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Thom York :artesano de la vanguardia : Comentario sobre disco “Tomorrow’s Modern Boxes”

Surcando nuevas mareas sónicas, así encontramos nuevamente a Thom Yorke, carismático y prolífico líder de Radiohead y de la súper banda Atom for Peace, en su segunda entrega como solista “Tomorrow’s  Modern Boxes”, publicada hace un par de semanas de manera digital por vía BitTorrent. Si bien, en este trabajo se escabulle de la afectada introspección que dominó “The Eraser”, aún conserva su gusto por una oscura y sugerente electrónica que resulta perfecta para metáforas que deslizan críticas hacia la alienación  tecnológica y el post modernismo, temas recurrentes en las creaciones de Yorke, pero vamos por parte.

El comienzo de la placa no puede ser más promisorio;  la envolvente “A brain in a bottle” llena de matices y automatizaciones configura una atmósfera ideal para el despegue de este mini álbum. “Guess again!” e “Interference”  las canciones que siguen, parecieran quedar a medio camino, pero lo compensan con cadencia y melancolía.  “Mother Lode” es una hipnotizante pieza donde la voz de Yorke se transforma en un estupendo catalizador de la amargura. Cruzando la mitad del camino, se produce un grato quiebre con “There is no ice (for my drink)”, una contenida y ambiental rave de bolsillo ( si es que se puede llamar así) que brinda un poco más de fuerza al álbum. Caso aparte es “Pink Section” un verdadero mantra apocalíptico que simula acaso un notable zumbido sirénido o bien presenta las voces mutadas de almas en tránsito subyugadas por la cotidianeidad. La influencia de esta canción queda flotando en los oídos y se muta con la última canción de la placa “Nose grows some” que contiene pausadamente la fuerza de “Pink…”. Un trabajo a todas luces vanguardista y jugado. Eso sí, no es un álbum perfecto. Pero el trabajo de artesano de Yorke, transforma en poesía urbana, los machacantes beats de la devoradora modernidad.

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Juan Manuel Rivas

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Johnny Marr, Playland MÚSICA A LA VELOCIDAD DE LA VIDA

Vestía coloridas camisas ceñidas al cuello, fino traje a la medida y guiñaba el ojo al público mientras se paseaba con el vigor de un adolescente por todo el escenario. Fue así como se mostró por primera vez en Chile el mítico y cincuentón guitarrista  fundador de Los Smiths, Johnny Marr.

En dos shows, uno íntimo y otro en el marco del festival Lollpalooza, el músico inglés dio a conocer su primer trabajo como solista “The Messenger” (2013). Y para el goce de sus seguidores, regaló  algunos clásicos como There Is a Light That Never Goes Out o How soon is now?,  de su alabada banda ochentera

Pero tuvo que pasar mucha agua debajo del puente para tomar las riendas y llegar a instalarse frente a sus fans como líder de un grupo. Si bien su distanciamiento definitivo del extravagante y eximio vocalista Morrissey, se produjo hace 28 años, por diferencias personales y por la dirección que estaba tomando la agrupación,  tuvo la claridad para entender que, pese a la influencia que generó el cuarteto inglés con solo cinco años juntos -  y que hasta hoy genera nostalgia - no debía mirar atrás y tenía que seguir haciendo lo que más le gustaba. 

De ahí en adelante, trabajó de escritor, productor, guitarrista y colaborador de importantes bandas como The Pretenders, Elecronic,  The The, Simple Minds, Talking Heads, Pet Shop Boys, entre muchas.  Fue pilar relevante y salió de gira con The Healers (2000) y Modest Mouse (2006) ambas con sencillos interesantes pero que finalmente no prosperaron. “Estaba feliz de colaborar con gente que yo admiraba. Sentía que era el mejor empleo del mundo”afirmaba Marr.

En 2010 participó para la banda sonora de la película El Origen. Fue precisamente en ese momento donde gatilló su decisión de tomar el control y dejar de hacer colaboraciones, lanzándose de lleno con su primer trabajo en solitario. Aunque fue creado bajo un ambiente de júbilo y diversión, Messenger contiene la esencia y lo más granado de su historia musical. Rock, intensidad y desgarradoras armonías.

John Martin Maher, quien se apodó Johnny Marr para evitar confusiones con el baterista John Maher del grupo punk Buzzcocks, se muestra humilde, honrado y completamente entregado a su público.  “No necesitas estar a la moda, pero a medida que vas creciendo, agradeces ser parte de la vida de tanta gente” aclaraba el lúdico guitarrista.

Y pareciera  que las ganas de crear y tocar en giras a la cabeza de su banda le brota por los poros. Porque a poco más de un año de su primera entrega, recogió toda la adrenalina  de presentarse en vivo forjando de ello, Playland.

La nueva placa fue co producida con James Doviak, segunda guitarra del grupo y se inspiró en el libro Homo Ludens (Hombre que juega) del historiador holandés Johan Huizinga, obra literaria que analizaba la importancia del juego en el desarrollo de los humanos.

Sin criticar, sino más bien comentar, sus letras apuntan al desarrollo cultural de Londres, al excesivo consumismo que persiguen las sociedades, el sexo y la ansiedad de estar on line. “El sentimiento de las ciudades y las personas hacen la música” acotaba Marr.

El disco de 11 temas es ágil y digerible. Parte con Back In The Box , de potentes guitarras manchesterianas y vehemete batería. Le sigue Easy Money,  pegajoso sencillo promocional y carta segura para encender la fiesta.

El pop rock más contagioso y acompasado viene de la mano de Dynamo, Candidate y The Trap, mientras que la solidez, contundencia y velocidad del rock and roll se deja caer en la segunda mitad del álbum en temas como 25 Hours, Boy Get Straight y la propia Playland.

Y aunque es innegable recordar y sentir en la música de Marr la influencia de su paso por The Smiths , su consistencia e identidad se va robusteciendo rápidamente, con depurado trabajo y pulcritud de una banda que expele positiva química y ganas de tocar por largo rato. 

Entrevista...

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Rodrigo Acevedo

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Bebiendo de la Modernidad: Comentario sobre “Songs of Innocence”, el nuevo álbum de U2

Al parecer no bastaron los cinco años que pasaron desde la edición  del desaliñado “No line on the horizon” para que U2 encontrara el camino a la creatividad. Si bien,  la producción es de primer orden, incluyendo la artificiosa medida de regalar el disco a los oyentes varias semanas de su edición en formato físico. La agrupación recurre a todos los trucos de mago empleados por las bandas más famosas ** momento para hacer música de estadios y estar presente en los rankings del planeta. Sacando a relucir apenas, el talento musical innegable del grupo. De hecho, hay muy poco de U2 en el álbum, hay mucho marqueteo o una necesidad imperiosa de estar en el mapa de las bandas más populares del momento. Hay aires de Coldplay, de Kings of Leon e  incluso de blockbusters  como Imagine Dragons. El inicio del álbum, nos remite queramos o no al Coldplay de “Ghost Stories” con aquellos coros entre místicos y afectados en la canción “The Miracle (of Joey Ramone)”. “California” destila ambición desmedida, pero está bien. En “Song for someone” la balada de turno, si bien no llega a los niveles de “One” es destacado el cometido de Bono, quien aún conserva su gran voz, la que suena dúctil y macerada en gran parte de este trabajo. “Raised by wolves” es una postal de los nuevos tiempos: efectista y épica. La vibra U2  se puede distinguir en “Cedarwood Road”  donde las guitarras asumen el protagonismo. En “Sleep like a baby tonight” se percibe experimentación, lo malo que se nota falsa como pescado con hombros. No hay que ser injustos,  el  disco de igual modo es una calibrada pieza musical, sin embargo, le falta espíritu y un poco de espontaneidad. Por lo menos, al público lo tiene asegurado: 500 millones de clientes de iTUNES tiene el disco en su poder. Ésta, sí que es grandilocuencia pura y un gesto para los estadios.

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Juan Manuel Rivas

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Litsen. The Kooks vuelve con electrónica, funk y sonidos negros.

Hay abundancia de versatilidad en su último trabajo y suenan tan distinto a sus inicios que incluso la banda podría haber cambiado su nombre. Así lo esbozó con algo de ironía  Luke Pritchard, líder de los británicos The Kooks, quien además aclaró que su cuarto álbum de estudio, Litsen, es el primero que ha tomado con seriedad.

Y vaya declaraciones, considerando que la agrupación lleva casi 10 años desde su formación. Pero tiene sentido para un grupo de muchachos que se unió siendo casi unos púberes y cuyo éxito les llegó raudo tras firmar con la discográfica Virgin Records a solo cuatro meses de su primera presentación en Brighton, su ciudad natal. De ahí vendría la locura con las drogas  y la rotación de integrantes, lo que generó cierta vacilación e inestabilidad grupal.

Ligados  al rock-pop indie con orientaciones blues, los ingleses expanden sus sentidos y dan a conocer su cuarta placa con el tema Down, novedoso corte de sonido cercano al funk y producido entre Pritchard y el pionero del hip hop, Inflo.

"Para mí, este álbum gira en torno a la expresión pura. Incluso el modo en que lo hicimos resulta novedoso. En vez de ser solo nosotros tocando con guitarras y voz en un local, estuvimos muy receptivos y tomando muchas ideas de lo que ocurría a nuestro alrededor" aclaraba Luke.

Listen engancha por su naturalidad. Un disco variopinto de estilos, espontáneo e innovador, donde serpentean reconocibles guitarras setenteras y esa electrónica bailable, propia de Duft Punk. Eso se puede escuchar en Forgive & Forget y Westside, dos tracks alegres que combinan bases con guitarras acústicas y teclados ochenteros.

Pero también hay espacio para una bella balada. See me now se apoya en un melancólico piano que acompañan  palmaditas y coros al estilo góspel.

Otros temas como Murderer y Sunrise también impregnan el ambiente de colorido funk y ritmos de la cultura negra urbana.

Pero sin duda donde  más queda de manifiesto que los ingleses si se atrevieron a hacer algo distinto, es en Are We Electric, un irreconocible tema electro pop, ampliamente disímil a lo que nos tenían acostumbrados.

En conclusión, creo que hay que reconocerle al cuarteto y a cualquier banda, el mérito de aventurarse en la mixtura, nueva composición y osadía para explorar en nuevos campos musicales sin perder su esencia. Resultando de Litsen: un disco divertido, dinámico y capaz de lograr un híbrido de armonías pegajosas y lúdicas.

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Rodrigo Acevedo

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Interpol, El Pintor / Nueva era de pincelazos post rock

Cuatro años tuvieron que pasar para poder escuchar el quinto álbum de la banda neoyorkina Interpol, nacida en 1997. Y las palabras de su guitarrista Daniel Kessler articulan muy bien el actual momento del grupo, quienes desde su trabajo anterior ya no cuentan entre sus filas con el bajista histórico, Carlos Dengler. “Quería ser optimista, pero él es un excelente músico y sus zapatos serán difíciles de llenar” añadía con resignación.

“El Pintor”,anagrama de su homónimo de 2010,  mantiene esa impronta melancólica, oscura y teñida de la corriente más suciadel rock independiente que lograron los norteamericanos en sus primeros discos. Pero esta vez, se ven enfrentados a ciertos matices y reestructuración en su sonido. Su líder, Paul Banks, fue quien tomó el mando de las líneas de bajo en cada una de las composiciones y al respecto bromeaba: Ahora todas las reseñas se enfocarán en como el vocalista jodió con el bajo”.

La seguidilla de cambios quizás si ha generado en la banda una reformulación estética y mayor madurez de su parte, pero en ningún caso una pérdida de estribos que los haya alejado de su génesis.

Su disco debut "Turn on the Bright Lights (2002)   fue blanco de halagos y positivas críticas. Toda una revolución del “revival rock”, como fue encasillada su propuesta. Las  siguientes placas, Antics (2004), Our Love to (2007) e Interpol (2010), siempre se han emparejado en sonidos potentes, hipnóticos y experimentales, lo que los llevó incluso a telonear a The Cure y U2 en alguna gira.

All The Rage Back Home es la carta de presentación de El Pintor. Aunque parte tímido, a partir del segundo 50 sus guitarras no dejan de rugir, transformándose en uno de esos temas perfectos para mover masas en vivo.  En su video clip - en blanco y negro y dirigido por Banks - se puede ver al vocalista tocando el bajo.

Anywhere es de lo primero que dejaron apreciar los norteamericanos sobre su nuevo trabajo. Otro corte de perfil animoso y digerible.

El bateroSam Fogarino se hace notar en  Ancient Ways y Tidal Wave, imponiendo toda su fuerza sobre los tambores. Dos sencillos de factura intensa.

Sam Town New Story da la impresión que nació de un juego de improvisación. El loop de guitarra inicial se acompaña progresivamente de bombo, platillo y sintetizador, convirtiéndose en lo más experimental y atmosférico junto al penúltimo track, Twice as Hard.

Todas son muestras fidedignas del rock que instala nuevamente en la escena musical  al, ahora grupo de tres integrantes. Y aunque el desafío para una banda  de mantener la conexión, armonía e integridad, es una constante, Interpol se prepara a lanzar oficialmente su álbum este 2 de septiembre en el templo egipcio de Dendur, (monumento restaurado por el Museo de Arte de Nueva York) y así iniciar su gira mundial que los podría traer a la versión Lollapalooza Chile 2015 en marzo próximo.

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Rodrigo Acevedo

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LA FINA Y CRÍTICA ESTAMPA DE MORRISEY: Crítica a su último disco “World Peace is none of your business”

Morrisey es de aquellas luminarias musicales que no tiene nada que demostrar. Su exitosa carrera con The Smiths y su consagración como un solista sensible, iluminado y el creador de clásicos como “Suedehead”, “The more you ignore me the closer i get” o “Boxers” lo avalan con creces.  Sin embargo, en el último tiempo,  se ha visto envuelto en una serie de situaciones ingratas. Desde un problema respiratorio que lo tuvo por las cuerdas y que lo hizo cancelar unas fechas en Norteamérica; pasando por las repercusiones de una turbulenta autobiografía ; hasta la salida forzada del sello que editó su última placa “World peace is none of your business “, ello debido a sus críticas sobre  la insuficiente promoción que la casa disquera realizó de este trabajo.  Afortunadamente, lo que queda es la música, y si bien “World peace...”  ha sido recibido tibiamente en términos de ventas, lo cierto, es que el toque mágico de este originario de Manchester se mantiene inalterable.  Y se comprueba  desde el primer track del álbum que le da  nombre a este flamante trabajo. Una certera balada rock que te transporta al instante, al mundo personal del cantante. Los temas que siguen, evidencian un manto sónico más rockero, detalle que se complementa a la perfección con las duras críticas que despacha acerca de temas como la matanza de animales,  el caótico panorama mundial y hasta la poesía beatnik. Asimismo, se percibe un barniz más optimista  en el disco,  sensación que sin duda se establece al comparar a esta producción con su anterior disco “Years of refusal” de un tono más introspectivo. Pero no es  todo, en temas como “Istanbul” destila una grata oscuridad  a la cual ya nos tiene acostumbrados pero pone especial a la instrumentación creando una atmósfera oriental. Tampoco descuida las melodías para estadios y con vocación de singles como “Earth is the loneliest planet” , “Kiss me a lot” o “The bullfighter diez” y claro,  no faltan las desgarradas declaraciones de amor  en tracks como “Smiler with knife” o “Kick the bride down the aisle”. En suma, un disco de muy cuidada factura y sensibilidad que demuestra que hay Morrisey para rato.

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Juan Manuel Rivas

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James "La Petite Mort" : Bella inspiración con raíz en el dolor

La pérdida de conciencia o desvanecimiento - post orgasmo - que sufren algunas personas en encuentros sexuales, es lo que los franceses denominan La Petite Mort. Para Tim Booth, líder de la banda británica James, es el nombre de su nuevo disco.

Y la analogía es clara. El calvo vocalista inglés, otrora comparado con la forma de cantar de Bono, aunque no vivió esa situación sexual (o quizás sí), padeció desmayos luego de experimentar la muerte de su madre en sus brazos a los 90 años y el deceso de su mejor amiga a causa de un nefasto cáncer, enfermedad que ella ocultó hasta su fallecimiento.

Momentos de recogimiento en su vida que afrontó en corto tiempo y que finalmente inspiraron gran parte de la línea temática y creación de su álbum número 13.

Con un diseño de portada basado en la fiesta latinoamericana del Día de los Muertos, el nuevo trabajo empujó a la banda a “nuevas alturas en la artesanía e intensidad”, como lo acotaba su bajista, Max Dingel.

En jerga coloquial, podríamos decir que James tiene cancha. Los de Manchester no son una banda novata, más bien los avalan 24 años de trayectoria y cerca de 12 millones de discos vendidos. Pero su vasta carrera ha estado marcada por decisiones erradas y disoluciones temporales, inestabilidad que ha generado que hoy sean recordados casi solo por su exitoso single noventero, Say Something, de su disco Laid.

“La Pequeña Muerte” no abandona esa sustancia pop y melancólica, propia de su sello, pero esta vez se condimenta con finos ribetes electrónicos que  ya habían comenzado a sonar en el disco doble anterior, The Night Before  y The Morning After (2010).

Intensos pianos, violines y trompetas, dan vida  y merodean incesantemente a lo largo de los 10 tracks. Como en Walk Like You, encargada de lanzar la primera piedra del disco y reflejo fehaciente de esa combinación musical tristona que rápidamente se transforma en júbilo. Y casi sin respiro, Booth nos lleva, bajo el manto de una electrónica festiva, a estados de euforia y alegría en Curse Curse.

  Moving on tiene ritmo contagioso. Es el primer sencillo y quizás el mejor referente para describir la naturaleza de la placa. “La Petit Mort tiene mucho que ver con lo hermosa que es la muerte para algunas culturas. Es un disco lleno de emocionalidad e introspección”,  declaraba Booth en su paso por Perú.

El punto más bajo lo encontramos en Gone Baby Gone, uno de esos temas que hay que escucharlos y escucharlos para familiarizarse con el. Un poco repetitivo, largo y tedioso para los poco más de cinco minutos de duración.

Toda la fuerza y expresividad vocal de Booth se deja caer en Frozen Britain, tema alegre, agradable e impregnado de esa estampa pop, típica del Reino Unido.  Y emparejada a ella, Interrogtation, el corte más oscuro de la lista.

Acercándonos al desenlace, las baladas Bitter Virtue y All in My Mind, aunque contagian de bella nostalgia,  mágicamente humedecen la atmósfera de un optimismo frente a la vida.

All I´m Saying cierra con una explícita alocución de Booth a su amiga fallecida, diciéndole que la ama y que ya esta libre de todo dolor. Prácticamente una dosis de positivismo que vigorosamente pone el punto final a La pequeña muerte

En conclusión, uno de los buenos lanzamientos de este 2014, que llevan a los ingleses a tener más visibilidad y la opción de mostrar toda la madurez y sutileza de su música.

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Rodrigo Acevedo

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Estilo Boreal: Crítica al disco “Do it Again” de Roykssop y Robin

Hace quince años atrás,  un verdadero mantra boreal surgió desde las frías tierras de Noruega . El dúo Royksopp, conformado por Svein Berge y Torbjorn Brundttian  apareció y luego supo  ganarse un lugar en la electrónica mundial gracias a un discurso gélido aunque pleno de inventiva. Y no es para menos, en su sonoridad confluyen distintos estilos musicales como el house,  ambient, drum and  bass, que combinados con sus vanguardistas programaciones crean una música pletórica de bellos paisajes sónicos. Créditos como “Epple”, “Remind me” y “What these is there” se han transformado  en clásicos de  la vanguardia electrónica de los últimos años. Sin embargo, y debido  a la concreción de proyectos más personales, no habíamos tenido noticias de ellos durante el último tiempo.  Ahora vuelven en gran forma. Y lo hacen acompañados de la destacada cantante sueca Robin quien puso su dulce voz al servicio de los escandinavos, quienes en esta ocasión decidieron lanzar un EP el cual pese a su reducido formato exuda ambición. Y al parecer la jugada resultó exitosa, a juzgar por los números. El trabajo debutó en el lugar 14 del influyente ranking Billboard, logrando el debut más alto de un artista noruego en aquella lista, ello además de escalar  importantes posiciones en números países de Europa y Asia. Si bien el experimento no adolece de la característica atmósfera impuesta por Roykssop, gana ciertamente en calidez, al darle protagonismo a la sueca que sabe matizar a la perfección los elegantes y misteriosos beats de la dupla. La placa comienza con “Monument”  una hipnótica pieza que libera la imaginación del oyente, ya sea transportándolo a paisajes ingrávidos y melancólicos o gatillando postales  futuristas de oscura vocación. En “Sayit” se puede notar la soltura del dúo para crear hits para la pista de baile, aún así,  este track peca de calculada frialdad y no alcanza a cuajar del todo. Con “Do it again” recuperan el pulso y la voz de Robin imprime la necesaria cuota de humanidad que convierte al primer single del EP en uno de los temas más logrados de la placa. Sin embargo, la etérea belleza de “Every Little thing” opaca en cierta manera, el triunfo del tema anterior. Esta balada cubierta de melancolía y levedad, rescata las virtudes musicales  tanto de Roykssop como de Robin, justificando a todas las luces el sentido de esta alianza. El trabajo finaliza con la experimental “Inside the iddle hair club” donde el dúo echa mano a lo que saben dotando a las máquinas de un cariz sombrío y dramático. Suena como una reverberación robótica o el nacimiento de una aurora boreal, la paleta de registros puede ser amplia en este track de irreprochable magnetismo. Sin duda, este trabajo pasó la prueba y pese a su brevedad es un paso adelante en la carrera del dúo que retoma la senda que venía transitando y ofrece un renovado vigor a la propuesta de la chica sueca que este año también acompañó magníficamente otro regreso esperado: Neneh Cherrie, pero esa, es otra historia.

Röyksopp & Robyn "Monument"

Röyksopp & Robyn - Do It Again

Röyksopp & Robyn - Sayit

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Juan Manuel Rivas 

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Alvvays: Su Primer Disco

Esta tarde sumergido en el diseño de una pagina de modas que la agencia me encomendó realizar, me  doy una pausa  para escribir  acerca de una banda  que descubrí  hace un par de días atrás y que me ha acompañado en el proceso creativo de esta  semana, ellos  son  Alvvays un quinteto originario de Toronto Canada que logro cautivarme desde el primer tema”Adult Diversion” de su disco homónimo. 

Todos los tracks en su conjunto logran mezclar armoniosas melodías vintage donde de inmediato trae a la memoria  bandas como Best Coast, Beach House o Real Estate pero aún así logra  tener cierta personalidad romántica, introspectiva y fresca.

Chad Van Gaalen y el respetado john Agnello  productor de bandas como Sonic Youth, Dinosaur jr,  son los encargados de la producción y mezcla de Alvvays, los que logran dar una atmósfera cálida de atardecer playero a este disco que de seguro tendrá un espacio en el playlist de todo fanático de la escena indie.

Aquí los dejo con su primer video llamado Adult Diversion y con el recién estrenado Archie, Marry Me

Por si les interesa así quedo la pagina :)   http://www.worldlatintrends.com

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Marcel Molina Valenzuela

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Arctic Monkeys: La nueva gran banda británica del momento

Arctic Monkeys,  con los años ha demostrado una consistencia musical que a nadie ha dejado indiferente, tanto así que después de vivir un período de instrospección y de búsqueda musical, que sin duda repercutió en las ventas y en la desconfianza de los críticos . Hoy se encuentran en el pináculo de su fama, consolidándose con uno de los discos esenciales del año pasado, recuperando a su gran legión de seguidores y atrayendo además a nuevas audiencias. Y al parecer esto recién comienza, ya que después de varios meses de publicación, el disco AM aún sigue repuntando en las ventas a los dos lados del Atlántico. Este dato es muy significativo ya que se ha transformado en la nueva gran banda británica del momento quitándole el cetro a bandas como Muse, y a clásicos como U2 y Coldplay, agrupaciones que triunfan tanto en Europa como en el difícil mercado de Estados Unidos. Argumentos para afirmar esto, sobran. La banda tuvo una exitosa presentación en el mediático show de David Letterman. Su single I Dont wanna know estuvo encaramado largas semanas en el primer lugar del prestigioso Modern rock. El celebrado disco AM  que ya suma discos de platino en países como Australia e Inglaterra, asimismo está a punto de convertirse en oro en el país del norte, hazaña que no repetían desde la publicación de su primera producción lo que confirma su gran momento. No es de extrañar, AM es  de esos trabajos que huelen a clásicos. Su sonido áspero y de innegable vocación rock le ha devuelto la fe a muchos que pensaban que las guitarras habían emigrado definitivamente hacia los sonidos alternativos y electrónicos.  Claro, que la influencia de Josh Homme de Queen Of Stone Age se encuentra patente en el disco, lo que ratifica aún más el correcto camino que ha delineado la banda, ya que esa misma oscuridad sónica, definió la actual sonoridad de la banda. Además y al margen de los prejuicios,  el elepé está repleto de potenciales singles que han escalado en las diferentes listas del mundo. Los más exitosos: Do i wanna know y "Why'd you only call me when you' re high?" y que han convertido a este trabajo en el más vendido de su discografía. Cabe esperar eso sí, que este nuevo estatus dure lo suficiente para que la agrupación se consagre definitivamente y entre al Olimpo de los grandes de la música.

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Juan Manuel Rivas 

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Single del nuevo disco de Philip Selway, de Radiohead

Philip Selway, el baterísta de Radiohead, realizo su segundo disco en solitario llamado “ “Weatherhouse”” y hoy les presentamos el primer single  ‘Coming Up For Air’.

El disco se lanzara el próximo 7 de Octubre bajo el sello Bella Union y estos son los temas con los que constara la placa.

“Weatherhouse”:

01 ‘Coming Up For Air’ 02 ‘Around Again’ 03 ‘Let It Go’ 04 ‘Miles Away’ 05 ‘Ghosts’ 06 ‘It Will End In Tears’ 07 ‘Don’t Go Now’ 08 ‘Drawn To The Light’ 09 ‘Waiting For A Sign’ 10 ‘Turning It Inside Out’

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The Raveonettes y el estreno en sociedad del video "Endless Sleeper"

The Raveonettes  lanzan, su disco “Pe’ahi“, el séptimo álbum de estudio, en su carrera el que fue producido por Justin Meldal Johnsen.

Los dejamos con “Endless Sleeper” el primer video del disco. 

Pronto el comentario del disco aquí en Beatnik.

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Karen O lanza "Rapt": El primer video de su álbum solista

Karen O  la vocalista de Yeah Yeah Yeahs, lanzara su primer álbum como solista y será publicado el próximo 8 de septiembre a través del sello discográfico de Julian Casablancas,Cult.

Y aquí en Beatnik les mostramos el primer video llamado "Rapt".

¡Disfruten!

By Beatnik.

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48:13, lo nuevo de Kasabian

“Tuvimos la confianza de ser más directos y honestos con este disco. Empecé a quitar capas en lugar de colocar más” Así, Sergio Pizzorno, productor, compositor y guitarrista de Kasabian, retrataba lo que su banda ha intentado plasmar en esta nueva etapa. “Tengo la sensación de que este nuevo disco alcanzó la esencia de nosotros, un lenguaje que nos es propio. Construimos algo que nadie ha hecho”, añadía. Un poquito soberbio de su parte eso último.

Pero en fin, como sobre gustos no hay nada escrito, definitivamente creo q no es de lo mejor que han hecho. Partiendo por el nombre de la placa (48:13), el que simplemente apunta al tiempo de duración del disco y no revela otra cosa que alta pereza en el proceso creativo de los británicos.

13 canciones de esta nueva producción, aparentan profundizar en la complejidad de las relaciones humanas, temáticas que finalmente no toman consistencia y se diluyen. Por otra parte, su ya clásica mezcla de rock, electrónica y hip hop, suena un poco desordenada y a ratos desconcierta.

El  disco homónimo del cuarteto es quizás como ese inolvidable primer amor, aquel que emboba, atrae y no se quiere dejar de escuchar. Paradójicamente eso ya hace más de 10 años.

Hoy, Shiva es el preludio que abruptamente da el paso a Bumblebee,  primer track de 48:13. Un tema extraño, plagado de ensordecedores yeah, yeah, yeah a ritmo rapeado, que la terminan por catapultar en la monotonía.  Le sigue Stevie, de épicos violines iniciales, mucho más completa y con carácter.

El resto esta separado a lo largo de dos interludios, Mortis y Levitation, a mí parecer, ambos desencajados y sin trascendencia alguna.

Se viene entonces el despliegue de guitarras y fiesteros sonidos electrónicos, manifestados en Domssday y el single  Eez-Eh. Infantiles y más bien para un loquillo público adolescente.

O todo el beat, hip hop y batería de sintetizadores que conllevan Explodes, Treat y Glass, esta última finalizada a cargo del rapero Suli Break y su monólogo donde alude a nefastos “delincuentes de cuello y corbata”.  Clouds y Bow son fieles representantes del más puro pop británico made in Leicester.

Para finalizar un disco, hay baladas o melancólicas melodías que implícitamente son muy potentes. S.P.S no es el caso. Su acústica tonada más bien aburre.

Pero ya basta, mejor dejemos que estos chicos disfruten de su veraz trabajo, como ellos mismos lo han catalogado y que, quizás, en un tiempo más visiten Chile y nos demuestren que tan potente suenan en escena sus últimos 48 minutos y 13 segundos.

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Rodrigo Acevedo

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Escucha ‘Wild Motion (Set It Free)’lo nuevo de Miami Horror

El cuarteto electro pop Miami Horror, regresa con un increíble  single  que puedes escuchar  aquí en Beatnik, que nos recuerda  trabajos anteriores de gran factura.

El Tema ‘Wild Motion (Set It Free)’  es una excelente razón para esperar con ansias el segundo álbum de estudio de la banda, el cual se planea salga a la venta a finales del 2014.

by Beatnik.

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Temples - Glastonbury 2014

Estos ingleses formados por James Edward Bagshaw cantante y guitarrista  de la banda y el bajista Thomas Edward James Walmsley, en Kettering , Northamptonshire en 2012, han recibido una considerable atención de la prensa durante su existencia, sobre todo por los comentarios de Johnny Marr y Noel Gallagher que los reconocen como la mejor  banda nueva en Gran Bretaña. 

Descubre su presentación llena de rock psicodélico  en Glastonbury2014

01. Colours To Life  02. Sun Structures  03. A Question Isn't Answered  04. Ankh  05. Move With the Season  06. Keep in the Dark  07. Mesmerise

by Beatnik.

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Turn Blue / Black Keys / Giros de rock placentero

The Black Keys la hizo otra vez. El blondo guitarrista y su inseparable amigo de aspecto nerd en la batería, vuelven a la escena musical con su octavo material de estudio titulado Turn Blue.

Y vaya que difícil regresar luego de haber derramado cantidad de energía en su EP “El Camino”, disco que además presentaron casi íntegramente  y para deleite del público en Lollapalooza Chile 2013.

El dúo, oriundo de Ohio, ha trabajado desde “The Big Come Up” (Ópera prima editada en 2002) por un sello y sonido propio. Influenciados por las raíces del rock y blues clásico, han sabido desarrollar e integrar de forma precisa, la experimentación con un formato audible y cercano.

Aunque fueron aclamados por la revista Rolling Stones tras su primer álbum, no es hasta la aparición casi continua de “Brothers” y “El Camino” (2010-2012) que estallan en popularidad.

La entrega actual baja revoluciones y es más experimental, no obstante, mantiene intacto el sonido característico de los norteamericanos.

Dan Auerbach y Patrick Carney han adquirido madurez y transmiten goce cuando tocan. Como en Weight of love, nostálgica y onírica, pero a su vez agresiva y delirante. Una excepción a la regla si se trata de dar el puntapié inicial a un disco, tanto por su extendida y pasiva obertura instrumental en los primeros acordes, como por su desgarradora y dilatada guitarra hacia el final del tema que dura casi siete minutos. Finalmente una creación con cuerpo, muy bien delineada y totalmente congruente para introducirnos en el conocimiento de esta vuelta azul. 

Y la resonancia de los Keys sigue avanzando de la mano de Danger Mouse, coproductor estadounidense que los acompaña desde 2008 cuando participó en Attack and Release.  De ahí en adelante ya es casi un miembro más de la banda.

La clásica vocalización de Auerbach se conjuga simétricamente con los tambores de Carney, factores complementarios a cambios de ritmo que conceden dinamismo a los 43 minutos de placa.

Así ocurre con It´s up to you now. Un giro inesperado en la mitad de la canción, da el paso para que Dan toque las cuerdas a “piacere”, trasladándonos  a ese blues setentero y sicodélico, propio de Jimmy Hendrix. Variaciones rítmicas que también se entremezclan con climas etéreos cercanos a Pink Floyd, en Bullet in the brain

In Our Prime inicia melancólicamente con un delicado solo de piano, para luego tomar fuerza  y rematar con un enérgico riffs.  In Time en tantoencanta con su elegante soul.

Fever es la carta de presentación  y escapa en parte al planteamiento más lisérgico que propone Turn Blue. Su poderoso y animado teclado nos remonta más bien a parte de su trabajo anterior.

Parar cerrar, toda la alegría y el  rock and roll puro de Gotta get away, broche de oro que resume un disco equilibrado, lleno de revoluciones sonoras, de teclados, falsetes y guitarras protagónicas en cada uno de los once cortes.

Los Black Keys, con más de 14 años de trayectoria, comienzan a dejar atrás la técnica de baja fidelidad  que le implantaban a sus primeras grabaciones y mezclas. Y sin dejar de representar ese añoso blues-rock 70, están conscientes que la música debe refrescarse y sonar innovadora, por lo que aceptan la amplia gama de tintes tecnológicos a su disposición para reforzar su estilo.

Hoy son reconocidos y aclamados por veteranos del rock y pop mundial como Robert Plant (Led Zepellin), Kirk Hammett (Metallica) o Tom York (Radiohead), quienes se declaran abiertamente fans de su música.

By:

Rodrigo Acevedo Beatnik.