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Ruben Östlund: “Los museos protegen obras absolutamente estúpidas”

En enero de 2005, el sueco Ruben Östlund (Styrsö, 1974) protagonizó uno de los momentos más ególatramente divertidos del cine reciente. En un acto de soberbia, decidió grabarse junto a su productor en su habitación del hotel Trump en Nueva York durante la lectura de las candidaturas a los Oscar. Su Fuerza mayor estaba en la preselección de nueve filmes, parecía fácil entrar en el quinteto finalista. Durante los primeros cinco minutos del vídeo (un éxito de YouTube), ambos comen una manzana, responden a un timbrazo en la puerta. Llega su momento y empiezan a escuchar el listado. El primer nombre que se oye es el de la polaca Ida (que semanas más tarde obtuvo la estatuilla). Ambos no se dan cuenta de que ya están eliminados (la lectura se hace en orden alfabético y el nombre de su drama era Force Majeure). SIguen atentos. "Queda una", dice el productor. Pues no, nadie dice "Force Majeure". Se abrazan: "Estamos muertos", dicen con risas circunspectas. Desaparecen de pantalla y empieza el estallido. Östlund sufre un ataque, el productor le aconseja: "Respira, respira". El director enloquece, grita. Huye. "Me bajé a Central Park, no me lo podía creer. Me habían calentado demasiado la cabeza, me veía con la estatuilla", recuerda dos años después entre risas. "Luego subí y pensé: 'Qué más da, que cuelgue el vídeo". ¿Lo volverá a hacer? "¿Lo de grabarme? Pues mira, sí. A los americanos les encantan esas historias de cenicientas, y yo aporto ese giro dramático para la próxima vez". La pregunta es pertinente porque The Square, su siguiente trabajo, ganó la última Palma de Oro de Cannes y es la gran favorita al Oscar a mejor película de habla extranjera. Y porque entre otros temas, habla del ego en el arte moderno, en un fácil paralelismo con el cine. Su protagonista, padre divorciado con dos hijos (como Östlund) es el comisario jefe de un museo de arte moderno en Estocolmo que poco a poco cae en desgracia por su papanatismo, y a través de él Östlund arremete contra la corrección política, la impostura del arte actual que se parapeta en una retórica críptica ante ataques externos, contra el miedo al otro, juega a incomodar al espectador. "Vivimos momentos absurdos, como este de la promoción de películas, ¿verdad?", cuenta relajado en San Sebastián, certamen en el que The Square participó en la sección Perlas. "Me gusta estar aquí porque así podemos hablar de Luis Buñuel, porque su visión del surrealismo en la vida diaria ha supuesto una enorme influencia en esta película. En realidad, el título perfecto para The Square era El discreto encanto de la burguesía, pero Buñuel ya lo cogió. Y Viridiana, todo lo relacionado con los pobres, y como le resuelve. ¡Qué genio! Amo la falta de sentimentalismo del cine de Buñuel. Eso mismo lo heredó mi maestro Roy Andersson , y a mí me ha influido más las charlas de Roy sobre Buñuel que las mismas películas de Buñuel". Östlund saca la metralleta cinematográfica contra el arte moderno y los museos: "Es que esas instituciones no tienen ninguna conexión con lo que ocurre fuera de ellas. Se comportan de manera protectora y elitista con obras absolutamente estúpidas. Y lo mismo pasa con el cine. Si no entiendes una película obtusa en un festival, es que eres tonto. Ya ni discutimos qué es arte". Al inicio de The Square una periodista entrevista al protagonista y le pregunta sobre qué es y no es una exposición. "Y el texto, delirante, lo saqué de un ensayo real de un profesor de bellas artes. Es como el cuento del traje nuevo del emperador. Me resulta fascinante el entramado económico que sustenta la imbecilidad del arte moderno". Para añadir más leña, The Square es el nombre de una instalación artística creada por Östlund y Kalle Boman en mayo de 2015, un cuadrado en el suelo convertido en santuario de confianza y humanidad: dentro no puede pasar nada malo. "Confiar en la sociedad es un valor fundamental en Suecia para sustentar nuestra forma de vida. Hoy en toda Europa estamos exagerando miedos al extranjero, al otro, que no son reales y nos conducen a la paranoia. Muchos medios de comunicación y partidos políticos buscan el sensacionalismo o crean un conflicto para llamar la atención". En la siguiente película, Östlund abandonará el juego de un protagonista cercano a él ("Me gusta que sea yo y a la vez no sea yo, porque así reflexiono sobre lo que haríamos cualquiera ante lo que le pasa"), pero no se alejará de su estilo cortante. "Volveré a combinar actores suecos y estadounidenses, aunque filmaré por todo el mundo. Ya tengo el guion de mi siguiente proyecto. Mi esposa es fotógrafa de moda, trabaja en ese mundo de modelos y belleza, con botox por todos lados. Y voy a ahondar en ese universo con otra jerarquía social regida por argumentos banales que comportan un valor económico. Porque la belleza es una lotería, no depende de uno. Y además, ¿quién decide si eres guapo o guapa?". Read the full article

El arte y las culturas hablan de apropiación

Se ha argumentado que la cultura misma nace de la apropiación. Sin embargo, ha habido algunos debates dolorosos y complejos recientemente sobre lo que es justo o injusto en lo que respecta a literatura, moda y arte. “Lo que subyace a la idea de la apropiación es la percepción de que algo —o alguien— está ahí simplemente para ser tomado: un estilo de vestir, un relato personal, un continente entero”, escribió Anna Holmes en The New York Times. “No siempre se puede demostrar la apropiación. Pero uno generalmente Envíe sus comentarios a: [email protected]. la reconoce cuando la ve”.

Mucha gente pensó haberla visto en un artículo editorial de Hal Niedzviecki, quien perdió su empleo como director editorial de la revista Write debido a ello. En el editorial, decía: “Cualquier persona, en cualquier lugar, debería ser alentado a imaginar otros pueblos, otras culturas, otras identidades. Incluso me atrevería a decir que debería haber un premio por hacerlo, el Premio a la Apropiación al mejor libro escrito por un autor que escribe sobre gente que no se parece ni remotamente a él o ella”. Si existiera ese premio, también podría ser necesario que hubiera una categoría para la moda, para que Chanel pudiera ingresar su búmeran de 1.325 dólares que presenta su logo de las dos “C”. Esto encendió la internet, reportó The Times, motivando a un observador a comentar en Twitter: “La apropiación cultural hoy sin duda se está volviendo costosa”. La marca de moda francesa emitió una disculpa diciendo: “No era nuestra intención faltar al respeto a la comunidad aborigen y de isleños del Estrecho de Torres y al significado del búmeran como objeto cultural”. Chanel no dejó de vender el búmeran, pero al menos nadie confundiría su lustrosa versión en madera y resina negra del arma antigua con arte, donde las líneas están más desdibujadas y son más difíciles de debatir. ¿Debería una mujer blanca pintar una imagen de un niño negro? ¿Puede un fotógrafo contar la verdad a través de su lente si está fotografiando una cultura que no es la suya? Teju Cole escribió en The Times que hay cierta responsabilidad que se asume al apropiarse de dichas cosas, al llamarla invasiva y a menudo violenta. Dijo que el argumento de que los artistas tienen la responsabilidad de contar las historias de otros es “seductora, pero errónea” y añadió: “La responsabilidad hacia las historias de otra gente es real e ineludible, pero eso no significa que la apropiación sea la forma de satisfacer esa responsabilidad. De hecho, se aplica lo opuesto: contar las historias en las que somos intrusos cómplices debe hacerse con imaginación y escepticismo”. Pero un extraño podría tener una ventaja intrínseca, escribió la autora Rivka Galchen en The Times. “Una razón por la que el arte suele surgir de mirar al exterior y no sólo al interior es que siempre estamos hablando con autoridad precaria”, escribió, “incluso cuando narramos nuestras propias experiencias, quizás particularmente cuando solo hablamos de nosotros mismos”. Citó al autor francés Gustave Flaubert y al autor ruso León Tolstoi como ejemplos de gente que ejerció tan bien la apropiación que no parece importarle a nadie. “Estar completamente en contra de tomar algo de otra cultura”, escribió Galchen, “sería condenar todo a la memoria; y de todos los géneros de la literatura, creo que las memorias merecen la reputación de ser las menos ciertas”. ROBB TODD Read the full article

El arte y las culturas hablan de apropiación

Se ha argumentado que la cultura misma nace de la apropiación. Sin embargo, ha habido algunos debates dolorosos y complejos recientemente sobre lo que es justo o injusto en lo que respecta a literatura, moda y arte. “Lo que subyace a la idea de la apropiación es la percepción de que algo —o alguien— está ahí simplemente para ser tomado: un estilo de vestir, un relato personal, un continente entero”, escribió Anna Holmes en The New York Times. “No siempre se puede demostrar la apropiación. Pero uno generalmente Envíe sus comentarios a: [email protected]. la reconoce cuando la ve”.

Mucha gente pensó haberla visto en un artículo editorial de Hal Niedzviecki, quien perdió su empleo como director editorial de la revista Write debido a ello. En el editorial, decía: “Cualquier persona, en cualquier lugar, debería ser alentado a imaginar otros pueblos, otras culturas, otras identidades. Incluso me atrevería a decir que debería haber un premio por hacerlo, el Premio a la Apropiación al mejor libro escrito por un autor que escribe sobre gente que no se parece ni remotamente a él o ella”. Si existiera ese premio, también podría ser necesario que hubiera una categoría para la moda, para que Chanel pudiera ingresar su búmeran de 1.325 dólares que presenta su logo de las dos “C”. Esto encendió la internet, reportó The Times, motivando a un observador a comentar en Twitter: “La apropiación cultural hoy sin duda se está volviendo costosa”. La marca de moda francesa emitió una disculpa diciendo: “No era nuestra intención faltar al respeto a la comunidad aborigen y de isleños del Estrecho de Torres y al significado del búmeran como objeto cultural”. Chanel no dejó de vender el búmeran, pero al menos nadie confundiría su lustrosa versión en madera y resina negra del arma antigua con arte, donde las líneas están más desdibujadas y son más difíciles de debatir. ¿Debería una mujer blanca pintar una imagen de un niño negro? ¿Puede un fotógrafo contar la verdad a través de su lente si está fotografiando una cultura que no es la suya? Teju Cole escribió en The Times que hay cierta responsabilidad que se asume al apropiarse de dichas cosas, al llamarla invasiva y a menudo violenta. Dijo que el argumento de que los artistas tienen la responsabilidad de contar las historias de otros es “seductora, pero errónea” y añadió: “La responsabilidad hacia las historias de otra gente es real e ineludible, pero eso no significa que la apropiación sea la forma de satisfacer esa responsabilidad. De hecho, se aplica lo opuesto: contar las historias en las que somos intrusos cómplices debe hacerse con imaginación y escepticismo”. Pero un extraño podría tener una ventaja intrínseca, escribió la autora Rivka Galchen en The Times. “Una razón por la que el arte suele surgir de mirar al exterior y no sólo al interior es que siempre estamos hablando con autoridad precaria”, escribió, “incluso cuando narramos nuestras propias experiencias, quizás particularmente cuando solo hablamos de nosotros mismos”. Citó al autor francés Gustave Flaubert y al autor ruso León Tolstoi como ejemplos de gente que ejerció tan bien la apropiación que no parece importarle a nadie. “Estar completamente en contra de tomar algo de otra cultura”, escribió Galchen, “sería condenar todo a la memoria; y de todos los géneros de la literatura, creo que las memorias merecen la reputación de ser las menos ciertas”. Read the full article

Una gran Oportunidad para la artista Amy Sherald: el Retrato de Michelle Obama

BALTIMORE - “Yo sólo voy a fingir que no es una gran cosa”, dijo la artista Amy Sherald, hablando en su estudio en el barrio conocido como Estación del Norte. “Pinto pinturas de personas. Y yo estoy pintando un cuadro de otra persona más “. Pero es un gran problema, ya que la persona que la Sra. Sherald va a pintar es Michelle Obama. A principios de este mes, El Nacional Smithsonian Galería anunció que había designado Sra Sherald, de 44 años, para el retrato oficial de la ex primera dama, y golpeó Kehinde Wiley, de 40 años, a la semejanza del ex presidente Barack Obama - la primera vez que una artista negra han sido seleccionada para pintar una pareja presidencial para la galería. El Sr. Wiley ya tiene renombre internacional - una pintura de ella fue vendida por $ 143.000 en una subasta y su obra se encuentra en importantes instituciones como el Museo Metropolitano de Arte.

“Un claro mágica tácito sentado”, de 2017, por Amy Sherald. Crédito Cortesía de la artista y Monique Meloche Galería Después de un inicio tardío, la Sra Sherald está empezando a despegar. Nueva del Smithsonian National Museum of African American Historia y Cultura ha adquirido una de sus piezas, al igual que el Nasher Museum of Art en la Universidad de Duke en Durham, Carolina del Norte Su trabajo se ofrece actualmente en el Museo Estudio en de Harlem influyentes “Ficciones ” exposición de las economías emergentes artistas. Y en mayo, se abrirá su primera exposición importante individual, en el Museo de Arte Contemporáneo St Louis . La comisión de esta obra de Obama es probable que la catapultar a otra liga. “Va a ser un centro de atención en ella”, dijo Paul Staiti, profesor de la Universidad Mount Holyoke que es un experto en retratos. “Ella debe abrocharse el cinturón de seguridad.” Una mujer alta, atlética en vasos con marco blanco que vive con su terrier Jack Russell-pequinés, llamado August Wilson, la Sra Sherald dijo que no se le permite hablar acerca del encargo hasta que se de a conocer en la National Portrait Gallery principios del próximo año. Tampoco quiso comentar sobre la señora Obama. Kim Sajet, el director de la Galería de Retrato, sólo se divulgó que la señora Obama y la Sra Sherald ya se han reunido sobre el retrato, que las pinturas suelen incluir múltiples sesiones y que los sujetos de este año eligidos a los artistas de unos 20 carteras presentadas por los comisarios. La primera dama tiene que aprobar personalmente la obra terminada, al igual que la junta asesora de la galería de retrato.

“Lo que es valioso dentro de él no le importa ser conocido por la mente de manera que disminuyen su presencia (All American),” 2017, por Amy Sherald. Crédito superior y superior, cortesía del artista y Monique Meloche Galería El Smithsonian planea pagar por ambos trabajos con $ 500.000 en donaciones privadas de los cuales se ha planteado hasta ahora $ 300.000. Esta cantidad cubre todo, incluyendo los honorarios de cada artista, que la Sra Sajet no especificó. Las pinturas de la Sra Sherald normalmente se venden a $ 15.000 a $ 25.000. No hay un formato prescrito para un retrato oficial, dijo la Sra Sajet, excepto que se trate de una pintura - no es una obra sobre papel - y que los artistas “sea respetuoso de la persona y la posición que ocupan.” Retratos oficiales han ido desde “altamente formal para mucho más relajado”, añadió la Sra Sajet, citando como ejemplos de Ron Sherr retrato 1994 de George HW Bush de pie en un traje y corbata a semejanza de George W. Bush de 2008, la Casa Blanca y Roberto de Anderson con una camisa de cuello abierto en un sofá en Camp David. La elección de la Sra Sherald, que por lo general representa los afroamericanos que hacen cosas de todos los días - dos mujeres en trajes de baño, un hombre con un niño - tiene un significado histórico. “Es como si estuviera diciendo: 'Que quede claro: el Presidente y yo somos los afroamericanos y con orgullo que sí”, dijo Staiti, "y estos retratos van a tener un ambiente afroamericano - que van a salir de esa tradición más bien seria. Creo que es importante y creo que es política “, agregó, en referencia a la elección de la señora Obama.

“Todas las cosas brillantes y hermosas”, de 2016, por Amy Sherald. Crédito Cortesía de la artista y Monique Meloche Galería Mientras que la Sra Sherald no podía hablar de sus interacciones con la señora Obama, la forma en que funciona generalmente ofrece ideas en su probable proceso con la ex primera dama. Invita a sus sujetos para su estudio aquí, donde los fotografía en un conjunto que ha seleccionado para ellos. O bien, dijo, ella puede ir a sus casas a “a mirar sus armarios” y fotografiarlos allí. La Sra Sherald siempre dispara sus temas al aire libre con luz natural. “Me gusta la forma en que se destacan las texturas de la piel”, dijo. La comisión representa algo así como un punto de partida para la Sra Sherald; se suele escoger los sujetos que detienen su atención en la calle, en un aeropuerto. Ella se acerca, literalmente en forma extraña. “Me pregunto cómo se sentiría acerca de esta llevando a comisiones de otras personas importantes”, dijo Staiti. “Ella está interesada en todo lo contrario; ella está interesada en lo ordinario “. La Sra Sherald dijo cuánto significa la selección a ella, cómo la señora Obama tenía gran influencia en su vida, a pesar de que no se habían reunido previamente. “Hemos estado en un nombre de pila durante ocho años”, dijo en tono de broma. “Verla hizo que mi mundo mejorara.” “Ella es un arquetipo que muchas mujeres que pueden relacionarse con - sin importar la forma, tamaño, color o raza”, añadió la Sra Sherald. “Vemos lo mejor de nosotras mismas en ella.” La Sra Sherald aún no ha comenzado el retrato de Obama, a pesar de que está previsto que se termine a finales de año. “No voy a casa para las fiestas,” dijo con una risa. Sin embargo, sentado en medio de sus tubos de pintura - sus colores manchados en platos de papel - con tres lienzos en progreso apoyado en las paredes, la Sra Sherald parecía muy tranquila en la cara de un plazo de enormes proporciones, tal vez porque se ha enfrentado a desafíos mucho más duros.

Una vista del estudio de la Sra Sherald en Baltimore. Acreditar Justin T. Gellerson de The New York Times La Sra Sherald es una sobreviviente de la insuficiencia cardíaca congestiva, diagnosticada a los 30 justo cuando estaba ganando su maestría en el Maryland Institute College of Art a esa edad y estaba entrenando para un triatlón. Ella recibió un trasplante a los 39 años. Ella interrumpió su carrera de nuevo, para tomar un descanso de cuatro años para el cuidado de sus dos familiares enfermos de vuelta en su ciudad natal de Columbus, ella perdió a su padre, un dentista, al Parkinson en 2000.; su hermano por cáncer de pulmón en 2012. Pero ella no piensa en sí misma como algo de mala suerte. De hecho, dijo que es muy consciente de los menos afortunados alrededor de ella - como niños en su propia comunidad que son el envejecimiento de cuidado de crianza. (A una cuadra de su estudio, dijo que “se puede ver a 10 adictos en un momento dado.”) Sra Sherald, que ha enseñado el arte en el centro de detención de la ciudad de Baltimore, espera darse vuelta financieramente en cuanto el pagar aun el préstamo de su escuela y poder permitirse más fácilmente su extensa medicación: 13 píldoras diferentes al día. “Cuando miro a esas personas”, dijo, “Me veo.” La Sra Sherald no está muy lejos de los días en que atendía las mesas y trabajó en un estudio sin calefacción o aire acondicionado.

La Sra Sherald pinta sólo los afroamericanos. “Existan en un lugar del pasado, el presente y el futuro”, sus temas, dijo. “Es como si algo me siento en mi espíritu más de mi mente.” Crédito Justin T. Gellerson de The New York Times Sus padres querían que ella fuese a la escuela de medicina, pero la Sra Sherald sabía que era un artista. “No me siento como he elegido para hacerlo”, dijo. “No sé qué más me da bien.” Ella comenzó con autorretratos calvas - Se afeitó la cabeza durante un tiempo - y luego se trasladó a un trabajo más fantástico que exploró la idea de circo, y la fantasía. Las influencias culturales de la Sra Sherald van desde el escritor de ciencia ficción Octavia Butler al pintor surrealista Salvador Dalí y de la película peculiar de Tim Burton, “Big Fish.” Los nombres que surgen en la conversación incluye el poeta David Whyte, el locutor de radio pública Krista Tippett - y Ralph Waldo Emerson. Con los años, la pintura figurativa de la Sra Sherald se ha convertido en un realismo estilizado - una gama de colores de piel gris salpicado de coloridas piezas de ropa en una superficie plana. Ella hace solamente cerca de 13 pinturas al año. “Es difícil para mí encontrar a la gente para pintar”, dijo. “Tiene que ser algo en ellos que sólo yo puedo ver.”

Con los años, la pintura figurativa de la Sra Sherald se ha convertido en un realismo estilizado - una gama de colores de piel gris salpicado de elementos de colores de la ropa; un plano liso. Acreditar Justin T. Gellerson de The New York Times “Existen en un lugar del pasado, el presente y el futuro”, añadió. “Es como si algo me sienta en mi espíritu más de mi mente.”, La Sra Sherald sólo pinta los afroamericanos. Habiendo estudiado historia del arte europeo, que es muy consciente de la escasez de caras negras. “No hay suficientes imágenes de nosotros”, dijo. El año pasado tuvo su primera exposición individual en Monique Meloche galería de Chicago y se convirtió en la primera mujer en ganar la competencia Outwin Boochever de la galería del retrato. Ahora bien, hay listas de espera para su trabajo. “Todo el mundo responde a sus pinturas”, dijo Meloche. “No es algo que es tan viva en estos personajes; que son muy tranquilo - pero siguen siendo muy polémica “. Read the full article

Cerro Mijares en Luciano Benetton Collection - Imago Mundi (A Shining Constant in the Artistic Sky)

Venezuela: una constante brillante en el cielo artístico Ciento cuarenta obras en las que sentimientos profundos informados por el contacto con la naturaleza, los rituales y los idiomas de una cultura oprimida pero no destruida, coexisten con aspiraciones de un mundo más justo, en el que la dignidad, la independencia, la justicia y la belleza pueden dar Mayor significado para la existencia humana. Imago Mundi rinde homenaje a la Venezuela de hoy y al valeroso ingenio de sus artistas que no se dan por vencidos, sino que se abren al mundo. Hombres y mujeres talentosos y ambiciosos evocan esa "constante brillante en el cielo artístico" y confrontan las crudas contradicciones del país, para trazar una imagen visual e imaginativa de lo que hoy en día percibe la venezolana.

Venezuela: A Shining Constant in the Artistic Sky One hundred and forty works where deep feelings informed by contact with nature, rituals and the languages of a culture that is oppressed but not destroyed, coexist with aspirations for a fairer world, in which dignity, independence, justice and beauty can give a higher meaning to human existence. Imago Mundi pays tribute to the Venezuela of today and the courageous resourcefulness of its artists who are not giving up, and instead are opening up to the world. Talented and ambitious women and men evoke that “shining constant in the artistic sky” and confront the crude contradictions of the country, to trace a visual and imaginative picture of what perceptive Venezuelaness represents today.

Buy Book: Venezuela: A Shining Constant in the Artistic Sky Read the full article

El Símbolo de la Resistencia en Venezuela #resistenciavenezuela🇻🇪 #resistencia #resistenciavzla #resistenciachaco

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Gran exposición de los artistas participantes en el proyecto IMAGO MUNDI - Luciano Benetton Collection Cerro Mijares entre los Artistas participantes | cerromijares.com #art #drawing #picture #artist #sketch #sketchbook #paper #pen #pencil #artsy

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‪José Paez son muy buenas sus obras | is very good at his work as an artist‬

Expo de Tito Graffe en Montreal

EL ALEPH en su LABERINTO | Obra para la Expo Presentación de los artistas participantes del Proyecto Imago Mundi, de la Fundación Benetton | Ensamblaje múltiples técnicas digitales cerromijares.com [email protected] #imagomundiCARACAS #CerroMijares #ArtDigital #ArtCaracas #DigitalArt #GraphicArt (en Venezuela, Caracas)

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TRIÁNGULO DE LA ROSA| Obra para la Expo Presentación de los artistas participantes del Proyecto Imago Mundi, de la Fundación Benetton | Ensamblaje múltiples técnicas digitales cerromijares.com [email protected] #imagomundiCARACAS (en Venezuela, Caracas)

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#Venezuela el 19 de Abril | cerromijares.com | #Libertad #MarchaPorLaLibertad #caracas #liberty #venezuelalibre #venezuelalibre (en Autopista Francisco Fajardo, La Carlota, Caracas.)

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Dibujos para Cerro Music - Cerro Mijares |cerromijares.com #Art #ArtLatino #ArtVenezuela #Artwork #ArtDigital #DigitalArtWork #CaribbeanArt #ArtUSA #ArtApp #iPadArt #iPadPainting #InstaArt #ArtPrint #MiamiArt #ArteDigital #ArteLatino #CaracasArt #ArtCaracas #ArtNewYork #ArtTropic #TropicArt #ArtNet #CerroMijares #VirtualArts #PinturaDigital #ArtsBase #DigitalDraw #VirtualGraphic #Arts #MediaArts

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