ART.

Blog d'histoire de l'art - L'Ecole de Design Nantes Atlantique - Interactivité

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ENTRE-DEUX, SELF-HYBRIDATIONS - 1997

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Orlan, Drawing Done in Blood during the Surgery-Performance of December 8th, 1993, 1993

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ENTRETIEN AVEC L’ARTISTE ORLAN : LE NU DANS L’ART

Le nu est un des genres majeurs de l'art européen, mais ne s'est constitué comme une catégorie de la critique d'art qu'au début du 20e siècle. Quelle est l’appréciation du genre par les amateurs d’art d’aujourd’hui ? Comment tracer une ligne de partage entre « art » et « pornographie » ? Artchipel interroge sa communauté d’art Tumblr qui s’expriment sur le sujet :

• La distinction entre le moyen artistique et la finalité crée la distinction pour 41%. Tout est dans l'intention, le contexte et la réalisation. • La distinction entre un nu pornographique ou un nu artistique dépend seulement du regard du spectateur pour 37%, car le nu dépasse normalement les frontières, les cultures, les modes. • 9% pensent que la distinction repose sur le type d'excitation provoquée : physique, elle sera pornographique ; spirituelle, émotionnelle ou intellectuelle, elle sera artistique. • 8% considèrent qu'il n'y a pas de frontières, que l'art lui-même doit être une perversion pour exister. • 5% n'aiment pas le nu dans l'art, il est de trop.

Pour approfondir la question, Artchipel invite ORLAN, artiste engagée et figure emblématique de l’art contemporain français, pour partager son point de vue sur la représentation de corps (nus) qui émeut et interpelle !

Quelle utilisation faite-vous du nu dans votre travail ? J’ai utilisé le corps plutôt que le nu à proprement parler dans mon travail. Tantôt habillé, tantôt nu. Même actuellement, je vais jusqu’à l’écorcher puisque j’ai fait une image 3D de moi en écorchée mais qui est en même temps très Cyborg. Elle a non pas un corps, mais mon corps ; elle me ressemble et fait les mouvements que je fais dans mes performances. Mais le nu en lui-même ne m’intéresse pas. Ce qui m’intéresse c’est ce qu’on peut dire à travers lui, comment on peut parler du corps. Tout mon travail c’est l’interrogation du statut du corps dans notre société via toutes les pressions religieuses, politiques, traditionnelles, idéologiques qu’il y a sur le corps. Ce qui est étrange, c’est que souvent quand on parle du nu dans l’histoire de l’art, on parle de corps jeunes, donc de corps qui peuvent éveiller les sens. Ce n’est pas le propos, chez moi, de mon travail, ni d’éveiller les sens, ni de les endormir. Il se passe ce qu’il se passe. C’est en fait le spectateur qui fait l’œuvre. Que des personnes crient « à la censure » parce qu’on montre un sexe d’homme, ou de femme, c’est vraiment ce qui ne m’intéresse pas mais qui en même temps met en évidence toutes ces pressions sociales que l’on a dans nos têtes et influencent notre regard.

Quel est le regard porté sur le nu dans l’art selon vous ? Au fil du temps, notre regard a changé sur le nu. Auparavant on ne voyait des corps que dans les musées et les églises où le propos était de raconter l’histoire de la religion. Mon œuvre l’Origine de la Guerre, référence à l’Origine du Monde de Courbet et qui a le même cadre que l’œuvre exposée au Musée d’Orsay, montre ce qu’on a fait de pire aux femmes en leur coupant la tête, les bras et les jambes, pour qu’il ne reste plus qu’un ventre, un sexe. Donc j’ai voulu voir ce qu’il se passait quand on faisait le deuxième versant de l’humanité, et de l’art. Que se passe-t-il quand on met en avant un homme, et qu’on voit son cul et un sexe. Les réactions ont été vives, étonnées, agressées. L’Origine du monde de même avait été cachée derrière une autre toile. L’Origine de la Guerre, montrée à la Fiac, a été elle aussi présentée derrière un mur, comme cachée encore. Cela est toujours étonnant pour moi, par exemple notre position sur le mariage homosexuel. C’est toujours une égide religieuse qui préside à la censure et dicte ce qui doit se faire ou ne doit pas se faire. Et moi je veux être libre, que ni l’église ni le gouvernement ne me dicte ce que je dois faire. Si je montre un homme, un nu, ce n’est pas pour la provocation. Cette peur du sexe et du corps me surprend réellement. Alors que nous avons tous un corps et tous un sexe. C’est d’une hypocrisie incroyable. Et sur le mariage homosexuel… Comment se fait-il que nous nous posions encore cette question et ce problème. Chacun fait ce qu’il veut de son corps et de sa sexualité et vit sa vie amoureuse comme il l’entend.

C’est donc le corps qui vous intéresse ? Les critères esthétiques du corps qui en font des corps plus ou moins beaux sortent des idéologies dominantes. Car toutes les civilisations ont voulu fabriquer le corps. On le voit chez les précolombiens, on le voit chez les Africains. La beauté est donc une pression de l’idéologie dominante quoi décide ce qui doit être vu comme étant beau. Je suis sur un autre terrain : qu’est-ce qui se dit, qu’est-ce qui se perçoit à travers le corps.

Lorsque je travaille sur « l’écorché », cela s’inscrit dans l’histoire de l’art. Il y a beaucoup d’écorchés dans l’histoire de l’art. J’ai voulu montrer que dans la vie, on a pas qu’un corps, mais des corps. En enlevant la peau, j’ai voulu retirer ce qui, soit disant est le plus profond. On peut revenir là-dessus. Cela m’intéresse de montrer encore plus que dès qu’on parle de corps, plusieurs possibles s’ouvrent : son ouverture, la pornographie. L’histoire de l’art s’en est repue : ces peintures avec les suppliciés, les écorchés, les étripés…

La peau pour moi cache et révèle : elle contient et permet un rapport au monde et à l’autre. La peau est une interface entre le monde et la personne.

Y a-t-il une distinction entre le nu artistique et le nu pornographique selon vous ? Pas de distinction pour moi. Ce sont les spectateurs qui l’installent : ce qu’on ne veut pas voir. Un écorché serait peut-être ce qu’il y a de plus pornographique, puisque c’est montrer de manière directe l’intérieur. C’est le regard qui constitue la pornographie.

L’art à partir du corps peut produire autant de choses intéressantes qu’inintéressantes.

L’art doit interroger de toutes part, tantôt d’une manière ou d’une autre, mais que tous les possibles soient acceptés. Lorsqu’une œuvre me plait c’est celle qui éveille le plus d’interrogations, et que c’est une œuvre que je n’aurais pas pensé à faire, il n’y a donc pas de limites.

L’exposition de « l’Origine de la Guerre » aurait-elle été différente si vous aviez été un homme ? Probablement. On est toujours dans l’idée qu’il ne faut pas montrer le sexe des hommes. Dans les films, lorsque l’on montre un sexe d’homme, on passe dans le porno, alors qu’une femme nue dans un film est presque systématique. La situation n’a pas énormément évolué. Il en va de même des artistes qui produisent l’art. Il y a énormément d’étudiantes dans les écoles d’art, 75/80% et au final ce sont les hommes qui vont passer. Par exemple mon travail est dans les 100 chefs d’œuvres d’un livre du Centre Pompidou. Il n’y a que 6 femmes parmi les 100 artistes, dont 4 mortes et 2 vivantes dont je fais partie. C’est étrange que l’on continue avec ce mauvais regard sur les femmes qui fait qu’elles sont toujours dépréciées, discriminées.

Interview réalisée par Artchipel | Nathie Nakarat Photo par Samia Babaci - Graph. par Artchipel | Rery

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THE REINCARNATION OF SAINT ORLAN, 1993.

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“Art is not mere decoration for your walls - it must be political, be activist, and change consciousness.” - Orlan

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‘I am doing a woman-to-woman transsexualism’

Orlan (via hannahlefeuvrebog)

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Voglio cambiare da A a Z per assomigliare alla fine all’immagine che ho di me stessa. E rompere con l’immagine di mia madre e il nome di mio padre. È la mia psicanalisi che prende corpo

Orlan 

Waiting for #MDLSX

*un ricordo #Orlan. Refiguration-Self Hybridation, 1998

(via sguardimora)

“Je veux changer de A à Z pour ressembler à la fin à l’image que j’ai de moi-même. Et rompre avec l’image de ma mère et le nom de mon père. C’est ma psychanalyse qui prend forme.”

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Dans les années 90, elle commence “La réincarnation de Sainte Orlan”, une série d’opérations avec lesquelles elle voulait copier les caractéristiques physiques de certaines peintures de l’histoire de l’art. Son objectif : atteindre l’idéal de beauté suggéré par les grands artistes. Toutes les interventions on été filmées et projetées en direct au Centre Pompidou de Paris; pendant qu’ils l’opéraient, elle lisait des courriers et répondait aux questions posées par le public depuis le musée grâce à un intercom.

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Orlan

The Reincarnation of Saint-Orlan, a new project that started in 1990, involves a series of plastic surgeries through which the artist transformed herself into elements from famous paintings and sculptures of women. As a part of her ‘Carnal Art’ manifesto, these works were filmed and broadcast in institutions throughout the world. Orlan’s goal in these surgeries is to acquire the ideal of female beauty as depicted by male artists. When the surgeries are complete, she will have the chin of Botticelli’s Venus, the nose of Jean-Léon Gérôme’s Psyche, the lips of François Boucher’s Europa, the eyes of Diana (as depicted in a 16th-century French School of Fontainebleu painting), and the forehead of Leonardo da Vinci’s Mona Lisa. Poetry is read and music is played while she lies on the operating table fully conscious of the events taking place.

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Self-hybridations Opéra de Pékin, 2014

«Les masques sont des caractères formels qui parlent avant de parler aux spectateurs par les couleurs et les signes. Pour mon «opéra» je dis d'emblée je suis Orlan avec mon visage transformé avec deux bosses. Je me présente et je joue avec les couleurs, les signes et les masques. Dans l'univers de la photographie qui ressemble à de la peinture sur la toile, le maquillage est la peinture sur la peau qui devient masque.»

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“Orlan accouche d’elle m’aime” - 1964

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En 1978, ORLAN prépare un discours sur la vidéo et la performance lorsqu’elle doit être transportée en urgence à l’hôpital : elle est opérée à cause d’une grossesse extra-utérine. 

Elle fait filmer toute l’opération et insiste pour pouvoir rester consciente, ne s’occupant pas de la douleur. 

C’est cet événement qui lui a inspiré de nombreuses autres performances.

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“Artiste transmédia et féministe. Météorite narratif du BIO ART. Son oeuvre questionne le statut du CORPS dans la société. Ses sculptures, HYBRIDATIONS et autoportraits réinterprètent le rôle des nouvelles technologies.” 

http://www.orlan.eu/

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ORLAN

Mireille Suzanne Francette Porte, 30 mai 1947, Saint-Etienne, France

Elle adopte le nom ORLAN en 1971

Elle vit et travaille entre Los Angeles, New York et Paris

[arabellesicardi]

“I no longer recognize myself in the mirror.” Recognition: the act of knowing involves doubling, repetition, re-creation. The agency of the ego is founded in a fictional direction; subjectivity is not only fractured, but based on misrecognition. Narcissism, Lacan argues, is ontological, which illuminates Orlan’s numerous comments about her own image: “I’ve worked with my own image for twenty years,” she tells me. “Being a narcissist isn’t easy when the question is not loving your own image, but of re-creating the self through deliberate acts of alienation.” Although many feminists have taken issues with Freud for equating femininity with narcissism, Orlan performs that equation with a Medusian vengeance. She documents each step of the process, photographing her bruised and bandaged face every day for forty one days. She emphasizes the plasticity of her body as an aesthetic and technological medium. Since psychoanalysis involves “working through” old materials (dreams, fantasies, traumas), it seems fitting that Orlan recycles every material thing. (one of the defining traits of the fetish is its untranscended materiality, its status as a material object)… . As gruesome as this all sounds, Orlan actually transforms the operating room into a carnival of campy humor. She and the medical team don costumes designed by Paco Rabanne or other couturiers. She brandishes a skull’s head, pitchfork, or crucifix, delighting in absurd juxtapositions, like the Surrealists “exquisite corpse” projects, collaborative art works in which one artist designs the head, another the torso, a third the feet for a single painting. It almost seems as if she wants to transform the famous Surrealist image of an umbrella and a sewing machine on an autopsy table into a tableau vivant. Orlan shares Peter Greenaway’s and Jeffrey Deitch’s view that “the body is obsolete.” Orlan herself is the “exquisite corpse,” the body merely a costume. She sheds one costume after another, staging femininity literally as masquerade. She is a relic in both senses of the word – a religious relic, and a relic of an age that will soon seem long ago and far away.

Cutups in Beauty School / Bad Girls and Sick Boys  (via arabellesicardi)

[warholiness]

ORLAN, Self-Hybridization, In-Between, 1994