Cena)(Dupla

por Denise Schnyder

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Swimming Pool - François Ozon

Lançado em 2003, Swimming Pool trabalha a relação entre ficção e realidade tendo como protagonista uma escritora inglesa de livros policiais, Sara Morton, interpretada por Charlotte Rampling. Escrito e dirigido por François Ozon, o filme apresenta o processo criativo de Sara que, cansada de escrever suspenses de sucesso, parece disposta a um novo projeto. Seu editor, John, interpretado por Charles Dance, oferece sua casa de verão na França para que ela escreva seu livro. No filme, a ficção e a realidade são apresentadas como equivalentes, tendo como foco a visão de Sara. A personagem, compromissada com seu objetivo de escrever algo novo, mais pessoal, de início parece assumir o desafio em uma espécie de provocação ao editor.

Sara, porém, ao chegar na casa de verão, não experimenta hábitos diferentes dos seus, compra potes grandes de iogurte light e reluta em aproveitar a piscina. Depois de alguns dias aparece na casa Julie, a filha de seu editor. A primeira parte do filme apresenta a recusa de Sara em aceitar essa presença inesperada e os hábitos da jovem, interpretada por Ludivine Sagnier, que se chocam com os seus. O comportamento de Julie vai de encontro com a austeridade de Sara, elementos controversos de suas ações juvenis vão sendo apresentados ao longo dessa primeira parte do filme. Em alguns momentos Julie aparece como uma adolescente sexual, provocativa, quando em outros momentos é uma criança que enerva a autoridade de Sara ao deixar em cima da mesa pratos sujos. A tensão trabalhada entre as duas atrizes se dissolve na medida em que a imaginação de Sara começa a entender Julie como uma porta semiaberta, onde é possível perscrutar a vida secreta do seu editor. A escritora acaba abandonando o projeto inicial e começa a escrever somente sobre Julie. Sara começa a se mostrar mais incisiva, capaz de atitudes invasivas para conseguir novas informações sobre Julie e para experimentar suas sensações. O filme se desenvolve criando fios que tramam o suspense que, aos poucos, a escritora não tenta mais evitar. Em certo momento, enquanto Julie conta sobre a personalidade romântica de sua mãe, e da personalidade ambiciosa de seu pai, Sara revela que, um pouco como John, também tem uma queda por sangue, dinheiro e sexo. Assim, começa um novo jogo, em que os acontecimentos satisfazem a escritora e onde Julie é levada a agir para satisfazer as ânsias do livro que Sara está escrevendo. O filme é assim um suspense psicológico do qual a própria autora não se nega a participar.

Swimming Pool prende o espectador, com cenas provocantes e um tratamento interessantes. Por mais absurda que seja a situação ela é apresentada de uma maneira extremamente realista, com isso um traço grotesco se desenha, causando um desconforto permanente. A proposta de François Ozon é clara. Uma trama simples que esconde sentimentos complexos, um suspense psicológico que joga com o processo criativo clássico onde o escritor leva a sua criação a despertar seu lado monstruoso. Tudo isso, porém, é feito de uma maneira sutil e única, com imagens e simbologias que cobrem de camadas o filme. Uma dosagem levemente arriscada em mistura perfeita entre as duas dimensões da história, o que acontece e o que Sara imagina. Apesar disso, o fim do filme apresenta um fechamento convencional, revelando de forma literal o projeto do diretor e entregando ao espectador, com cenas pouco inventivas, uma apagada conclusão.

por Priscila Gonçalves

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Dentro da Casa - François Ozon

Baseado na peça “O Menino da Última Fileira” do dramaturgo espanhol Juan Majorga, Dentro da Casa, filme de François Ozon, eleva em nova abordagem a relação entre ficção e realidade. No filme um professor do ensino médio, Germain, interpretado por Fabrice Luchini, encontra entre as redações que corrige uma que salta aos olhos do professor. A redação do aluno Claude, interpretado por Ernst Umhauer, parece de repente promissora e Germain lê o texto para sua mulher Esther, interpretada por Kristin Scott Thomas. No texto Claude narra um domingo na casa de um colega, Rafa, como um invasor o aluno observa e ironiza o ambiente e os pais de Rafa e pensa nas possibilidades de adentrar mais sua intimidade. Semana após semana Claude entrega a continuação dessa trama instigante envolvendo o professor que se encanta com a escrita do aluno e percebe nele uma possibilidade de transferir seu conhecimento com algum sucesso, em uma relação que esbarra por pouco em um desejo ardente do professor por seu aluno.

A confluência entre ficção e realidade e a possibilidade de criar algo que realmente transpasse a vida dos alunos é um dos temas que Germain desperta junto ao seu aluno. Questões de gênero e escolhas literárias são colocadas pelo professor ao seu aluno e o realismo é discutido de maneira interessante dentro do trabalho que os personagens desenvolvem juntos. Claude é um personagem que apresenta uma história familiar triste, Germain reflete em Claude uma relação paternal que acaba por psicologizar o personagem, o diretor não deixa claras as reais intenções dos dois e em alguns momentos excede em explicações melodramáticas e levemente conversacionais. Ao mesmo tempo a tendência do projeto de Claude, que expõe o colega Rafa, e trabalha dentro de uma ideia de voyeurismo, acaba por levantar questões interessantes acerca do papel do observador. O papel do professor se mantém, ao longo de toda a narrativa, entre a ação e a observação. Ao convidar os pais de Rafa para a exposição, Esther, a mulher do professor age a frente dele, expondo a realidade da questão. Observação, crítica e ética se mantém como forças condutoras da relação entre os dois e também na relação entre Claude e a família de Rafa. Sua visão sutilmente irônica e seus pontos de vista expõem as fissuras da instituição familiar. Claude é capaz de aceitar as alterações implicadas pelo professor, que busca trabalhar a reflexão de Claude de maneira que ele se coloque em questão. Ao mesmo tempo o aluno percebe nessa entrega do professor a possibilidade de questionar e adentrar aos poucos a sua vida. A história contada no filme acaba por superar a narração e inverter a relação de importância entre ficção e realidade.

Escolhas que desvelam a linguagem cinematográfica e nos lembram da dimensão ficcional do filme, dão um toque interessante e plástico e expõem a mão do diretor. A primeira cena do filme mostra o nome da escola onde se passa a trama, Gustave Flaubert é o nome da instituição que está em processo de mudança em sua linha pedagógica. Dentro desse espaço a trama vivida por Germain e Claude termina por esbarrar de maneira interessante em um romance de formação contemporâneo que questiona, com a ironia típica dessa geração, a instituição escolar e a instituição familiar. O suspense em Dentro da Casa é apresentado como ferramenta de Claude para manter o interesse na trama e instigar o pensamento do casal que acompanha a história do aluno. O filme termina de uma maneira surpreendente e que mantém a reflexão do espectador dentro das questões colocadas no filme. A arte se apresenta como matéria capaz de retirar o jovem de seu contexto habitual, trazendo dentro da perspectiva estética questões universais e sociais que não poderiam ser trabalhadas de outra forma sem expor suas fragilidades. A importância da arte como matéria que transpassa a vida do indivíduo e a criação de uma real necessidade do exercício de ficcionalização pelo professor, são temas retrabalhados de maneira interessante em Dentro de Casa. Porém, ao psicologizar e expor estruturas internas, o diretor ganha o interesse do público que quer acima de tudo se reconhecer nas agruras dos personagens, mas perde um pouco da força acerca da dimensão da universal da estética e do alcance da arte dentro do ensino, pontos fortes que o filme poderia sublinhar com mais vigor.

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A Vida Obscena de Anton Blau - M. Cecília Gomes dos Reis

Segundo livro da autora Maria Cecilia Gomes dos Reis, A Vida Obscena de Anton Blau é um pequeno romance centrado na idéia de um personagem que, aos poucos, se desconstrói. Nesse processo de definhamento do sujeito Anton Blau, outras narrativas e personagens surgem, lembrando que essa destruição está completamente ligada a subjetividade do indivíduo e da própria autora. O livro também poderia gerar milhares de outras interpretações. O curto e, não se enganem, super denso romance coloca em discussão as perspectivas narrativas que estamos acostumados e, acima de tudo, discute a idéia de sujeito de uma maneira criativa, divertida, interessante e sincera. Em muitos momentos a própria autora se faz presente, com a pena na mão, se divertindo e se angustiando, sinceramente, ao construir e desconstruir vozes e personagens. A Vida Obscena de Anton Blau é uma experiência interessante e rica para quem, como a autora, se interessa por filosofia e criação.

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Nossa Cidade - Antunes Filho

Em cartaz no Sesc Consolação, a peça Nossa Cidade, escrita em 1930 pelo dramaturgo Thorthon WIlder, é um relato da vida pacata dos moradores de Grover's Corners, uma cidadezinha americana, visto pelo olhar de um personagem externo ao quadro que interfere diretamente nas cenas. Com esse recurso o texto de Nossa Cidade, parece sempre uma construção ficcional e ao mesmo tempo que nos entregamos ao andamento da peça, constantes interferências, tempos extendidos como em slow motion, repetições e interjeições aparecem ao longo dos diálogos, distanciam o espectador. Como uma lente de aumento vemos os detalhes de comportamento que criam a cultura americana.

É um olhar crítico que sublinha essas passagens e mostra a cultura de dominação presente na cidade. Na reconstrução proposta por Antunes Filho, elementos contemporâneos se misturam ao texto, procurando não só as raízes da pesquisa do dramaturgo americano, mas também expondo o enraizamento da cultura da guerra desde 1906 até os dias de hoje. O formalismo presente no texto é potencializado pela interpretação marcada dos atores, que sem ser declamativa, é extremamente teatral. Os atores em consonância perfeita com seus personagens, apresentam a pesquisa de maneira clara em suas atuações.

A escolha de analisar, nos dias de hoje, uma peça como Nossa Cidade é, já de cara, um acerto e reacende a discussão sobre a força de dominação da cultura americana. Uma cultura criada a partir da guerra e da dominação que gera consequências ao mundo e ao seu próprio povo, já sabemos bastante sobre essa realidade e ao colocar a figura do Diretor de Cena, como um sobrevivente de guerra, Antunes Filho potencializa a leitura e transforma o narrador da peça em vítima direta da situação que ele está apresentando.

Seguindo a indicação do dramaturgo de que a peça deveria ser feita com um cenário discreto e o mínimo de adereços de cena possível, nessa versão de Nossa Cidade o cenário cinzento e quase invisível é contrastado por uma fresta de pintura viva que vemos nas saídas e entradas dos diversos personagens. Os atores lidam bem com a falta dos objetos e exploram a linguagem gestual. O telégrafo que liga as duas famílias dura por dias em nossa memória, mostrando a força do texto. Essa escolha distancia ainda mais o espectador e permite que as intenções dos personagens ganhem ainda mais destaque no palco. A coesão dos atores é excelente e as cenas corais dão um tom irônico, triste e poético a montagem e caracterizam bem as cidades americanas.

Antunes Filho parece ter se debruçado fielmente nas intenções do dramaturgo e a camada de leitura que adiciona a montagem é sutil e discreta, se limitando a fortalecer e atualizar a obra. É uma leitura excelente de um texto excelente, o distanciamento provocado permite a reflexão constante do público que se mantém ativo, de olhos alertas e com as costas bem longe da poltrona. A vida despida e exposta em cena como uma passagem monótona, com falsas alegrias e sem qualquer reflexão, termina em tristes mortes e inúteis “lembranças de guerra”. Nessa nova montagem de Nossa Cidade, acabamos bem longe de Grover's Corners e mais atentos ao cotidiano que vivemos, aqui mesmo, na nossa cidade.

por Denise Schnyder

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A Maçã Envenenada - Michel Laub

Maçã envenenada, novo livro de Michel Laub, analisa o início da década de 90 de maneira poderosa! Ao mesmo tempo que o autor apresenta uma história carregada de acontecimentos pesados e reflexões densas, o livro carrega em suas brechas a poesia e a sutileza das associações apaixonadas. É essa estrutura do livro, dividido em pequenos parágrafos numerados que misturam acontecimentos, notícias e reflexões sobre elas, que torna a narração ainda mais convincente. Como a relação do narrador com sua primeira namorada, Valéria, a história é construída a partir da música Drain You, do Nirvana. Esse primeiro namoro do protagonista se cruza com a vinda da banda a São Paulo em 1993, com treinamentos do CPOR, com as ruas e avenidas de Porto Alegre, com o suicídio de Kurt Cobain, os restaurantes de Londres e com uma igreja em Ruanda, onde uma menina luta para sobreviver enquanto seu povo é massacrado. O autor nos apresenta uma pesquisa emocional e ficcional sobre uma geração que encarou a morte e a vida de maneiras muito diferentes. As perguntas loucas e apaixonadas da jovem Valéria são reforçadas pelos ecos de Ruanda, e assim, toda a narrativa vai se potencializando pelas relações que o autor constrói. É um livro incrível que deixa o peito fervendo.

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Woyzeck - G. Buchner

  O alemão Georg Buchner ainda não havia terminado Woyzeck quando morreu em 1837. A peça, montada somente 60 anos depois de ter sido encontrada, tornou-se o texto mais montado do teatro alemão. Para colocar em cena um homem pobre, com poucas possibilidades e quase sem escolhas, o autor quebrou boa parte das regras da dramaturgia da época, inventou recursos impensáveis até então e criou uma peça de cenas curtas, levemente elípticas, pequenas esquetes que mostram as pressões exercidas sobre Woyzeck e suas reações. A peça, considerada precursora da dramaturgia moderna, apontava uma realidade que os dramaturgos só colocariam em cena um século depois. É um texto simples, irônico, mas que apresenta idéias fortes e claras. Woyzeck faz de tudo um pouco para conseguir dinheiro para seu filho e sua amada Marie, que tem uma forte queda por soldados. Já vendido aos fuzileiros, Woyzeck se vende como cobaia a um médico e passa a se alimentar somente de ervilhas. A auto-destruição do homem pelas ideologias e pelas pressões sociais são colocadas claramente nessa peça. Esta tradução, publicada pela Hedra, está esgotada, mas vale a pena! É considerada uma das melhores pesquisas de tradução feitas sobre o texto. Uma boa desculpa para curtir uma tardinha em uma boa biblioteca e ler uma pequena grande obra!

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- Oh, Robert, eu não sei, estou tão cansada de ser artista, a realeza toda me aplaude sem perceber minha superficialidade. É impressão minha, ou a arte do vizinho é sempre mais profunda do que a nossa? 

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A Gaivota - Anton Tchecov

A Gaivota é uma peça escrita em 1896 pelo médico e dramaturgo russo Anton Tchecov. A peça se passa em uma propriedade rural, onde a família de Arkádina, uma famosa atriz, se reúne nas férias. Seu filho, um jovem chamado Trepliov, que almeja ser escritor, prepara uma peça que deve ser encenada para todos que estão na propriedade e que tem, no papel principal, sua amada Nina, uma jovem que vive em uma propriedade vizinha e que quer ser atriz. São diversos os personagens da peça, suas características obsessivas dão o tom cômico e irônico da construção de Tchecov e a complexidade dessas personagens e suas funções na trama explodem o drama familiar da época e permite a visão do contexto social no qual se insere a família. Arte, tradição, vanguarda, trabalho, consumo e imagem. Todas as questões que vão ser discutidas e desenvolvidas com força ao longo do século seguinte são colocadas por Tchecov numa das mais importantes peças do gênero dramático.

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Cadê Você, Bernadette?

  Um livro leve, muito bem escrito e que consegue, com despretensão e humor, tocar nas principais questões humanas, destrinchando aspectos da contemporaneidade e da sociedade americana. O romance é construido em forma de dossiê, com documentos e cartas e uma discreta, mas essencial costura da narradora Bee que busca a verdade sobre sua mãe Bernadette. A impossibilidade de compreender a verdade de um indivíduo é colocada em jogo pela autora americana Maria Semple, que não ignora as características dos tempos atuais, utilizando cada elemento com uma dose essencial de jogo e de ironia, o suficiente para colocarmos criatividade, tecnologia e outras palavras tão atuais em questão. O texto de Semple aprofunda o leitor na trama pelas relações que consegue tecer em sua superfície, no jogo com as palavras e com elementos chaves, se relacionando diretamente com a narração de outros escritores americanos contemporâneos como Jonathan Franzen, Jennifer Egan e Jeffrey Eugenides. Uma geração que consegue manter a narrativa em forte suspense reflexivo e com apuro técnico consegue criar personagens interessantes e trabalhar com novos elementos narrativos dentro da literatura.

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Rua da Padaria - Bruna Beber

  Bruna Beber é uma das aclamadas poetas da nova geração. Seus poemas são repletos de referências atuais e mesmo o processo criativo da autora se âncora nas possibilidades de hoje. Seu estilo e suas temáticas são despretensiosas, sua poesia é quebradiça e cantada, dialoga com outras artistas de hoje e brinca com a cultura, com as parlendas, com o lugar onde nasceu. A ironia presente no texto ultrapassa a metaironia, resvala na autoironia e constrói sentimentos sensíveis e poéticos. A reconstrução dos lugares de sua infância em seu novo livro, Rua da Padaria, traz uma dimensão ainda mais sensível para a poesia de Bruna Beber. Em um dos poemas - De castigo na merenda - a felicidade se aproxima, vertiginosamente, da dor. O projeto gráfico do livro é tão sensível e bem elaborado que você quase sente um cheirinho de mortadela ao folhear as páginas. 🍗 Um texto excelente escrito pela autora e publicado no blog do IMS, um poema lido pela autora em um de seus podcasts e outros materiais no facebook.com/livrogram.

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Estudos para seu corpo - Fabrício Corsaletti

      os tomates / fervendo na panela / meu pai minha mãe / na sala televisão / fiquei olhando / os tomates / estava frio o bafo / quente dos tomates / esquentava as mãos // saía da panela / já naquele dia / um cheiro / forte de passado - Um livro de poesias do autor paulista Fabrício Corsaletti. Suas poesias são delicadas e capazes de nos transportar com leveza para as suas lembranças. Estudos para o seu corpo reúne quatro pequenos livros do autor. Os dois primeiros investigam a infância e a memória, suas primeiras experiências revividas de maneira sintética, essencial, presas ao respiro do pensamento. Os últimos dois livros investigam a natureza feminina. É interessante como o autor consegue circundar com as palavras de uma maneira singela o cerne da idéia, descobrindo ao longo da escrita essa mulher no mesmo movimento inebriado dos livros anteriores, como se descobrisse a si mesmo e logo se diluísse na poesia. Um poeta jovem e sensível preocupado em reatualizar e contextualizar temas caros da poesia, vale a pena conhecer.

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Campo em Branco - Emilio Fraia e DW Ribatski

Um quadrinho escrito por Emilio Fraia e desenhado por DW Ribatski, lançado agora há pouco pela Companhia das Letras: Campo em Branco - Uma lembrança de 1987. Na graphic novel são as lacunas, tão brancas que pulsam nas lembranças, escuras-azuis,  que movem os dois personagens. Irmãos que caminham em uma relação cheia de silêncios voltam a uma possível cidade onde teriam estado juntos, Lúcio não se lembra de nada. É Lúcio o narrador da história, quem relembra esta viagem entre os dois e tenta entender ou preencher essas lembranças em um movimento que gera mais vazios enquanto preenche sua reflexão. O texto e os desenhos se conectam de maneira fluida, misturando momentos do narrador e conversas entre ele, um aluno de física clássica, e seu professor. As imagens e o texto caminham lentamente pelas páginas sempre permitindo que o leitor tenha tempo e espaço para recorrer a rede que suas próprias memórias desenham.  Uma graphic novel sobre o falho movimento da lembrança que ao tentar reconstruir momentos nos joga em profundos buracos e nos leva a lugares novos, nunca esperados, nem sempre desejados.  

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Dissidente e O Programa de Televisão - Michel Vinaver

Dissidente e O Programa de Televisão são duas peças curtas do francês Michel Vinaver que merecem a atenção dos leitores brasileiros. A literatura dramática, como gênero, intenta narrar uma história em diálogos e ações que se presentificam no momento da cena e no momento da leitura. Por esse motivo, o teatro assume um importante papel para quem quer estudar o contexto histórico-social onde se desenvolvem os conflitos humanos, estejam eles na esfera pública ou na esfera privada. Michel Vinaver é excepcional em construir esse tipo de situação e no caso da peça Dissidente, escrita nos anos 70, o cotidiano que ele representa de maneira tão inventiva vai sublinhar as diferenças de uma geração prestes a mudar as estruturas e a linguagem do mundo. A peça de Vinaver exige uma leitura delicada, sua escrita é feita de frases curtas, mas extremamente poéticas, uma experiência que exige o preenchimento de lacunas pelo leitor, promovendo um jogo único de linguagem. Os diálogos são entrecortados, construindo diversas camadas de espaço e preconizando o diálogo que existe hoje nas redes sociais e no nosso cotidiano, frases fechadas em clichês retrabalhados mostram a linguagem tomada pelos valores mercantis e uma revolução se aproximando. Apesar de experimental o texto constrói uma narrativa clara acerca da relação de uma mãe divorciada e seu filho que temem e esperam mudanças. Michel Vinaver desenha personagens que se mostram em certos momentos conectados e em outros momentos desconectados em relação ao mundo e em relação a si mesmos. Uma peça excelente, que junto com O Programa de Televisão gera reflexões necessárias sobre a sociedade contemporânea. As peças foram publicadas pela edusp. 🕑

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A Dama do Mar - Robert Wilson

No início, um ruído completa o silêncio do teatro e uma figura, longilínea, corta o quadro em um ritmo constante, pleno e profético. A peça A Dama do Mar, do diretor norte-americano Robert Wilson, apresenta com consistência seu projeto estético ao propor uma desconstrução do drama de Henri Ibsen. O texto, reescrito por Susan Sontag em um trabalho livre de corte e colagem, procura tirar da peça o excedente do drama e apresentar quadros sintéticos que aludem ao texto de Ibsen e abrem espaço para a criação única de Robert Wilson.

A Dama do Mar é o primeiro espetáculo do diretor encenado em português, por atores brasileiros. No papel de Ellida, o público deste último sábado viu Lígia Cortez como uma sensível dama do mar. No início da apresentação, enquanto a atriz traça as retas do cenário que alude a um cais duro e frio, suas pernas bambeiam e suas mãos surgem aos poucos, construindo plasticamente as intenções de Ellida. Intenções essas que se manifestam, como Robert Wilson deseja, no contraste de sua sombra aos tons de azul diversos e clarões míticos do cenário e se fortalece e se presentifica, por fim, nas nuances cirurgicamente trabalhadas de sua voz.

No trabalho de Robert Wilson, o espaço e o silêncio são necessários para a construção de gestos esculturais que se chocam com o drama, que no caso de A Dama do Mar parece sempre prestes a eclodir, mas é afogado por um som, um corte, um silêncio profundo ou uma ironia mordaz. O cenário apresenta quinas e texturas artificiais, joga com materiais distantes da água, colocando Ellida em um ambiente árido e hostil a sua natureza marinha. Em dois momentos da peça surgem em cena elementos pontiagudos, uma pedra que parece surgir, como pontada no cérebro da protagonista e uma pedra que aparece quando o obstáculo da personagem se apresenta.

O diretor utiliza sons para quebrar os momentos mais fluidos da peça, para descaracterizar o drama que tenta surgir. A trilha sonora trabalha em confluência com a peça, gera ambientação e cria cenas musicais, não se opõem ao trabalho dos atores. É a sonoplastia que propõem as quebras narrativas e é o excelente trabalho de voz e interpretação que sugere toda a ironia, crueldade e artificialidade necessárias para questionarmos as figuras desenhadas em cena. São personagens muito caracterizados, com maquiagens duras e estáticas, corpos e desenhos pontiagudos e invasivos, sombras que vagam ao redor de Ellida.

A peça se desenvolve com humor, ferocidade e plasticidade, levando a linguagem do espetáculo ao primeiro plano, como norma da estética do diretor. É apenas em um momento do espetáculo, no penúltimo quadro apresentado, que o drama que a forma procurava evitar ressurge, de início com dedos, depois se entregando totalmente a função de apresentar com excessiva clareza o conflito essencial que Ibsen constrói dramaticamente. É de uma maneira cordata, bem pouco ousada, que essa cena é desenvolvida, a impressão é que somente nesse trecho vemos o texto do autor na íntegra, ou bem pouco modificado. O efeito é melodramático, as falas não se encaixam ao movimento plástico desenhado por Robert Wilson e a peça cai por alguns minutos.

Vemos aqui um velho teatro ressurgir, um pouco capenga, em uma fenda dialógica estranha que expõem com uma clareza, um pouco obscena, a discussão sobre a liberdade da mulher, questão essa que vinha se desenhando de maneira aguda e, ao mesmo tempo arejada, pedindo a participação do expectador na leitura. O drama se chocava duramente com a estética de cores frias proposta pelo diretor, mas de uma maneira positiva. A Dama do Mar é, por fim, um trabalho ousado de releitura que garante reflexões sobre a forma dramática. São, acima de tudo, excelentes as interpretações de Lígia Cortez, Ondina Clais Castilho, Bete Coelho, Luiz Damasceno e Hélio Cícero, todos destrincham e mastigam com gosto, nas falas e nos movimentos, as leituras propostas por Robert Wilson e Susan Sontag.

por Denise Schnyder

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As Avós - Doris Lessing

  A escritora britânica Doris Lessing venceu, em 2007, o prêmio Nobel de Literatura, enervando milhares de pessoas que só conhecem a autora como escritora de ficção científica, gênero considerado menor, mas que Doris Lessing consegue revitalizar e preencher de questões relevantes. De qualquer modo, As Avós, se insere na primeira fase da obra da autora e apresenta com clareza sua postura libertária. Sempre prestes a repensar as estruturas sociais com argumentos densos e situações polêmicas e impensadas, Doris Lessing possui, em especial, um olhar aguçado sobre a condição da mulher. Suas personagens femininas são sempre centrais, fortes e inspiradoras em suas ousadias e mesmo em suas fraquezas e auto-limitações. As Avós se passa em uma praia onde duas antigas amigas vivem uma ao lado da outra com seus filhos. Ambos novos e bonitos em suas diferenças, os jovens acabam se envolvendo, em uma troca mútua, com a mãe do outro. O romance já começa com a trama configurada levando o leitor a diversas situações que despertam, em um fluxo contínuo, profundas reflexões sobre sexualidade, maternidade e amizade. Um livro excepcional que lança o leitor ao universo crítico e complexo de Doris Lessing.

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The Sexes - Dorothy Parker

Conhecida pelos seus poemas ácidos e femininos, Dorothy Parker, uma das autoras americanas mais famosas da década de 1920 é apresentada em The Sexes como uma excelente contista. A autora de espírito mordaz e extremamente crítica não poupa nada nem ninguém e traça um retrato fiel e irreverente da sociedade americana e do papel da mulher. Suas metáforas são certeiras e cruéis e em nenhum momento ela se poupa de suas próprias críticas. Seus poemas são excelentes, mas infelizmente não foram editados como deveriam no Brasil e poucas lojas possuem exemplares importados. Apesar disso, está coleção importada de contos da Penguin está presente em quase todas as grandes livrarias e todos os contos editados nessa coleção valem o esforço de ler em inglês. A linguagem da escritora em The Sexes é simples e direta, o que também facilita a leitura. The Little Hours é o principal conto do livro e é imperdível. O livro de crônicas “Big Loira e outras estórias” é excelente e já foi editado no Brasil, hoje está esgotado, mas vale a pena procurar pelos sebos!

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Anna Karenina - Filme de Joe Wright

    Diversas vezes adaptado para cinema e teatro, Anna Karenina, o célebre romance de Liev Tolstoi, é dessa vez adaptado por Joe Wright no filme de mesmo nome em cartaz nos cinemas. No filme o romance é destrinchado e muito bem lido pelo diretor que consegue, em 2 horas, levantar sistematicamente os principais pontos do romance russo sem deixar que a trajetória da protagonista Anna se sobreponha aos outros personagens. A constelação de famílias criada por Tolstoi é extremamente necessária para expor as contradições dos pensamentos apresentados no livro. Mais do que a discussão acerca do adultério, Joe Wright consegue mostrar os personagens dentro de suas perspectivas de classe, e com falas cirurgicamente retiradas do texto expõe as ideologias em embate na época. Personagens céticos e idealistas se chocam em diversas oposições e acabam construindo a base para os melhores momentos da peça, sempre protagonizados pela atriz Keira Knightley em suas tensões com os diversos personagens, em especial com Vronski (Aaron Taylor-Johnson) e com o marido Karenin, interpretado brilhantemente por Jude Law. Fora a atenciosa leitura do romance, as falas não pecam pela redundância e pelo clichê de sublinhar os principais trechos do romance, a forte narração de Tolstoi se impõem de uma nova maneira, nas entrelinhas, o que propicia uma nova leitura dos acontecimentos, uma leitura irônica, econômica, ambígua, gestualizada e teatral.  É numa nova linguagem que reside a aposta do filme. O diretor optou por criar uma adaptação que não compete em nada com o valor literário da obra. O teatro que Joe Wright monta para encenar sua leitura do romance é interessante ao contrapor o que é espetáculo e o que é história, as coreografias estilizadas conseguem demonstrar perfeitamente a dinâmica de cada espaço de cena e de cada conflito, as mudanças de cena são sutis e engenhosas, o teatro onde acontece as cenas de Moscou e St. Petersburgo só se afasta do movimento da trama quando as cenas do campo se apresentam, com esse distanciamento do espetáculo, o diretor apresenta a visão de que a familia campestre ainda poderia deter os valores humanos, estaria livre do teatro da sociedade. Anna, nos momentos iniciais do filme, enquanto é vestida pela criada, dança ao ler a carta do irmão e mostra gestualmente sua preocupação e excitação frente a situação que se apresenta. Na leitura teatral proposta pelo diretor é possível explicitar os contrastes que o autor russo expõem em longos trechos de reflexão e que são o trunfo do livro. Os atores parecem se distanciar de suas interpretações e concordar em tornar seus personagens roldanas para a discussão que o romancista propõem. A família que se desintegra é o verdadeiro ponto do livro, porém Tolstoi apresenta o triunfo do ideal de família burguesa no fim de sua exposição, talvez seja essa discussão que torna o romance ainda vivo em 2013. É no momento em que a trama está inscrita que a crise do idealismo começa a se manifestar em outras partes da Europa e fortes movimentos se preparam para eclodir na Rússia. O diretor consegue evocar todos esses pontos, não deixando de lado em nenhum momento as figuras que fortalecem o conteúdo filosófico e político do livro. Aqui está uma boa adaptação que não compete em brilho com a obra literária, mas fortalece sua leitura e fornece chaves para que o entendimento do romance clássico seja ainda mais forte e atento às contradições que se estabelecem entre as frágeis intenções dos personagens.

Por Priscila Gonçalves