terminarlo no tenía finales. Posteriormente, descargué el Thrill Kill Full Uncensored Version que presentaba mejoras interesantes. Las fatálities aumentaban a 3 por personaje, más un baile (destaca Belladona bailando “Macarena”). Belladona pasaba a tener sus característicos gemidos. Cleetus ahora tenía una pierna que chorreaba sangre, y antes de cada pelea, la mordía provocando un sonido a carne y un “yummy” bastante desagradable. Para mejorar aún más, había videos FMV al terminar el juego con cada personaje, que nos contaban o bien la historia, o lo que sucedería después.

EL LEGADO

Si bien no vieron una moneda, Paradox pudo mantener el motor gráfico del juego y la idea, y ya que no podía salir el Thrill Kill, decidieron darle vida a otro juego: Wu-Tang: Shaolin Style (o Taste The Pain, dependiendo el lugar donde salió). El motor del juego era exactamente el mismo, la jugabilidad seguía intacta. Sin embargo, se reemplazaba historia y personajes por los miembros de la banda de rap Wu-Tang. No tuvo un buen recibimiento. A mi me pareció más que interesante, siendo que nunca supe que se había prometido un Thrill Kill y se lo reemplazó por eso, pero ese era el problema. El juego tenía todas las innovaciones del original, pero luchábamos con los miembros de la banda en medio de un ambiente que mezclaba lo shaolin con el rap. Si bien mantenía cierto nivel de violencia, ejecutando fatalities interesantes, un modo historia algo innovador y un poco de “oscuridad” en la trama, no funcionó. El juego fue un intento de hacer algo serio, pero terminó como algo de humor negro. Para peor, que se filtrara el Thrill Kill ayudó poco. El mismo motor se utilizó para X-Men: Mutant Academy, aunque con la jugabilidad clásica de los juegos de pelea.

El Thrill Kill fue destrozado por los censores de la época. Hoy ya no impacta. Citar una lista de juegos más violentos es todo un trabajo no tiene sentido hacer ahora, porque ya los podemos imaginar. No obstante, nunca más salió alguno con una trama tan extraña y personajes tan psicópatas. En ese punto, quedará en la historia como el único juego que nos dio la posibilidad de utilizar un caníbal, un pirómano, una ninfómana o un enano para matar y volver a la vida.

#retro #psx #thrillkill #censura #paradox

Especial Mortal Kombat, tercera parte: Somos locales otra vez

Corría 1995, cuando mi mamá pasó un viernes a la tarde por el videoclub (uno de los pocos que continúan abiertos). No recuerdo que iba a alquilar ella, pero nos trajo una sorpresa. Había jugado al MK I en arcade dos veces, y nunca al II. Recién salía el III, y ahí estaba... por primera vez iba a jugar un MK en una consola casera. Fue un fin de semana que alteró mi experiencia en el Sega.

20 años después, ese juego que me voló la cabeza, está sujeto a otro análisis, quizá más crítico de lo que fue en aquel momento.

INTRODUCCIÓN

Llega el momento en que toda saga quiebra y da paso a algunas discusiones. Es en ese momento donde aparece la discusión que encierra dos conceptos que rara vez tienen una explicación clara, pero se usan como verdades irrefutables: vieja escuela y nueva escuela. Y es que cuando en el mundo de los videojuegos lo que antecede es muy bueno, las expectativas para lo que viene son muy altas y se corren dos riesgos: el de repetir fórmulas y ser criticado por eso, o cambiar radicalmente y ser criticado por eso. De la crítica no se escapa cuando ya estás condenado de antemano. Quizá eso fue lo que le pasó al Mortal Kombat 3. Y quizá en este punto ustedes digan “¿está escribiendo drogado? ¿de qué habla?”. No fuimos, por lo menos los que están cerca de mi edad y viven en Argentina, grandes partícipes del debate. Recibimos el juego y listo. Pero en otras partes del mundo, sobre todo EE.UU., el estatus de la saga pasaba a ser casi de religión. Y Midway lejos de calmar a sus súbditos, declaró 1995 como “El Año del Mortal Kombat”. Ya veremos más adelante porqué. La llegada del MK3 partió a la comunidad en dos. Para ser honestos, en esta nota nos pondremos mayoritariamente del lado de una defensa, no sin críticas necesarias.

PROBLEMAS DESDE EL VAMOS

El desarrollo del juego se vio afectado desde sus inicios por unos conflictos con los actores que interpretaban los personajes. Ho Sung Pak (Liu Kang en MK I y MK II ), Phillip Ahn (Shang Tsung en MK II ), Elizabeth Malecki (Sonya) y Katalin Zamiar (Kitana, Mileena y Jade) intentaron hacer un juicio a Midway. Como era de esperar, lo perdieron y se fueron en pelotas mal. ¿Por qué? Los motivos de los juicios era varios. Pak, Ahn y Zamiar querían porcentaje de las ventas de los cartuchos en consolas caseras. Claramente, se suicidaron con esa demanda. En el caso de Malecki, propulsora de los juicios en general, podríamos decir que razón no le faltaba: su imagen fue utilizada en el MK II. Pero claro, Sonya no era un personaje jugable; tan solo aparecía presa junto con Kano al lado de Shao Kahn. Por ese uso de su imagen no recibió ni un centavo. Todos fueron reemplazados.

Pero no todo termina ahí. Carlos Pesina, quien encarnaba a Raiden, fue castigado apartándolo del elenco (si bien continúa trabajando para la compañía). Si bien Raiden no estaba en los seleccionables, obedece a la historia, y no al castigo impuesto a Pesina. ¿Motivo? Trabajó en secreto para Data East con su hermano Daniel en la creación de una bizarreada llamada “Tattoo Assassins”, una respuesta al MK. Bueno, respuesta es una manera de decir. El juego se basaba en gente tatuada que peleaba y que al finalizar el combate podíamos, o bien transformarlo en un animal o una… cosa, o bien hacer una fatality (si, en serio…). Ésta constaba de asesinar al oponente mediante el tatuaje que cobraba vida. ¿Qué no lo conocen? Y claro, tan horroroso fue que solo salió un prototipo y murió en el intento. Si tienen el estómago, hagan click y vean todo eso.

Pero, ¿por qué Carlos Pesina se jugaría el culo arriesgaría a hacer eso con la fama del MK? Por no dejar solo a su hermano Daniel, que cometió el error más imperdonable de todos. Estaba por salir el arcade de BloodStorm, otro juego violento y clon del MK. Bien, su publicidad llamó la atención: Daniel Pesina era parte del poster. ¿Qué tiene de malo? Nada, excepto que fue vestido de Johnny Cage, y con una frase que decía algo así como “Hasta Johnny Cage lo juega”. Pesina nunca más pisó Midway (hoy Netherrealm Studios). Y para que quede claro lo que pensaban de él: Johnny Cage es asesinado en la historia. Con todos esos problemas, el juego se retrasó. Lo que significó aquello que adelantamos la entrega anterior: el juego salió antes de estar a un 100% porque ya no había tiempo.

HISTORIA Y PERSONAJES

“Ustedes han sido elegidos para representar al planeta Tierra en Mortal Kombat. Cada uno de ustedes posee una virtud vital que obstaculiza el total reinado de Shao Kahn. Están prevenidos, solo sus almas están protegidas contra el poder de Shao Kahn pero sus vidas físicas no, ellas dependen de ustedes mismos. Yo ya no puedo interferir en esos asuntos. Su mundo ahora está gobernado por los dioses del Outworld”. Estas son las palabras del dios del trueno, Raiden.

“Por siglos Earhtrealm ha usado el Gran Torneo de Mortal Kombat para defenderse del Emperador Shao Kahn. Pero Kahn, frustrado por las constantes derrotas e intentos perdidos, comenzó un plan que data de 10 000 años atrás. Durante este tiempo, Kahn tuvo una reina. Su nombre era Sindel y su muerte fue inexplicable. Los sacerdotes de las sombras al mando de Shang Tsung harán que el espíritu de Sindel vuelva, pero no en el Outworld, sino en Earhtrealm. Este terrible acto le da el poder a Shao Kahn de pasar a través de los portales dimensionales y reclamar a su reina. Usando esto para finalmente tomar el Earhtrealm. Abriendo un portal encima de la Tierra, Shao Kahn lentamente transforma el lugar en una parte del Outworld. Kahn va quitando de la Tierra toda la vida humana, declarando que cada alma le pertenece. Pero hay almas que Kahn no puede poseer, estas son las almas de los guerreros que han sido seleccionados para representar al Earhtrealm en un nuevo Gran Torneo. Los humanos que quedan son dispersados en todo el planeta, Shao Kahn manda un ejército. de feroces guerreros del Outworld con órdenes de encontrarlos y eliminarlos.”

La introducción es más larga y complicada que la de los otros juegos, pero se resume así: Shao Kahn justamente no es lo que se conoce como un buen perdedor. Quedó caliente enojado por no poder ganar el 2do Mortal Kombat que se hizo en el Outworld. Por eso, revive a Sindel, antigua reina y de Edenia (otro reino ficticio que tendrá mucho que ver más adelante), madre de Kitana y ex esposa problemática que se suicidó, que casualmente está enterrada en la tierra. Si ella revive acá, tiene autorización para invadirnos por algún recoveco legal que desconocemos. Raiden ya no puede interceder en la protección de la tierra, aunque se encargó que nuestras almas no fueran absorbidas para poder pelear.

Los luchadores son 15 contando los que se repiten y los que debutan.

Los que vuelven son:

-Shang Tsung: si uno hace mal su trabajo, lo despiden. Pero las leyes laborales del Outworld deben ser bastante laxas. Falló en el primer MK, falló en el segundo, y como recompensa, obtiene más poder que antes. Lo que muestra que los sindicatos de brujos tienen un gran poder a la hora de proteger a los trabajadores.

-Jax: el oficial vuelve a nuestro plano para avisarle a sus compañeros que se viene una invasión. Pero al no poder comprobarlo, nadie mueve un dedo. Entonces hace lo que cualquier policía haría: insertarse dos implantes cibernéticos en los brazos para tener más fuerza. Presuponemos que los financió con coimas.

-Kano: si bien en la anterior entrega no estaba, lo agregamos en los luchadores que se repiten. Esta vez, escapó de Jax en el Outworld y Kahn lo enlistó en sus filas para la invasión a la tierra, dado que él podría dar armas y ayudar a las fuerzas invasoras. En esta ocasión, llega pelado y con ropa nueva.

-Liu Kang: sigue siendo Liu Kang… nada, eso

-Sonya Blade: idéntica situación que Kano, dado que vuelve sin haber participado en el MK II. Al igual que Jax, avisa sobre la invasión y nadie la escucha. No le queda otra que esperar a que todo pase y solucionarlo con gatillo fácil.

-Sub-Zero: el hermano del ninja helado que luchó en el MK I esta vez no muere a manos de nadie. Pero tampoco la tiene fácil. El clan de asesinos Lin Kuei está modernizándose. Siguiendo los pasos de la revolución industrial (llegaron 250 años tarde), reemplazan a los humanos por máquinas, convirtiendo en robots a sus miembros. Sub-Zero se niega a eso, y va a enfrentar a tanto al Outworld como a los Lin Kuei. Sin embargo, uno de sus amigos será capturado… Lo curioso es que vuelve con la cara destapada y otro traje, ya sin ser ninja.

-Kung Lao: sigue siendo amigo de Liu Kang y usando un sombrero que corta. Según la historia, preparaba luchadores para repeler la invasión. Calculamos que bien no le fue ya que tuvo que pelear él.

Varios luchadores hacen su debut:

-Sindel: desde Helena de Troya que una mujer no provocó semejante quilombo. Es la clave de Kahn para entrar al Earthworld. Es un personaje curioso: su maldad parece infinita, sin embargo, ella no lo es. Kahn la toma como esposa después de matar a su marido, adoptar a su hija Kitana y esclavizar a su gente. Ella se suicida porque no tolera esto. Kahn la hace resucitar en la tierra (después se sabrá que con ayuda de Shinok) con el cerebro lavado, y con total fidelidad por Kahn. De arma usa sus gritos (como toda mujer) y su pelo. Si, su pelo es malo.

-Striker: y un día apareció. Ideado desde el MK I, su presentación se postergaba. Su historia es la siguiente: líder de un grupo antidisturbios, sus hombres perdieron la vida en la invasión, dejándolo a él como único superviviente. Con un garrote, granadas y un arma, sale a ponerle fin a todo esto.

-Cyrax: los robots fueron un hito en la saga, y en general, lo que más se apreció de este MK. Fue uno de los miembros del Lin Kuei que fue robotizado. Programado para capturar y asesinar al traidor Sub-Zero, está armado con redes y bombas. El problema fue que al no tener alma, no había sido detectado por Kahn. Por lo cual, esto era una amenaza para el emperador. Con el tiempo, la historia de Cyrax se ampliará: se lo presentará como alguien que dudó en someterse a la conversión cyborg. Incluso, llegará en algunos finales de futuros juegos a convertirse en alguien con conciencia y mostrar un lado humano. Y que es negro.

-Sektor: al igual que Cyrax, es un cyborg-ninja de los Lin Kuei con la misma misión, pero rojo y armado con misiles y lanzallamas. Según se cuenta, Sektor se sometió voluntariamente a la transformación, y era conocido como el más sangriento del clan. A diferencia de Cyrax, nunca en la historia mostrará remordimientos por nada. Incluso, la ambición es lo que lo domina. (Nota: los robots fueron inspirados en el personaje de la película Depredador, quien aparecerá como personaje descargable en el Mortal Kombat X)

-Nightwolf: el nativo americano se dedica a proteger lo que queda de su tribu, y con un hechizo impide que Kahn tome sus tierras. Obvio, no es algo que le caiga bien al emperador, por lo que se encontrará peleando ya no solo por la tierra de sus ancestros, sino por el mundo. Tomará una relevancia significativa en la saga, pese a ser un personaje que no fue bien recibido del todo.

-Sheeva: Una Shokan (la raza de Goro y Kintaro) que fue nombrada protectora de Sindel por Kahn. Pero el problema es que su raza y los centauros se llevan muy mal, y que el emperador haya elegido a uno de esos después que Kintaro fallara, y encima dirija a los de su raza, le provoca bastante odio. Poca expectativa para un personaje que fue el ÚNICO EN DESAPARECER CUANDO SALIÓ UNA EXPANSIÓN. Tiene su explicación, pero al margen: hasta hoy se insiste con ella cuando a nadie le importa.

-Kabal: era miembro de la organización de Kano, “Black Dragon”, hasta que el escuadrón de Kahn le dio una paliza tal que lo dejó casi muerto. Como resultado, tiene que usar un respirador para vivir. Obvio, con eso alcanza para querer ir a buscar a Shao Kahn y rajarle el cuello con uno de sus ganchos. Curioso es que su historia en el MK 9 cambia bastante…

-Motaro: sub-jefe que podía ser jugable a través de un truco (pero solo contra otro jugador). De la raza de los centauros, reemplazó a Kintaro y fue puesto como comandante de los cuerpos invasores del Outworld. Su odio con los Shokans es eterno. Y claro, centauros y dragones de 4 brazos no podrían llevarse bien.

El jefe, obviamente es Kahn, quien al igual que Motaro podía ser desbloqueado para usarlo contra otro jugador. Pero en la pantalla de selección había uno en el medio que daba vueltas en el logo y había que desbloquearlo:

-Smoke: lo vimos en el MK II pero no pudimos manejarlo. Acá se presenta por primera vez como seleccionable. Pero… ¿se acuerda que dije que un amigo de Sub-Zero no pudo escapar? Bueno, fue él. Es un robot. Por suerte, con movimientos propios y fatalities. Sus órdenes son las mismas que los otros dos cyborgs, matar a Sub-Zero, aunque este cree que puede hacerlo cambiar de parecer porque algo de humano le queda. Ah si, echa humo durante toda la pelea.

Noob Saibot era nuevamente un personaje secreto contra el que solo se podía pelear. Pero al no haber ninjas, se utilizó el perfil de Kano… en fin.

Al poner el juego, a priori parecía un buen plantel, pero no fue así. Cualquiera se daba cuenta de la primera ausencia llamativa: SCORPION. Ed Boon confesó que era su personaje favorito, y que siempre supo que fue un error no ponerlo. A decir verdad, no hicieron a tiempo dado los cortos plazos que tuvieron, y tendría su lugar en las expansiones. Otra ausencia fue Raiden. Pese a que la historia decía que no podía luchar por su condición de Dios, no dejó de pasar desapercibido. Lo que hizo Pesina le costó la vida a Cage, por lo que no se puede acotar mucho. ¿Y Reptile? Fue uno de los platos fuertes del MK II y funcionó muy bien, pero tampoco estaba. Las primeras críticas surgen a estos personajes. Nos decían poco. ¿Quién era y a quien le importaba Sheeva? ¿No estaba gordo Striker para ser el único sobreviviente de un ataque en masa? ¿Qué le hicieron al aspecto de Sub-Zero que parece un profesor de pilates? Pero lo importante: ¿y los ninjas? ¿borraron a todos de la historia? El hecho de sumar robots fue debatido. A mi parecer, fue el punto fuerte del MK III. Para otros, fue un sacrilegio. No obstante, hoy por hoy el 90% no discute para nada a estos dos personajes, que ganaron muy bien su lugar en la saga. La historia no estuvo mal. Si se considera que se necesitaba una excusa para que el Outworld entrara a la tierra, esa vuelta de tuerca de Sindel era necesaria. Además, estábamos frente a entramados y giros interesantes: los Lin Kuei apareciendo de lleno en la lucha para vengarse de Sub-Zero, y a su vez eliminar a Khan, generaba un argumento prometedor. Esta 3era parte fue, probablemente, la que más le sumó a la historia general de la saga y la que termina de plantear las bases de lo que viene. Con excepción de Quan Chi, que aparecería en el 4 y sería aún más importante que Shinok, el resto está acá. Todo lo que viene después son extensiones de la historia para poder darle un sentido a la existencia de los juegos.

JUGABILIDAD Y ASPECTO TÉCNICO

Y llegamos al punto más problemático de todos. Lo que dividió a muchos pasó por la jugabilidad. Si el MK fue el primer juego en usar un botón para bloquear, el MK III iba a dar otro salto: el botón para correr. Pocos entendieron porqué aparecía esto. Pero su explicación iba encadenada de otra novedad, que era el sistema de combos.

La posibilidad de encadenar más de un golpe, y que dependiendo la combinación sacáramos más o menos energía (y un mensaje nos dijera el porcentaje de daño) fue toda una novedad. Correr implicaba facilitar el combo, dado que golpear mientras corríamos daba como resultado un movimiento de golpe cercano (la piña alta de cerca se convertía en un golpe especial, con lo que se iniciaba un combo). Muchos lo recibieron bien, pero otros lo rechazaron totalmente. ¿Era para tanto el cambio? Definitivamente. El juego pasó a ser totalmente ofensivo a diferencia de sus predecesores. Bloquear y saltar ya no nos iba a salvar siempre. Si el enemigo se nos venía encima corriendo, la respuesta tenía que ser más rápida. Antes, defendernos era el fuerte, ahora, era atacar constantemente, y hacerlo con habilidad.

En cuanto al aspecto técnico, fue más logrado que los anteriores, pero ya había un problema. Para 1995 los juegos de lucha en 3D empezaban a pegar fuerte en el mercado. El trabajo del MK III fue más que digno, pero los 2D ya empezaban a abandonarse (curioso que el éxito del MK 9 fuera el retorno con un 2.5D). Al igual que los anteriores, captura de movimientos digitalizados fue la forma de hacer el juego. Sin embargo, veremos que el problema con el apartado gráfico iba a estar en otro momento al que ya haremos referencia. Los escenarios no estaban mal, pero muchos desaprobaron lo que vieron. De la oscuridad del Outworld al mundo real, había un cambio. En mi opinión, estaban a la altura. La calle deshabitada, la iglesia (arruinada en el UMK III), la guarida de Motaro… en fin, si bien no tenían la oscuridad del MK II, estaban muy bien logrados, con un buen nivel de detalle. Tal era así, que se podía pasar de una habitación a otra a través de un gancho en varios escenarios, haciendo que el enemigo atravesara el techo y apareciendo en otro escenario. En síntesis: si la historia se desarrolla en la tierra, difícil que tenga los escenarios que vimos cuando sucedió en Outworld.

FATALITIES Y… ¿ANIMALITIES?

Acá coincido con muchos: las fatalities fueron realmente un espanto. Basicamente se limitaron todas a explotar al enemigo. ¿Las salvedades? Shang Tsung elevándonos y haciendo que los huesos caigan derretidos, Sheeva y Sindel, sacándonos la piel cada una a su manera, y Kano sacándonos el esqueleto por la boca. El resto era una animación acompañada del mismo resultado: huesos que volaban después de alguna explosión o algo que no fuera explosión pero igual nos hiciera volar los huesos. Cuanto mucho, nos quemaban.

¿Los colmos? Jax se hace gigante y nos pisa. Parecía un chiste de mal gusto, sobre todo porque con lo complicadas que eran y el poco tiempo que teníamos para hacerlas, el resultado fuera ese. Kabal se saca la máscara y nos asusta de tal forma que nuestro espíritu se va corriendo. Liu Kang se hacía un arcade gigante y nos aplastaba (¿?¿?¿?). Cyrax se autodestruía (inteligente decisión…) mientras que Smoke lo superaba: no le bastaba suicidarse para matar al otro, directamente volaba el planeta. Pero lo peor eran las animaciones. Si te decapitaban, seguías en pie, a diferencia del MK II. O peor, que nos faltara la mitad del cuerpo implicaba que las manos siguieran al lado de nuestras piernas… pero sin brazos, sostenidas en el aire. La falta de tiempo hizo que estas cosas tuvieran que salir así. Es acá donde radicó el problema del aspecto gráfico. Tan alto, tan detallado, que tuvieron que cometer aberraciones para que entraran en un cartucho. Las fatalities estaban limitadas a los mismos movimientos que en combate pero con muerte. Para entenderlo: ya dijimos que en el MK II un cuerpo decapitado se desplomaba. Acá esa animación no existía. Arrancarle la cabeza a Sindel implicaba que dos mechones de pelo quedaran en el aire, porque la decapitación solo era un recorte vulgar del sprite. Muy poco cuidado en los detalles.

Las stage quizá se salvaban. Además de “The Pit”, el subterráneo hacía que nos llevara puesto un subte, y el campanario a una pila de clavos post romper varios pisos con la espalda (este último será retirado en el UMK III para dar paso al de Scopion’s Lair). Pero ninguna estaba al nivel del MK II.

Pero sin dudas, las Animalities se llevaron los peores comentarios. Surgidas de un mito urbano, los creadores se dieron el lujo de crearlas. Había que hacerlas en el 3er round, y luego de darle un “Mercy” al luchador contrario (movimiento que le devolvía algo de energía). Después de todo ese quilombo, venía la Animality... Solo puedo decir que su promoción fue tan grande como la decepción. Con gráficos grotescos que parecían un chiste, el luchador se convertía en animal y asesinaba al oponente. O eso parecía, porque muchas veces no se mostraba más que gotas de sangre y listo. Sinceramente una oportunidad que se dejó pasar. Pero lo peor vendría más tarde, cuando el Mortal Kombat Trilogy tenía todo para reivindicar este error, y no aprovechó la oportunidad.

A las babalities, de las cuales no haré comentarios, las acompañaron las friendships. Que esta estupidez siguiera era tan increíble, que al ejecutarla Shao Kahn decía “Friendship… Friendship?... Again!”. Pero lo peor de todo era que los creadores parecieron haberse esforzado más en eso que en las fatalities, sin ninguna duda.

TIEMPO DE CAMBIOS

El tiempo fue la excusa de los déficits. Perfecto, suponemos que lo aceptamos. Pero en la próxima entrada hablaremos del UMK3/Trilogy. En efecto, dos expansiones que pudieron haber permitido llenar huecos. No obstante, no lo hicieron. Para muchos, el MK III fue pésimo. Una exageración. No obstante, retomamos el concepto del tiempo: no solo no hubo suficiente tiempo para hacerlo, sino que ni siquiera fue el tiempo para hacerlo. Para los que ya estaban con la Play Station, el juego no estaba a la altura de lo que se exigía. Paradójicamente, el salto al 3D hizo que muchos extrañáramos el 2D. La historia del MK III no termina acá. Las expansiones intentaron superar lo que parecía que había sido un paso en falso. Pero no hicieron más que ampliar defectos. La falta de creatividad no se abolió: se amplió a más personajes. Si hay algo que le podemos rescatar es que mantuvo el espíritu intacto. La historia de Kahn iría culminando, y nunca más (repito, NUNCA MÁS) hasta su retorno en el MK 9 sería superada, ni por Shinok, Onaga o Blaze. Por otra parte, el sistema de combos, criticado en su momento, fue una marca registrada que sigue hasta hoy. ¿Qué pasaría si sacan los combos de las nuevas versiones? Quedarían horrorosas. Algo que los detractores de aquel momento tendrían que admitir. Los combos fueron un excelente acierto.

A veces se le atribuye a Bertolt Brecht por error, pero lo cierto es que la idea es de Gramsci cuando se refiere a las “crisis orgánicas”. Para él, aparecen cuando lo nuevo no termina de nacer y lo viejo no termina de morir. Exagerado aplicar semejante autor a la historia del Mortal Kombat. No obstante, pasaba algo de eso. Nuevas épocas se venían, y la fórmula vieja no moría aún. Es más, faltaba un tiempo para que naciera la nueva, y aún así, cuando lo hizo, llamó poco la atención. No fue un juego malo, pero tal vez si el primer paso en falso. ¿Tan grave? Digamos que se empezó a marcar un camino que terminaría con la salida de John Tobías del equipo creador. El Mortal Kombat empezaba a tener un poco de sana competencia.

#retro #snes #pelea #sega #genesis #especia #mortalkombat3

Las Tortugas Ninjas: reptiles en 8-bits

Parecerá extraño que se haga un post de este estilo. Sin embargo, esto es un homenaje. ¿A quién? A los huevos que se van de viaje A mi infancia. Si había algo mejor que la serie por excelencia de la época y los videojuegos, era que ambos se juntaran. Y creo que solo hubo una saga que estuvo a la altura de eso.

Sinceramente no tengo ni idea de la historieta. Solo se que en Argentina, los que íbamos al jardín de infantes a principio de los años 90 jugábamos a cagarnos a palos imaginando que éramos una especie de reptil con conocimientos sobre las artes marciales y manejo de armas. De milagro no perdimos un ojo (creo...), y fue una pesadilla para las maestras.. El motivo era que en 1987 había salido la serie animada de Las Tortugas Ninjas, y era furor entre los chicos. Bastará con decir que tenía las 4 armas, los muñecos, y que fui a ver una obra de teatro (nunca recuerdo si fue Gran Rex o Luna Park, tenía 5 años) de dudosa calidad que era una versión de la película pero con acento argentino. Nunca supe si la historieta tuvo tanta repercusión acá (imagino que si, pero basicamente no exploré mucho el mundo de los comics en general), pero la serie fue furor. Pese a seguir hoy en día en distintas versiones, películas y juegos, no se compara con lo que fue a principio de los años 90.

¿Hay que contar la historia? Creo que no vale la pena. Conozco lo que me mostró la serie en ese momento. Resumamos que son 4 tortugas que gracias a una mutación se hicieron más grandes y aprendieron artes marciales que les enseñó una rata gigante. Ah si, y cada una tiene nombre de un artista del renacimiento. Pero todo esto ya lo sabían, ¿no?. En fin, sigamos.

Lo que permitió la proximidad del éxito de la serie a la moderna industria de los videojuegos fue sacar unos títulos más que interesantes y que tuvieron un gran éxito. Son muchos, pero hablaremos de los 4 para NES/Family dado que fue el punto fuerte donde los cuatro reptiles hicieron pie en los videojuegos.

Teenage Mutant Ninja Turtles (1989)

Corría enero de 1993, y un reverendo hijo de puta otorrinolaringólogo se había llevado mis amígdalas antes que empezara la escuela primaria. En la cama, mientras me querían hacer comer helado por la fuerza (obvio que no quería, me habían abierto la garganta) recibí la recompensa por someterme a esa tortura: un juego de las Tortugas. Obvio, lloré más fuerte para poder irme de ese lugar y probarlo. Desconocía que existía eso. El juego había sido desarrollado en 1989 por Konami, y hasta hoy tiene un lugar de privilegio en el mundo de los 8-bits. La jugabilidad era diferente a muchos juegos de la época. En cualquier momento del juego podíamos elegir a cualquiera de las 4 tortugas.

Sus diferencias, obviamente, eran los colores y las armas, pero éstas presentaban distintas características. Donatello y su Bo eran lentos, pero los más fuertes, e incluso podía atacar hacia arriba o hacia abajo a enemigos en ángulos difíciles. Rafael y Miguel Ángel, con sus sai y nunchaku, eran rápidos, aunque el golpe era más débil, ideales para enemigos más pequeños pero rápidos. Leonardo y su sable eran equilibrados en velocidad y fuerza. Elegir entre los 4 era la forma de no morir antes de terminar un nivel, pero eso si, la tortuga malherida seguiría así hasta que encontremos forma de recuperar energía, la que no abundaba, y había que saber elegir sabiamente. Si moríamos con una tortuga, elegíamos otra para seguir, hasta que se acabaran, lo que significa que la elección de los personajes significaban las vidas. Había dos opciones: o rescatar a las tortugas que perdimos, y volver a tenerlas en nuestro repertorio, o perder las 4 y continuar desde el principio (solo se podía hacer dos veces). Todo un método novedoso para la época.

Pero además, el juego se dividía en dos estilos. Primero, recorreríamos un mapa viendo a los personajes desde arriba. Recorriendo el mapa de esta forma encontraríamos enemigos, tanto soldados como vehículos, a los que solo le podíamos ganar si encontrábamos el nuestro. Con el mismo podíamos tirar misiles para eliminar tanques y aplanadoras, como pisar enemigos más pequeños, y desbloquear caminos.

Cuando encontrábamos una puerta o la boca de una alcantarilla, entrábamos y jugábamos al estilo “horizontal”: el personaje más grande pero visto de costado. Ya en esta visión, era donde aparecía la verdadera acción. Además de nuestras armas, podíamos agarrar poderes para arrojar, así como estrellas ninjas. Un arsenal variado para lo que se nos venía encima. Los enemigos no solían ser los clásicos: más allá de los Foot Soldier, había bichos realmente extraños, por no decir que hasta ridículos. Se los explicaría pero hasta hoy no los entiendo. Algunas zonas a las que entrábamos eran necesarias para acceder a ciertos lugares, pero otras solo encontrábamos enemigos secundarios, o el lugar donde las tortugas que habíamos perdido estaban prisioneras y debíamos rescatar. El final de cada mapa contaba con un enemigo. Éstos mundos eran 5 (sin contar el último que no tenía ese estilo).

El juego era extremadamente difícil por momentos, lo que le valió varias críticas. Según se dice, la versión de PC fue ridículamente difícil, al punto que sin un truco había una parte que no era posible pasar. No obstante, fue de venta masiva. Pero algo no terminó de convencer a muchos: los dibujos si bien no eran burdos, parecía que no estaban basados en la serie animada. Si vieron las imágenes lo pueden corroborar. Esto conllevaría a la creación del segundo juego.

Teenage Mutant Ninja Turtles II: The Arcade Game

En diciembre de 1990, fecha ideal para que los padres sequen los bolsillos, salió la segunda parte de la saga. En realidad, sería la 2da parte para NES/Family, dado que el juego había desembarcado tiempo antes en arcade. El éxito fue tan grande que no tardó mucho la conversión a las consolas caseras.

La jugabilidad era básica. Esta vez solo había que elegir a uno de los personajes (se podía jugar de a 2 en las consolas y hasta 4 en los arcades) y darle rienda suelta a los golpes. El juego era sencillo: con un botón se pegaba, con el otro se saltaba. La combinación de ambos propinaba un golpe especial que bajaba un poco la energía (típico de los beat’em up de la época). Era un movimiento genérico, igual para los 4 personajes.

El juego inicia en el edificio de April, envuelto en llamas (y con publicidad de Pizza Hut), siguiendo por otros escenarios como la calle, alcantarillas, incluso en la autopista donde vamos a desplazarnos con un skate con propulsor. Se pueden utilizar ciertos objetos del entorno, como tapas de alcantarillas o bocas hidrantes para atacar a los enemigos. ¿Hay que aclarar que al final de cada nivel hay un enemigo?

El juego fue furor. La similitud de los gráficos con la versión de la serie ayudó a las ventas. Los beat’em up estaban en ascenso. Pero no iba a quedar acá.

Teenage Mutant Ninja Turtles III: The Manhattan Project

En 1991 sale la 3era parte (2da en Japón, porque ellos siempre quieren hacer todo distinto). Mejoraba muchísimos aspectos de su predecesor y fue más exitoso. La trama consistía en que Destructor elevaba la isla de Manhattan por los aires (?) mientras las Tortugas Ninjas estaban de vacaciones (?x2). Obvio, no podían dejar que eso pase, y se emprendían un viaje hasta la isla flotante para patearle los huevos frenar a Destructor. Nota al margen: si mal no recuerdo, en el Crysis 2 algo de Nueva York también terminaba flotando. ¿Coincidencia? En fin, sigamos…

La mejora gráfica era evidente, pero no quedaba ahí. La jugabilidad si bien seguía siendo la básica de NES/Family, se modificaba en algunos aspectos. El golpe especial ahora era diferente para cada tortuga, lo que hacía de le elección algo especial: podíamos elegir entre uno con un golpe fuerte, otro que ataque a ambos costados, etc. Pero se sumaba un movimiento más: apretando hacia abajo y el botón de golpe, se utilizaba el arma para enganchar al enemigo y tirarlo para atrás, movimiento que eliminaba de una a los enemigos más débiles (pero inútil con los jefes finales). Los golpes de los enemigos también surtían efectos distintos, algo avanzado para la época. El ejemplo más famoso era cuando no tiraban arena en los ojos.

Similar al título anterior, el juego iba por diversos escenarios donde algunas partes del entorno nos servían como armas. Y como siempre, Destructor era el enemigo final, en una versión idéntica a la de la segunda película, algo así como un Super Destructor (siempre vi la segunda y la tercera, ¿alguien vio la primera o es un mito?).

Los enemigos eran más variados que la segunda parte del juego, lo que, sumado a los nuevos golpes, hacían del título una joya de los beat’em up. Sin embargo, el género ya daba sus últimos suspiros en el mundo de los 8-bits. Y lo que viniera después, tendría que ser diferente.

Teenage Mutant Ninja Turtles: Tournament Fighters

En 1994 las consolas 16-bits estaban totalmente asentadas en Argentina (llegaban un poco más tarde que en el resto del mundo, aunque no tanto). Al igual que sucede en estas épocas, hay juegos que comparten dos generaciones de consolas: se unen los últimos de una con los primeros de las otras. Este fue uno de los casos, al punto que significó el último juego de Konami para esta generación de consolas. Difícil explicar el juego en cuestión cuando representó un éxito para una plataforma y un fracaso en la otra. En 1993 este título salió para Super Nintendo y Sega, y un año después aparecía para NES/Family. La versión 16-bits fue bien recibida, mientras que la de 8-bits pasó sin pena ni gloria. Para empezar, los juegos de lucha nunca fueron el fuerte de esta consola. Opinión personal que pueden no compartir. Pero con excepción del Street Fighter, los juegos de lucha no eran para plataformas de 8-bits: jugabilidad limitada, escasa cantidad de botones para la lucha, poca memoria en el cartucho para gran cantidad de personajes y para movimientos especiales. No obstante, el intento estuvo bien, porque quienes seguían con la NES/Family merecían juegos de pelea.

En el caso de TMNT: Tournament Fighters, la conversión perdió muchos de los mejores elementos de las versiones SNES y Sega, como el golpe especial cuando se llenaba una barra extra, y varios personajes. El juego tenía un modo versus contra la máquina, otro contra un segundo jugador, un modo torneo, y la historia. Este último, era un tanto bizarro. Si elegíamos el modo historia, se limitaba la elección a solo las 4 tortugas (teníamos 3 más si elegíamos el modo versus). La historia solo era una secuencia de luchas en cierto orden. Y las 3 primeras eran… contra las otras tortugas. Pasada esa etapa, luchábamos contra los enemigos.

Los movimientos básicos eran una piña y una patada con cada botón, más movimientos especiales con cada jugador después de llevar a cabo el comando correcto. Cada tanto aparecía splinter y nos dejaba una pelota roja que era un power-up y nos daba una ventaja. En líneas generales fue un intento digno de un juego de pelea para 8-bits. Este supuso el fin de las 4 tortugas en esta plataforma.

Saldo positivo

Las Tortugas Ninjas volvieron para diversas consolas, pero nunca con la misma fuerza. Un intento en PS2 hace varios años no logró la misma repercusión. Personalmente, considero que estos reptiles fueron símbolo de una época. Quienes crecimos con la serie animada sabemos el éxito de esta. Tal cuestión, mezclada con el auge del NES/Family, produjo éxitos comerciales que quedaron en la memoria. Si bien SNES y Sega continuaron con ese éxito, las Tortugas Ninjas fueron un ícono de los 8-bits. El primer juego sentó precedentes de una jugabilidad que se retomaría, y que era poco común para Family. Una mezcla de acción y rol muy interesante. Pocos beat’em up lograron semejante éxito como las partes II y III, y explotaron el éxito de arcade en consolas caseras como nadie. Su despedida quedó corta, pero no es su culpa: los juegos de pelea conocerían su mejor momento con los 16-bits. Hoy solo queda recordar, con pizza de por medio, aquella época propicia que quedará en la memoria de quienes rozamos o pasan los 30 años.

#retro #8-bits #nes #familygame #tortugas #ninjas

Especial Mortal Kombat. Parte II: Te copamos el Outworld

A pocos días de la salida del Mortal Kombat X, hoy nos toca hablar del mejor capítulo de la saga. No es autoritaria esta definición. En infinidad de foros, la mayoría vota al Mortal Kombat II como el mejor de todos, opinión con la que coincido. Los debates suelen ser intensos, pero más de la mitad lo elije, mientras que el resto se divide en el resto de los juegos (sin contar el Mythologies, el Special Forces y el Shaolín Monks).

Y no es un misterio el porqué de esta elección. El quiebre que representa el paso del MK I al MKII no se vuelve a ver en un largo tiempo en lo que respecta a la jugabilidad, mientras que en lo referente al argumento, tan solo en el MK 4, cuando se introduce a Quan-Chi y cambia parte de la historia. Seamos francos: los argumentos del Deadly Alliance, Deception, y Armageddon fueron tirados de los pelos. Otra cosa que lo comprueba: Mythologies y Special Forces (tendrán sus análisis) fueron un fracaso, y Midway cuando quiso sacar un tercer juego de modo aventura, creó el Shaolin Monks, la historia del MK II contada desde otra perspectiva. Claramente, el juego triunfó, y no fue casualidad. El MK II sentó las bases de todo lo que vendría, y eso lo hace el juego favorito de los fanáticos.

HISTORIA

Midwai no dudó ni un instante en desarrollar la segunda parte. Al punto que canceló un juego de Star Wars (otro de tantos…) que tenía pensado hacer. Su predecesor marcó una revolución poco común en el mundo de los videojuegos, y desaprovechar el auge era una estupidez.. De hecho, la empresa exigió la continuación, que en un principio no estaba en los planes de Boon y Tobías.

Hace 500 años, Shang Tsung se internó en el Earthrealm. Con la ayuda de Goro desequilibró las furias y condenó al planeta a una existencia caótica. Teniendo en su mano el Gran Torneo Shaolin, intentó inclinar las balanzas del orden hacia el caos. Solo siete guerreros sobrevivieron a las batallas de Shang Tsung pero su plan se acabó en las manos de Liu Kang. Teniendo que enfrentar su ejecución por su derrota y la aparente muerte de Goro, Shang Tsung convence a Shao Kahn para que le conceda una segunda oportunidad. El nuevo plan de Shang Tsung es atraer a sus enemigos para competir en el Outworld, donde ellos se encontrarán con su muerte en las manos del propio Shao Kahn.

La historia es una continuación directa de la primera parte. Traduciendo el hilo oficial: Shang Tsung la cagó fue derrotado en el torneo, y se nos presenta a su jefe, Shao Kahn, que está a punto de matarlo por su error. Sin embargo, el brujo lo convence, y le dice que hay una oportunidad: llevar el torneo al Outworld, donde Shao Kahn reina (y claro, de visitante siempre cuesta más). Ahora, el destino de la tierra depende de otro nuevo torneo, pero esta vez el enemigo final es Shao Kahn, más poderoso y sanguinario que Shang Tsung

El desarrollo dio un juego con la base de la jugabilidad del MK I, pero mejorado. Más personajes, escenarios más lúgubres, mejoras en los movimientos, y la ampliación en el repertorio de ejecuciones finales: dos fatalities por luchador, 3 stage fatalities, babalities y friendships. Vamos en orden.

PERSONAJES

De los 7 personajes originales, el elenco aumenta a 12. Tan solo dos no regresan: Sonya y Kano, ambos prisioneros que podremos ver en uno de los escenarios.

Entre los 6 que vuelven, 5 eran manejables y uno debuta como seleccionable. Están:

-Raiden: el Dios del Trueno no deja en banda a la tierra y sigue la lucha en el Outworld, aunque ahora lo hace con una especie de delantal azul que lo hace menos varonil.

-Liu Kang: el campeón del torneo en la tierra saca chapa de la vuelta olímpica que dio en la cara de Shang Tsung y va por la doble corona

-Johnny Cage: el actor de Hollywood no tenía nada mejor que hacer y sigue a todos hasta el otro mundo. En el viaje los pantalones se le alargaron.

-Sub-Zero: ¿no lo había asesinado Scorpion? Si. Bi Han era el original y que sufrió la venganza a manos de Scorpion. Su hermano Kuai Liang se entera y decide entrar al torneo como Sub Zero, para vengarse de Scorpion. Lo que nadie sabe es que Bi Han volvería de una forma extraña...

-Scorpion: no entiende lo que pasó, pero al ver nuevamente a Sub-Zero decide asesinarlo otra vez para que aprenda a quedarse muerto

-Shang Tsung: por llevarse una paliza, casi lo pasan a valores lo matan, pero convence a Kahn y tiene una segunda oportunidad. Pero no solo eso: rejuvenece para poder estar a la altura de las circunstancias. Aunque le quede un aire a Cantinflas.

Los nuevos personajes fueron un punto fuerte en el juego. Estos eran:

-Baraka: general de la raza Tarkatan, la cual suele vivir en los baldíos del Outworld (aunque aparentemente son inmigrantes de Netherealm). Al igual que el resto de los suyos, tiene dientes que parecen una trampa para oso, y está un poco desfigurado. Apasionado de la lucha y de la sangre, tiene dos cuchillas que le salen de los brazos. Es un chupaculo servidor de Shao Khan.

-Kung Lao: monje shaolín amigo de Liu Kang y descendiente del antiguo Kung Lao, muerto por Goro hace 500 años en el primer torneo. Miembro del Loto Blanco. Su sombrero parece ridículo, pero te corta de punta a punta. Gran protagonista del juego y de la saga de ahora en adelante.

-Kitana: Kitana es la reina de Edenia y la hija de Shao Khan. O eso cree. Tiene 10.000 años, aunque parezca de 30 y que está más buena que comer pollo con la mano (y no tachamos eso que acabamos de decir). Edenia era un reino que invadió Kahn, y para legitimar su invasión, tomó a Kitana como hija… después de asesinar a su padre. Tiene dos abanicos que lejos de dar aire, te pueden despegar la cabeza del cuello. Ella descubrirá su historia y se unirá al bando de Raiden.

-Millena: la hermana de Kitana… o eso cree (si, esa familia es un puterío). Similar a Kitana pero de color rosa, y armada con dos sai, de buenas a primeras creemos que es otra hermosa luchadora, hasta que se saca la máscara y vemos que tiene el mismo comedor (a.K.a. dientes) que Baraka. Es una creación de Shang Tsung. Híbrido entre humano y Tarkatan. Con un beso puede arrancarte la lengua.

Reptile: podríamos decir que vuelve, aunque convengamos que es totalmente novedoso. Este misterioso ninja verde que aparecía en el MK I acá aparece como seleccionable y deja de ser una mezcla de poderes entre Sub Zero y Scorpion para tener habilidades de reptil, como escupir ácido. Mulo se Shao Kahn, y es la única vez que aparece con una forma decente.

-Jax: amigo y colega de Sonya, va al Outworld a rescatarla. Es un policía negro de color que practica la brutalidad policial cual miembro de la Bonaerense, pero con más músculos. La idea era que estuviera en la primera entrega pero recién en la segunda parte pudo estar.

Los jefes cambian y no son seleccionables:

-Shao Kahn: ya hablamos bastante de él. Emperador del Outworld que se dedica a conquistar otros mundos. Aunque pocas veces se diga, es un hechicero experto en magia negra, con la capacidad de absolver almas. De musculatura gigante, sádico, con una fuerza impresionante, un casco en forma de cráneo y un martillo básicamente de nuestro tamaño, Kahn pasó a ser el enemigo de la saga por excelencia, al punto que repetirá este rol en el MK III y en el MK 2011.

-Kintaro: sub jefe del juego. En el mundo de los Shokan hay una división, dando por un lado los Shokan-dragón (como Goro y Sheeva del MK III), y los Shokan-tigres. Kintaro es de éstos últimos. Más fuerte y rápido que Goro, ocupó el cargo de comandante de las fuerzas del Outworld después probar su capacidad asesinado a un rival centauro (mini historia que involucra al MK III). Más allá que la historia diga que es más fuerte que Goro, lo podemos comprobar al pelear nosotros mismos. La forma original en la que fue ideado parecía salido de un Tekken. Por suerte, lo pensaron dos veces.

Sumado a éstos, había 3 personajes secretos que no eran seleccionables:

-Jade: personaje femenino como Kitana y Millena pero de color verde. En esta versión usa los abanicos de Kitana, y no será hasta el Ultimate MK 3 que aparezca con su arma (especie de bo luminoso). Ella es, justamente, amiga y guardaespaldas de Kitana. Figura con un signo de pregunta en la torre, y para luchar debemos llegar con ciertas estadísticas de peleas.

-Smoke: al igual que Sub Zero, pertenece al clan de asesinos del Lin Kuei. Motivado por el asesinato de Bi Han, decide ir a ayudar a quien ahora ocupa el rol del ninja helado. Es gris y echa humo constantemente. Sus movimientos son los de Scorpion. Para luchar contra él, había que esperar que salga la imagen de Dan Forden diciendo “Toasty!” después de un gancho, y en ese momento apretar abajo + start, todo en el escenario llamado “The Portal”.

-Noob Saibot: una sombra que se encargaba de buchonear avisar a Shao Kahn de lo que sucedía en el torneo. Con el tiempo se sabrá que era el espectro del Sub Zero asesinado, y un par de cosas más que no develaremos. Los movimientos eran los de Scorpion (ere su sprite solo que en negro). Se debía ganar 50 combates seguidos para enfrentarse a él. Como todos saben, Noob Saibot es “Tobías Boon” leído al revés. Curiosamente, cuando Tobías se aleja del Mortal Kombat, el personaje pasa a llamarse solo Noob.

Nuevamente, los personajes fueron interpretados por actores y digitalizados.

ESCENARIOS

El juego se caracterizó por ser el más lúgubre de todos, y los escenarios son dignos de mención. Luchar en un cementerio con lápidas que tienen el nombre de los programadores, es lo de menos. Portales con monjes que se mantienen flotando, armerías donde el hierro fundido hace de decorado, un coliseo donde Shao Kahn nos observa pelear, son aperitivos.

“The Living Forest” pasó a la historia por el espanto que provocaba: árboles con caras monstruosas que gruñían, con cadáveres alrededor, mientras que Smoke y Jade se asomaban de atrás del árbol principal.

Pero el plato fuerte venía en 3 partes. Si en el MK I conocíamos “The Pit” por ser el escenario donde se realizaba una stage fatality, en esta segunda parte eso se triplicó. “Kombat Tomb” era un balcón con un cielo rojizo de fondo, bastante extraño, y con la posibilidad de ensartar al oponente en estacas que había en el techo (si se mantenía apretado un botón, el cadáver caía). “

The Pit II” era una nueva versión del que veíamos en el juego anterior. En esta ocación, en vez de caer contra clavos, caíamos contra el piso, con una animación excelente para la época. El cuerpo quebraba el suelo, y quedábamos en un charco de sangre. Siempre se habló de este escenario por las dos figuras que luchaban en el fondo: algo que era humano, y algo cuya mitad del cuerpo estaba en llamas. Lamentablemente, se les ocurrió tiempo después darle un rol a este último y ser conocido como “The Blaze”, cuya explicación y protagonismo serían la base del Armageddon.

Pero sin dudas, si hubo un escenario que caracterizó el juego, fue “The Dead Pool”. Luchábamos en una pasarela, con cuerpos colgando de ganchos, y de fondo una linda pileta con el agua color verde. Poco tardaríamos en darnos cuenta que eso era ácido. Un gancho nos mandaba a dar un baño que nos dejaba limpios… de carne. Mientras el enemigo festejaba, el esqueleto se alejaba. (Siempre me pregunté quién quería y para que una pileta de ácido)

La desventaja era que ahora, y a diferencia del MK I, para realizar estas stage fatalities era necesario una combinación de botones y dependía del personaje. Con excepción de “The Dead Pool”: acá, había que mantener piña alta + patada alta y dar un gancho sin soltar estos botones. Era igual para todos.

JUGABILIDAD Y LOS NUEVOS REMATES

El MK II fue un híbrido entre lo que fue y lo que se venía. Había más velocidad de recuperación entre movimientos, por lo cual, si bien aún no existía el sistema de combos que debutaría en el MK 3, se podían encadenar 2 o 3 golpes relativamente seguidos (además de piñas y patadas genéricas, golpes específicos como codazos que lográbamos al estar totalmente pegados). Hubo más movimientos especiales por jugador. Incluso, Shang Tsung nos daba la oportunidad de convertirnos en quien quisiéramos a lo largo del combate. Pero la estrella del juego fue el movimiento de la fatality. Si bien hablamos de las stages, eso fue solo para empezar. El clásico movimiento se duplicaba, algo que deslumbró a todos. Esto sería así hasta el Deadly Alliance que por problemas de tiempo solo tenía una por personaje. Se dice (y concuerdo) que este juego tiene las mejores fatalities de la saga. Esta afirmación tiene una explicación. Comparado con el I y con el III, acá teníamos una diversidad poco común. Para dar un ejemplo: en el MK III se abusó de las explosiones del cuerpo y decapitaciones; eso continuó durante el resto de la saga. A falta de ideas, el personaje le arranca una parte del cuerpo y listo, tiene su fatálity. No fue así en el II. Había decapitaciones, incineraciones, explosiones, extremidades arrancadas, empalamientos, canibalismo, electricidad… Ustedes podrán decir que es todo lo que se ve hasta hoy. Ciertamente. Pero hay cuestiones a resaltar.

Para empezar, fue la primera vez que todo eso se vio en un MK. La base de las actuales fatalities salen de acá. Además, a diferencia de lo que se vio, los personajes rara vez repetían lo que hacía otro. En el Deadly Alliance casi todos te revientan contra el piso y desparraman carne. Baraka, Kitana y Cage te decapitaban, pero mientras, uno te empalaba, el otro te sacaba media parte del cuerpo y la otra te daba un beso como para reventar. Scorpion no solo te incineraba, sino que te cortaba a la mitad. Reptile nos comía el cráneo entero, pero además nos partía sin siquiera saber cómo. Raiden y Sub Zero se llevaban los insultos. Ambos tenían una fatálity que era sencilla (en la memoria queda Sub Zero haciendo una pequeña bola de hielo que nos hacía explotar), pero otra que constaba de dos partes: Sub Zero nos congelaba y nos partía, pero una combinación de botones provocaba el hielo, y otra distinta lo rompía. Raiden empezaba a electrocutaros, pero si no se toca repetidamente un botón, la cosa quedaba ahí, con la pantalla oscura y sin que diga fatálity. El premio máximo era Shang Tsung: además de entrar en nuestro cuerpo y reventarnos, nos levantaba y absorbía la energía hasta dejar el cuerpo hecho una pasa de uva (idea que no se repitió). Pero él era poseedor de una tercera fatality: convertirse en Kintaro y partirnos al medio.

Desde la sencillez de Millena apuñalándonos, hasta Kung Lao partiéndonos al medio de una forma que nunca imaginamos que alguien podía morir, el MK II fue original. Todo lo que vino después, solo repitió esas fórmulas, hasta la llegada del Mortal Kombat 9, donde la imaginación volvió. Para dar una idea, Liu Kang convietiendose en un dragón y masticando al oponente, fue una buena idea para este juego. Pero se repitió hasta el hartazgo, y ya no causa en lo más mínimo impresión o sorpresa. El MK II nos hizo conocer la violencia como nunca antes, el resto repitió la fórmula hasta el hartazgo.

La polémica de las fatalities trajo dos sátiras: babality y friendship. La primera solo consistía en convertir al oponente en un bebé (lamentablemente, duró hasta el MK 9). Sencillamente, no conozco a nadie que hiciera una babality por gusto. Pero las friendship eran bizarras. Lejos de asesinar al oponente, podíamos hacer alguna gracia: un muñeco de nuestro personaje, piruetas, y estupideces semejantes.

DIFERENCIA EN VERSIONES

Con la mala experiencia de censurar el MK I, a Nintendo ni se le cruzó por la cabeza volver a hacer semejante cosa. Por eso, las versiones solo difieren medianamente en los gráficos. A la vanguardia, el arcade y la PC tenían los mejore gráficos, seguido por Nintendo, y con el Sega al final. Basicamente, esta última consola tiene el apartado gráfico más pobre, haciendo que huesos y tripas post fatalities desaparecieran. Además, en la versión de Sega cuando nos enfrentábamos a los enemigos secretos, lo hacíamos en el escenario “The Portal” pero de color violeta, mientras que en las otras versiones luchábamos en “Goro’s Lair”, aquel escenario del MK I. Hoy por hoy, se pueden encontrar versiones mejoradas: PS2/3 y Xbox 360 y One. Como ejemplo, el Shaolín Monks traía la opción (secreta) de jugarlo con gráficos mejorados. Tuvo su desembarco en consolas portátiles como la Game Boy y la Game Gear (portátil de Sega que usaba 6 pilas doble A y duraba 2 horas) que fueron bastante aceptables.

CURIOSIDADES

El juego albergaba secretos bastante extraños. Uno de ellos era la posibilidad de jugar el mítico Pong. Solo teníamos que llegar a las 250 peleas. Algunos enfermos lo hicieron y lo subieron a Youtube como para poder verlo y no morir frente a una pantalla en la pelea n° 223 de algún ataque. Otra era la “Fergality”, que solo existía en la versión Sega Génesis. Hacerla significaba conocer varios secretos a la vez. Una vez accediendo a la pantalla de opciones secretas (atrás, abajo, atrás, adelante, abajo, adelante, atrás, atrás, adelante, adelante, hacerlo donde dice “start”), había que activar el Test Mode, Background 6 y Oh Nasty!. Luego se elegía a Raiden y en el “Finish him!” hacer 4 veces atrás + bloqueo. El resultado: convertir al enemigo en un cuerpo diminuto con la cabeza de Fergus McGovern, un empleado de la empresa “Probe”.

Como última, y confirmada por los creadores como intencional y no un bug, Johnny Cage después de sacarnos una cabeza de fatality, nos sacaba dos más.

Estas cosas prueban algo: el juego se hizo como se quiso, sin apuros, al punto tal que se tomaron licencias para incluir estas curiosidades. ¿Por qué destacar eso? Porque básicamente, no volverían a tener tiempo nunca más para hacer los juegos tal cual querían.

EL GRAN JUEGO DE LA SAGA

La historia, los personajes, el nivel de violencia… Pocos creían que la segunda parte iba a estar a la altura de la primera, y casi nadie pensó que podía superarla. TODO lo que se hizo después, se basó en el MK II. Se repitieron fórmulas, movimientos, fatalities, la historia dio un giro que todos recuerdan hasta hoy (¿O me van a decir que a alguien le quedó más la historia de Onaga que de Kahn?). En fin, no fue la piedra fundamental, pero si los cimientos de lo que se vendría.

Una de las claves del éxito del Mortal Kombat 2011 fue volver a contar la historia de las tres primeras partes, de una forma brillante. Y es que es, fue y será el argumento de la saga que más nos quedó en la memoria. Sin embargo, de esas tres partes que hacen la historia principal (repito, a nadie le importó Onaga), el MK II es su cenit. La oscuridad del relato, el ir a un mundo que ya no es el nuestro a pelear a muerte, daba un tinte que realmente hacía sentir que la vida estaba en juego. Kung Lao gana el torneo (según el hilo oficial). Shao Kahn no admite la derrota, y usando a la fallecida reina Sindel, madre de Kitana, invade la tierra. La tercera parte se llevará a cabo en nuestras calles, templos, puertos. La tercera parte finaliza la historia de Kahn. Pero más importante: partirá las aguas en el mundo de los jugadores. Las voces ya no serán unánimes, y empiezan las discusiones entre los que creen que la saga empezó a decaer, y los que creen que mejoró.

#retro #mortalkombatII #peleas #especial #genesis #snes #sega #arcade

Mechanized Attack, o Terminator con una Zapper

A continuación, el primer artículo de Augusto Dallachiesa, nuevo colaborador del blog, y campeón no oficial del Galaga.

Entre los 80´s y los 90´s la discusión en términos de la súper acción versaba sobre unos pocos tópicos: las drogas, los robots, los excombatientes o los ninjas o kickboxers expertos en artes marciales. La filmografía para contar estas historias es larga e incluye manotazos de ahogado; para ser concretos, había de todo: desde el Chuck Norris más recordado, pateando culos de narcos o comunistas hasta humanos cibernéticos que salvaban el mundo de una amenaza futura. Y quién iba a imaginar que la combinación de estos dos ingredientes daría lugar a un videojuego que difícilmente entre en los anales de la historia, pero que, para algunos, será un vicio eterno.

Bang, bang, estás liquidado

Decíamos que corrían los últimos años de los ochenta y los primeros de los noventa cuando aparecía en los locales de fichines el que vendría a ser el abuelo de los Light Guns, es decir, de la saga Time Crisis o el House of the Dead.

Éste llevaba el nombre de Mechanized Attack (Ataque Mecanizado, en una traducción medio rústica), algo que no decía mucho, pero que, sin embargo, motivaba a volar en mil pedazos cualquier máquina. Tampoco es un dato menor decir que el videojuego fue creado en 1988 por la empresa SNK, creadora de títulos muy caros a nuestra historia gamer, como el Guerrilla War, los geniales Fatal Fury y Art of Fighting, los subvalorados World Heroes y Samurai Shodown, y el Super Sidekicks. Como verán, su fuerte era copar Sacoa el diseño de arcades y sobre todo aquellos que mostraban una notable superioridad en lo que respecta a los gráficos.

La propuesta de Mechanized Attack era bastante sencilla, pero lo suficientemente innovadora como para cautivar nuestras mentes. Teníamos que hacer las veces de un soldado -cargado con una UZI, granadas y unas Rocket Bombs demenciales- que debía rescatar a unos colegas espías (?) de una cohorte de infames enemigos. Todo con la pantalla de frente, bien sorpresivo. Al principio, todo bien: soldados todo terreno, paracaidistas, algún que otro helicóptero o tanque y jefes que emulaban a Rocketee.

Después, el guiño cómplice a la época: los simpáticos milicianos que antes asesinábamos con un solo disparo pasaban a transformarse en cyborgs esqueléticos, de mirada melancólica.

Y, al final, después de rematar trenes y más bosses mercenarios, el plato fuerte, con un cerebro a lo Metroid que manejaba tentáculos mecánicos y bombazos por doquier. Hermoso, sacando de lado el hecho de que resultaba ser un lindo homenaje al entrañable Duke Nukem y, más que nada, a Arnold Schwarzenegger (es realmente insólito que el Player 2 sea una burda caricatura del austríaco ex gobernador de California, Estados Unidos, incluso en el poster del videogame).

Las segundas partes sí que son buenas

La cuestión es que no le fue tan bien a Mechanized Attack como para convertirse en leyenda, pero le alcanzó para llegar -en dos o tres años, según la versión y la plataforma- al terreno de las consolas caseras, como la NES o la Family Game vernácula, que encontraban en la pistola Zapper otro artilugio clave para ganarle a sus antecesora.

El público, agradecido, porque en su versión de 8 bits, la cosa se puso mucho más entretenida, al igual que en otros títulos contemporáneos de similares características gráficas, como el Gotcha! The Sport!, lanzado en 1987 por la también recomendable empresa LJN). A los esbirros de siempre se le sumaron perros (?), perros cibernéticos (!), máquinas que pululan por el cielo disparando balas y una fase entera -que seguramente estuvo pensada para mentes lisérgicas- en donde viajábamos por el cielo derribando varios F-15. Imagínense absorber todo esto, pero en el primer cartucho que hacía debutar a tu consola en casa propia. Todo un lujo.

Aquí la versión para Family Game / Famicom, que vende el juego como una secuela, pero en realidad es un spin off del arcade original. Hondos respetos a la consola TV GAMES (?) de abajo

No, not I, I will survive

Hoy, Mechanized Attack se consigue para el Famicom argento a unos escasos $ 139, o a $ 600 uruguayos en su versión de NES , ambos en la web Mercado Libre. Parece poco, si se tiene en consideración todo lo que podía ofrecer con un par de disparos. Hay quienes incluso ya conquistamos el videojuego varias veces (con o sin continues, con vidas que parecen infinitas o con alguna que otra trampita de turno) y todavía seguimos eligiéndolo. Un tanto por la excelente jugabilidad que ofrecía y otro poco por sus gráficos, su música enfermiza, marchosa, y el morbo de ver cómo fusilábamos sin mayores miramientos a los cyborgs llorones que, esperemos, tengan tiempo aún para pronunciar el clásico “I´ll be back”.

#retro #mechanizedattack #nes #familygame #8-bit

Especial Mortal Kombat, parte 1: el nacimiento de la sangre

Este año saldrá al mercado el Mortal Kombat X. Los adelantos prometen algo único. No obstante, le debe mucho al Mortal Kombat 9 (o simplemente Mortal Kombat), la entrega del 2011 que devolvió a la saga el brillo que supo tener. El camino hasta esta décima parte es largo, y supo llevar a la franquicia desde lo más alto hasta una crisis que obligó a replantear la dirección a tomar. Debates entre fanáticos como “¿cuál fue el peor de la saga? ¿el paso al 3d estuvo bien hecho? ¿fue acaso el MK3 un crack que dividió las aguas? ”, de esos que solo despiertan pasiones en los seguidores más fieles. Proponemos dar inicio a un especial bastante largo, pero que lo merece. Contar la saga que cambió el estilo de luchar hace más de 20 años y los secretos de su éxito que aún lo mantienen vigente es difícil, pero más lo era ganarle a Goro. Empezamos.

TIEMPO ANTES DE LA SANGRE

En 1990 aparecieron en las salas de arcade (fichines en el lunfardo argentino) el llamado Pit-Fighter. Lejos de hablar de “la época” y salvarlo de las críticas, el juego fue una aberración, pero en el sentido literal de la palabra: gente real combatiendo en ambientes que no lo eran. Es otras palabras: fue un buen intento de hacer un juego digitalizando actores reales, pero la experiencia, por varias cosas que no analizaremos acá, quedó a la mitad. No obstante, fue el germen de algo más grande. En 1991, el mundo se arrodilló ante un peso pesado del mundo de los videojuegos que redefiniría (por el momento) el género de lucha: Street Fighter II. 8 personajes con 6 movimientos de combate, buenos gráficos y un estilo de combate muy distinto a lo que se venía viendo. Era insuperable. O eso se creía. Pero lo cierto es que monopolizó el mundo de los juegos de pelea por 2 años. El desafío de le época era destronarlo. En el mundo de los videojuegos, basta con que uno rompa el molde para que salgan competidores. Es una guerra, en la que el público suele ganar. En 1991, John Tobías y Ed Boon planeaban un juego beat’em up (de esos que uno va por la calle repartiendo rosca a lo Final Fight) donde el protagonista sería Jean-Claude Van Damme. Pero la agenda del belga cocainómano talentoso no tenía espacio para ese proyecto. Por eso, el equipo creativo de Midwai decidió encarar uno nuevo: un juego de pelea con gráficos digitalizados basados en personas verdaderas, pero que no parecieran dos cartones pateándose como el Pit-Fighter. De hecho, Tobías y Boon (o Noob Saibot, como quieran) tomaron notas de los errores cometidos por su antecesor. La idea tomaba forma.

LA HISTORIA Y LOS PERSONAJES: EL SENTIDO DE LA SANGRE

Pero un juego no solo es leyenda por los gráficos. Una buena historia acompañada de personajes que quedaran en la memoria de los jugadores eran necesarios. Probablemente, este fue siempre uno de los puntos más fuertes. No significa que el Street Fighter no tuviera estos ingredientes, pero la oscuridad de la historia y de los personajes del Mortal Kombat era, por poner un calificativo, novedoso. Pasar de combates en calles para ver quien era el más guapo y detener a Bison, a uno donde lo que poníamos en juego era la vida, no significaba poco.

“Goro, mitad humano y mitad dragón de 2000 años de edad se ha mantenido invicto en los últimos 500 años. Ganó el título de Gran Campeón venciendo a Kung Lao un Monje Shaolin. Esto ocurrió durante el período en que el Torneo cayó en las manos corruptas de Shang Tsung.”

Poco se entendía de buenas a primeras, sobre todo en las versiones de arcade. Pero nos íbamos enterando que el Mortal Kombat era un torneo donde los luchadores combatían por el honor, hasta que un brujo llamado Shang Tsung lo utilizó para su propósito: ganarlo 10 veces, y de esa forma, abrir las puertar de Earthrealm (la tierra) para que el Outword (mundo exterior) pueda invadirnos. Tenemos tanta suerte que nosotros vamos a jugar, justamente, el décimo torneo. Y de lo que hagamos depende si nos invaden o no. Tranqui…

Si la historia era retorcida, los personajes no se quedaban atrás:

-Raiden: Dios del Trueno y protector de la tierra. Encargado de juntar a los luchadores para ver si después de 500 años ganábamos algo. Fue encarnado por el actor Carlos Pesina, quien hasta hoy trabaja para la franquicia.

-Liu Kang: educado por los monjes shaolines, y antiguamente miembro del “Loto Blanco”, va al torneo para salvar la tierra, así como si nada. En la línea argumental oficial (o sea, independientemente de lo que hagamos en el juego), vendría a ser el héroe. Interpretado por Ho-Sung Pak, quien en principio debía raparse para parecer un shaolín pero se negó totalmente.

-Kano: el asesino del torneo (o sea, todos van a matar en el torneo, y la mayoría mató antes, pero él es el asesino, ¿está claro?). Miembro del clan “Dragón Negro”, buscado por todo el mundo, armado con cuchillos, y con un ojo cibernético. Un tipazo. Su personaje lo hizo Richard Divizio.

-Johnny Cage: un actor de Hollywood que entra al torneo solo para demostrarle al público que él sabe luchar realmente. Por desgracia, no tenía ni idea de lo que trataba realmente la competición. El actor que lo interpretó fue Daniel Pesina, hermano de Carlos. En un principio, el papel iba a ser para Van Damme (hay que aclarar que por aquellos años fueron los mejores para el actor, por eso lo obsesión de trabajar con él). Esta vez, una lesión lo dejó out del proyecto. No por nada, Johnny Cage termina siendo un tributo/parodia al belga. En la próxima entrega, veremos que lo de Van Damme no solo no termina acá, sino que elige mal, muy mal...

-Sub-Zero: ninja asesino del clan chino “Lin Kuei”, con la habilidad de manejar poderes referentes al hielo. Fue contratado para asesinar a Shang Tsung en el torneo. Su rol también fue intepretado por Daniel Pesina.

-Scorpion: si estaba el ninja azul, debería estar el su contraparte. Pero Scorpion a diferencia del resto, era un espectro del infierno (Netherrealm en el mundo del MK) que entró al torneo con un objetivo: asesinar a Sub-Zero. En su otra vida, era un asesino a sueldo que perdió la vida a manos del ninja del Lin Kuei. Su única motivación es la venganza. De vuelta, Daniel Pesina…

-Sonya Blade: el único personaje femenino de este juego. Es una cobani policía que persigue a Kano, la persona que eliminó a vario de sus compañeros. Sabiendo que él estaría en el torneo, ella ingresa, sin saber que estaba por entrar a algo un poco más complicado, y no dudará en usar la brutalidad policial para terminar con la vida de Kano.

-Goro: personaje no jugable, al que enfrentaríamos en la ante última batalla. De cuatro brazos por ser de la raza de los shokan, Goro sigue las órdenes de Shang Tsung. Viene de ganar 9 torneos al hilo. Su personaje fue hecho con un modelo miniatura bajo la técnica stop-motion. Costaba encontrar un actor mitad hombre, mitad dragón y de cuatro brazos.

-Shang Tsung: tampoco es un personaje jugable, sino que es el jefe final. Tiene pinta de viejo inútil, pero su habilidad es transformarse en todos los personajes. En su estado de viejo, solo nos ataca disparando calaveras. Organizó el torneo, aunque todavía no sabíamos que respondía a poderes mayores. Ho-Sung Pak interpretó su rol.

-Reptile: habría que esperar hasta el MK II para usarlo. Durante en este juego se nos presentaría en varias ocasiones antes de las peleas dándonos pistas sobre como encontrarlo. Un ninja verde que tendría de trucos los de Scorpion y Sub-Zero. Aún no tenía identidad propia como luchador. Solo se sabía que trabajaba para Tsung y pertenece a una raza extinta.

Las historias de cada personaje, así como las del juego en general, se harían más complicadas con el tiempo, haciendo que lo vemos hoy en día en el MK I sea apenas la punta del iceberg de todo lo que se vendría. Entre algunos luchadores que no llegaron a salir, estaba Jax, pero con un nombre distinto: Striker. A su tiempo, cada uno haría su aparición.

JUGABILIDAD

La jugabilidad en comparación con su rival Street Figther II presentó diferencias. Para empezar, el juego incluyó un botón de bloqueo. Toda una novedad, en comparación con los otros juegos que tenían esa función cuando retrocedíamos. Dos golpes fueron clásicos: el gancho y la “barrida”, movimientos que todos los luchadores tenían (curiosamente solo desaparecen en el juego Mortal Kombat: Deadly Alliance).

El componente esencial del juego era la violencia, sin lugar a dudas. La sangre solo aparecía cuando utilizábamos los botones de “piña alta” y “patada alta”. Pero sin dudas, lo que más distinción le trajo al juego, fueron las FATALITYS. En el Street Fighter, después de una paliza, nos aparecía el enemigo machacado y el otro haciendo algún comentario irónico. Acá no: podíamos matarlo para enseñarle quien la tenía más grande mandaba. Al finalizar cada encuentro, nos encontrábamos con la frase “Finish Him” o “Her” en el caso de Sonya. Por aquella época en algunas revistas nos venían los pasos a seguir para ejecutar el acto mortal. Otras se transmitían de boca en boca. Hasta recuerdo chicles que traían los trucos. No había internet ni lista de movimientos como en las sagas más modernas. Acabar con la vida del oponente fue un concepto revolucionario, e hizo que el MK tuviera identidad propia. Varios juegos quisieron copiar el concepto pero nunca fue igual, tales como Killer Instinct, Weaponlord y Eternal Champions (a mi gusto, el que más se acercó, un juego muy interesante), entre decenas de imitadores.

Las fatalities generación muchísima controversia, al punto en que las consolas se dividieron. El arcade tuvo todo, pero por aquel entonces, la llegada del juego a las consolas caseras fue nafta a la guerra entre Sega y Super Nintendo. Super Nintendo no quería problemas, y eliminó la sangre en su totalidad. Mientras que Sega, escondió la sangre, la cual se podía obtener a través de un código secreto (ABACABB en la pantalla gris con letras blancas que nos contaba la historia, que se volvía roja si el código era correcto). Esto le valió un triunfo a Sega. Si bien Nintendo tenía mejores gráficos, la falta de sangre fue sacarle al juego todo su sentido. Vale la pena ver como cambiaban las fatalities en las distintas versiones. Tanto en Sega, arcade y Nintendo, Scorpion, Sonya y Liu Kang hicieron lo mismo: los dos primeros prendían fuego a sus enemigos y el monje daba un gancho post pirueta. El resto variaba. En Sega con sangre y en arcade, Kano arrancaba el corazón, Johnny Cage arrancaba la cabeza con un gancho, Raiden reventaba la cabeza con electricidad, y Sub Zero también nos sacaba la cabeza, con columna vertebral incluida. En Super Nintendo y Sega sin sangre, Kano nos arrancaba algo gris (suponemos que nos robaba la billetera) y Johnny Cage nos daba una patada en el pecho. Raiden y Sub Zero eran la diferencia. En Sega sin activar sangre, Raiden solo nos electrocutaba pero quedábamos enteros, y Sub Zero nos daba un gancho que nos elevaba considerablemente. Mientras que en Super Nintendo, Raiden nos daba electricidad hasta dejarnos hechos polvo, mientras que Sub Zero sellaba su fatálity característica: congelar y partir al oponente. Lo curioso es que muchos creen (por mala memoria, o por desconocimiento) que esta era su fatálity original. Sin embargo, arrancar la cabeza de cuajo era la original.

Una fatality en común a todos hacía su aparición: en “The Pit”, el escenario del puente, un gancho mandaba al oponente a una plancha de clavos. Esto inauguraba las “stage fatalities”, pero desde el MK II sería necesario un movimiento especial para hacerlas.

Terminar con cada personaje nos daba un final diferente. No obstante, un hilo oficial se hizo necesario: Liu Kang vencía a Goro, lo que provocaba la ira de Shang Tsung, quien no se resigna a perder, llevando a una lucha contra el shaolín. Pierde, y debe huir al Outworld. Todos los luchadores sobreviven, con excepción de Sub Zero: finalizando el torneo, Scorpion cumple su objetivo, pero la historia personal de estos dos recién empieza. Esta característica es interesante y se repetirá constantemente en todos los juegos. Fue tan importante la historia, que para poder conectarla con el próximo juego, se establece un final oficial, y uno no canónico. Para que esto tenga sentido, desde el MK Deception se añade un modo historia al margen del clásico combate, llamado Konkest, y en el Mortal Kombat 9 la historia transcurre en modo versus con escenas que se intercalan para unir los combates. Pero para eso falta mucho… No obstante, podemos ir diciendo que en este juego era la antesala para la gran historia, aquella que incluiría a Shao Khan, luego a Shinok, la que revelaría que hasta el brujo Quan-Chi tuvo que ver… pero para eso falta mucho.

La revolución ya estaba hecha. Desde 1993, la saga tendría un largo camino por recorrer. Y esto recién empezaba. El éxito fue tan grande que Midwai canceló un proyecto de juego de Star Wars para dar marcha con el Mortal Kombat II. También su controversia creció. El legado que nos dejó el Mortal Kombat es esa clasificación que vemos en los juegos, aquella que con una letra nos indica a que público va dirigido. Un juego llamado Night Trap empezó el problema, y Mortal Kombat lo culminó: aparece la Comisión de Clasificación de Software de Entretenimiento (Entertainment Software Rating Board, o ESRB) debido a que el juego causó tanta polémica que esta organización quiso catalogar videojuegos según edad. Mortal Kombat llegó a ser cuestionado no solo en todos los medios de comunicación, sino incluso en el congreso de los Estados Unidos. Lejos de detener la marcha de la saga, la leyenda se hizo más grande. Todavía nadie sabía lo lejos que podían llegar Boon y Tobías…

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Mario Bros pirata. Algunos hacks que pude jugar + el hack oficial

El NES (acá en Argentina inexistente y reemplazado por el Family Game) marcó la infancia de todos los que pisamos los 30. Y su estrella es, sin objeciones, indiscutible: Mario Bros. Un plomero italoamericano que pisaba tortugas, rompía ladrillos (con la mano, no con la cabeza como dicen muchos), con un hongo crecía y con una flor tiraba fuego, para pelear siempre contra un dragón que secuestraba a una princesa. Este argumento salido de una granja de rehabilitación creó un símbolo que no conoce límites entre generaciones. Basicamente, Nintendo no lanzó consola sin un juego de esta saga que la distinga.

Mario Bros hizo su aparición en 1981 en el Donkey Kong: tenía que salvar a la princesa de las manos de un despiadado gorila, pero bajo el nombre “Jumpman”. Ser el héroe le valió su propio título en 1983, ahora si como Mario, y acompañado de su hermano Luigi, igual que él pero... verde. En 1985 la consagración llegó del clásico Super Mario Bros. El boom fue tal que llevó a que varios gupos de desarrolladores independientes tomaran juegos, los editaran y le pusieran la cara de la mascota de Nintendo. Hay que decirlo, en esa época no cualquiera editaba juegos. No hablamos de mods espantósos para juegos online. Hablamos de producir cartuchos y ponerlos en circulación.

A continuación, vamos a ver 3 de ellos. La limitación se debe a que voy a dedicarme a aquellos que tengo hoy en día y pude jugar. Como yapa, hablaremos del único hack oficial que tuvo Mario.

Se hace necesario aclarar lo siguiente: de chico me creí que todos esos juegos eran originales. ¿Y qué esperaban de un nene de 7 años?.

A modo de introducción a la piratería en los 8-bits

Fue inmensa. Lo podemos decir así, sin tantas vueltas. En futuras entradas hablaremos de más juegos piratas. Pero ¿qué son? ¿cómo salieron? ¿cómo se distribuían?. Afortunadamente existe http://bootleggames.wikia.com, una página formato wiki que se dedica a recopilar datos de estos juegos. Ellos hacen una diferencia entre “juegos sin licencia” y “juegos piratas”. Los primeros eran desarrollos independientes pero originales, como el Menace Beach, que no tenían licencia de Nintendo. Mientras que los piratas, eran versiones truchas de juegos ya existentes. Un ejemplo fueron todos los Mortal Kombat salidos para 8-bits. Oficialmente nunca hubo un original. Todos eran conversiones, mejores o peores, pero truchas al fin.

Pero esto no se limitó a juegos. En Argentina hablamos de Family Game y no de NES. China se metió en el mundo de los videojuegos creando esa consola pirata que no tenía siquiera los mismos cartuchos que el NES, pero se la rebuscó para hacerlos e invadir el mundo con ellos (y si, Chinos...). En la década del 90, donde la importación era la ley en Argentina, el Family Game fue furor, desplazando a la NES, que de por sí, era más cara.

El mundo de la piratería fue más común de lo que creemos. Para empezar, ningún rejunte de juegos es legal. Ya vieron que este tumblr lleva el nombre del mítico “42 en 1″. Se caracterizó por ser 42 juegos diferentes, pero con algo en común: todos eran de la primer camada de 8-bits, esos que por separado ya no se iban a vender. Por el contrario, más de uno se llevó una sorpresa horrible con los 888 en 1. Eran 30 juegos, y 850 repeticiones de esos 30. Un ejemplo: se repetía el “Contra”, en diferentes niveles o incluso con diferentes armas (Fire Contra, Acid Contra, Ultra Contra, y así...).

Los desarrolladores solían estar en China, Tokio y hasta Rusia (Europa del Este fue un escenario clave de esta industria pirata). ¿Su boom? La década del 90. Pero estos desarrolladores no eran 4 gordos encerrados en un sótano: tenían recursos no solo para crearlos, sino que para darle forma a un cartucho (crearlo en masa) y para distribuirlo.

Esto siguió en otros años e incluso en otras consolas, aunque en menor medida. En el año 2007 tuve la oportunidad de ver un juego pirata de Sega Génesis de la segunda parte de la película “Piratas del Caribe”. La tapa estaba escrita en cirílico (alfabeto ruso para los amigos). Era el “Pirates of Dark Water” modificado. En el 2010, un cartucho con la cara de Bush y Saddam Husein me llamó la atención. Era el “Desert Strike”, el mítico juego de helicópteros, pero con modificaciones en la pantallas de texto. ¿Quién no conoce la historia del misterioso juego del 9/11 para el Game Boy que resultó ser el Metal Slug con diálogos entre Bush y Bin Laden?. La historia de la piratería es larga, y tendrá más entradas.

Mario Bros 7 o “Mario Picapiedra”

Una navidad que no recuerdo, Papá Noel apareció con esto:

Totalmente inentendible, solo vi que en la portada había personajes de Super Mario. Mi mamá se encargó de aclararme como venía la mano: “Es el Mario 7, ¡Mario Picapiedra!”. ¿Eh? ¿Y desde cuando carajo Mario viajó en el tiempo y se unió a los personajes de Hanna-Barbera? Es lo que pienso hoy, pero en su momento la emoción fue muy grande, y tardé 30 segundos en ponerlo en la consola. El inicio era horroroso...

El nombre del juego es “Grand Dad: Super Mario 7″ y fue un hack de “The Flintstones: The Rescue of Dino and Hoppy“. Realmente el esfuerzo fue poco: le sacaron la cabeza a Pedro Picapiedra y la reemplazaron por la de Mario. Era chico, sin embargo algo no me sonaba. Además, la inexpresiva cara de Mario desentonaba con los simpáticos personajes de la vieja serie, y como que incomodaba.

La dificultad era alta, por lo menos para la experiencia que tenía como jugador. Para ser francos, nunca lo terminé. Había llegado casi al final, pero me superó. Ni siquiera cuando los años pasaron y fui reemplazando el Family original por esas berreteadas que conseguíamos en Carrefour que simulaban ser un Sega y no era más que la consola de 8-bits, volví a tocar el juego. Calculo que son más de 17 años que no se volvió a usar.

Dos curiosidades respecto a la parte externa del cartucho: Mario no aparece, solo el resto de los personajes. Y nunca entendí que era eso de “PUSH UP START BUTTON. GET ADDITION GAME. AND NOURISH THE BLOOD". Según algunos foros, era una frase que se veía en todos los juegos piratas de Family/NES, incluyendo en la saga “Rockman”, versión china de Megaman. Es un misterio interesante, y si aguien tiene datos, apórtelos.

3 o 4 años después, en la casa de un amigo jugué la versión original. Noté cambios en gráficos y en sonido. Pero el hack fue más decente que esos experimentos como “Los Picapiedras conocen a los Supersónicos”. En fin...

Super Mario 10 o “Kung Fu Mari”

No entendía nada de la vida, y sostenía que el Super Mario Land que vi en una revista, era de Family Game. Error, era de Game Boy. Pero no le creí ni siquiera a la venderora, por lo cual, cuando vi la portada del Super Mario Land en un cartucho rojo, me lo llevé (igual que la tapa del Mario 7 pero con Mario adelante de todos). La vendedora advirtió “Ese es el Super Mario Kung Fu”. “Callate, no sabés nada” pensé. Obvio, tenía 7 años y la tenía muy clara...

Efectivamente, Mario tiraba trompadas y patadas aéreas. Pero el juego era muy piola, como mi mano en la foto lo dice. Escenarios chinos, un poder de disparar un rayo si manteníamos apretado el botón de golpe, y golpes especiales que agarrábamos después de pegarle a una rana y que se podían hacer manteniendo apretado arriba más el botón para pegar. Los enemigos eran raros, y la princesa a rescatar se parecía más a Chun-Li que a Peach. Los escenarios estaban muy bien hechos: pasábamos desde una especie de templo, como por cascadas, niveles de hielo y lava. En cada uno aparecía un enemigo final, de los cuales recuerdo una estátua y un cíclope en las nubes. Lo curioso es que no coincidían el enemigo que secuestraba a la mujer en cuestión con el enemigo final. Por algún motivo, en esta versión el enemigo de la intro era otro, pero al final del juego debían dejar el verdadero. No obstante las incoherencias, me entretenía, y mucho. No miento si digo que el juego lo pasé más de 20 veces.

Un día, fui al videoclub (todavía continúa, sobrevivió a la década de los 90) donde alquilaban juegos por la suma de 2 pesos

(2 dólares si tomamos en cuenta la convertibilidad)

. Alquilé un juego que en la tapa había un dibujo de un chino que tiraba una piña. Cuando lo puse, el horror me invadió. Si bien yo creía que los Marios esos eran originales, este juego lo alquilé medianamente de grande, cuando ya tenía los 3 hacks. Entendí todo, como si fuera un click de varios años. El juego era “Jackie Chan's Action Kung Fu“. Jackie era un actor consagrado en China mucho antes de lo que uno supone, y en 1990 tuvo su juego. Un grupo de desarrolladores lo tomó, y le agregó algunos cambios para hacer el “Kung Fu Mari” (si, es Mari, no fue un error ni antes ni ahora). Para empezar, a diferencia del Mario 7, no solo se cambió la cabeza: fue el cuerpo entero. Varios enemigos habían sido cambiados a comparación de la versión original, y aquellos poderes especiales que teníamos como el rayo, no eran infinitos. Eso explicaba porqué en la versión de Mario agarrábamos pelotas verdes que no significaban nada: eran para rellenar la energía de los poderes especiales. También explica porqué carajos Mario estaba peleando en China y meditaba en las cascadas cuando tiempo atrás pisaba tortugas en una tierra donde todos habían sido convertidos en ladrillo. El hack explicaba que no fue una conversión espiritual.

Somari. El colmo...

Día del niño de 1995. Entre varios regalos, apareció esto:

Un hack, vaya y pase, pero que encima el cartucho sea de otro hack... Mi mamá había comprado esto en Carrefour. Pasando las cajas para pagar, una casa de importados vendía desde katanas hasta juegos de Family y Sega. Y en aquella época, una casa de importados era un lugar interesante para conseguir malformaciones que venían de afuera. Pese a que el cartucho diga “Sonic & Mario 2″, y que Mario tenga orejas de conejo, el juego es el SOMARI. Y las mayúsculas se justifican. Es un honor tener este cartucho. De los juegos piratas, el Somari es una leyenda que resalta de la saga de Mario en particular, para elevarse a un nivel de rareza que la hace casi merecedora del trono de la piratería. Pero no por lograr la perfección...

En 1994 Hummer Team, un equipo de desarrolladores de Tokio, tuvo la idea de hacer que la mascota de Sega y la de Nintendo se fusionaran en un juego, creando una abominación de culto. El juego era el primer título de Sonic pasado a Family, con Mario como protagonista, pero usando los poderes del erizo. Con unos gráficos mediocres, una música que daba pesadillas, y una dificultad del carajo, el Somari era injugable. Si no le creen, mejor ver un gameplay:

Somari se caracterizaba por ser extremadamente dificil. Enemigos por todas partes atacaban a un Mario que era incontrolable por momentos. Los típicos anillos que Sonic agarraba y eran la garantía de no morir a la primera de cambio, estaban, pero con un detalle: tuvieras 10, 20 o 99, al tocarte solo podías volver a agarrar 3. Una patada en la boca en pleno invierno. Porque el juego parecía ser hecho para no pasarlo nunca, y así fue en mi caso, que no fui más allá de los primeros dos episodios.

¿Y si era tan espantoso, de que vale tenerlo? Ciertamente, esta abominación es muy buscada. Lamentablemente en la foto no se puede apreciar que realmente es ese. Ese “Mario & Sonic II” fue otro juego hackeado que nunca conocí más que por videos, pero que parecía más sencillo que el Somari. Sin embargo, como decía, este juego es un símbolo de hasta donde llegó la piratería en el mundo de los 8-bits. Es digno de ser jugado.

Super Mario 2, ¿un hack oficial?

Después del éxito del Super Mario Bros, los desarrelladores en Japón hicieron su segunda parte en 1986. Pero a Nintendo América no le gustó. El juego era igual a su primera parte, pero extremadamente difícil, al punto en que fue conocido como Super Mario II: For Super Players. Solo variaba un poco los gráficos, y la posibilidad de usar a Mario o Luigi según se eligiera al principio. No obstante, el juego salió en esta parte del mundo bajo el nombre Super Mario: The Lost Levels, incluído en el cartucho de Super Nintendo “Mario All-Star”, una compilación del Super Mario I, II, el ya mencionado, el 3, y Super Mario World.

Nintendo América sabía que en EE.UU. el juego sería rechazado. Así que tuvo una idea. En este punto pregunto: ¿nunca les llamó la atención la jugabilidad del Super Mario Bros II? ¿La historia, los niveles, y hasta incluso los enemigos? Para aquellos incautos, nos referimos al Mario que, vulgarmente, arrancaba nabos del suelo y se lo tiraba a enemigos enanos con máscaras. Si lo jugaste y nunca te pareció extraño... te entiendo, porque al principio a mi tampoco.

La historia fue la siguiente: Nintendo América quería un juego de Mario que fuera más agradable que lo que hizo Japón. En 1987 salió un juego para la Famicom Disk Sistem o Unidad de Disco para el NES. Era un periférico que no recuerdo que apareciera por estas tierras, pero se trataba de un adaptador (bastante grande) para jugar juegos que venían en formato disquete. El juego fue el “Yume Kōjō: Doki Doki Panic“.

Se trataba de la historia de una familia árabe... y hasta ahí llego, porque poco más se sobre la trama del juego. No rindió lo suficiente, y Nintendo aprovechó para usarlo como base del futuro Super Mario 2. De ahí que la jugabilidad sea tan distinta, que el ambiente sea totalmente ajeno al Mario, y que haya un tono árabe en varios aspectos del juego. Si uno mira con atención, El Super Mario y el Super Mario 3 tiene más en común que el 2 con el resto de la saga. De hecho, nunca más se repitieron cosas que se vieron en ese juego, aunque otras se mantuvieron hasta hoy: Birdo era un enemigo del juego original, que pasó a ser fijo en la historia de Mario hasta hoy. Hubo cambios mínimos, como la historia, los personajes (por algo podíamos elegir entre Toad y Peach además de Mario y Luigi, porque en el original se podían elegir entre 4 miembros de la familia). El final también era distinto, pero importa el de Mario: todo era un sueño... Eso explica que su aventura tuviera toques extraños.

El juego fue un éxito, y tuvo conversiones que llegan hasta hoy. Entre esas, una de Game Boy Advance excelente, y otra para Nintendo Wii, lo que prueba una cosa: pese a que algunos lo discutan, el juego no es pirata ni plagio, pese a que muchos intenten decir eso. Tal vez se lo pueda definir como el primer hack oficial de la historia de los videojuegos. O por lo menos, de los que conozco hasta hoy.

Por lo pronto conté cerca de 20 hacks de Mario Bros, pero hoy me limito a los que tuve. El resto tendrá que esperar nuevas entradas. Si quieren verlos, recomiendo nuevamente la página http://bootleggames.wikia.com/ para ver otras deformidades de los 8-bits

#retro #mariobros #pirata #nes #family #8-bits

“Blood”. Uno, dos, ultraviolento

FINALIZANDO UNA ERA

Corría el año 1996. Argentina andaba en el apogeo de la fiesta, y las computadoras personales salían como pan caliente a un público que, hasta el día de hoy, se vio superado por cierta tecnología de punta. Un año antes, el Windows 95 hizo más amistoso el acercamiento a la PC (camino que había despejado en 3.1). Si bien la computadora siempre fue parte de la industria del videojuego, gracias a todo eso, se masificó (hablamos de Argentina, obviamente).

En este escenario, se vería ese año dos grandes hitos que cambiarían la historia de los videojuegos en general, y del género First Person Shooter en particular. El 29 de enero saldría a la venta el DUKE NUKEM 3D. Ya habrá entradas dedicadas de lleno a esta saga. Solo nos limitaremos a aclarar que era la continuación de dos juegos de plataforma que nada tendrían que ver con lo que se vería en esta tercera parte. Ken Silverman había creado el motor Build para la empresa 3D Realms, y tuvo gran impacto para esa época. El motor había hecho su presentación en 1995 con el extraño TekWar y el Witchaven, dos buenos títulos, pero que no llegarían al éxito del DUKE NUKEM 3D. Si bien seguía siendo un motor 2D, este agregaba altura, permitiendo saltar, agacharse, volvar o nadar. Además, el Build permitía trabajar de tal forma los gráficos que simulaba un 3D, (busquen lo que es renderizar, yo soy bruto), jugando con la distancia. Lo que hoy parece una estupidez, en aquel momento le valió un gran éxito (esto era un 20% del mismo, el juego es hasta hoy una obra de arte).

Pero eso no sería nada comparado con lo que se venía. El 31 de mayo, el mundo presenció como los FPS dejaban de dejarnos en el suelo cadáveres a los que siempre le veríamos el mismo perfil cuando los rodeáramos, para ver un cuerpo en 3D. No necesita tanta presentación: aparecía el QUAKE. Una revolución en el mundo de los FPS. Haciendo gala de su motor Quake Engine, esta obra que oscilaba entre lo medieval y el futurismo, supuso un salto inmenso en el mundo de los videojuegos. Si, había juegos en 3D para esa época, pero no del nivel que se nos presentaba.

1996 fue el año donde coincidía lo último de un estilo, con lo primero de otro. Pero los cortes nunca son abruptos, y en las transiciones siempre hay cosas muy interesantes.

LA LLEGADA DE CALEB

Si bien el Build sabía que no podía competir contra el Quake Engine, tenía algunos cartuchos para disparar y morir como una leyenda. Entre varios de esos tiros, se encuentra el juego que nos ocupa hoy: Blood. Creado por Monolih Productions y distribuido por GT Interactive Software, este juego vio la luz en 1997, y, pese a ya tener que competir con monstruos del género, no pasó desapercibido.

El nombre no dejaba mucho lugar a la imaginación. En su título, nos avisaba lo que íbamos a encontrar, y a grandes cantidades. Pero todo con una trama bastante interesante. Vamos a manejar a Caleb, un pistolero nacido en Tejas en 1847 que se había formado la reputación de una persona de mierda con un bravo carácter. Forjó su fama como un terrible pistolero. Conoce a Ophelia, la cual lloraba por las muertes de su hijo y esposo a manos de la secta de Tchernobog. Pero el enojo no era con la secta, sino con su marido, quien era un cobarde y por su culpa, su hijo ahora estaba muerto. Ella lleva a Caleb al culto, y termina siendo parte de un grupo denominado “Los Elegidos”. Pero un buen día, Tchernobog se despierta mal, los manda a llamar, y sin previa explicación más que un “Me han fallado”, mata a 3, y envía a un pozo a Caleb. Un detalle: en 1928 Caleb despierta adentro de una tumba, como si algo no hubiese querido que se muera (ni que se pudra). Con la frase “I’m live again”, empieza el juego. Caleb no va a dudar en asesinar todo lo que se cruce con tal de matar al dios del culto, ni en escatimar recursos para hacerlo.

CARACTERÍSTICAS DEL JUEGO

Obediente a la época, el Blood se componía de episodios que podíamos elegir antes de empezar el juego. Eran 4, cada uno con una historia en un lugar distinto. Pero, lógicamente, estaban en un orden que nos contaba la historia total de la venganza de Caleb. En el primer episodio, “The Way of All Flesh” revivimos de la tumba como ya contamos. Un episodio de introducción bastante interesante con una diversidad de niveles que nos llevan desde el cementerio, una estación de trenes, el tren, incluyendo lo que sería un antiguo parque de diversiones. En el segundo, “Even Death May Die”, apareceremos en un bote donde predomina el hielo a lo largo de todos los niveles, destacando la mansión. El tercero, “Farewell to Arms”, empezamos en lo que parece un área residencial (si se le puede decir así...), y exploraremos lo que queda de una ciudad manejada por “El Culto”. En el último episodio, “Dead Reckoning”, estaremos ya en las inmediaciones más importantes de la secta, iniciando el recorrido en un laboratorio. Cada episodio es la búsqueda de un enemigo. En los tres primeros, iremos por los tres lugartenientes de Tchernobog: Cheogh, una gárgola responsable de asesinar a Ophelia, Shial, una araña gigante que acabó con Gabriel, y Cerberus, el mítico perro de dos cabezas que prendió fuego a Ismael adelante nuestro. Como es de esperar, el último episodio trata de ir a buscar a Tchernobog y arreglar cuentas.

A lo largo del recorrido, el Blood nos facilita 10 armas, una más increíble que la otra. Empezamos con un tridente por defecto, y seguimos con una pistola de bengalas, una escopeta recortada de dos cañones, la ametralladora Tommy Gun, un cañón de napalm, dinamita (3 clases, normal, control remoto y aproximación), un aerosol con un encendedor (mi favorito), el cañón de Tesla, el Life Lech (báculo con un cráneo que usa poderes mágicos) y por último, el muñeco vudú. El juego innovó con algo que hoy es esencial, al punto en que si un juego no lo tiene, hasta recibe críticas: el disparo alternativo. Esto no era común en aquella época. Blood se caracterizó por tener 10 armas y 19 disparos (el tridente, obviamente, no tenía nada alternativo). En lo que se refería al arsenal, el juego estuvo más que a la altura de las circunstancias.

El tener tantos artículos para mandar gente al otro plano de la existencia nos lleva al punto principal del juego, y que le dio fama propia: la violencia. El DOOM supo ser un escándalo en su momento por el nivel de sadismo que mostraba (principalmente, el decorado de episodios como Inferno), el DUKE NUKEM 3D no solo siguió con el hilo de brutalidad, sino que además sumó críticas por el contenido sexual del juego en algunos pasajes. Superadas las críticas de cierto sector de la sociedad, el BLOOD encontró ya despejado. Cada tiro, sea nuestro o de los enemigos, significaba un chorro de sangre. Electrocutarlos nos dejaba ver una radiografía en vida de cada monstruo. El fuego... solo ver como un enemigo corría envuelto en llamas gritando con desesperación para después terminar siendo una pila de huesos, era algo a lo que no estábamos acostumbrados. Incluso, jugar con la cabeza de un enemigo viendo que tan lejos llegaba cuando la pateábamos, era algo nunca visto (excepto en Argentina). Varios enemigos tenían más de una forma de dejarnos su cadáver como recuerdo, como ratas que al ser quemadas quedaban con una brasa interna que al rato se apagaba, o gárgolas que saltaban desesperadas envueltas en llamas.

Y justamente, los enemigos eran una parte indispensable. La trama oscura era acompañada de enemigos salidos de una pesadilla. Los zombies con hachas a los que le podíamos sacar la cabeza de un escopetazo, eran constantes. Acompañados de éstos, había dos conocidos vulgarmente como “monjes”: los Cultistas y los Fanáticos. Casi similares, los primeros llevaban toga marrón y escopeta, mientras que los segundos, toga negra y ametralladoras. Podían arrojar dinamita en ocasiones. Deformes de cara (si podíamos acercarnos se vería eso), eran brutales, pero tan mortales como los gritos de agonía que largaban lo indicaban. Después de eso, un desfile de cosas desagradables: a las ratas y arañas, se les sumaban los Carniceros, gordos con un agujero en el pecho que nos escupían y tiraban cuchillos, bestias marinas que hasta hoy me dan pesadillas (en el agua eran letales, no tanto en tierra), Gárgolas, perros del infierno... pero lo peor eran las Manos, que una vez que te atacaban, no había forma de sobrevivir, dado que te ahorcaban, la pantalla se ponía negra, y solo restaba esperar la muerte. Lo peor: eran muy chicas, rápidas y casi siempre escondidas.

Al margen de los enemigos, hay otro grupo de personas con las que siempre tendremos contacto. Son como civiles. Su aspecto es de vivir en la miseria, ya que andan descalzos, en cuero, y con un pantalón roto atado con un cordón La parte mórbida, es que son blanco fácil. No matarlos no nos hace nada, y matarlos tampoco. Así que queda en la conciencia de cada uno. Más de una vez veremos que los zombies los corren para hacharlos, o que los Cultistas y Fanáticos los persiguen para dispararles, aún cuando no notan nuestra presencia. Lo más común es que queden en el fuego cruzado, haciendo que mueran durante el enfrentamiento entre Caleb y los enemigos (cuando dije que Caleb iba a asesinar a todo lo que se le cruzara, lo decía literalmente). No obstante, por lo menos en un nivel, uno de ellos lleva una llave necesaria para abrir una puerta. Intentá que no sufra...

Unos buenos enemigos necesitaban una buena ambientación, y ese fue otro punto fuerte del juego. No faltaban nunca los cadáveres, que con suerte estaban enteros. Pedazos de gente, ojos, todo desparramado en escenarios geniales: iglesias semi-diabólicas de principio de siglo (no había iglesias que no parecieran eso en aquel momento), morgues, cementerios, parques de diversiones con juegos de mal gusto, barcos, tachos con restos humanos, hospitales que parecen asesinar más que sanar (bah, hospitales públicos como en nuestra provincia). La múscia acompañaba muy bien, y el sonido hacía el resto: explosiones, gritos, alaridos, gruñidos, buenos efectos que nos podían hacer pegar más de un salto.

Algo sobresaliente de los niveles: en todos tenemos lugares secretos. Si, no es característica del Blood. Sin embargo, el juego consta con 4 o 5 “supersecretos”. Estos son lugar imposibles de imaginar, como una pared que se puede atravesar si saltamos sobre la cabeza de un amigo, o un vagón del tren que se abre de forma secreta... si saltamos del tren andando y lo abrimos desde afuera en un pedazo de piso en el que aparentemente no morimos. Encontrarlos lleva tiempo, y si sabemos donde está, no morir es un reto. Eso si, si se usan trucos, no esperen unas felicitaciones.

PARTE TÉCNICA

Ya hablamos del Build, y casi que sería repetir lo mismo. Solo resta agregar que el Blood utilizó el moldeado por Vóxels en su entorno, que sirvieron para darle efecto de 3D a varios objetos, en especial las armas. El apartado gráfico fue digno para 1997, teniendo al Quake atrás y al Unreal próximo a salir.

UNA CUOTA DE HUMOR

Pese a todo, el Blood fue reconocido por el humor negro y continuas referencias al cine y otros videojuegos. Por empezar, Caleb reacciona de varias formas ante sucesos: volar a 4 enemigos con una dinamita es motivo de para que largue una carcajada, o que diga frases como “Rest in pieces” (”Descansa en pedazos”), “Another day, another corpse” (”Otro día, otro cuerpo”) o "I am not that hungry!“ cuando ve una rata cocinarse.

Los guiños a otros personajes son constantes. Ya en el primer nivel, una tumba escondida lleva el nombre de Draven, está vacía y tiene el logo de un cuervo, ante la que Caleb responde “Nevermore”, haciendo referencia a la película de Brandon Lee “The Crowl”. En un laberinto en el medio del hielo, nos podemos encontrar a Jack Torrance, el personaje de “Él Resplandor” interpretado por Jack Nicholson en la película, congelado, a lo que Caleb dirá “Heeeeeere's Johnny“. Guantes de Freddy, máscara de Jason Voortes y un coche con un la mano de un bebé deforme (Rosemary’s Baby) pero no queda ahí. Si hacen memoria, en el Duke Nukem 3D podíamos encontrar muerto al marine del DOOM. Bien, en el Blood podemos encontrar muerto al Duke, al tiempo que movemos su cadáver diciendo “Shake it baby!”. Caleb ademas de repartir balas, tiene fanatismo por un personaje un tanto extraño. JoJo, The Idiot Circus Boy, cuya publicidad abunda en los niveles, y al cual aclamaremos si nos sentamos en las gradas vacías del parque de diversiones.

UN LUGAR BIEN GANADO

Contrario a muchos títulos que pasan sin pena ni gloria pese a haber hecho méritos para ser conocidos, el Blood supo resaltar en una era de transición. Explotó al máximo el Build, aún compitiendo con el Quake Engine que venía por todo. La sangre, el humor macabro y una trama interesante, hicieron que este título no solo no fuera el baúl del olvido, sino que se erigiera como un juego de culto.

Su sucesor, del cual hablaremos más adelante, due el Blood II: The Chosen. No tuvo punto medio: o fue amado, o fue odiado. En lo que a mi respecta, fue una más que digna continuación. Sin embargo, hoy ya no figura en lista de proyectos ninguna 3era parte.

Siempre surgen rumores del retorno de Caleb: en forma de remake, en forma de 3era parte, pero nunca nada se oficializa. Jace Hall, fundador de Monolith, dijo en el año 2012 que quería una versión actualizada del juego al estilo ZDoom, pero no sin antes consultar a “la comunidad”. Ésta es “The Posmortem”, la más grande de Blood, e invito a que se unan si son fanáticos del juego.

Sea que Caleb vuelva o no, lo cierto es que Blood ya tiene su lugar en el salón de la fama de los FPS. Si bien hoy encontramos títulos más sangrientos y realistas, ser pionero en el terreno con el motor Build por el año 97, es un título que nadie le va a sacar nunca. Y si intentan... bueno, suerte con Caleb

(La mayor parte de la información fue tomada de la página antes citada, “The Postmortem”)

#retro #pc #blood #fps

X-MEN 2: Clone Wars

Corría 1995. Años antes que saliera por cable el programa Nivel X, en Argentina la información y propagación de novedades en videojuegos de 16 bits estaba a manos de un programa llamado “Top Kids”, transmitido por la televisión pública todas las mañanas. El mismo tenía una revista. Ambos medios de comunicación basaban la mitad de su contenido en un solo tema: Mortal Kombat. Era furor, y supieron aprovecharlo. La gracia de la revista era que venía con muñecos coleccionables del mítico juego de pelea. No obstante, traía notas, que muchas veces pasabamos por alto si teníamos menos de 10 años (como para erradicar el mito que a los chicos de hoy no les gusta leer). Una de sus secciones era el denominado “Juego del Mes”.

El mes de mayo de 1995 ese honor (?) se lo llevó “X-MEN 2: Clone Wars” de Sega Génesis. Un año antes, la cadena Fox pasaba en su segmento “Fox Kids” (no tenía canal propio, y era un par de horas a la tarde de lunes a viernes, y sábados a la mañana) la serie animada de la escuela de mutantes del profesor Xavier. Siendo chicos, ni conocíamos el comic y toda su historia. “Lloren que mamá compra” reza una máxima, y así fue: remeras, juguetes, y todo tipo de mercancía que tuviera a Wolverine (le decíamos Guepardo, como la traducción latina de la serie, no nos había ganado el inglés). Pero... ¿un videojuego?. Claro, a los 9 años no pude deducir que decía “2″, y significaba que antes hubo otro. Pero no por nada jugaba con muñecos de poca articulación de Scorpion y Sub Zero...

Pocas notas de la revista me llamaron tanto la atención. En seguida liberé todo mi capricho de infante malcriado de la era menemista típico chico, y lo quería. En agosto de ese año lo conseguí a base de ahorrar una moneda que sobrara por día (en el 1 a 1 de los 90, las monedas de $0,50 tenían sentido). Aún conservo no solo el juego, sino esas cajas que, si tenías suerte, el vendedor te la daba y no se la quedaba.

Lamentablemente, poner el cartucho y ver una pantalla en negro fue como si el mismo Gambito me tirara una carta explosiva en el esfínter. No funcionó. Ese viernes a la noche fue triste. No como un default. Pero triste para un chico de 9.

El sábado a la mañana fui a encender el Sega Génesis. Pero había algo extraño que después de unos minutos pude deducir: no estaba el juego ni el Sega. Claro, mi papá siempre tuvo poca paciencia en cuanto a comprar cosas defectuosas se refiere. Al mediodía, cuando volvía de canjear 5 tapas de gaseosa por un vaso de los Power Rangers en el almacén de Leticia (que en paz descanse), vi a mi hermano sentado, jugando con Cíclope. Andaba. La vida volvía a recuperar su sentido. Había un detalle: el cartucho tenía otro cartucho. Algo así como un adaptador. Aparentemente, había juegos para otras zonas del mundo, y con esa aberración negra y amarilla con perillas atrás, la cosa se solucionaba. Los simios sudamericanos habitantes del sur del continente podíamos jugar al X-Men 2: Clone Wars.

El juego arrancaba de una forma extraña. Lo encendías, se escuchaba la música del nivel, pasabas a manejar un personaje random, y un tanque te tiraba un misilazo. Sin presentación, sin opciones, sin elegir a quién usar, sin mariconeadas. Cuanto mucho, resetear el juego te hacía empezar con otro personaje, pero eso era para giles.

Con una buena definición, en un ambiente nevado, y ninjas naranjas que explotaban cuando le pegabas (combustión espontánea supongo) el primer nivel me hipnotizó. Finalizado éste, el juego recuperaba sus modales y se presentaba. Imitaba a “Cerebro”, la computadora del profesor Xavier. Después de explicar cosas que nunca leí, nos daba la pantalla de elección de personajes. Estaban Bestia, una mina con espada que resultó ser Psylocke pero nunca había visto en la serie, Wolverine, Gambito, Cíclope y Nightcrawler, alias el mono que explotaba (eso sale de la mente de un chico de 9 años). Meses después, casi me agarra un infarto al ver que pasando un nivel, Magneto también se podía elegir.

La trama la conocí poco después. Había que pelear contra “The Falange” (no, contra el general Franco no) y... bueno, durante la era 16-bits las historias importaban poco, por lo menos para mi. Avanzar y matar. Punto.

La jugabilidad era sencilla. Con un botón se saltaba, con el otro se pegaba, y con el otro se pegaba más fuerte. Para dar detalle, el ataque fuerte solía ser los rayos de Cíclope, mientras que el normal era una piña. Y así con todos. La energía eran rayas abajo en la pantalla, y se recuperaba agarrando cadenas de ADN de dudoso tamaño para ser vistas. Cuando se superaba cierto límite de energía, 2 rayas amarillas más gruesas aparecían, y los ataques fuertes eran más fuertes. El rayo de Cíclope era más grande, Gambito tiraba más cartas explosivas, y Bestia... le pegaba más fuerte al piso, y dos cosas azules salían a los costados. La originalidad dura poco.

Avanzando en el juego, luchábamos contra los clásicos enemigos. Desde Magneto y su poder de manejar el papel prensa metal, hasta Apocalypsis. Bases militares, junglas, ruinas antiguas, lugares en el espacio, los escenarios eran variados y dinámicos. Desde esquivar tiros de un tipo que está al fondo (y obviamente no le podíamos disparar) hasta escapar de una fábrica de centinelas en explosión, la cual asumimos que estaba en Tierra del Fuego y ensamblaba robots para asesinar mutantes.

La característica de los personajes hacía del juego más entretenido. Había niveles que daba igual quien se usara, pero otros eran más que evidente que se facilitaba con algunos. Bestia era indicado para destruir y escapar la fábrica, dado que podía detener el temblor y tirarse unos clavados por el aire. Nightcrawler y Wolverine eran indicados donde trepar paredes suponía una ventaja, además que “el mono que explota” era el mejor para esquivar balazos. Magneto podía estar en el aire, y Gambito... era muy simpático. Saber a quien usar en cada nivel era una ciencia (se...) que se ganaba a costa de perder las 8 vidas.

El primer juego de la saga para el Génesis nunca lo jugué hasta que descubrí los emuladores. Sin embargo, pese a que fue conocido por “romper la 4ta pared” pidiendo resetear la consola en un determinado punto, el X-Men 2: Clone Wars fue superior en varios aspectos. A riesgo de recibir críticas (lo cual solo podría pasar si alguien lee alguna vez esto), este juego figura obligado en mi top 10 de Sega Génesis.

Elegido por la Top Kids como el juego de mayo de 1995, 20 años después sigue manteniendo un lugar de privilegio en el mundo de los 16 bits. Al punto en que nunca más, con excepción de versiones de pelea, un juego de este saga me llegó a impresionar

#sega #genesis #biografía #x-men

“Wolfenstein: The New Order”. Dieselpunk y balas para todos

Matar nazis es una fuente inagotable de tramas para videojuegos, y esta saga lo demuestra mejor que nadie.

En 1981 salía para la Apple II el “Castle Wolfenstein”. Pero no sería hasta 1992, 11 años después, que la saga daría un salto que dejaría para siempre su sello. El Wolfenstein 3D revolucionó el mundo del Fisrt Person Shooter o FPS. No era el primero en su estilo, pero en su época fue el mejor. Encarnando el personaje de B.J. Blazcowicz, avanzábamos por pasillos de un viejo castillo, disparando a todo lo que se moviera con un uniforme militar.. Y admitamos: llenar de balas a Hitler tenía un encanto propio. Pero poco después salió el DOOM, y su secuela, “Spear of Destiny”, donde nuestro personaje iba en busca de la lanza que le habían clavado a Jesús en la cruz (que por suerte se mantuvo casi 2000 años...) no tuvo el éxito de su predecesor.

Estaríamos un tiempo sin saber nada de B.J. Hasta que en el año 2001 nos llega “Return to Castle Wolfenstein”. A decir verdad, era un retorno nuevo. No era la continuación de la saga, sino una precuela, donde teníamos que parar una serie de experimentos esotéricos del III Reich intentando invocar un grupo de ilustres muertos para hacerse con el poder del mundo, y todo eso que aman los nazis. Con un motor id Tech 3 modificado, salió un producto que fue bien recibido. Contó con varias expanciones y versiones para consolas como PS2 y la Game Cube.

Sin embargo, en el 2009 sale “Wolfenstein 3D”. El nombre suponía un reinicio que no era tal. Seguía la trama del “Return...” pero con un id Tech 4, y una trama... Ok, el esoterismo casi siempre fue lo de la saga, pero la capacidad de parar el tiempo o dispararle a monstruos voladores que podemos ver con un velo para que exploten y maten a los enemigos (no, no fumé nada, así es) no trajo las mejores críticas. Graficamente a la altura de las circunstancias, pero la jugabilidad no era la mejor. La selección de misiones lo hacía quizá tedioso. Más castigado de lo que realmente merecía, seguro tendrá una entrada aparte para ser analizado.

HISTORIA

¿Era necesario hacer un recorrido para demostrar que sos un viejo de mierda que este juego tiene una larga historia? Totalmente. Mal que les pese, hay que hacer eso para contar lo que aconteció en el 2014. THE NEW ORDER rompió en parte con algunos esquemas.

1945, B.J. Blazcowicz arriba de un avión sabe que no va a tener mujer ni hijos. En medio de una guerra que no termina como nosotros sabemos, salta de un avión a otro, solo para que este también se estrelle. El juego comienza y vemos una atmósfera extraña. El dieselpunk es una corriente que se dedica a tomar los contextos del período entre 1920-1950, y le agrega un toque futurista. O algo así, no me dedico al arte. Pero para tener una idea, es metal, metal, y metal, pero en 1945. En varias ocasiones, carne y metal, lo cual lo hace desagradable, dando algo así como un Robocop vintage.

Lo primero que vemos es un perro gigante de metal se nos viene encima. Buena presentación que resume todo lo que vamos a enfrentar. Además de los clásicos soldados, esos cyborgs hechos con tecnología antigua abundan. Sin embargo, poco vamos a estar en 1945. Al finalizar el primer nivel, vamos a vernos cara a cara con el doctor Calavera, nuestro enemigo y responsable de crear esas montañas de metal pero con rifles. Nos va a dar la opción de elegir a cual de nuestros dos amigos le va a sacar el cerebro estando vivo. A raíz de esa decisión, el juego tiene dos líneas temporales, lo que hace que cuando pasemos todo, podamos volver a jugarlo. Los cambios serán mínimos, pero algo es algo...

Acto seguido, y después de un accidente, pasamos 15 años en un neuropsiquiátrico en silla de ruedas, sin hablar siquiera. Hasta que se hará necesario, y... juéguenlo.

A grandes rasgos, solo sabemos que los inventos de Calavera causaron que Alemania se llevara la victoria y que para 1960, colonizara no solo todo el mundo, sino también la luna. B.J. solo se mueve por un sentido: apuñalar al doctor. Pero dice haber visto demasiado sufrimiento en el mundo. La psicología del héroe es clásica: una máquina de matar que está cansada, y que se enfrenta a algo que escapa de sus manos. Es inmolarse y herir de muerte al régimen. Todo mientras se encama con quien lo cuidó estando paralítico. Y si, 15 años acumulan... amor.

La saga de Wolfenstein no fue la única que se caracterizó por tener al régimen nacionalsocialista como enemigo. Medal of Honor, Call of Duty, Battlefield 1942, siguieron esos pasos, con experiencias previas como Commandos: Behind Enemy Lines, y hasta el Bionic Comando de Family (o NES). La lista es inmensa.

El enemigo nazi es sencillo. Polémicos son los juegos que usan la temática de Vietnam. No son pocos, pero siempre tienen voces en contra. ¿Por qué ponerme en el rol de un invasor intentando exterminar a un vietnamita? Vietnam no resultó ser una amenaza, pese a ganar la guerra. Pero el nazi es un enemigo sencillo de deglutir. Contar lo que se sabe ya cansaría, incluyendo para alguien como yo que se dedica a la historia. En este caso, hay un agregado interesante: la guerra la ganaron ellos. Los campos de concentración siguen abiertos, las torturas y los experimentos están ahí, cayendo sobre la carne de nuestros amigos.

El lugar que tiene en la saga es discutible. Se lo considera secuela y reinicio. Secuela porque se ven referencias a Return to Castle Wolfenstein y al Wolfenstein del 2009. Reinicio porque... ¿por qué?. Bueno, la historia da a entender que Hitler sigue vivo, algo que no pasaba en el juego de 1991. Un reinicio que supone 3 juegos. Sin embargo, si se tiene en cuenta que está por salir WOLFENSTEIN: THE OLD BLOOD, precuela de THE NEW ORDER, quizá convenga creer que es un reinicio que borra su versión del 2009. Puras especulaciones hasta el momento.

JUGABILIDAD

En una época donde la saga Call Of Duty maneja el mundo de los FPS, se hace difícil ciertos desarrollos. Para empezar, esa propaganda norteamericana de su potencia que enseña como nos pueden romper el culo saga, acostumbró a una jugabilidad donde recuperar energía después de recibir 8 balazos es escondernos y esperar; a jugar entre 3 o 4 (bots o gente online) donde uno se dedica a abrir puertas, otro espía, otro te ata los cordones, etc. Creó verdaderos simuladores de guerra más que juegos. En un ambiente donde todo es co-op, donde la realidad abunda, no queda mucho espacio para dinosaurios violentos como los que nos dedicábamos al DOOM o Quake. Wolfenstein: The New Order es eso, el retorno a tirar sin preguntar. Hay dos opciones en varios tramos del juego: sigilo (Bethesda estuvo detrás del juego, creadores del FPS de sigilo “Dishonored”, donde acá pareciera rendir tributo) o entrar a los tiros. Pero no todo es agarrar un arma y matar: podemos llevar de a dos... En efecto, el juego puso el acento en matar, matar, abrir una puerta, y matar. Es la vuelta de la cifra 1 vs 5000. Nosotros, un arsenal (y no dos armas dediciendo cual dejar y cual llevar), vs un régimen nazi que triunfó y que para 1960 ocupó el mundo. En nuestro corazón queda lo opción de llevar un arma en cada mano, o solo una para no ser tan violentos.

Por otra parte, los botiquines vuelven a aparecer. Recuperar energía vuelve a ser como en la vieja escuela: buscar, encontrar, consumir. Incluso si es comida de perro (literalmente).

Pocas llaves para buscar, aunque muchos objetos para cumplir los ya clásicos desafíos en los juegos. Oro, códigos, y hasta discos que parodian las clásicas bandas, como escuchar una versión alemana de Los Beatles.

Otro detalle que vuelve, son las puertas secretas. Esas que nos partían la cabeza intentando encontrarlas.

Basicamente, una jugabilidad para los que nunca nos despegamos de los clásicos de los 90 y principios del nuevo milenio.

GRÁFICOS

El id Tech 5 cumple. No soy un experto en la cuestión fina de los motores gráficos. Este motor hizo su debut en el 2011 con el “Rage”, y al mismo tiempo que el TNO, salió con el “The Evil Within”. No parece estar explotado al máximo, por lo menos hasta que veamos un adelanto del DOOM 4, que se supone será su gran estrella. Sin embargo, poco se puede criticar en este caso. Amés que los motores id Tech siempre van acompañados de juegos con ambientes poco reales.

¿VALE LA PENA COMPRARLO?

Nunca en la vida me haría cargo de esta decisión, teniendo en cuenta que en Argentina, juegos como estos bordean los $800 y en ocasiones los $1000. Sin embargo, sostengo lo mismo: es un juego hecho para veteranos del género. Volar la carne de un bombazo a un enemigo que tenemos a 4 metros no es algo que se vea tan seguido como antes. Hoy por hoy, los simuladores de guerra son la regla. Entrar con dos escopetas que miten 60 cm de ancho repartiendo perdigones acusa generalmente la siguiente crítica: “es muy fantasioso”. No es un invento. Para ser sinceros, eso me dijo un chico de 12 años. Y no lo culpo. Los juegos tienen un nivel de realismo que muchos de nosotros no creíamos posible mientras jugábamos un Duke Nukem 3d. Esconderse atrás de una pared disparándole a militantes de un régimen dictatorial de medio oriente, viendo como caen duros como un paquete de pastillas, es más atractivo que apuñalar a un perro mecánico. Sin embargo, algunos somos fieles a cierto tipo de juegos, sin por eso jugar a lo que la actualidad nos propone.

Un buen paseo por la mecánica de los clásicos y la posibilidad de amasijar contingentes de nazis con dos rifles, apuñalar por la espalda o arrancar la pierna de un escopetazo, hacen de WOLFENSTEIN: THE NEW ORDER una opción entretenida. Dos líneas temporales y un conjunto de desafíos que lo hacen rejugable, suma para recomendar a quienes quieren darse un baño de metal, sangre y plomo germano. Eso si: no tiene modo online. Curioso por pertenecer a la nueva generación, y que hace que los juegos duren más, teniendo en cuenta el precio que se paga.

#wolfenstein #ps3 #críticas

A modo de presentación

El único fin de este espacio es comentar acerca de videojuegos. No es una idea original. Sin embargo, un blog más no daña a nadie.

Profesor de historia, de 28 años, hace 24 que juego. Desde el Atari 2600 hasta la PS3. Como verán, no hay mucha más experiencia que esa, pero no se necesita mucho más para contar historias, experiencias, o hacer críticas.

No hay un rumbo fijo. Algún día podré hablar de algo relacionado con los 8-bits, como de la PS3, pasando por PC, Génesis, Wii, Gameboy... Juegos de hace 20 años como de hace 1 año. Dado que la economía juega en contra, pocas veces podría hablar de algún estreno. Pero tampoco me interesa tanto. La historia y los viedojuegos tienen mucho que ver. A más antigüedad, más cómodo me siento.

“42 en 1″ es solo un nombre de un cartucho que significó mucho para mi. Cada juego del que hablo tiene una historia en mi vida. Algunas veces podré contarlas, en otras no. Sin embargo, decidí honrar el blog con el nombre del juego que me regaló mi abuela un 25 de diciembre de 1993. De grande supe que ella no podría haberlo comprado. Apenas si sabía que era ese aparato que se conectaba al televisor. Hoy deduzco que dio la plata, mis viejos lo compraron, y ella después me lo regaló. Quizá eso lo transforme en algo más especial de lo que es.

Sin más que decir, pongo el cartucho, y arrancamos...

#presentación #biográfico #42en1

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