Alan Martz® notes

Breves notas sobre arte, diseño y algo más. Contacto: @thealanmartz

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El arte como profesión: ¿Pueden las nuevas formas de arte ser esquematizadas bajo una ética profesional? (III)

Este es un ensayo que realicé durante mis estudios universitarios de Arte Digital. Me llamó la atención la manera en que lo abordé en su momento, razón por la cual lo comparto. Esta es la tercera y última parte.

Es factible reafirmar, entonces, que resulta complejo definir a la producción artística como una profesión como tal, esto, en virtud de que las expresiones de arte parecen no estar sujetas a una ética cívica como tal (como el caso de Bassi), y las que sí lo están, aluden a un mero proceso mercantil y de entretenimiento (como las formas de Andy Warhol). Como lo explica Norberto Chaves (2001), “pareciera ser que no es compatible libertad de pensamiento con éxito de mercado”, y continúa puntuando que:

“El profesional sufre una amputación, no como técnico, sino como persona: el sistema de prácticas técnicas obviamente no le provee de los instrumentos para comprender esas prácticas (…). Es lo que llamamos ‘alienación’: una persona hace algo sin saber para qué ni cómo; sin conocer las raíces profundas que articulan sus propias conductas” (Chaves, 2001).

Podría decirse, no obstante, que si el arte muestra un total apego a una cultura de preceptos éticos cívicos, en consecuencia, se involucraría en un proceso laboral y mercantil, lo que lo ajustaría, por ende, a una ética de las profesiones. Personalmente, mantengo una postura en contra de estandarizar al arte como una profesión tal cual, pero surge nuevamente la idea de un debate interminable sobre esta premisa. Lo que sí representa un hecho irrefutable, es que la producción del arte contemporáneo debe ajustarse a una ética cívica para la vida en común, en la que todos los individuos de un conjunto social sean “considerados en las acciones comunes que es preciso realizar en el espacio público que nos construye y nos forma como verdaderos ciudadanos” (García, D. y Ochman, M., en García, D. E., 2013).

Citas y referencias

Arrazola, M. (s.f.) Manual de Arte Contemporáneo [Material de clase]. “Arte Contemporáneo y Sociedad”. Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey Campus Puebla. Puebla, México.

Bassi, L. (s.f.) Acerca de. Leo Bassi, Noticiero independiente, blog personal: defendiendo el laicismo con pasión. Recuperado de: http://www.leobassi.com/biografia.html

Chaves, N. (2001). El Oficio de diseñar: propuestas a la conciencia crítica de los que comienzan. Argentina: Gustavo Gili Editorial S.A.

Fernández, A. (2009). Ética y estética en el arte contemporáneo. La Razón Histórica: Revista hispanoamericana de Historia de las Ideas, (6), 30-31. Recuperado de: http://www.revistalarazonhistorica.com/6-5/

García, D. y Ochman, M. “Ética cívica en la vida profesional”, en García, D. E. (Coord.) (2013). Ética, profesión y ciudadanía. Una ética cívica para la vida en común. México: Porrúa.

Honnef, K. (2000). Andy Warhol, 1928-1987: El arte como negocio. Alemania: Taschen

Hortal, A. (2002). Ética general de las profesiones. Bilbao, España: Editorial Descleé.

Morán, C. Y Constenla, T. (2012, 17 de julio). ¿Quién gana el choque Madonna-Le Pen?. El País: Sociedad. Recuperado de: http://sociedad.elpais.com/sociedad/2012/07/17/actualidad/1342550950_416455.html

Pejenaute, L. (2012, 27 de diciembre). Leo Bassi, sumo pontífice del ‘patolicismo’. El País: Madrid. Recuperado de: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/12/27/madrid/1356646562_827650.html

Ramírez, J. “El marco legal del ejercicio de las profesiones”, en García, D. E. (Coord.) (2013). Ética, profesión y ciudadanía. Una ética cívica para la vida en común. México: Porrúa.

Vera, J. (2013, 7 de junio). Europa critica la eliminación de Educación para la Ciudadanía en la 'Ley Wert'. El Mundo.es: España. Recuperado de: http://www.elmundo.es/elmundo/2013/06/07/espana/1370606860.html

[Este análisis refleja solo la opinión y consideraciones del autor del mismo]

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El arte como profesión: ¿Pueden las nuevas formas de arte ser esquematizadas bajo una ética profesional? (II)

Este es un ensayo que realicé durante mis estudios universitarios de Arte Digital. Me llamó la atención la manera en que lo abordé en su momento, razón por la cual lo comparto. Esta es la segunda parte. (Nota: La bibliografía la incluiré en la última parte).

El Arte Pop, tal como lo habría definido desde el comienzo el crítico de arte Lawrance Alloway, “describía las aspiraciones artísticas que analizaban críticamente los artículos del consumo de masas, las etiquetas y los símbolos de la industria del consumo (…), los ídolos típicos del cine y el mundo de la música (…). El ‘Pop art’ británico condensaba el espectáculo en una visión del vacío, el embrutecimiento y el fraude” (Honnef, 2000). Una vez que ésta tendencia se impusiera en el mundo del arte del siglo XX y que se adoptara en la escena estadounidense, Andy Warhol, que ya gozaba de fama artística para ese momento, se involucraría fuertemente en el manifiesto del Pop art y se convertiría en su principal representante. Con una inigualable intuición para reconocer los gustos de moda de su época y propiciando que la frontera entre realidad y fantasía se difuminara poco a poco, Warhol exaltó en sus obras la “vida americana” de los años 60. Si bien, las obras de arte poseían mayoritariamente un sentido comercial en lugar de uno crítico, la latente aberración al consumismo propia del movimiento hace denotar un punto importante: un mensaje subliminal de crítica, que atenta al respeto del espectador, al ser prácticamente invisible de distinguir sin una interpretación adecuada. Así, retomando el aspecto de la ética cívica y de las profesiones (reiterando que no se está considerando el arte como una profesión, pero sí, como en el caso del mismo Warhol, como una forma de vida), el arte de Warhol logró una forma “pacífica” de llamar a la conciencia social, ya que sus principales obras versaban sobre una bufa al consumismo americano, aludiendo precisamente a éste mismo. Por un lado, a pesar de que trataba de examinar el comportamiento que incluso el propio Andy Warhol mantenía hacia los conceptos de la fama y el mundo célebre del entretenimiento, no se podría decir que su intención artística tuviera una maleficencia como tal. Por ejemplo, una de las obras más polémicas de Warhol fue la de “Los trece hombres más buscados”, una serie de retratos basados en las fotografías policiales (mugshots) que el FBI tenía en su registro criminal de los delincuentes más perseguidos por dicho organismo, los cuales conformaron una gran mural de 36 metros cuadrados y que fue exhibido en el Pabellón New York State, en 1964. La indignación pública y política no se hicieron esperar, por lo que el malestar causado obligó al artista a cubrir los retratos. De este modo, “en las relaciones de los ciudadanos –en el ámbito político— es deseable que haya una reciprocidad de carácter moral que se apoye en ciertos principios regulativos” (García, D. y Ochman, M., en García, D. E., 2013) por lo que, desconociendo si en realidad Warhol accedió por un pensamiento similar al mencionado o por mera obligación, la acción de cubrir las imágenes de los delincuentes en su obra denotó lo que podría denominarse como un cierto compromiso social.

En contraparte, retomando el ejemplo de Leo Bassi, actor de origen italiano que bajo su interpretación principal de “bufón”, ha ganado reconocimiento mundial por sus extravagantes puestas en escena pero, especialmente, por sus provocadores actos criticando convenciones sociales y esquemas tradicionalistas de diversas esferas de la sociedad, como política, religión o el ordenamiento social en sí. Tal y como muchos lo reseñan, “su arte, libre de convenciones, ofrece al publico una experiencia apasionante, sensacional y estremecedora, donde la provocación es un lenguaje y no un propósito” (Bassi). Una de las más recientes hazañas de Leo Bassi fue la fundación del “patolicismo” y de la primera Iglesia del Paticano, una burla directa a la religión en protesta a su involucramiento con el Partido Popular de Madrid y a la retirada del programa “Educación para la Ciudadanía” (1) del sistema educativo, por parte del gobierno madrileño. El “patolicismo”, de quien Bassi es sumo pontífice, promueve el pensamiento crítico, además de que sus seguidores se proclaman "hijos de la Ilustración y defensores de la duda como escudo contra los oscurantismos, totalitarismos o las supersticiones" (citado en Pejenaute, 2012). La idea de un pato de hule como figura de adoración central (un dios), refuerza la idea de ausencia de un dogma rígido, evitando la idolatría o la intolerancia, según el controversial artista. Podría decirse, entonces, que Bassi atenta a un comportamiento de civilidad, ya que sus mofas afectan a determinados sectores de la población, en este caso, a los profesantes católicos; así, podría decirse que sobre Bassi recaería una responsabilidad moral, en la cual “los responsables no responden de sus actos ante la sociedad, sino ante su propia conciencia” (Ramírez, J., en García, D. E., 2013). No obstante, en este tenor, se dejan de lado los preceptos por excelencia de libertad y de autonomía. Porque, ¿en realidad la expresión de las ideas de Leo Bassi, a través de su “patolicismo”, afecta de alguna manera a la institución de la Iglesia católica? ¿Ha habido un cambio en el catolicismo por culpa de Bassi? La respuesta más probable sería que no.

(1) “Educación para la Ciudadanía” (EpC) es un programa implementado por el gobierno español como parte de la Educación Secundaria Obligatoria para la comunidad de Madrid. Se organiza en dos materias: “Educación para la ciudadanía y los derechos humanos” y “Educación cívica-ética”. Se basa en la enseñanza del ordenamiento político y jurídico de la nación, pero también en la impartición de conocimientos sobre los derechos individuales y el vigor de la sociedad democrática. La implementación de este curso en los centros escolares fue objeto de críticas sociales, toda vez que la educación moral, se decía, era un responsabilidad de los padres. Por otra parte, la Iglesia Católica tachó de totalitarista la impartición de la EpC, ya que en los libros de texto se abordaban temas referentes a la educación sexual, la enseñanza de familias homoparentales y una visión laicista del gobierno y del ordenamiento político -social.

-- Fin parte 2 --

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Ben Frost: la cultura pop en el arte... otra vez

Hoy en día, llamarse un artista pop es tan ambiguo como llamarse artista en general. El arte actual es indescriptible e indefinible, al menos para una misma terminología; vamos, que ni siquiera hay corrientes tan marcadas como para agrupar las expresiones y cada vez hay más “tipos” de arte.

Sin embargo, hay aquellos que se resisten al arte contemporáneo tradicional (instalaciones con cubetas, escobas y arena) y se aventuran a retomar las formas artísticas de antaño. Ben Frost es un australiano que se proclama discípulo del arte pop y lo hace con bases.

Su técnica incluye una mezcla de grafitti, collage, foto realismo e ilustración tradicional, sobre medios tan variados como murales, lienzos y, uno de sus sellos particulares, sobre envoltorios de productos comerciales, colocando así al pop art en el contexto contemporáneo de lo multidisciplinario del arte.

El package painting es una de sus más famosas aportaciones: consiste en hacer pinturas sobre empaques comerciales de productos, desde cajas de medicamentos hasta los conos de cartón en donde se sirven las papas fritas de McDonald’s. Anime, Hentai o ilustraciones de los personajes de series como The Simpsons o American Dad, son los motivos recurrentes de esta técnica, haciendo clara su intención de tomar elementos de la cultura mainstream y hacer arte con ellos.

Una dura crítica a los medios de comunicación y las formas publicitarias que cada vez sumergen más a las sociedades actuales en un ciclo de vacío capitalismo, es el mensaje detrás de su obra. La incoherente y “caleidoscopica” yuxtaposición de los elementos de su arte dan cabida a una expresión notoriamente crítica a diferencia del arte pop del siglo pasado. (Eso, o es que ahora ya se sabe más de qué va el arte y su poderío de hacer llamados de atención).

La controversia es parte clara de su portafolio, la temática sexual suele ser referente recurrente en su imaginario. Entre lo que más destaca se encuentra “White Children Playing”, una pintura que describe a dos inocentes niños consumiendo drogas; una figura de evidente referencia a la película animada “Bambi”, con el personaje principal sacando de su cavidad anal a otras mismas figuras como la principal; o la campaña que dio publicidad a una de sus exposiciones, en la que se proclamaba la muerte del artista. “Ben Frost is Dead” fue considerada de mal gusto por el mundo del arte y algunos medios de comunicación cuando en realidad éstos se creyeron dicha “broma artística”.

Ben Frost tiene un grado en Bellas Artes, en Artes visuales, por el Queensland College of Art. Actualmente reside en Sidney, donde ha gestionado incontables exposiciones tanto en su natal país así como en Nueva York, San Francisco y Londres. Es coordinador de Stupidkrap Studios, un colectivo de artistas consagrados y emergentes, y participa de vez en cuando en proyectos en donde presta su ingenio como director de arte. 

Mítico y a veces anónimo, solo un poco al estilo de Banksy, el galardonado artista pop australiano ha conseguido reposicionar al arte pop en una nueva línea, que si bien se aleja poco de los canones warholianos, cumple el propósito de mantener vigente y actualizada a la corriente de los años 60.

Algo de la obra de Ben Frost puede ser visto en su sitio de Tumblr o en su cuenta de Instagram.

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El arte como profesión: ¿Pueden las nuevas formas de arte ser esquematizadas bajo una ética profesional? (I)

Este es un ensayo que realicé durante mis estudios universitarios de Arte Digital. Me llamó la atención la manera en que lo abordé en su momento, razón por la cual lo comparto. (Nota: La bibliografía la incluiré en la última parte)

¿Es el arte una profesión? En este supuesto, todo aquel que se llama así mismo “artista”, ¿ha recibido alguna instrucción académica? De lo contrario, ¿si no hay enseñanza de por medio, no se es artista? Definir el trabajo de un artista es complejo, toda vez que definir per se el concepto de “arte” conviene en una polisemia en la que el factor de diversificación, estará en relación directa a la época en que se tratan de definir las manifestaciones artísticas. En este sentido, las nuevas formas de arte distan mucho de mantener el mismo significado que el arte clásico de Miguel Ángel, o el de DaVinci en el Renacimiento o, incluso, de las formas del arte moderno, como el Cubismo de Picasso. En el arte contemporáneo “existe una condición de pluralidad que permite que todo pueda ser arte. Los estilos no están enfrentados ya y precisamente por eso es que los artistas contemporáneos pueden moverse de un género a otro o incluso hacer obras que implican la utilización de varios géneros artísticos”, aunque, por otro lado, “cabe decir que lo que podría considerarse el arte de vanguardia hoy día exige que el arte se diferencie del resto de las actividades de entretenimiento y que ejerza una crítica política” (Arrazola). Por lo que, bajo esta concepción, se suscitan interrogantes aún mayores: en nuestros días, ¿qué es y qué no es arte?; todas las personas que dicen “hacer arte”, ¿son artistas por igual?; aquella persona que se dedica a hacer arte como modo de vida, ¿es un profesional del arte?; y, finalmente, ¿es el arte contemporáneo una profesión?

     Responder a dichos cuestionamientos supone un trabajo de investigación y de reflexión por parte de estudiosos del mundo del arte. Por esta razón, el presente ensayo parte de tres supuestos relevantes para éste mismo: en primer lugar, que está fuera de nuestras manos catalogar con certeza qué es una obra de arte contemporáneo, y qué no lo es, por razones como el proceso de ajuste de los criterios de entendimiento a estas nuevas formas de manifestación artística, o como la precipitación temporal de definir tan recientes maneras de producción del arte. En segundo lugar, resulta imposible saber quiénes son artistas y quiénes no, toda vez que la trascendencia de uno u otro artista estará determinada, nuevamente, por un factor temporal. Además, otro aspecto que dificulta el denominar a una artista de la escena contemporánea, y como lo menciona Antonio Javier Fernández en su artículo “Ética y estética del arte contemporáneo” (2009), radica en que “nos sorprendería saber cuan pocos artistas viven de su arte, en realidad. De hecho, la mayoría ni lo pretende. La barrera entre artista e intrusista es cada vez más endeble”; por lo cual, sería complicado saber qué artista hace arte por el arte mismo, y qué artista alude a un mero sentido “comercial” y de entretenimiento de su obra.  Y en relación a esto, en tercer lugar, que el arte contemporáneo difícilmente puede ser catalogado como una profesión formal, y aunque esta premisa pueda dar lugar a un amplio debate al respecto, para fines del presente análisis, se tomarán en cuenta los argumentos que versan sobre la variedad de formas de expresión que conforman al arte contemporáneo, que logran salir de una producción de obras de arte comunes, lo que amplía los horizontes de entendimiento y del sentido laboral formal que pudiera dársele a lo contemporáneo. Como critica Fernández (2009) sobre este punto, “se desdeñan pinturas, esculturas, piezas musicales ‘ortodoxas’ cuando en la mayoría de casos, quienes lo hacen carecen de la formación o el talento necesario siquiera para imitarlos, y se refugian en su supuesta ‘libertad creativa’”.

     De este modo, dejando en claro que no se pretenderá decir qué es arte o quién es un artista contemporáneo, empero, la expresión artística contemporánea debe tener un rasgo de responsabilidad dentro de la producción de obras de arte, traducido en una consciencia ética y de civilidad. Si bien, como se mencionaba en un principio, lo contemporáneo busca hacer un llamado a la conciencia de los espectadores sobre problemáticas principalmente sociales, valiéndose de medios o formas no convencionales, idealmente no debería haber una trasgresión moral o de humanidad para lograr dicho objetivo. En otras palabras, realizar formas de expresión artística justificadas bajo un manifiesto o bajo una casi invisible limitación de la creatividad, no supone la violación de imperativos éticos y cívicos, y no debería dar cabida a este caso. Para defender esta premisa, es menester analizar situaciones en las que se han suscitado dilemas de éste tipo o, por el contrario, en los que los propios artistas han sabido manejarse en éste aspecto. Así, se analizarán los casos de dos artistas contemporáneos: por un lado, el de Andy Warhol, “padre” del movimiento del Arte Pop, y por el otro, el del actor Leo Bassi, controversial por los provocativos modos de los que se vale para externar sus ideales.

--- Fin parte 1 ---

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Moda+Tecnología es la tendencia

Como parte de la serie “La moda no es solo moda” que inicié hace algún tiempo en el blog, en esta ocasión me gustaría hablar sobre algo que llamó mi atención leyendo algunas notas en Internet sobre la reciente London Fashion Week. Entre los clásicos desfiles de importantes marcas de la escena de la moda, la firma Fyodor Golan presentó en su pasarela una falda hecha a base de smartphones, ocupando alrededor de 80 de estos dispositivos y en los que las pantallas mostraban patrones sincronizados con el movimiento y la luz.

En un mundo en el que la creatividad nos hace pensar que ya hemos visto todo, asombrarnos por esta hazaña podría no representar la gran cosa. Pero, si esto es así, lo relevante de este dato es la evidencia del creciente desarrollo de una conjunción tan impensable como lo hubiera sido Internet y la vida diaria: la dupla de tecnología y moda. Funcionalidades que son propias de los gadgets comienzan a pensarse de un modo en que convivan de manera más cercana con los usuarios, y qué otra mejor manera que a través de la ropa que usamos todos los días. La tecnología wearable (“vestible”, por traducirlo de alguna manera) empezó a dejar de ser solo un término de la informática del futuro.

Un ejemplo muy notable son los Google Glass, un par de gafas provistas de conexión a Internet, cámara, aplicaciones y acceso a comandos de voz, desarrollado por la empresa del buscador apenas en 2012, en su fase de prototipo. Lo que siguió fueron los relojes inteligentes, que amplifican, en teoría, la experiencia de uso de un smartphone y que proporcionan -intuitivamente, podría agregar- información relevante al momento de mirar el dispositivo. Un tren al que Apple se acaba de subir, y del que Samsung, LG y Motorola ya le estaban ganando el paso.

Sin embargo, esto es por lejos el inicio de lo que en unas décadas llegará a nuestros guardarropa: vestidos que vuelan (el prototipo “Volantis”, ideado -supuestamente- por Lady Gaga y la gente detrás de ella para dar promoción a su música), o que se mueven solos (las prendas de la diseñadora canadiense Ying Gao), mini-computadoras que caben en los pequeños bolsos de mano (el HP Digital Clutch), o telas que parecen moverse de manera grácil independientemente del caminar de quien las viste (el concepto desarrollado por el madrileño Leandro Cano y que le valió un premio por innovación tecnológica), son solo algunos ejemplos. Por ahora, en Inglaterra, escuelas de moda instruyen ya a sus alumnos en lenguajes de programación avanzados y con conocimientos de las ciencias informáticas. Recientemente, estudiantes del Royal Collage of Art en Londres presentaron un proyecto denominado Eidos, un conjunto de máscaras que ayudan a amplificar el sentido de la audición, permitiendo incluso discernir sonidos o voces aún a distancia, y distinguirlos entre el ruido ambiental.

Claro está, que en la industria de la moda no todo se trata de producir prendas para vestirse. Hay que vender dichas prendas, razón por la cual existen los Fashion Weeks alrededor de las capitales de la moda en todo el mundo. Pues bien, hacer piezas tecnológicas de moda amerita una misma estrategia de marketing, ya que, a final de cuentas, lo que las compañías de tecnología están vendiendo son artículos que generen tendencias. Google entendió bien esto y en la semana de la moda de Nueva York, presentó como un accesorio sus gafas inteligentes, cambiando algunas de sus partes por acabados elegantes o de colores de moda para hacerlos, en efecto, un objeto de deseo.

Así, estos pequeños guiños de la industria de la moda suponen que la tecnología está destinada a convivir cercanamente con ella en un futuro, tal como sucediera con otras ramas creativas como el arte digital o las comunicaciones en Internet. Por ejemplo, eventos como el London Fashion Week son transmitidos vía internet a prácticamente todo el mundo, con lo que cualquier seguidor de la moda tiene acceso en vivo a los acontecimientos de las marcas que participan de ellos; la marca Fendi quiso poner su toque y en su transmisión en streaming de este año, utilizó drones (tal como sucediera en las transmisiones de los partidos de fútbol del pasado mundial de Brasil 2014) que aportaban una perspectiva más dinámica de su desfile: o Marc Jacobs, que lanzó una convocatoria para reclutar modelos a través de redes sociales y del uso del hashtag #CastMeMarc, eso sin mencionar el espectacular escenario en el que se desenvolvió la presentación de la colección de temporada de este diseñador.

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Rob Pruitt, el artista que no hace obras maestras

Robert Pruitt es un artista contemporáneo estadounidense involucrado en el movimiento del Nuevo Pop; experimenta con la cultura popular y cuenta historias a través de imágenes icónicas y accesibles a interpretar (algo un tanto de la escuela warholiana). Nacido en Washington, D.C., se mudó a Nueva York en la década de los 80 cuando se inscribió a laParsons New School for Design y en donde comenzó su carrera artística, con profundos altibajos y en la que ha experimentado el lado célebre y el lado crítico del mundo del arte, como él lo describe.

En sus inicios, Rob Pruitt llamó la atención de las esferas del arte neoyorquino no solo, sino en asociación con Jack Early, artista que fuera compañero suyo en Parsons y con quien hiciera la dupla Pruitt-Early. Las cosas fueron prometedoras hasta el lamentable recibimiento que tuvo una exposición que realizaron en la galería de Leo Castelli en 1992. En ella, exhibieron algunos afiches de estrellas del pop, deportistas y personalidades de raza negra, en una ambigua celebración de la cultura Afro-americana y sus logros en aquella década. Considerada hasta como racista, la colección fue fuertemente criticada y descalificada, lo que supuso el final de la carrera de Early y el aparente declive del futuro de Pruitt. Según Rob, la verdadera intención era mostrar un compendio histórico de imágenes que conformaban una nueva cultura americana, a través de todos los logros que la gente de color había superado aún durante la adversidad del racismo.

Tras una consecuente temporada de absentismo, Rob Pruitt encontró una nueva forma de reincorporarse al arte contemporáneo, siendo esta vez un poco más dócil, pero no por eso modificando su mensaje. En 2010, “Pattern and degradation” se exhibió simultáneamente en dos galerías de Nueva York. Desde una serie de patrones pintados a mano, pasando por composiciones de autorretratos, hasta cuadros de repeticiones de pandas y Woody Allen, Pruitt hizo una extensa colección de obras con una rango de interpretaciones aún más amplio: en su serie de patrones, por ejemplo, echó mano de una reflexión sobre los jóvenes Amish y ese momento en el que se les permite salir por un año de sus hogares, al mundo real, comparándose él y su salida al mundo real de vez en cuando, desde el mundo artístico en el que él vive; los autorretratos, por su parte, son composiciones hechas con varias imágenes de él mismo con diferentes objetos y en diversas expresiones, con lo que buscó que el espectador figurara quién era Rob Pruitt.

Otros de sus proyectos son un libro llamado “101 Art Ideas You Can Do Yourself” (“101 ideas de arte que puede hacer usted mismo”) en el que declara que uno puede hacer obras de arte, fuera de todo el misticismo y esoterismo que las personas suponen conlleva hacer una pieza artística. Desde simples gestos como usar la taza del baño sentados al revés o usar un disfraz por un día entero, Pruitt deja en claro que eso puede ser arte. Incluso menciona en una entrevista para James Franco (sí, el actor) en la revista Interview, que él no precisa que la gente vea su obra, sino que la haga; como artista no busca hacer una gran obra maestra, más bien, que todo quedé completamente hecho, incluso el proceso.

Rob Pruitt se encargó de organizar la primera gala de premiación al Arte Contemporáneo ideada por el Museo Guggenheim, algo como los premios “Oscar” del arte. También colaboró con la firma de moda Jimmy Choo para la colección “Cruise” de esa marca, y fue el autor del monumento a Andy Warhol, “The Andy Monument”, ubicada en el exterior del Public Art Fund, consistente en una estatua cromada en honor al artista pop, que involucró un escaneo digital de un modelo real en conjunto con la técnica tradicional a mano, revolucionando el proceso tradicional de esculpir.

La primera biografía de Rob Pruitt, “Pop touched me”, fue publicada en 2010. Actualmente, el artista vive y produce sus obras en Nueva York. Su cuenta oficial en Instagram es @robpruitt5000.

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Chermayeff & Geismar & Haviv: el diseño importa (y mucho)

A propósito del cambio de estrategia de identidad visual de mi alma mater, me propuse investigar un poco de la firma detrás del planteamiento del ahora logotipo oficial de dicha institución.

Chermayeff & Geismar & Haviv es una firma especializada en branding, asentada en la gran Nueva York. No, no es un despacho de principiantes: sus fundadores, Ivan Chermayeff y Tom Geismar, llevan 50 años en la industria del diseño, estableciendo paradigmas en cuestiones de imagen gráfica, prácticamente apuntando a que la parte gráfica del branding es uno de los medios más relevantes de identificación de una marca.No, tampoco han diseñado el logo de supermercados: su portafolio abarca desde el emblemático rectángulo amarillo de National Geographic, pasando por Mobil, Armani Exchange, el Museum of Modern Art, la Universidad de Brown, la Harvard University Press, la Universidad de Nueva York (NYU), el Rockefeller Center, las cadenas NBC y Univisión, Xerox o la Library of Congress de los Estados Unidos.  Naturalmente, presumen de un alto prestigio dado por el amplio alcance de sus “proyectos” no tan solo en su país, sino en todo el mundo.

Ivan y Tom son egresados de Yale, laureados por ser pioneros del diseño gráfico en toda su trayectoria; Sagi Haviv accedió en 2003 como practicante a Chermayeff & Geismar y en 2007, apenas cuatro años después de su llegada, agregó el segundo ampersand a la signatura de la firma.  Chermayeff & Geismar & Haviv posee una interminable lista de premios y una aún más infinita lista de clientes en busca de soluciones de identidad para sus empresas.

Algo que particularmente llama mi atención es que esta firma de branding tiene un estilo gráfico muy marcado, que se manifiesta en cada proyecto de su portafolio: diseños simples, limpios y directos, inclusive hasta con una paleta de colores muy particular (amplia aunque recurrente).  La actual tendencia al diseño flat (plano, sin texturas o volúmenes) no es para ellos una moda, sino un sello de distinción, y la propensión típica a la geometría propia del diseño de alto nivel, es manejada en proporción, no en exageración (es decir, no todo son cuadros).

Chermayeff & Geismar & Haviv incursiona en otras áreas como el cartel, diseño editorial, web, packaging, así como el diseño de espacios para exhibición o de conjunción entre arte y arquitectura, sin dejar de lado el motion graphics (gráficos en movimiento), rama a la que Sagi Haviv innovó al animar por primera vez los logotipos hechos por la firma antes de que él llegara, y en sí, presentar de una manera nueva un portafolio gráfico de este tipo (y como, probablemente, consiguió que su apellido apareciera en el nombre del estudio).

Recomiendo ampliamente visitar el portafolio de la firma, accediendo aquí.

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Warhol: el rey del arte de masas

El 6 de agosto de 1928 nace Andrew Warhola, hijo de padres checoslovacos e inmigrantes de los Estados Unidos. Un genio artístico que a los 9 años de edad, sufre un ataque de locura y es obligado a permanecer postrado en la cama, donde empieza a colorear pinturas para pasar el tiempo. Desarrolla una fijación por la radio y se vuelve fanático de las estrellas del mundo de la música, sin saber que el gusto le duraría hasta sus épocas de artista.

Se graduó en Diseño Gráfico y se tituló en Bellas Artes por el Instituto de Tecnología Carnegie, en Pittsburgh, de donde, en 1948, se trasladó a Nueva York y en donde comienza la historia del máximo exponente del arte comercial.

Sus primeros trabajos fueron ilustrando para revistas como Glamour, Vogue, Harper’s Bazaar y hasta para el New York Times; fue ahí cuando empezó a hacerse llamar “Andy Warhol”. Premios y exposiciones en galerías de Nueva York le dan renombre, y en los años 60 produce algunas de sus obras ícono de su carrera: la sopa Campbell’s, los Dólares y las -famosas- serigrafías de las estrellas estadounidenses del momento (Marilyn, Elvis o Marlon Brando).

Warhol no fue solo un artista: marcó tendencias y desbarató preceptos del mundo del arte que ni los propios futuristas habrían figurado, algo que parecía ir con su propio estilo de vida.

Bautizó conceptos como la reproducción en serie del arte, la fundación de su Factoría, en donde artistas a su mando fabricaban proyectos visuales basados en sus bocetos, la realización de obras por encargo, además de la democratización del arte, en sí, hacia la cultura de masas, pero con el sobreentendimiento de que todo aquello, era arte. Andy poseía un sexto sentido que no cualquier artista tenía: fue capaz de seguir el ritmo de la cultura de su época, porque era capaz de entenderla. Era como un agente externo que idolatraba la cultura pop moderna, que guió a ésta misma, y que fue parte fundamental de ella.

En cuanto a su obra, abarcó diversas técnicas, algunas nuevas y otras no tanto, pero aplicadas de tal forma que figuraban un estilo visual inigualable para el arte moderno: el aislamiento visual de la imagen, las (benditas) repeticiones, y una similitud inevitable con las imágenes impresas, además del empleo de colores explosivos para describir la naturaleza llamativa de la cultura de masas (y que hoy en día, visualmente, es incluyente una cosa de otra… al menos para el autor de esta nota). Warhol interpretó acertadamente, de manera directa o subyacente, el mundo moderno, el materialismo, la política corrupta, la explotación económica, el consumismo, el fanatismo mediático y el fenómeno del desarrollo de necesidades y aspiraciones creadas artificialmente, por “moda”. Fue, también, como un amo y maestro de la semiología, pues lo que parecían simples cuadros, con imágenes aún más sencillas, lograban un alto impacto visual que desencadenaba eventualmente en la generación de significados diversos y extraordinarios.

Andy Warhol falleció un 22 de febrero de 1987. Su legado es tomado como referencia más allá, incluso, del mundo del arte. Los medios de comunicación, la mercadotecnia y la publicidad se valen de sus métodos para desarrollarse en una cultura pop contemporánea diferente a la de Warhol,  pero quien fue un visionario de lo que hoy sucede, por citar un ejemplo, con las redes sociales: “en un futuro, todos tendrán sus 15 minutos de fama”, dijo, alguna vez, durante un momento polémico de su carrera.

Hoy, 6 de agosto, se celebran 86 años del nacimiento del rey del arte de masas, un genio que logró ver los “sentimientos” del arte comercial.

“A mí me pagaban y yo hacía todo lo que me pedían. Si me decían que dibujara un zapato, yo lo dibujaba, y si me pedían que lo corrigiera, lo hacía. Hacía todo lo que me pedían, corregirlo y hacerlo bien… después de toda esa ‘corrección’, esos dibujos comerciales tenían sentimientos, tenían un estilo. La actitud de los que me contrataban tenía un sentimiento o algo [parecido]; ellos sabían lo que querían, insistían; a veces se alteraban mucho. El proceso de creación en el arte comercial era mecánico, pero la actitud le agregaba sentimiento”.  

Andy Warhol

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La moda no es solo “moda” (I): Vera Maxwell

Personalmente, varias veces había pensado que la ropa de diseñador, el mundo de la moda en general, suponía hablar de frivolidades y de una fijación extrema en cómo luce una persona con determinadas prendas encima y, peor aún, cuánto “vale” por ello. Sin embargo, esto no es estrictamente así. (Empero, lo que sí creo, es que muchos diseñadores actuales, de tendencia, buscan idealizar la imagen de una persona de maneras irreales. Pero ese es otro tema).

La moda es una parte importante del diseño. Contempla no solo hacer un vestido bonito o un traje elegante, sino entender que estas prendas dicen algo: las prendas de diseñador hacen un verdadero statement. En otras palabras, los diseñadores de moda reales llegan a ser unos artistas.

La historia de la moda (sí, la hay) nos muestra grandes ejemplos de diseñadores que innovaron en las vestimentas que crearon, que si bien son ropa, hechas de tela, tal como las que hoy en día vestimos, supusieron un giro con repercusiones muy grandes en lo social, e incluso en propios acontecimientos históricos de relevancia a la humanidad.

“La moda no es solo ‘moda’” es una breve serie de la que voy a escribir, retomando a figuras famosas de la historia del diseño de modas. No soy un experto en moda (sí, también los hay), pero conocer los vestigios de esta rama del diseño es una forma de ampliar nuestros conocimientos en cuanto a éste, ampliar la visión creativa y un poco nuestra cultura visual. Por tanto, muchas cosas que escriba en esta serie, estoy seguro que las descubriremos juntos.

Para comenzar, hablaré de Vera Maxwell, quien es mayormente recordada por innovar en la ropa deportiva para mujer, pero que también elevó el sentido de elegancia y sobriedad en las vestimentas del “día-a-día” de los años 30 a la década de los 80.

Vera Huppe Maxwell nació en Nueva York. Estudió Ballet y fue modelo durante sus años jóvenes, pero encontró su vocación en la costura y la creación de ropa. Se volvió famosa durante la década de los 30, como diseñadora en otras manufactureras, época durante la cual creó el “vestuario para el fin de semana” (“Weekend wardrobe”), que incluía dos sacos, dos faldas y un par de pantalones de vestir, la “wrap around jersey blouse” (blusa que se sujeta por un lado, envolviendo el cuerpo) así como los trajes con chaqueta y falda. Gracias al reconocimiento de sus creaciones, fundó su propia firma, Vera Maxwell Originals en 1947.

Sus clásicos diseños se volvieron iconos de la época, pues eran hechos a la medida (Haute couture, término francés que refiere a las prendas a la medida del cliente) pero adecuados para vestir de manera diaria. Conjuntos y trajes, vestidos y chaquetas, conformaban los principales productos de la firma, con gran influencia de la ropa para hombre y con el uso de decolorantes naturales para producir los característicos tonos otoñales (ocres) de sus prendas.

Por otra parte, incursionó, con su particular estilo, en la ropa deportiva (sportswear) para dama. Fue una de las primeras diseñadoras norteamericanas en utilizar la “Ultrasuede”, una tela sintética de microfibra compuesta de poliéster y poliuretano no fibroso. Sus diseños deportivos se caracterizaron por chaquetas discretas en conjunto de faldas y blusas austeras, pero elegantes. Los colores siempre sobrios y clásicos. Algunos conjuntos que realizó fueron ropa para después de esquiar, outfits para tennis y ropa para equitación.

De este modo, particularmente encuentro dos legados principales de Vera Maxwell:

La ruptura entre la ropa masculina y la femenina: Maxwell no solo inspiró sus trajes en la ropa masculina, sino que lo adecuó a la elegancia clásica de la mujer de los 30 y los 40. Un vestido o una falda, con una chaqueta larga o un saco encima, no era algo común de ver, pero se transformó en un icono de la elegancia en el vestir de la mujer.

La moda de alta costura, como vestimenta diaria: Lo cual no supuso la degradación del estatus de estas prendas, sino de una adecuación inteligente de vestimenta fina para un acontecer diario, sobre todo en la moda femenina. Actualmente esto no sucede así, la moda de alta costura se limita a las pasarelas y eventos de moda.

Vera Maxwell se retiró definitivamente en 1985, y falleció en Puerto Rico en enero de 1995. Actualmente, muchas de las piezas que creara Maxwell se comercializan como ropa vintage.

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Kimura y Varela: ‘El’ dúo del Diseño Editorial en México

Hablar de diseño no es hablar exclusivamente de un negocio, y mucho menos de saber manejar un software para hacer logotipos “bonitos”. Hablar de diseño supone entender que se trata de una disciplina especializada en la resolución de uno o más problemas relacionados, generalmente, con la intercomunicación entre personas, espacios, objetos, o todos éstos al mismo tiempo.

El diseño se divide en tantas áreas como problemas a resolver puedan haber, y aunque el diseño gráfico es el más común, existen otras ramas del diseño, tales como el de la información, el industrial, el multimedia o el editorial, por mencionar algunos.

En nuestro país, hay miles de diseñadores de todo tipo que vislumbran un futuro con ganancias monetarias a manos llenas, en adición a otra frenética cantidad de recién egresados de instituciones universitarias, con el mismo propósito. Indudablemente, laindustria del diseño en México se ha colocado a un nivel de calidad de dimensiones internacionales, que hasta los más incrédulos y pesimistas han de reconocer. Lo anterior, debido a que, entre esa cantidad desmesurada de diseñadores, figuran unos cuantos que ven al diseño como algo en qué creer, algo por lo cual vivir y un medio idóneo por el cual hacer más fácil y mejores las maneras de comunicación del ser humano. Y no, no solo como un negocio.

Gabriela Varela y David Kimura son un insuperable ejemplo de lo anterior. Ambos son egresados de la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México, graduados de la carrera de Diseño Gráfico, y cuentan con estudios de posgrado en Europa.

Desde 2005, estos dos diseñadores se han aliado en Varela+Kimura para producir, más que libros, verdaderas obras de arte, por la impecable ejecución de sus trabajos, en lo que al diseño editorial se refiere. No por nada se han vuelto los consentidos de Arquine y no por nada han ganado premios que van desde Quórum en México, hasta el premio TDC Tokyo.

El desarrollo de un concepto, el seguimiento de un proceso de diseño que contempla definir qué problema va a resolver el libro a producir, hasta las cuestiones técnicas como el formato, las retículas, color, papeles y tipografías, son lo que hacen únicos los proyectos de Gabriela y David, no solo entre sí, si no con el resto de las publicaciones editoriales que están ahí afuera.

Tres son los pilares que definen los proyectos de Varela+Kimura, que en las propias palabras de ambos, han de ser la eficacia, lo eficiente y lo especial.

Diseños simples o barrocos, pero todos bien elaborados; conceptuales, pero no aislados del contenido del libro; elaborados con diversidad de materiales, pero no por eso lejos de la elegancia, son algunos aspectos característicos de los libros diseñados por Gabriela y David.

La casa de Luis Barragán: un valor universal (2011), Revista Arquine (2009), el muestrario de obras del Dr.Lakra (2010), 20 años de diseño en México (2010) y Francisco Serrano. Obra completa (2008), ambos de la Editorial Arquine, así como diseño:México (2006) de Arquine y Editorial RM, son solo algunas de las publicaciones de la autoría en diseño de David Kimura y Gabriela Varela.

Para conocer más de sus proyectos, acceda a varela-kimura.com, y sepa qué buscar en su próxima visita a la tienda de libros.

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Gazing Ball, o lo que es lo mismo, ¡Jeff Koons es un artista!

Tal parece que la parafernalia kitsch que caracterizó a Jeff Koons en algún momento de su carrera está quedando de lado… al menos por ahora. “Gazing Ball” es el nombre de uno de sus últimos proyectos artísticos que, en 2013, estuvo en exposición en la galería David Zwirner de Nueva York, su gran regreso desde 2008 a la capital del arte contemporáneo. En un giro muy decente a su trabajo, en esta serie de obras, Koons ha entre-mezclado lo contemporáneo con lo clásico: las piezas de Gazing Ball son esculturas de yeso, remembrando a las piezas del clasicismo romano, adornadas con una bola de cristal azul hechas a mano, colocadas de manera desafiante en alguno de los vértices de las figuras. Algo muy a su estilo. Según explican algunas reseñas de esta exposición, contemplar la bola de color azul, el propio reflejo sobre ella, es como contemplarte a ti mismo en medio de un cuarto lleno de gente mirando hacia ti -bueno, en realidad, mirando a la bola azul, pero la sensación es esa-. Una analogía muy precisa de lo que Koons provoca y es en el mundo contemporáneo del arte: sus colores brillantes, sus esculturas que parecen más figuras inflables, su exposición en Versalles, Michael y el mono…  todo eso que hace recordar al mundo que Koons es, de hecho, un verdadero artista. Ah, ¿y las esculturas? Ese es su gesto para recordarte que estás en una galería viendo arte.  Empero, no todo es un guiño al pasado a través de dichas esculturas, pues Koons no podía hacerse el muy-propio y en un inesperado gesto de la galería neoyorquina, en plena inauguración frente a la mirada de los espectadores, se montaron dos esculturas más: una figura de un muñeco de nieve y unos buzones, bajo la misma temática de la Gazing Ball. E, incluso, a inicios de año, Koons mandó a hacer una escultura de Lady Gaga con una bola azul estratégicamente colocada sobre la misma, forma que fue adoptada por la artista como portada de su nuevo material discográfico. Vamos, que no has sido suficiente artista si no te involucras con astros de la música pop -¿Keith Haring-Madonna?- Parece ser que el norteamericano generó una reflexión muy atinada acerca de su legado como exponente principal del arte contemporáneo, como si se hubiera recordado a sí mismo que él también es un artista, tal como los grandes escultores romanos de los que toma como referencia en esta colección. Visualmente, Koons es un maestro y Gazing Ball no ha sido la excepción, tan solo con el contraste que los propios materiales provocan entre ellos mismos. La bola podría ser pieza digna de una exposición completa para ella sola, pues el tema del reflejo del espectador y la sensación que invoca son ya una obra de arte.